A maioria dos fãs da música cabo-verdiana sabe que seus tesouros musicais não se limitam às suaves mornas e coladeiras de Cesária Évora. Nos últimos anos, uma geração de jovens artistas tem defendido o lado mais africano de suas raízes. O grupo que iniciou esse processo foi o Simentera , fundado por Mário Lúcio , que também foi seu principal compositor. Após gravar quatro álbuns primorosos, suas vocalistas, Tété Alhinho e Terezinha Araújo, assim como Mário Lúcio, decidiram seguir carreiras solo. O trabalho aqui apresentado é o terceiro álbum solo de Mário Lúcio, embora seu primeiro lançamento internacional. E enquanto com o Simentera ele se concentrou em explorar as raízes da música cabo-verdiana do século XX, Badyo (2007) retrocede cinco séculos, aos primeiros escravos africanos trazidos pelos portugueses em sua jornada para o "Novo Mundo". Badyo é uma reconstrução ricamente imaginativa dos estilos desenvolvidos pelo grupo étnico resultante (uma mistura de populações originárias da África Ocidental e Central): coladeira, funaná, batuku, colecho, tabanka e outros. A produção e as performances são rústicas, e a voz de Lúcio é interpretada num estilo quase coloquial, resultando em melodias arrebatadoras que fazem de Badyo um álbum quase mágico.
Lista de faixas : 01. Amar Elo (Aflor) 02. Alter 03. Corre Xintidu 04. Diogo e Cabral 05. Dodu 06. Maremar 07. Maria Na Spedju 08. Goré 09. Nhu Ariki 10. Pretty Down 11. Reza 12. Santo Amado 13. Scodja 14. Simples Sample 15. Strela 16. Um Mar de Mar
O raï e o chaâbi são para a Argélia o que o reggae é para a Jamaica. Ambos são música e uma bandeira erguida em favor de uma vida mais livre, justa e, acima de tudo, mais divertida. E assim como a música rastafári, graças a Bob Marley, transcendeu a ilha caribenha para se internacionalizar na década de 1970, um grupo de músicos magrebinos vem internacionalizando esses ritmos norte-africanos há vários anos, fundindo-os com o rock e a música eletrônica. Nascido por volta de 1900 no porto de Oran, o raï sempre foi um centro de controvérsia. Significa "opinião" e é uma modernização da música amazigh, a música berbere da Argélia e do Marrocos. Nas décadas de 1960 e 70, foi modernizado e popularizado em todo o país, apesar de sempre ter sofrido perseguição e proibição. O gênero não foi bem recebido nem pelas autoridades coloniais francesas nem pelos sucessivos governos nacionais desde a independência, em 1962. De fato, sua transmissão radiofônica foi proibida até 1985. Foi a partir de então que muitos talentos nascidos em Oran, berço do raï, encontraram no exílio uma forma não só de sobreviver, mas também de dar ao gênero uma nova dimensão, fundindo-o com ritmos ocidentais. Desta nova geração, Khaled , Rachid Taha e Faudel se destacam pela originalidade e popularidade .
Em 1991, Khaled gravou seu álbum homônimo em Los Angeles, que o catapultou para o sucesso internacional graças ao produtor Don Was, que infundiu sons tradicionais argelinos com soul e funk. Conhecido em seus primeiros trabalhos como Cheb Khaled, ele abriu caminho para outros, graças ao seu enorme sucesso na França. Rachid Taha escolheu Paris como seu primeiro destino, incorporando rock, punk e dance ao seu som. Dos três, ele permanece o mais fiel ao espírito alternativo. Faudel, por outro lado, pertence a uma nova geração de cantores nascidos na França que optaram por um caminho mais comercial. Se tivéssemos que escolher um único álbum que encapsulasse essa história fascinante, que mistura tradição com modernidade, elementos ocidentais e magrebinos (onde rock, chaâbi, raï e música eletrônica se harmonizam), seria sem dúvida 1, 2, 3 Soleils . A gravação captura um reencontro histórico desses três ícones em um concerto realizado no Palais Omnisports de Bercy, em Paris, em 1998. Um álbum essencial e o ápice de um gênero que, com a reunião de suas figuras mais queridas e suas canções, encontrou nova vida além das fronteiras da Argélia. Um generoso laboratório de experimentação ao vivo, os primeiros cinco minutos instrumentais nos imergem na tradição magrebina, antes que cada canção revisite uma parte da história fragmentada e repleta de acontecimentos do raï e do chaâbi. Ao fundo, a plateia responde com aplausos estrondosos às contínuas expressões de gratidão, e a emoção de reviver uma longa tradição para as novas gerações ressoa até hoje, alcançando qualquer pessoa que queira apreciá-la, em qualquer lugar do mundo.
