● Klaus Hess: guitarras, Taurus bass pedals e vocal principal
● Martin Hesse: baixo e vocal de apoio
● Manfred Wieczorke: teclados e vocais
● Peter Panka: bateria e vocal
Este é o excelente álbumao vivo do JANE. Quando o vinil duplo original foi condensado em um único CD, uma música foi cortada, infelizmente, a excelente "Daytime". Uma das músicas favoritas dos fãs da banda.
Seu Rock espacial tingido com sabores Hard Rock é bastante atraente. No mesmo nível do melhor de ELOY. A grande atração é o excelente toque de guitarra de Klaus Hess. Às vezes, as teclas também soam como as de Hensley, como durante "Hangman", que é um dos muitos destaques deste show ao vivo.
É o primeiro álbum a apresentar Manfred Wieczorke (ex-ELOY nos teclados). No site do ELOY, é dito que sua mudança se deveu principalmente a uma melhor perspectiva financeira com o JANE. Porque no momento deste lançamento, os números de vendas são realmente bons para esta banda alemã. Em poucas semanas, este álbum ao vivo vendeu mais de 100.000 cópias!
Este álbum dura quase oitenta minutos do melhor da música de JANE. É lamentável que o épico "Fire, Water, Earth & Air" tenha sido reduzida a uma faixa de apenas 4 minutos, mas essa sensação ruim será compensada pela ótima "Windows". Uma música inédita e maravilhosa. Sons totalmente Floydianos (guitarra e teclas). Sinfônica, espacial e emocional. Um destaque, é claro.
Faixas: 01. All My Friends (4:58) 02. Lady (3:38) 03. Rest of My Life (4:42) 04. Expectation (5:32) 05. River (3:51) 06. Out In The Rain (6:22) 07. Hangman (11:55) 08. Fire, Water, Earth & Air (4:00) 09. Another Way (5:41) 10. Daytime (9:41) 11. Hightime For Crusaders (5:07) 12. Windows (19:20)
No Mightier Creatures, o projeto musical de Renato Gómez, ex-guitarrista da banda de space-rock Serpentina Satélite, que já apareceu aqui no blog. Este é o seu álbum de estreia: um disco homônimo onde ele cria uma cacofonia hipnotizante e politicamente carregada de rock psicológico e garage rock. Vindo do Peru, temos um projeto interessante que, infelizmente, está sendo lançado em inglês.
Artista: No Mightier Creatures
Álbum: No Mightier Creatures Ano: 2017 Gênero: Hard Rock Psicodélico Duração: 39:35 Nacionalidade: Peru
No Mightier Creatures é o novo projeto de Renato Gómez, ex-guitarrista da banda peruana de space rock Serpentina Satélite , que já apresentamos aqui no blog. Desta vez, Renato apresenta um álbum com sete faixas e um som mais direto: rock cru com dinâmica punk, focado em ritmo e repetição. No Mightier Creatures surgiu de uma investigação sobre os nós urbanos e os vestígios de decadência nas cidades europeias. As imagens se tornaram sintomas de crise econômica, intervenção política, precariedade e fronteiras, ativando novos modos de escrita e composição. O grupo é completado por Dolmo (guitarras) e Félix Dextre (baixo), também membros da Serpentina Satélite , e Arturo Quispe (bateria), integrante da banda de psych-prog Cholo Visceral . Um ótimo álbum, cheio de energia, perfeito para começar a semana.
O álbum abre com um rosnado áspero, porém melódico, quando "Yet We Divide" chega aos ouvidos, desencadeando uma reação em cadeia repetitiva enquanto as guitarras se contorcem e giram no ritmo da percussão. Os vocais então chegam e cavalgam a fera turbulenta até o fim. Altamente contagiante e surpreendentemente viciante, é uma maneira brilhante de começar o álbum. Em seguida, "Multiply" libera um som rockabilly sombrio e psicodélico, com padrões de bateria pulsantes e linhas de baixo carregadas de reviravoltas hipnóticas em torno de fortes linhas vocais. "Springfield" gira em torno de um núcleo central construído pela instrumentação, com progressões de baixo pulsantes e guitarras esporádicas e ruidosas que levam a vocais falados com forte teor político. Então, a repetitividade das faixas anteriores começa a se quebrar com frequências graves e rítmicas, e tudo se torna mais animado. "No Light" é um chamado às armas. E passamos para a próxima faixa. Musicalmente, "Corporate Dream" funciona como uma espécie de conduto sonoro para as letras de Renato, vocalista e líder da banda, que entrega uma retórica relevante para a sociedade atual, marcada pela baixa autoestima, enquanto os instrumentos rugem e lamentam, flutuando no éter. É uma pena que as letras sejam em inglês, pois possuem substância e profundidade. "To Cross" tece habilmente linhas de baixo sombrias e ameaçadoras (aqui, é preciso dizer que o baixo está excelente) e um ritmo de bateria explosivo. Suas guitarras furiosas travam uma guerra sonora, criando um frenesi de ondas sonoras pulsantes com mais uma ótima performance vocal — extremamente envolvente, mais um destaque deste excelente álbum. A faixa de encerramento do álbum se inicia em uma bela névoa de guitarras trêmulas e linhas de baixo acompanhantes. "Take It Easy" diminui gradualmente o volume, chegando ao fim com percussão suave e vocais assombrosos. A música se constrói e se desenvolve de uma forma despreocupada, porém melancólica, criando uma atmosfera que lembra uma praia deserta e varrida pelo vento — um clima e um arranjo que encerram este álbum, que de outra forma seria fascinante.
