Além dos trabalhos com esses grupos, ele gravou os álbuns 99% Pop e More Creative Pop, além de um single solo de 1973 e, notavelmente, Fantasmagory, de 1976, o mais progressivo de todos. O primeiro álbum solo, de 1973, era mais voltado para a chanson, por isso não o incluí nesta coletânea.
Como exemplo dos estilos de biblioteca, Ralentissimo A da biblioteca Pop de 1972:
Já mencionei Teddy Lasry aqui e ali no passado, com quem ele colaborou (junto com Lubat) no álbum More Creative Pop de 1973. A impressionante Fiction Melody de Teddy é, obviamente, uma obra-prima do gênero prog, praticamente uma aula magistral de como compor rock progressivo criativo e intenso.
Do maravilhoso álbum Fantasmagory, inteiramente escrito por ele, uma obra baseada principalmente em violão, mas com acordes e harmonias interessantes, além de algumas passagens funky (como a Suíte Marciana do lado B), e influências étnicas, a faixa-título com vocais:
Menos elétrico que Alain Renaud, mas semelhante. A belíssima peça para violão solo chamada Improvisation sur Colchique sur les Prés soa muito como o clássico de Larry Coryell, o que é sempre maravilhoso.
Fiquei um pouco surpreso por nunca ter ouvido esse álbum antes, mas feliz por descobri-lo agora.
Compositor, cantor, pianista, vibrafonista, acordeonista, baterista e líder de banda de música francesa (de biblioteca).
Nascida em 12 de maio de 1945 em Uzeste, no sudoeste da França.
Note que ele participou do álbum de fusão Live in Montreaux com Engel, Louiss, etc., que está disponível aqui .
Embora informações sobre este lançamento inicial de fusão possam ser encontradas aqui .
Como seria de esperar, há aquela vibe meio maluca do início do Soft Machine (1, 2), com suas extravagâncias e devaneios psicodélicos, mas também uma quantidade considerável de música surpreendentemente bem elaborada e composta, o suficiente para fazer com que este álbum de 1971 soe mais moderno do que a sua época (pelo menos na minha opinião).
To Yasmina apresenta uma linda harmonia vocal (creio que a quatro vozes):
Track listing: Another Sad Love Song / Breathe Again / Seven Whole Days / Love Affair / Candlelight / Spending My Time with You / Love Shoulda Brought You Home / I Belong to You / How Many Ways / You Mean the World to Me / Best Friend / Breathe Again (Reprise)
26 de fevereiro de 1994, 2 semanas (não consecutivas)
Inicialmente, Toni Braxton era apenas uma das Braxtons, um grupo que formou com suas quatro irmãs. O álbum do grupo, lançado em 1990, foi um fracasso comercial, mas Toni chamou a atenção da dupla de produtores Antonio “LA” Reid e Kenny “Babyface” Edmonds, conhecidos por seu trabalho com Bobby Brown. A dupla LaFace colocou Braxton em evidência pela primeira vez na trilha sonora do filme Boomerang , em 1992. Ela participou de duas faixas, “Love Shoulda Brought You Home” e “Give U My Heart”, um dueto com Babyface. Os singles alcançaram o quarto e o segundo lugar, respectivamente, na parada Hot R&B Singles, criando a base perfeita para o álbum solo homônimo de Braxton.
“Foi tudo acontecendo ao mesmo tempo”, diz Edmonds sobre o álbum de estreia de Braxton e suas contribuições em Boomerang . “'Love Shoulda Brought You Home' era do Boomerang e, na mesma época em que fizemos essa música, 'You Mean the World to Me' foi escrita e gravada.” Esta última faixa, escrita por Edmonds, Daryl Simmons e Bo Watson, foi originalmente composta pensando em Anita Baker, diz Edmonds.
Enquanto os produtores estavam trabalhando em Boomerang , Braxton nunca se afastou muito das filmagens. "Ela era como uma irmãzinha que ficava por perto", diz Edmonds. "Terminamos aquele projeto e depois seguimos fazendo outras coisas com ela."