Hoje, Eleftheria Arvanitaki é a voz grega de maior renome internacional e a principal expoente do rebetiko, o gênero folclórico interpretado por refugiados gregos que chegaram à Grécia vindos da Turquia na década de 1920. Desde o início de sua carreira solo no começo da década de 1980, primeiro com a Opisthodromiki Kompania, interpretando diversos estilos tradicionais gregos (rebetiko, demotika, nisiotika e laika), e após o sucesso do lançamento de Kontrampanto em 1986 (com composições de Stamatis Spanoudakis, uma das obras mais inovadoras da década de 1980), sua prolífica carreira musical compreende mais de vinte álbuns solo e inúmeras colaborações. O álbum que Eleftheria gravou no início da década de 1990, Menos Ektos (Vou Ficar Fora, 1991), impulsionou sua carreira para além das fronteiras de seu país. Influenciado pela música dos Balcãs e do Leste Europeu, o álbum traçou o rumo de seu futuro; Além disso, uma de suas canções ("Dinata-Dinata") tornou-se um sucesso em toda a Europa. Com carreira consolidada na Grécia e em grande parte do continente, a cantora realizou turnês mundiais, participando da cerimônia de encerramento dos Jogos Olímpicos de Atenas de 2004, dos festivais WOMAD, Montreux Jazz e Jerusalem International Festival, e colaborou com músicos como Cesária Évora, Dulce Pontes e Philip Glass. Seu trabalho mais recente, Ke ta mátia i kardiá (Olhe para Mim, 2008), produzido por Javier Limón, incorpora sons que remetem ao flamenco, à copla e ao folclore árabe. Dynata 1986-2007 é um CD duplo contendo 27 das melhores canções interpretadas ao longo desses vinte anos (mais uma faixa inédita, "Comme Mona Lisa"). Oferece uma oportunidade maravilhosa para descobrir sua voz e sua personalidade calorosa e enérgica, bem como sua ambição de unir os ritmos gregos profundamente enraizados aos novos sons urbanos de distintos compositores e poetas gregos, fundindo-os na fusão ilimitada de sua música.
Tomasz Kukurba, Jerzy Bawol e Tomassz Lato, violino, acordeão e contrabaixo, respectivamente, são responsáveis por apresentar uma das interpretações modernas mais originais e cativantes da música klezmer (música instrumental tradicional interpretada por judeus da Europa Oriental em iídiche) em todo o mundo. "Kroke" é a palavra em iídiche para a cidade polonesa de Cracóvia. Desde suas primeiras gravações em 1992, o trio alcançou grande popularidade graças às suas apresentações em importantes festivais europeus, incluindo o WOMAD em Las Palmas e Reading, bem como em inúmeros eventos de música judaica. Nesses eventos, eles dividiram o palco com artistas como Van Morrison, Ravi Shankar, Klezmatics e Natacha Atlas, entre outros. Seus admiradores incluem atores como Ben Kingsley e Kate Capshaw, e diretores como Steven Spielberg.