Renato, da ótima banda peruana Serpentina Satelite, lançou um novo álbum sob o nome de No Mightier Creatures, e você pode ouvi-lo na íntegra no Soundcloud aqui: No Mightier Creatures. Segue a sinopse que recebemos sobre No Mightier Creatures: No Mightier Creatures é um novo projeto do músico e poeta peruano Renato Gomez, ex-guitarrista da banda de space rock Serpentina Satelite. Desta vez, Renato apresenta um álbum com 7 músicas destiladas com uma abordagem mais simples: rock coeso com dinâmica punk, centrado no ritmo e na repetição. No Mightier Creatures surgiu de uma investigação visual e literária sobre os nós e fragmentos da decadência urbana em cidades da Europa. Os elementos visuais se tornaram sintomas da crise econômica, da intervenção política, da precariedade e das fronteiras, inspirando novas composições e letras. O álbum foi gravado em Lima, Peru, com os ex-companheiros de banda do Serpentina Satellite, Dolmo (guitarra) e Felix Dextre (baixo), e com Arturo Quispe (bateria), membro da banda de rock psicodélico Cholo Visceral. O disco estará disponível para download a partir de 10 de fevereiro no Bandcamp. O lançamento físico acontecerá ainda este ano.
está disponível na página deles no Bandcamp ; recomendo que você dê uma olhada e espero que goste. Para ficar por dentro das novidades do No Mightier Creatures, siga o projeto na página oficial de fãs. Todas as informações de contato da banda estão listadas abaixo.
Lista de faixas: 1. Yet We Divide 2. Multiply 3. Springfield 4. No Light 5. Corporate Dream 6. To Cross 7. Take it Easy
Após explorar sons sintetizados e o pop-rock dos anos 80 em seus trabalhos anteriores, no início dos anos 90 Plant decidiu olhar para trás para seguir em frente, e o resultado foi um álbum profundamente orgânico, lírico e socialmente consciente. "Fate of Nations é o sexto álbum de estúdio do cantor de rock britânico Robert Plant, lançado em 1993 pela Es Paranza em alguns países e distribuído em outros pela Fontana Records. Para este álbum, Plant optou por incluir diversas características musicais que nunca havia explorado em seus trabalhos anteriores, como rock alternativo e toques de música acústica. Além disso, pela primeira vez, ele escreveu letras sobre descontentamento e consciência social, e dedicou a canção 'I Believe' como uma homenagem ao seu falecido filho Karac, na qual relata como conseguiu lidar com a tragédia. De acordo com o AllMusic, todas essas qualidades fazem dele um dos trabalhos mais íntimos de sua carreira." Este é um dos pontos mais altos e maduros da carreira solo de Robert Plant. Para alcançar essa sonoridade rica, ele se cercou de músicos excepcionais.
Artista: Robert Plant Álbum: Fate of Nations Ano: 1993 Gênero: Progressive Crossover / Rock Alternativo Duração: 58:53 Referência: Progarchives Nacionalidade: Inglaterra
Lançado no auge do grunge e do rock alternativo, "Fate of Nations" destaca-se por seu distanciamento das tendências da época. É um álbum introspectivo onde Plant expressa preocupação com o destino do mundo (daí o título), a ecologia e a espiritualidade. A própria capa, que retrata a Terra derretendo diante dos olhos de duas crianças, já prenuncia a consciência social e ambiental que permeia toda a obra.
Para a gravação, mais de vinte músicos foram contratados, incluindo o guitarrista do Cutting Crew, Kevin Scott MacMichael, a vocalista do Clannad, Máire Brennan, Maartin Allcock e três músicos indianos, que contribuíram para as diversas faixas. Em 2007, o álbum foi remasterizado pela Rhino Records com cinco faixas adicionais, incluindo versões acústicas de "Great Spirit" e "Dark Moon", e a canção "Colours of a Shade", que havia sido incluída como a oitava faixa no lançamento original, mas apenas em alguns países, como o Reino Unido. Após o lançamento, o álbum alcançou diversas posições nos mercados globais. No Reino Unido, chegou ao 6º lugar na parada de álbuns, tornando-se o primeiro álbum da banda desde *The Principle of Moments* a entrar no top 10. Além disso, no início de junho de 1993, recebeu o certificado de prata no Reino Unido após vender mais de 60.000 cópias. Nos Estados Unidos, alcançou apenas a 34ª posição na Billboard 200, tornando-se o primeiro álbum da banda a não entrar no top 20 dessa parada. Apesar disso, em dezembro do mesmo ano, a associação da indústria fonográfica americana (RIAA) certificou o álbum como disco de ouro após vender mais de 500.000 cópias.