Embora Edmonds e Reid tenham supervisionado todo o álbum de Braxton, eles não foram os únicos produtores envolvidos no projeto. Ela também trabalhou com vários produtores e compositores promissores, incluindo Vincent Herbert, com quem Braxton coescreveu “How Many Ways”, e Tim Thomas e Ted Bishop, que escreveram “Love Affair”. Outros produtores envolvidos no álbum incluem Three Boys from Newark (“How Many Ways”), os ex-membros do Midnight Starr Melvin & Moe (“Spending My Time”) e Ernesto Phillips, que coescreveu e coproduziu “Best Friends” com Braxton.
Uma das faixas de destaque é “Breathe Again”, uma das últimas músicas escritas e gravadas para o álbum. Edmonds conta: “Enquanto eu a escrevia, ela entrou e disse: 'Essa é a música certa para mim'”. O palpite de Braxton estava certo. Em 22 de janeiro de 1994, “Breathe Again” alcançou o terceiro lugar, tornando-se o segundo single consecutivo de Braxton no Top 10. (“Another Sad Love Song” havia chegado ao sétimo lugar em novembro de 1993.)
Os singles de sucesso foram apenas o começo da ascensão de Braxton. Em 7 de fevereiro de 1994, ela ganhou prêmios de artista revelação favorita nas categorias soul/R&B e adulto contemporâneo no American Music Awards ; ela também se apresentou com a música “Another Sad Love Song” durante a premiação. Os prêmios e a exposição adicional proporcionada pela apresentação na TV foram suficientes para impulsionar o álbum Toni Braxton do sétimo lugar até o topo da parada, em sua 31ª semana. Após uma semana no topo, o álbum caiu na classificação e retornou ao primeiro lugar um mês depois, após Braxton ganhar o Grammy de melhor artista revelação e melhor performance vocal de R&B por “Another Sad Love Song”.
OS CINCO MELHORES Semana de 26 de fevereiro de 1994
1. Toni Braxton , Toni Braxton 2. Music Box , Mariah Carey 3. Doggystyle , Snoop Doggy Dogg 4. Kickin' It Up , John Michael Montgomery 5. 12 Play , R. Kelly
Os americanos, como sabemos, não são isentos de excentricidades. Geralmente são conservadores, mas adoram experimentar o inusitado. Uma dessas peculiaridades originais é oferecida à nossa atenção por um coletivo progressista de
talentos locais sob o longo nome de Snarling Adjective Convention . O grupo é formado principalmente por membros do curioso projeto Far Corner . São eles: William Kopecky (baixo; também conhecido por seu trabalho com o trio familiar Kopecky e sua colaboração com os roqueiros artísticos suecos do The Pär Lindh Project ), Dan Maske (teclados, trompete, percussão) e Craig Walkner (bateria). O restante da banda é composto pelo guitarrista Joe Kopecky e pelo instrumentista de sopro Roger Ebner, da dupla de dark mood Yeti Rain , que é liderada pelo inquieto baixista Will. Os fundadores do Snarling Adjective Convention descrevem a política de repertório para seu álbum de estreia da seguinte forma: "uma coleção impressionante de obras de arte sinistras e de vanguarda, marcadas por energia sombria e execução virtuosa. Inspirado pelo trabalho de Miles Davis da era elétrica dos anos setenta e pela obscuridade dos escultores sonoros franceses Shub Niggurath , 'Bluewolf Bloodwalk' foi concebido para o ouvinte destemido, pronto para embarcar em uma jornada musical inesquecível." Como eles mesmos dizem, nada a acrescentar, nada a tirar. Vamos analisar os pontos principais do álbum. A introdução, "Provocation", é um estudo experimental de free jazz, puro caos, ruído e fúria, desencadeado sobre a cabeça de um pobre amante da música. Fãs de vanguarda convictos certamente apreciarão isso, mas para o fã médio de prog, tal cacofonia é garantia de dor de cabeça. Em "Lunatic Engine", uma estrutura melódica mais ou menos clara começa a emergir, embora aqui também os "sadistas" da Convenção de Adjetivos Rosnadores estejam presentes. Eles nunca perdem a oportunidade de provocar o público: riffs de guitarra distorcidos e extremamente agressivos, uma seção rítmica selvagem, a influência da música eletrônica ambiente combinada com o noise avant-garde, partes de piano em alta velocidade... Meu Deus, em termos de energia e peso, esses caras deixariam qualquer metaleiro no chinelo! O jazz psicodélico sombrio de "Immaculate Risen Descents" se destaca pela presença da esposa de William Kopecky, Sofia, sussurrando sua própria poesia em francês. E então há uma inclinação para o estilo fusion progressivo com um leve toque "retrô" (o tecladista Maske traz o consagrado Hammond). "Necklace of Forever" é uma incursão pseudoétnica em uma veia neo-pop, beirando o avant-prog atmosférico; a composição é essencialmente entregue ao maestro Ebner, que tece padrões exóticos com um sintetizador de sopro. A faixa-título é dominada por tendências características de Miles, diluídas com frases de guitarra deliciosas e misturadas a um ritmo funk cativante. A passagem final, espacial e sombria, "Masks", nos presenteia mais uma vez com Sofia Kopetskaya e suas letras enigmáticas... Em resumo: um lançamento extremamente incomum e de forma alguma difícil de entender. Eu não o recomendaria para artistas conceituais de mentalidade tradicional, mas aqueles que não têm medo de explorar novos horizontes musicais provavelmente deveriam conferir "Bluewolf Bloodwalk".