Baseando-se no repertório da música tradicional e graças à sua experiência e formação em música clássica e jazz, o Kroke cria arranjos originais e improvisa. Com essa base, o grupo compõe partituras novas e únicas, alcançando um som completamente inovador dentro do universo da música judaica. Com Out of Sight , seu oitavo álbum (2009), o Kroke retorna ao seu antigo formato de trio. A ausência de bateria reforça a presença da viola, do acordeão e do contrabaixo, que assumem o protagonismo, dividindo os holofotes tanto na melodia quanto no ritmo. Out of Sight oferece facetas familiares, porém surpreendentemente novas, do universo musical do Kroke, desde as improvisações vocais de Kukurba com influências orientais, como em "Mecalakuku", até a alegre "Life As It Is" e o apelo descontraído de "A Luftmentsch". É uma música totalmente livre, imprevisível, repleta de imaginação e — o que constitui a maior força do Kroke — um senso de humor.
tracks list: 01. Medinet 02. Janitsa 03. Moondowner 04. Life As It Is (for Lena) 05. Fields of Sorrow 06. A Luftmentsch 07. Mecalakuku 08. Beyond Words 09. Desire
Em 1978, bem no auge da explosão punk, cinco caras surgiram na cena musical parecendo completamente malucos. Sua música — era mesmo música? — provocava os fãs de música tradicional com sons que usavam notas individuais como canudos em um jogo de canudos. Tudo parecia aleatório e casual. Embora a banda tenha emplacado alguns sucessos radiofônicos menores alguns anos depois, o Devo nunca tentou se aproximar da indústria musical ou dos fãs. O Devo era, e ainda é, um incômodo, e não o queridinho de todos. Eles não são homens! Neste álbum de estreia, o Devo oferece sua versão do punk, e isso acaba sendo algo digno de celebração. Em suas mentes, esse estilo é pura folia, repleto de humor absurdo, com a liberdade como força motriz e objetivo. Não é de se admirar, então, que eles entreguem uma estreia espetacular, prenhe de um som de rock bastardo, algo entre arte e pastelão, enganosamente insubstancial, e onde não deixam nada ao acaso. Não, ao contrário do que possa parecer, este álbum é meticulosamente planejado, como os movimentos robóticos da banda no palco, seus figurinos futuristas, seus olhares vazios e todos os artifícios teatrais que tentam fazê-los parecer simplórios, como sugere um de seus maiores sucessos. Nada poderia estar mais longe da verdade. Devo é uma banda com substância real, um som já comprovado inúmeras vezes e uma personalidade cativante. Não é de se admirar que Brian Eno e David Bowie tenham notado e colaborado neste álbum. A influência de Eno é a mais proeminente; a contribuição de Bowie foi mais simbólica. Mesmo assim, não se pode dizer que o gênio de Suffolk teve total liberdade para interferir nas músicas dos americanos. Como eu disse, eles tinham ideias muito claras e resistiram com unhas e dentes para impedir que seu som e personalidade fossem corrompidos. O ex-vocalista do Roxy Music só pôde adicionar alguns teclados, pouco mais. O resto ficou por conta dos caras de Akron e seu rock angular, uma mistura de krautrock, noise-pop e arte experimental. As músicas são impregnadas pela ética desiludida do cinturão industrial que também permeava outros conterrâneos de Ohio, como Pere Ubu: "Mongoloid" (note a nomenclatura politicamente incorreta) contava a história de um "batatinho" pouco conhecido que conseguiu passar despercebido no mundo heterossexual porque "usava chapéu e tinha um emprego". A trama era impulsionada por riffs de guitarra e percussão staccato, com pouca coisa para manter o ritmo old-school. Da mesma forma, "Smart Patrol", provavelmente a faixa mais regrada, quase militarista, do álbum, mostrava Mothersbaugh abraçando a vida além do Devo: a vida de um cara comum trabalhando incansavelmente para "empurrar postes em buracos".
Há muita angústia operária nesses 31 minutos curtos e intensos, mas também uma boa dose de psicodrama. Os freudianos certamente se deliciarão com "Uncontrollable Urge", uma ode hiper-rápida à combinação de frustração sexual e alívio masturbatório. Seja a introdução emocionante ou o comprometimento frenético nos vocais de Mark, esses versos iniciais me fazem gritar, rir e enlouquecer. O começo de "Uncontrollable Urge" é uma das minhas passagens de abertura favoritas, uma obra-prima de tensão e alívio: uma experiência verdadeiramente estimulante. Em "Uncontrollable Urge", o Devo consolida seu status como uma banda espetacular. A música muda de ritmo diversas vezes, alternando entre ritmos em dobro e batidas em tempo normal, antes de desacelerar para metade da velocidade nos versos iniciais do refrão. As frequentes viradas de bateria de Alan Myers, que anunciam uma iminente mudança rítmica, mantêm você na ponta da cadeira, mas quando você para e reflete sobre o que acabou de acontecer, percebe que esta é uma banda incrivelmente coesa com um domínio rítmico excepcional. A interação de chamada e resposta do refrão se dissolve em uma cascata de harmonias marcantes, conferindo à música um agradável toque melódico. "Uncontrollable Urge" é uma experiência freneticamente viciante.