Musicalmente, este é o álbum em que Plant se reconcilia mais abertamente com o espírito do Led Zeppelin , mas não através do hard rock pesado, e sim através do folk místico, do blues acústico e da psicodelia. Vamos ao primeiro comentário sobre o álbum...
Falar de Robert Plant é falar de um dos vocalistas mais influentes e respeitados da história da música, seja por sua carreira com o Led Zeppelin ou por seu trabalho solo. Embora seus álbuns com a banda principal sejam um tanto distantes no tempo, em 1993, Robert Plant conseguiu criar um álbum verdadeiramente incrível, que recapturou a magia emanada do trabalho de seu gigantesco grupo. Intitulado Fate of Nations, o álbum apresenta uma lista de composições sublimes, muitas das quais se tornaram verdadeiros clássicos no repertório de Plant. O álbum abre com "Calling to You", uma introdução soberba que remete aos anos 70, quando Plant emprestou sua voz ao Led Zeppelin. Robert sempre foi atraído por sonoridades étnicas, e essa faixa demonstra esses elementos. "Down to the Sea" segue o caminho traçado pela faixa anterior, com momentos de rock intercalados com outros mais acústicos e influenciados pelo folk. "Come Into My Life" é uma faixa de andamento médio bastante densa, com excelente instrumentação, embora os vocais pudessem ser aprimorados, pois soam um pouco repetitivos. "I Believe" é uma das joias mais preciosas do álbum, uma canção intimista, entre uma balada e uma música de ritmo moderado, perfeita para ouvir quando a escuridão da noite envolve o ouvinte. Belíssimos violões e guitarras elétricas, além de encantadoras melodias vocais. O que se segue só aprimora o que veio antes, o que é uma grande conquista, considerando o nível demonstrado nas primeiras músicas. É "29 Palms", uma composição com claro apelo comercial, apresentando uma ótima combinação de guitarras elétricas e acústicas, e versos e refrões que ficarão na sua cabeça por muito tempo. Continuamos com "Memory Song" e um riff que nos acompanha durante toda a canção. Em seguida, ele se dedica a uma magnífica adaptação de uma música de Tim Hardin, "If I Were Carpenter", e o resultado final não poderia ser melhor. Linda e harmoniosa, a canção também conta com uma bela seção de cordas. Continuamos com "Colour of Shade" e seu ritmo lento guiado por violões, que servem de base para a voz prodigiosa de Robert Plant. Com "Promised Land", retornamos ao lado rock de Plant, em uma canção adornada com ótimos riffs de guitarra e momentos estelares com gaita, alcançando um som bastante "alternativo". "The Greatest Gift" traz de volta o lado mais belo e intimista de Plant, e fica claro do início ao fim que ele buscou o equilíbrio perfeito entre a potência bruta de sua voz e os riffs elétricos, com o alívio dos violões e a beleza dos arranjos de cordas. Digamos que essas palavras definem o que podemos encontrar neste álbum. As duas últimas faixas do álbum, "Great Spirit" e "Network News", respectivamente, encerram esta obra com força, a primeira com uma atmosfera mais espiritual e a segunda com guitarras elétricas afiadas como navalha, mas sem esquecer os inúmeros elementos sonoros que Plant sempre utiliza para embelezar suas composições. Fate of Nations é uma obra brilhante e muito bem equilibrada, com a maioria das músicas atingindo o nível de pura excelência. É uma pena que álbuns como este não tenham um impacto maior em um público mais amplo, especialmente considerando que não se trata de um artista desconhecido, mas sim do ex-vocalista de uma das maiores bandas da história... claro, a falta geral de conhecimento musical e cultural entre a maior parte da população é um dos vírus mais catastróficos que existem hoje. Minha nota: 9
É um álbum elegante e bem produzido, com um equilíbrio perfeito entre a nostalgia do folk dos anos 70 e a sofisticação dos anos 90. Para muitos críticos, é sua obra-prima solo. E agora, o comentário final sobre esta grande obra musical.