Um artista sonoro é uma raridade. E garantir um artista assim como cliente fixo é, sem dúvida, um golpe de sorte para qualquer gravadora. Os executivos da gravadora americana Windham Hill Records sabem bem disso. Eles sempre valorizaram impressionistas musicais. Portanto, Alex de Grassi é especialmente favorecido pela direção da empresa. Virtuoso do violão, ele encanta os ouvintes com suas peças instrumentais imbuídas de uma magia espiritual desde o final da década de 1970. O próprio maestro admite que sua próspera carreira musical é resultado não apenas de trabalho árduo e talento, mas também, em certa medida, de sorte: após se formar na universidade, um cargo de professor de geografia do ensino médio o aguardava. No entanto, as coisas tomaram um rumo diferente, e Alex é sinceramente grato por essa reviravolta maravilhosa que sua vida deu. Esta coleção de dezesseis faixas permite que você aprecie plenamente tanto a execução soberba de de Grassi quanto seu notável talento para a composição. Segundo Alex, desde jovem, sua principal fonte de inspiração tem sido o compositor britânico Bert Jansch , um dos fundadores do grupo folk Pentangle . É provável que certas técnicas do repertório deste último tenham encontrado seu caminho para o repertório criativo do nosso herói. No entanto, tudo isso é secundário quando se trata de talento artístico genuíno. Os estudos de De Grassi são dominados pelo elemento pictórico. São impecáveis tecnicamente, mas a chave reside na entonação única de cada episódio. A paleta cintila com um arco-íris de emoções. E esse caleidoscópio vibrante de cores é verdadeiramente cativante, já que a grande maioria dos esboços apresentados no disco são executados solo por Alex. A introdução matizada de "Overland" lembra as revelações na guitarra de um Gordon Giltrap maduro (em particular, uma afinidade associativa é capturada com a passagem "Rain in the Doorway"). A maravilhosa e comovente "Causeway" encaixa-se perfeitamente em qualquer coletânea de New Age: o panorama da paisagem é visto aqui de uma perspectiva semelhante à abordagem pictórica de William Ackerman . A sutil e precisa "Clockwork" foi extraída da apresentação conjunta "ao vivo" dos mestres das artes em "Uma Noite com Windham Hill", onde os parceiros de palco de Alex por um tempo foram o falecido trompista Chuck Greenberg ( Shadowfax ), o baixista Michael Manring , o violinista Daryl Angier e o percussionista Michael Spiro.A leveza de "White Rain", a reflexão de "Cumulus", a inspiração barroca de "Luther's Lullaby" e outras composições comoventes revelam a riqueza espiritual de um verdadeiro visionário do som. Aqui, a ternura beira a tristeza, e uma visão de incrível acuidade captura a essência até nos mínimos detalhes. Cada eco gera uma nova percepção. Cascatas de pensamentos — imagens de frescor, força e pureza surpreendentes. Simplesmente ouça, veja, sinta... "Agora sou um estudante de música. Aprender é descobrir o quão pouco você sabe. Sinto que estou recomeçando todos os dias" ( Alex de Grassi ). Não é isso a felicidade? Vivam através da música, amigos.