For You (1978) , o álbum de estreia de Prince , lançado em 7 de abril de 1978, é uma demonstração impressionante de habilidade e técnica musical para um novato que estava a apenas dois meses de completar vinte anos. Produzido, arranjado, composto e interpretado por Prince (uma frase que se tornaria popular entre seus fãs, já que aparecia em praticamente todos os seus álbuns), é considerado um trabalho inicial promissor, mas ainda carente da faísca e do gênio com que ele conquistaria seu grande público na década de 1980.
Não contente em demonstrar seu domínio dos 23 instrumentos que tocou no álbum, ele decidiu abri-lo com uma faixa a cappella para exibir suas habilidades vocais, que acabou se tornando a faixa-título do álbum. Em " For You ", desprovida de qualquer acompanhamento instrumental, ele assume todos os vocais, adicionando camadas e mais camadas de harmonias em falsete para dar corpo a um verso premonitório: "Tudo isso e muito mais é para você. Com amor, sinceridade e o mais profundo carinho, compartilho minha vida com você."
E assim foi. Durante muitos anos, ele evitou dar entrevistas ou revelar detalhes sobre sua vida privada ou opiniões, mas foi através de suas inúmeras canções que ele conseguiu compartilhar sua mensagem e genialidade conosco. Ele começou fazendo isso com " For You", uma canção aparentemente simples que, devido ao seu formato particular, nunca desempenhou um papel significativo em suas apresentações ao vivo. No entanto, era comum ouvi-la em sua versão original, pré-gravada, como faixa de abertura de algumas de suas turnês, como fez na "Nude Tour" (1990), misturando-a com trechos vocais de outras canções, como a introdução de " Let's Go Crazy" ou a recitação da Oração do Senhor incluída em "Controversy ".
“Ela nasceu num quarto de hospital frio…” Só de ouvir essa frase, todos pensam a mesma coisa: aquela canção composta por Víctor Manuel, das Astúrias, inspirada numa história real, uma canção cuja imensa popularidade ajudou a mudar a percepção da sociedade sobre a deficiência. Víctor Manuel vinha de um longo período de relativa obscuridade quando lançou “Solo pienso en ti” (Só penso em ti) em 1978. Depois de anos um tanto marginalizado no cenário musical devido a diversos problemas com a censura e as leis vigentes, essa canção se tornou o maior sucesso de sua carreira e aquela pela qual ele é mais lembrado. O cantor asturiano a compôs inspirado na comovente história de amor de Antonio Castro e Mariluz Roldán, duas pessoas com deficiência que desafiaram os tabus da época. Para quem não sabe, Mariluz Castro Jiménez e Miguel Antonio Roldán Molero se apaixonaram graças à Promi, uma associação que apoiava os membros mais necessitados e marginalizados da sociedade naquele tempo. Um amor contra todas as probabilidades que floresceu em um casamento revolucionário e inspirador. Mariluz nasceu com uma deficiência cerebral devido a uma lesão no parto e lutou contra as adversidades desde muito jovem. A associação serviu-lhe de refúgio, permitindo-lhe encontrar novas oportunidades e uma nova vida. Antonio, que tem síndrome de Down, foi criado num ambiente rural sem acesso à educação formal e também encontrou na Promi um lugar onde recebeu o cuidado e o carinho de que precisava. Víctor Manuel contou que "Solo pienso en ti" (Só penso em ti) lhe chegou enquanto estava em Montilla, Córdoba, "esperando num motel para ir cantar em Aguilar de la Frontera. Peguei o 'Diário de Córdoba' na recepção e havia um artigo sobre uma residência em Cabra onde pessoas com deficiência de ambos os sexos viviam juntas, e sobre os problemas que surgiam. E uma foto com a legenda: 'Quando terminam o trabalho, Mariluz e Antonio caminham de mãos dadas pelo jardim.'" "'Soy un corazón tendido al sol' (Sou um coração estendido ao sol) é muito otimista, mas eu tinha muito pessimismo dentro dela. Ela engloba muita gente, uma grande população. É assim que se fazem músicas que funcionam, mesmo que você não saiba como escrevê-las." "Agora tudo parece normalizado, mas naquela época era um inferno ter um familiar ou filho com deficiência, porque você não sabia o que fazer com eles", destacou Víctor Manuel, lembrando como, quando a música foi lançada, "todas as reportagens falavam de duas crianças com problemas, e ninguém mencionava a deficiência." A linguagem politicamente correta não existia naquela época, infelizmente, porque essas pessoas não eram respeitadas e eram cruelmente chamadas de "subnormais", "retardadas mentais" ou "mongoloides". Mesmo hoje, a palavra "subnormal" é um insulto. E a contribuição de Víctor Manuel para que todos nós comecemos a respeitar essas pessoas é inestimável. Há um claro antes e depois do lançamento dessa música em termos de respeito por esse grupo.