O sexto álbum de estúdio de Robert Plant foi lançado em 25 de maio de 1993. Após este álbum, ele não lançaria outro trabalho até 2002. "Fate of Nations" não alcançou o sucesso comercial de alguns de seus outros álbuns, mas é uma obra importante para Robert Plant como artista. A capa do álbum "Fate of Nations" apresenta o cantor Robert Plant. Até então, o cantor talvez ainda estivesse sob a longa sombra do Led Zeppelin, e embora ouvisse uma variedade de músicas, da eletrônica a bandas dos anos 1960 como Traffic, Jefferson Airplane, Tim Hardin, etc., ele deu o salto de seguir a tradição dessas bandas para cantar sobre histórias e compor canções em um estilo tradicional, quase prosaico. Além disso, Robert Plant também tinha grande interesse e era influenciado pela música mundial, especialmente a música árabe e marroquina, que também permeia o espírito deste álbum. É uma obra onde finalmente vemos o artista como um artista solo, maduro e compositor, onde ele respira liberdade e um senso de realização profissional e — eu diria — espiritual. O álbum ostenta uma longa lista de colaboradores impressionantes, com o violinista Nigel Kennedy tocando na faixa de abertura, "Calling to You", e Maire Brennan (Clannad) em "Come to Life", para citar apenas duas faixas com participações especiais de estrelas. Os vocais de Robert Plant são magníficos: poderosos, melódicos e uma voz poderosa para emoções delicadas, como na faixa "I Believe", dedicada ao seu falecido filho, Karac. "Fate of Nations" é injustamente subestimado por muitos e frequentemente visto como o trabalho mais introspectivo, reflexivo e "sociopolítico" de Robert Plant. No entanto, na minha opinião, ele demonstra incríveis habilidades vocais e de composição, onde Plant atingiu outro nível de maturidade como letrista. O álbum supera qualquer um dos lançamentos subsequentes de Page/Plant e é indiscutivelmente a joia da coroa da carreira solo de Robert Plant. Em conclusão, acho que este álbum merece mais atenção e reconhecimento. Altamente recomendável, oferece uma experiência auditiva íntima e prazerosa. Procure-o se ainda não o tem e ouça.
Lista de faixas: 1. Calling to You (5:48) 2. Down to the Sea (4:00) 3. Come into My Life (6:32) 4. I Believe (4:32) 5. 29 Palms (4:51) 6. Memory Song (5:22) 7. If I Were a Carpenter (3:45) 8. Colors of a Shade 9. Promised Land (4:59) 10. The Greatest Gift (6:51) 11. Great Spirit (5:27) 12. Network News (6:40)
Formação: - Robert Plant / vocais, co-produtor Com: - Maire Brennan / vocais (3) - Julian Taylor / vocais de apoio (4) - Steve French / vocais de apoio (4) - John Flynn / vocais de apoio (10) - Kevin MacMichael / guitarra (todos), vocais de apoio (4) e harmonia (15) - Oliver J. Woods / guitarra (2.6) - Francis Dunnery / guitarra (3.9) - Richard Thompson / guitarra (3) - Doug Boyle / guitarra (5.12) - Robert Plant / guitarra (9), vocais de apoio (11) - Rainer Ptacek / guitarras elétrica (13) e steel guitar (16) - Martin Allcock / bandolim (7.8), guitarra, baixo e gaita de foles Aeoleon (8) - Phil Johnstone / piano (4), órgão (9), piano elétrico (10,11), sintetizador (12), vocais de apoio (11), co-produtor - Phil Andrews / teclados (6) - Nigel Kennedy / violino (1) - Nawalifh Ali Khan / violino (12) - Phil Johnstone / harmônio (3) - Nigel Eaton / gaita de roda (3,4) - Gurdev Singh / dilruba e sarod (12) - Surjit Singh / sarangi (12) - Charlie Jones / baixo (todos) - Pete Thompson / bateria (1,3,10,11) - Chris Hughes / bateria (2-5,7,9,10,12), gaitas de foles Aeoleon (8), co-produtor - Michael Lee / bateria (6,12) - Chris Blackwell / bateria (9) - Lynton Naiff / arranjos de cordas (7,10)
Retornamos ao underground peruano dos anos 70 para apresentar o rock psicodélico com sonoridades latino-americanas do Telegraph Avenue. Guitarras elétricas e congas em um rock psicodélico cantado em inglês, mas com um forte sabor da música produzida nesta parte do mundo. Eles foram um dos primeiros grupos de rock latino-americanos a utilizar elementos e instrumentos indígenas em sua música, o que criou um contraste marcante com suas letras em inglês. Sua história, como a de muitos outros grupos latino-americanos da época, foi marcada pela situação política e pelas ditaduras militares, um obstáculo adicional à luta com as gravadoras para obter reconhecimento para seu trabalho... Apresento a vocês um tipo diferente de rock psicodélico para adicionar à nossa retrospectiva da história do rock latino-americano.
Artista: Telegraph Avenue
Álbum: Telegraph Avenue Ano: 1971 Gênero: Rock Psicodélico Duração: 31:36 Nacionalidade: Peru
Originária de Lima, a banda foi fundada por Bo Ichikawa em 1970 e retornou ao Peru após uma viagem de seis meses aos Estados Unidos. Lá, seus integrantes mergulharam em comunidades hippies e voltaram para o Peru influenciados por suas ideias e música. Consequentemente, a música da banda é permeada pelo movimento "flower power", e eles criaram um belo som de rock psicodélico incorporando diversos motivos latino-americanos, embora cantassem em inglês. Seu álbum de estreia foi lançado em 1971 e se tornou um sucesso no Peru, sendo também lançado nos Estados Unidos.