Aquela história de "quem inventou" tal coisa nem sempre é tão objetiva e direta quanto pode parecer, ainda mais quando se trata de alguma forma de arte. A produção artística não é assim como uma criação de um bruxo ou cientista maluco que pega um ingrediente daqui, um elemento dali e "pum!", de repente, faz surgir alguma coisa do nada. Na maioria das vezes as coisas são um processo, uma série de contribuições, influências, experiências e ousadias que culminam em determinado resultado que, naturalmente, por seu caráter original em relação ao que se conhecia até então, passa a ser olhado de outra maneira e, normalmente, recebe outro nome, que o diferencia do que o antecedeu.
O rock'n roll, em especial, tem muito dessa coisa de reivindicação de paternidade. "Esse é o pai", "Aquele é o Rei", "Aquele outro é o inventor", são sentenças que costumeiramente ouve-se por aí, atribuídas a uma série de artistas que, abem da verdade, cada um à sua maneira, tiveram sua contribuição no processo de formação do gênero. A verdade é que o estilo foi se moldando, nascido, evidentemente, do blues, mas agregando uma pegada mais acelerada de determinada região, um jeito de tocar diferente de determinado instrumentista, uma nova possibilidade musical de outro estilo, até ser definitivamente batizado de rock'n roll, ali pelos anos '50. No entanto, uma das personagens que deu uma contribuição fundamental nesse processo, não costuma ter um reconhecimento proporcional à importância que tem para a construção da linguagem. Sister Rosetta Tharpe, cantora religiosa desde a infância, agregou, em suas viagens com a mãe, pelas paróquias ao longo dos Estados Unidos, estilos e tendências que ouvia em diversas partes do país e, assim que começou a ter sua própria carreira, colocou esses elementos em sua música, dando a ela um toque absolutamente singular. Embora algumas pessoas lembrem de seu nome, de sua atuação, de sua influência, é raro ver-se expressa a dimensão que Rosetta teve na consolidação dos traços características do rock. A mistura do gospel com o blues, a inserção de elementos do country, a postura de palco, o jeito de pegar a guitarra, de tocar o instrumento e o som que tirava dele, tudo isso no final dos anos 30, são itens, simplesmente, fundamentais para formar aquilo que viria a ser chamado de rock.
Recentemente redescoberta por parte do público, até pela facilidade de acesso da internet, no que diz respeito a pesquisa, garimpo e curiosidade, vem sendo reivindicado a Sister Rosetta o título de "inventora" do rock. Como comecei salientando, lá no início do texto, na minha opinião, essas construções são um crescente, um processo e, não tenho certeza de que seria justo com artistas contemporâneos a ela, que, à sua maneira também colaboraram para o resultado final que conhecemos, dar exclusivamente a ela uma coroa que tem muitos donos, tão legítimos quanto ela.
Irmã Rosetta começou a se destacar e ganhar visibilidade no final dos anos '40 cantando canções de louvação na Igreja de Deus em Cristo, mas, com seu estilo tão singular, suas inovações e por ser uma mulher tocando guitarra daquele jeito, dividia opiniões até mesmo dentro de sua comunidade religiosa. Como na época não se costumava gravar álbuns, Rosetta registrou alguns singles nos anos '40, apresentou-se em várias partes do país, e só foi lançar um álbum, mesmo, em 1956, "Gospel Train", que, embora muito "limpo", muito lapidado para soar mais acessível, e um tanto influenciado pelo blues de uma forma mais direta do que costumavam ser suas canções originalmente, não deixa dívida de quem era aquela mulher e do que ele era capaz.
O disco abre com a maravilhosa "Jericho", canção tradicional americana que ganha um arranjo pulsante no qual a guitarra de Rosetta se destaca de maneira inconfundível. "Up Above My Head" é bem blues, bem dentro daquela domesticação do som mais visceral da cantora, "Can't No Grave Hold My Body Down" é um blues também mas já faz menos concessões, mas é "Fly Away" que consegue trabalhar melhor os etpremos e mostra-se como um dos melhores exemplares da química blues+country que Sister Rosetta conseguia explorar com tanta propriedade e que seria crucial para ao desenvolvimento do rock. "All Alone", por sua vez não fica para trás, com uma estrutura muito moderna e sofisticada, além de um solo absurdo, "rasgado" da guitarrista.