Em poucos versos, Víctor Manuel narra toda a história de vida dos dois protagonistas: o nascimento doloroso, o sofrimento dos pais ao descobrirem suas deficiências, o abandono em internatos, suas tristezas e alegrias, sua inocência. Eles se encontram na vida adulta, se apaixonam e nada pode separá-los. "Não pode haver ninguém neste mundo tão feliz quanto eu. Só penso em você." Uma canção de amor com violinos doces e muito a revelar.
" Down Payment Blues ", incluída no álbum Powerage (1978), é uma daquelas músicas do AC/DC que, embora não tenha sido um sucesso comercial estrondoso ou um single clássico, destila tudo o que torna o grupo australiano poderoso e único. Com uma mistura de letras cruas, riffs sólidos e uma performance vocal comovente, esta canção é um retrato brutalmente honesto da luta econômica e da desilusão, bem diferente dos temas animados e festivos que muitos associam ao AC/DC .
Desde os acordes iniciais, o riff de Malcolm Young define o tom com seu minimalismo agressivo característico, acompanhado pelo baixo de Cliff Williams, que reforça essa sensação de repetição insistente, quase opressiva. A bateria de Phil Rudd, sempre simples, porém eficaz, mantém o ritmo com precisão, dando espaço aos outros instrumentos sem os sobrepujar. A guitarra solo de Angus Young surge como uma voz elétrica e plangente, rasgando o ar em cada solo, sem recorrer a um virtuosismo vazio.
A verdadeira estrela desta música, no entanto, é Bon Scott. Sua performance vocal é uma aula magistral de autenticidade. Ele canta como se realmente não conseguisse pagar o aluguel, como se estivesse preso em um ciclo de contas impagáveis e falsas esperanças. A letra diz: “Meus sapatos estão furados e estou atrasado / Blues da entrada”, uma imagem que encapsula a essência do blues em uma linguagem simples, direta e contemporânea.
Ao contrário de algumas das faixas mais sensuais ou provocativas da banda, " Down Payment Blues " apresenta um lado vulnerável, quase existencial. Não há mulheres, festas ou excessos aqui. Apenas frustração, rotina e a sensação de estar preso em um sistema onde as promessas de sucesso parecem cada vez mais distantes. Até mesmo a ideia de fuga é desmentida pela falta de recursos e opções. Essa abordagem mais sombria e realista confere à música um peso emocional raramente encontrado no catálogo mais conhecido do AC/DC .
Musicalmente, Powerage é considerado por muitos fãs e críticos como um dos álbuns mais consistentes da banda, e " Down Payment Blues " é uma peça fundamental dessa coesão. Não é uma música que clama por atenção, mas deixa uma impressão duradoura. Sua sinceridade, seu tom sombrio e seu ritmo inconfundível a tornam uma joia escondida do hard rock dos anos 70. É um lembrete de que o AC/DC , além da imagem de festas e decibéis, também sabia abordar as misérias do dia a dia com brutal honestidade e grande talento musical.
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