Telegraph Avenue foi uma banda de rock peruana que fundiu ritmos psicodélicos e latinos. Lançaram dois álbuns, sendo o primeiro, de 1971, um grande sucesso. "Something Going" e "Happy" são suas canções mais emblemáticas e chegaram às paradas da Billboard. Também eram conhecidos pelo estilo hippie, refletido em suas roupas típicas da época. Seu segundo álbum, lançado em 1975, recebeu pouca atenção porque o governo da época havia proibido a música rock. Em 2011, fizeram um dos retornos mais aguardados.
Wikipédia
Após o lançamento do álbum, Bo Ichikawa decidiu dar uma pausa nas atividades do grupo, e dois de seus integrantes (Alex Nathanson e Walo Carrillo) formaram o Tarkus , uma banda lendária de rock progressivo absoluto, da qual tentaram, sem sucesso, alcançar algo ainda, embora na época não tenham obtido muito êxito e retornado às raízes da Telegraph Avenue, onde nasceram.
O álbum de estreia do Telegraph Avenue demonstra o nível excepcionalmente alto do rock peruano em 1971, época em que grupos psicodélicos como Traffic Sound e Laghonia estavam desaparecendo da cena e Pax, Tarkus, El Polen e Zulu assumiam o protagonismo com seus novos projetos. Embora este álbum se inspire em fontes semelhantes de psicodelia e rock latino, suas raízes estão intrinsecamente ligadas ao fim do Los Doltons, um grupo de beat cujo vocalista, César Ichikawa, viajou para os Estados Unidos no início de 1969, assistindo a shows de bandas como The Doors, Jefferson Airplane, Santana e Jimi Hendrix, entre muitas outras. O álbum foi um sucesso imediato e esgotou rapidamente em todo o Peru, graças às constantes turnês da banda fora de Lima e ao design atraente de sua capa. Todas as músicas do álbum são tão boas que também foram lançadas como singles.
O grupo alcançou um sucesso considerável, chegando a fazer turnês pelos Estados Unidos. Em 1975, lançaram seu segundo e último álbum antes de desaparecerem por muitos anos.
A Telegraph Avenue "retornou" em 2011, com uma nota e uma menção. Não sei muito sobre isso, então estou apenas compartilhando a postagem para vocês lerem.
Aqui estão alguns comentários de terceiros para ajudar você a se aprofundar na proposta da banda, outra relíquia que não queremos que se perca na névoa do esquecimento.
Telegraph Avenue foi uma banda de rock and roll que apresentou doses generosas de rock psicodélico com fortes influências da era hippie, de 1969 a 1976. Tarkus, outra figura chave na música psicodélica latino-americana do início dos anos 70, surgiu desse grupo. Com a ascensão do movimento hippie, culminando em Woodstock, Bo Ychicawa, um jovem peruano, viajou para o sul dos Estados Unidos, especificamente para São Francisco. Ele ficou cativado por tudo ao seu redor e, ao retornar, decidiu chamar alguns amigos para formar uma banda, incorporando todos os elementos que havia experimentado. Foi assim que nasceu o Telegraph Avenue, juntamente com Alex Nathanson, Walo Carrillo e Chachi Lujan. O grupo rapidamente conseguiu um contrato com uma gravadora, gravando dois álbuns em 1971 e 1975. Suas gravações não foram tão bem-sucedidas quanto esperavam, devido à falta de recursos. Simultaneamente à gravação do primeiro LP, Alex Nathanson juntou-se à banda como vocalista oficial, juntamente com um novo guitarrista, Germán Cabieses. Os álbuns eram cantados em espanhol e sua música era um rock muito doce, inspirado no movimento hippie. Da Telegraph Avenue surgiu o Tarkus, outra grande banda de rock peruana. Pouco depois de gravar o segundo álbum, a banda se separou, deixando seu nome como um dos pioneiros do rock peruano. Mais tarde, o grupo se reuniu para algumas apresentações...
E aqui está nosso amigo Jimi Hendrix, que nos conta o seguinte...