Ainda que todas as canções sejam de devoção, "When They Ring The Gold Bell" e "How About You" destacam-se na forma como típicos exemplares do gospel, canções bem características de igrejas negras norte-americanas, inclusive com uma certa ênfase no órgão.
Destaque também para a bela "I Shall Know Him" com sua atmosfera dramática e para "Precious Memories" um blues charmoso com uma interpretação impressionante, de arrepiar.
O disco fecha em grande estilo com "99½ Won't Do" numa interpretação verso/resposta que antecipa uma série de tendências e possibilidades e que aquela personagem incrível já explorava de maneira tão fluída e natural.
Se aquela mulher inventou o rock eu não sei, mas que ela teve uma contribuição fundamental é algo que não tem como negar. Mas, vá lá, que tenha criado o rock. Nada mais natural que uma mulher tenha dado a vida a algo, não? Mas independente do título, da coroa, do carimbo, Sister Rosetta Tharpe, pelo pioneirismo, coragem, ousadia, qualidade, pela contribuição, pelo legado, deve estar incluída naquele nobre panteão de grandes mulheres da história.
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FAIXAS:
"Jericho" – 2:00 (Traditional)
"When they Ring the Golden Bell" – 2:27
"Two Little Fishes, Five Loaves of Bread" – 2:31 (Bernie Hanighen)
"Beams of Heaven" – 3:20
"Can't No Grave Hold my Body Down" – 2:40
"All Alone" – 2:35
"Up Above my Head there's Music in the Air" – 2:21
Vim ouvindo no carro entusiasmadamente o "Nocturne", álbum ao vivo da Siouxsie & the Banshees.
Cara, o que é aquele álbum?
Gravado no Royal Albert Hall em Londres, é outro dos que certamente figuram entre os melhores discos ao vivo da hist´ria do rock.
A "doida" introdução de Stravinsky - fantástica-, abre "Israel" que já entra com o baixo marcante e seguro de Steve Severin, no primeiro momento do disco e já dos pontos altos.
"Paradise Place" é uma pedrada agressiva e certeira. "Melt" mesmo sem os bandolins da original mantém o clima sombrio e sensual, muito graças à habilidade e técnica de Robert Smith do Cure, que participa dese álbum e curiosamente toca como jamais tocou antes mesmo na própria banda.
"Slowdive" por exemplo que tinha violino na sua versão original, nem sente falta desse elemento, uma vez que a guitarra de Smith dá conta do recado e confere mais "pegada" à canção.
Em "Cascade" o show fica por conta de Budgie que destrói com sua batida complexa e elaborada que invariavelmente aparece com grande qualidade em quase todas as faixas.
"Helter Skelter" é outro grande momento, "Nightshift" também é destaque, e "Eve White, Eve Black" introduzindo para a longa "Voodoo Dolly" é verdadeiramente sinistra e estas fecham o show e o álbum em grande estilo.
O show também resultou num filme da banda no qual se pode notar a presença de Robert Smith que, estranhamente, apesar da grande performance musical, quase não se mexe no palco. Mas ele não é dançarino, mesmo...
Gosto muito deste disco por ser ele um trabalho de transição. A passagem definitiva daquele grupo caracteristicamente punk do final dos anos 70, para uma linha mais gótica de estilo sombrio, de atmosferas obscuras, bem típico daquele início dos anos 80.