Esta é uma coleção de alta qualidade de faixas geralmente muito divertidas e fáceis de ouvir, entre as quais "Something Going" e "Happy" se destacam e chamam bastante a atenção. No entanto, o restante do álbum é igualmente impressionante, oferecendo uma coleção geralmente agradável de músicas que seguem consistentemente a mesma fórmula de melodias cativantes com características distintas que conferem um ar melancólico a toda a produção. É um som de rock psicodélico muito agradável que se inspirou fortemente na era hippie de São Francisco e a adaptou a um estilo peruano, incorporando alguns elementos instrumentais típicos da região. Ao reinterpretar esse espírito através da lente criativa da banda, o resultado é claro: um som com estilo próprio e único que chamou a atenção em sua época. É um pop-rock psicodélico com influências da psicodelia de São Francisco e da música tradicional peruana, tudo elaborado com o estilo artístico único da banda. Apresenta baladas doces, canções de amor e sons melancólicos, bem como faixas animadas e músicas de rock com ótimas guitarras distorcidas e riffs. As músicas são sempre cantadas em inglês, e tudo se encaixa na atmosfera melancólica ou decadência melancólica já estabelecida pela banda. A influência psicodélica da Costa Oeste vem do fato de o guitarrista da banda, Bo Ichikawa, ter morado em São Francisco por seis meses pouco antes da formação do grupo. Lá, ele mergulhou na cultura local, na arte, nos movimentos psicodélicos, nos estilos de vida da época e, claro, no rock que estava sendo produzido na região naquele momento. Em 1970, logo após retornar ao Peru, Ichikawa participou da formação da banda que ficaria conhecida como Telegraph Avenue, nomeada em homenagem à famosa avenida de São Francisco de mesmo nome. Depois de ser expulso do Los Holy's em 1969, Walo Carrillo, junto com Bo Ichikawa (primo de César Ichikawa, do Los Doltons), formou a espinha dorsal do grupo. Logo depois, juntaram-se a eles Jerry Lam, baixista vindo do Los Belking's, e Chachi Luján. No entanto, Jerry Lam logo saiu e foi substituído por Alex Nathanson, completando assim a banda. Cada membro contribuiu com suas próprias canções e, tendo a cena rock de São Francisco como princípio orientador, eles capturaram suas ideias em seu primeiro álbum. Em julho de 1971, o álbum de estreia autointitulado do Telegraph Avenue foi lançado no Peru e se tornou o álbum de rock mais vendido do ano. Este primeiro álbum alcançou ótimas vendas naquele ano e era muito conhecido em todo o Peru. Durante esse período, eles compuseram mais de vinte canções, como "Fee", "Hello Miss Moo", "People See Me Crying" e "Seeding on the Wind", entre outras que nunca foram gravadas. Após o lançamento do primeiro álbum, Walo Carrillo foi preso, levando seus companheiros de banda a acreditarem que ele não retornaria. Eles decidiram encontrar um substituto. Ao retornar, Carrillo, surpreso ao descobrir que havia sido substituído, decidiu embarcar em outro projeto. Em 1972, Alex Nathanson e Walo Carrillo, juntamente com dois músicos argentinos, formaram a banda Tarkus, uma das primeiras bandas de heavy metal da América Latina. Em 1971, o Telegraph Avenue se separou temporariamente, retornando apenas em 1975. A formação na época era composta por Bo Ichikawa, Alex Nathanson, Chachi Luján e Walo Carrillo, que foram acompanhados pelo guitarrista Germán Cabieses. Esse retorno passou praticamente despercebido. Eles lançaram um segundo álbum, Telegraph Avenue Vol. 2, e fizeram apenas alguns shows ao vivo. Depois disso, Chachi e Germán se mudaram para o exterior. Assim, culmina uma era brilhante considerada por muitos como a Era de Ouro do rock peruano, um período seguido por conflitos sociais e políticos em que praticamente ninguém voltou a gravar até a década seguinte.
Lista de faixas: 1. Something Going 2. Happy 3. Sweet Whatever 4. Lauralie 5. Sungaligali 6. Let Me Start 7. Sometimes In Winter 8. Telegraph Avenue 9. It's OK (faixa bônus)
Formação: - Bo Ichikawa / Guitarra, gaita, xilofone, piano, voz - Alex Nathanson / Baixo, violão, clavinet, piano, voz - Walo Carrillo / Bateria, percussão, maracas, pandeiro, voz - Chachi Lujan / Guitarra elétrica, bongôs, congas, piano, voz
Mais um álbum (quase) desconhecido e altamente recomendado, perfeito para começar a semana com o pé direito. Da Noruega (novamente) vem este álbum formidável que, assim como o primeiro lançamento do projeto, abrange todos os estilos: rock progressivo puro, jazz, vanguarda, uma atitude metal, RIO, a profunda sabedoria das tradições folclóricas e as mensagens apaixonadas de uma voz soberba. Apresentamos ao público o segundo álbum do Shamblemaths (e lembrem-se que, há muito tempo, o mago Alberto apresentou sua estreia aqui). Outro álbum incrível, quase perfeito em composição (apesar de sua complexidade sinfônica e ampla gama dinâmica), performance e engenharia de som. Se você ouviu e se impressionou com o primeiro álbum deles, aqui está a continuação... e se você ainda não os ouviu, está na hora de ouvir e começar a se impressionar de uma vez por todas.
Os dois membros permanentes da banda, Ellingsen e Husum, continuam com o projeto Shamblemaths e gravaram seu segundo álbum, novamente com a ajuda de vários músicos convidados. O resultado final foi o álbum "II", simplesmente intitulado "II", lançado em 2021. Para apresentá-lo, usamos a resenha que Mago Alberto escreveu sobre o primeiro álbum da banda, pois se aplica perfeitamente a este também...
Quando os planetas se alinham, ou quando algum fenômeno além da nossa percepção ocorre, é aí que coisas como esta acontecem. Esta dupla norueguesa certamente foi produto de uma dessas situações. Se você é um amante da música, este álbum merece ser emoldurado. É uma obra que surpreenderá seus ouvidos, uma peça completamente desconstruída. Três faixas, subdivididas em submúsicas no melhor estilo de Oldfield ou Pink Floyd , mas com todas as características de uma mistura de progressivo, avant-garde ou o RIO mais experimental, tudo com vocais superlativos, guitarras belíssimas, solos de saxofone totalmente inesperados e efeitos de teclado emocionantes. Absolutamente nada falta aqui. Este é um álbum transbordando música, até mesmo na capa, uma verdadeira obra-prima musical, um álbum que exige mais e mais, que incentiva a audição contínua com aquela magia viciante que só os melhores álbuns produzem. Quase uma hora de música que vai relaxar sua mente. O álbum começa com refrões típicos de algumas bandas norueguesas de metal extremo, mas a coisa só engrena de verdade aos 2:29, então preste atenção. É perfeito para aqueles dias em que você está encarando centenas de arquivos de música no seu monitor e não tem a mínima ideia do que ouvir, o que vai te animar. Então não se esqueça do SHAMBLEMATHS; esses caras sempre estarão esperando por você. Uma menção especial para a voz de Elliingsen, um pequeno gênio em ascensão que também é responsável por quase 90% do que você ouvirá. Ele não apenas canta; ele toca guitarra, saxofone, cítara e todos os teclados, e é evidente que ele absorveu jazz, rock progressivo e todos os outros ritmos que existem. O timbre da sua voz, o trabalho que ele fez com seus próprios vocais de apoio e, principalmente, seu estilo são realmente impressionantes, então qualquer coisa em que Elliingsen esteja envolvido definitivamente merece sua atenção. Mais uma joia escondida neste blog, pouco conhecido, mas que vale a pena conhecer. Para ouvidos ambiciosos e experientes, é uma leitura prazerosa, pois não decepciona.
Mago Alberto
Este álbum é um turbilhão de alegria, rock progressivo excelente, desafiador e eclético, com algumas tendências vanguardistas. Na minha opinião, este é um dos álbuns mais impressionantes que ouvi nos últimos tempos e o recomendo fortemente.
A dupla norueguesa Simen Ellingsen e Eirik Husum criou um daqueles álbuns que, na minha opinião, agrada a todos os fãs de rock progressivo. Ele apresenta muita variedade e atmosferas excelentes. Temos três longas suítes distribuídas ao longo dos 56 minutos deste álbum.
Sediado em Trondheim, Noruega, este duo é formado por Simen Å. Ellingsen (doutor!) [guitarras, saxofones, vocais] e Eirik M. Husum [baixo]. Formado em 2004, ainda como estudantes, com o nome de Fallen Fowl, lançaram algumas demos e um EP gravado antes de Ellingsen partir para Londres para cursar pós-graduação. Foi somente em 2016 que lançaram seu álbum de estreia, Shamblemaths, influenciado por bandas como Magma, Univers Zero e Egg. O álbum conta com a participação de diversos músicos convidados, principalmente Eirik Øverland Dischler nos teclados e Jon Even Schärer na bateria. Husum é conhecido por seu trabalho com grupos diversos como Svermere (folk, jazz), Garden Of (prog metal, com Schärer), o Trondheim World Music Ensemble e a Strindens Promenade Orchester (dixieland). Ellingsen possui dois doutorados em Filosofia, um em Física Quântica e um em Ciência Política, além de ser professor associado de mecânica dos fluidos. Tal currículo, dizem, é irrelevante para sua música, mas eles não deixam de enfatizá-lo em seu site. A colaboração que deu origem ao Shamblemaths começou como um projeto paralelo do TiaC, banda ativa entre 2002 e 2005. A faixa "Stalker", incluída no álbum, foi originalmente composta pelo TiaC e só agora foi gravada. Um grupo que vale a pena considerar, ao menos pela peculiaridade de suas influências: Zeuhl, RIO, Canterbury, "prog metal", e pela qualidade de seus músicos.
é uma obra-prima do rock progressivo contemporâneo. Um álbum imperdível — inteligente, altamente imaginativo e com uma musicalidade arrebatadora que certamente vai te impressionar. Eu disse: imperdível!