“Juju” de 1981, tem um pouco dos dois: o peso do punk rock e o clima do darkismo oitentista. Conheci o disco por intermédio da minha amiga Tânia Becker que gravou um fita cassete pra mim com o álbum na época que eu era duro demais pra comprar os LP’s. Como naquela época eu não conhecia este trabalho especificamente da discografia d banda, fiquei um tanto surpreso exatamente com isso que chamei atenção: como aquele disco era pesado, como era guitarrado, distorcido, e no entanto era completamente Siouxsie and the Banshees. Grande parte dessa ‘barulheira’ se deve é claro à guitarra marcante de John McGoech (ex-Magazine) que, se nunca foi um grande guitarrista (e não foi) sempre foi competente e inegavelmente tinha seu traço instrumental pessoal muito marcante com suas guitarras rascantes e supersonicas. Em “Juju” a banda ganhava outro acréscimo de qualidade que era toda qualidade e a técnica do baterista Budgie, que havia na verdade entrado no álbum anterior, “Kaleidoscope”, mas talvez por causa do direcionamento bastante eletrônico daquele álbum, não tivesse podido tirar o melhor de si, o que começaria, efetivamente, a acontecer em “Juju” e só melhoraria dali para a frente. Steven Severin não precisa nem falar: é de uma precisão e segurança impressionantes. Um relógio; e a Rainha das Trevas hipnotiza com seu vocal enfeitiçante, sedutor e assustador por vezes, indo da loucura à magia, do desespero ao transe em questão de segundos.
Canções como a vibrante “Spellbound” que abre o disco; a frenética “Haloween” e a distorcidíssima e “Monitor” com sua guitarra incontrolável, não negam que a veia punk continua lá firme; por outro lado a arrastada “Night Shift” e sobremaneira a macabra “Voodoo Dolly”, um show à parte de Sioux, não desmentem o caminho soturno que a banda seguiria mais enfaticamente a partir de então.
“Arabian Nights” de baixo bem desenhado e percussão marcante; “Into the Light” de estrutura toda quebrada; “Head Cut” com destaque novamente para a guitarra de McGoech; e a crescente “Sin in My Heart”, ficam num meio termo entre a sutileza e a brutalidade, entre as trevas e a luz, entre o agressivo e o belo, e igualmente merecem menção com entusiasmo.
Fiz uma pequena enquete entre amigos que como eu curtem Siouxsie and the Banshees, não exatamente para decidir que álbum destacaria aqui na seção, mas mais para ter uma noção do preferido dos fãs. De um modo geral, manifestou-se uma certa preferência pelo “Hyaena” de 1984, o que me surpreendeu um pouco, considerando que é um disco que, por certo, aprecio bastante mas que não destacaria a tal ponto. Embora seja uma discografia difícil de destacar qualquer álbum dada a regularidade dos trabalhos da banda, na verdade já estava decidido que para mim “Juju” seria o ÁLBUM FUNDAMENTAL da vez.
Mas nada impede que o “Hyaena” ou qualquer outro apareça por aqui uma hora dessas.
Terei de me contentar com as memórias das actuações no Barreiro Rocks, em 2016 e 2017, que foram ambas fantásticas. Felizmente, o que não chegou a ser adiado, foi o lançamento do terceiro álbum de originais da banda, que foi lançado no dia 27 de Março pela Lux Records.
Este poderoso trio é composto por Carlos Mendes (voz e bateria), Samuel Silva (guitarra) e Sérgio Cardoso (baixo), sendo que o álbum conta ainda com a voz de Raquel Ralha em três temas, tendo já participado no álbum anterior. Is That Real? explora muito as tendências actuais do controlo dos media, das fakenews e do sensacionalismo, sempre com um tom irónico e corrosivo.
Tendo acompanhado todo o trabalho da banda desde as primeiras músicas, atrevo-me a dizer que este é o seu melhor trabalho ou, pelo menos, o mais completo e com uma variedade sonora acima dos antecessores. Faixas como “Bring Me the Storm”, “Fake” ou “Dust Devil” têm entrada imediata no meu top de malhas da banda.
São nove faixas do melhor rock português dos últimos anos. É cru, enérgico, desafiante, sombrio e atraente. Consegue encapsular vários géneros mantendo sempre a identidade que os caracteriza desde a sua formação. É mesmo dos melhores trabalhos que ouvi este ano e é uma pena não os conseguir ver ao vivo tão cedo, que é onde eles verdadeiramente soltam a sua essência com concertos delirantes e assombrosos.
Ouçam o álbum, que está disponível em plataformas como o Spotify e, caso gostem, ponderem comprar o mesmo. Se há momentos que os artistas precisam de nós, é agora. E não se esqueçam: tal como nos é dito na “Fake”, agora o importante é ‘«keep the distance».
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