Anteriormente conhecida como Fallen Fowl, a dupla Shamblemaths surgiu na cena progressiva norueguesa com um álbum de estreia independente em 2016. Três faixas, com durações de 27, 10 e 20 minutos, deixaram claras suas intenções retrô, gerando interesse na comunidade internacional (que demonstra genuíno interesse por esse tipo de banda, bem diferente do que é frequentemente comercializado como "prog"). Da formação original, apenas Simen Å. Ellngsen permanece, assumindo todos os instrumentos, como saxofones, guitarras, teclados e vocais. Ele é acompanhado por Ingvald A. Vassbø (bateria), Eskild Myrvell (baixo) e Paolo "Ske" Botta (teclados), entre outros. A banda também conta com o apoio da gravadora Apollon Records. Eles exploram o prog sombrio e distorcido, aprofundando ainda mais suas influências declaradas: Magma, Egg e Univers Zero. A introdução "Måneskygge" (1'05) não destoaria em uma reflexão de Coltrane em seu período livre. Mas, como uma debandada de mamutes, "Knucklecog" (9'56) mergulha na toca do leão, pronta para esfolar qualquer criatura viva. Teclados vintage, passagens sombrias de Mellotron e um órgão Hammond que range como a tampa de um velho caixão, uma seção rítmica insana com compassos picassianos, vocais mentalmente perturbados... Um forte desejo de se destacar com um toque de raízes sinistras dos anos 70 (Shub Nightgurath, Univers Zero), e este crítico está encantado com a proposta. Labirintos de escuridão instrumental exigem atenção. Uma paisagem sonora densa e sombria. Isso sim é death metal. Ao mesmo tempo, o saxofone forma uma notável âncora de jazz de vanguarda. Mais próximo de Zeuhl do que de Canterbury. Um caos cacofônico à la Mooger e um turbilhão carmesim numa câmara de tortura. "DSCH (Opus 110 Quarteto de Cordas nº 8 em Dó Menor, movimentos 1-2) Amigo Imaginário" (6'24) continua a liberar sua imaginação sem limites, agora ancorada em um crepitar clássico de órgão e um saxofone agonizante. Imagine Sun Ra encontrando Egg, para ter uma ideia. Uma soprano feminina completa atmosferas que lembram Hammer ou Jess Franco. Uma guitarra histriônica irrompe, seguida por todos em um espetacular sabá de bruxas. Bruxas de Zuragamundi em um êxtase progressivo narcótico, cheio de frenesi e luxúria. Uma maravilha absoluta que as teria levado direto para a fogueira em uma audição inquisitorial. "Lat Kvar Jordisk Skapning Teia" abrange, em suas 9 partes, cerca de 20 minutos de bacanal decadente em desordem moral e psicológica. Música verdadeiramente aterrorizante, sem nenhuma bobagem infantil de metal. Com mais de uma conexão com Anglagard ou All Traps on Earth. Se Se você ainda tiver energia sobrando — porque eles realmente impressionam — "Been and Gone" (2'13") é como uma sequência entre Lynch e Cronenberg. E "This River" (9'04") se despede com outra reverência perversa e romântica, repleta de névoa, escuridão e mistério. O rock progressivo à la Poe do Shamblemaths transcende o tempo. Pode-se chamar de retrô, mas o medo faz parte da humanidade desde o seu início. E os humanos certamente o exploram para dominar uns aos outros. Pelo menos esses noruegueses nos devolvem o medo na forma de uma obra-prima. Uma das melhores do ano.
Lista de faixas: 1. Måneskygge (1:05) 2. Knucklecog (9:56) 3. DSCH (Op. 110 Quarteto de Cordas No. 8 em Dó Menor, Movimentos 1-2) (6:24) 4. Lat Kvar Jordisk Skapning Teia Pts. 1-4 (6:37) 5. Lat Kvar Jordisk Skapning Teia Pt. 5 (5:38) 6. Lat Kvar Jordisk Skapning Teia Pts. 6-8 (3:43) 7. Lat Kvar Jordisk Skapning Teia Pt. 9 (2:18) 8. Been and Gone (2:13) 9. This River (9:04)
Alinhamento: - Simen Ådnøy Elliingsen / soprano, saxofones alto, tenor e barítono, guitarras elétricas e acústicas, flauta doce soprano, apito, vocais, cantos, sussurros, samples de saxofone, teclados ocasionais - Ingvald Andre Vassbø / bateria, xilofone Com: Eskild Myrvoll / baixo Paolo Botta / teclados (4-6) Eirik Øverland Dischler / teclados (2,3,9) Marianne Lonstad / vocal (2,9) Anna Gaustad Nistad / vocal (4,6) Pia M. Samset / vocal (3,5) Leon Li / fagote (4,6) Eivor Ådnøy Elliingsen (6 anos) / vocais (7) Michael Francis Duch / contrabaixo (7,8) Morten A. Nome / contrabaixo (1) Ask Vatn Strom / participação especial na guitarra (6) 15 segundos da faixa 6 interpretados por Kanaan
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