A conceitualidade é uma das marcas registradas da música progressiva. Os principais representantes do movimento artístico dos anos 1970 naturalmente se afastaram do
formato tradicional de canção à medida que amadureciam, explorando novos territórios: óperas rock, oratórios, balés e concertos com orquestras sinfônicas gradualmente se tornaram parte integrante do gênero. Bandas de prog de segunda linha tentaram acompanhar os "grandes", mas a experimentação em larga escala exigia um escopo ideológico correspondente e uma excelente técnica de performance. Poucas podiam se gabar disso... "Mr. Mick" é o último dos lançamentos "clássicos" da banda britânica Stackridge . Nessa época, a formação original da banda havia sofrido mudanças. E a maior perda para os integrantes foi a saída do guitarrista James Warren — o homem que moldou o repertório da banda por anos. No entanto, mesmo sem seu vocalista, o Stackridge conseguiu emergir brilhantemente da situação. A dupla de compositores Mutter Slater (flauta, teclados, vocais) e Andy Davis (guitarra, teclados, vocais) contou com a colaboração do escritor infantil Steve Aagaard, que ajudou a dupla excêntrica a escrever uma história sobre um aposentado solitário cujos imperativos morais, após uma análise mais aprofundada, revelam-se consonantes com os princípios anárquicos da iminente revolução punk. Além de Slater e Davis, o álbum foi completado pelo fiel baixista James "Crune" Walter, o baterista Pete Van Hook ( da banda de Van Morrison ), o instrumentista de sopro Keith Gimmell ( Audience ) e o venerável tecladista Dave Lawson ( Greenslade ). O flautista Mutter assumiu a liderança. Tímido e reservado fora dos palcos, ele, segundo o próprio Andy Davis, surpreendeu a todos com sua impressionante transformação durante a produção de "Mr. Mick" e em shows subsequentes, por vezes assemelhando-se a uma estrela de cinema experiente para quem brilhar sob os holofotes é algo completamente natural. Quanto ao disco em si, seu conteúdo combina com sucesso várias linhas narrativas simultaneamente: são números de variedades com ares musicais, sustentados por um estilo peculiar de Stackridge ("Hey! Good Looking", "Save a Red Face", "The Slater's Waltz", com os vocais encantadores de Joanna Carlin); e pop psicodélico melódico de natureza puramente instrumental ("Breakfast With Werner Von Braun", "Coniston Water"); e episódios "narrativos" inseridos com arranjos bastante ousados ("Mr. Mick's Walk", "Hazy Dazy Holiday", "Mr. Mick's New Home"), teatralmente interpretados por um Slater exuberante. As raízes folclóricas são evidentes no melodioso esboço acústico "Can Inspiration Save the Nation?", e o fascínio duradouro pelo legado dos Beatles fica claro no contexto da peça "Fish in a Glass".Colocando não apenas um ponto final, mas um ponto de exclamação em negrito no final da narrativa da aventura. Resumindo: uma verdadeira joia do art rock inglês de meados dos anos setenta. Não perca.
Um sinal ambíguo, uma capa sem graça... Mais uma banda que ninguém vai se lembrar amanhã? Quem sabe. Para a equipe da gravadora britânica Esoteric Recordings, por exemplo, essas "saudações do passado"
são como pedras preciosas. Eles são o prenúncio de uma era que revelou muitos nomes brilhantes para o mundo. E embora os heróis desta revisão talvez não tenham alcançado fama estrondosa em vida, basta que este ilustre quarteto tenha contribuído para o legado do início do rock progressivo inglês. A ideia de se aventurarem na música para "ouvintes exigentes" surgiu nas mentes brilhantes do baixista Mick Hinks e do baterista Bob Lamb no final de 1968. Na época, ambos faziam parte da seção rítmica da banda Locomotive , de Birmingham , que tocava soul e ska. Apesar do relativo sucesso da banda, Hinks e Lamb desejavam ardentemente criar algo que valesse a pena em uma direção qualitativamente diferente. E quando a dupla de compositores John Caswell (guitarra, voz) e Keith Millar (piano, órgão, Mellotron, guitarras, gaita) se uniu, o sonho começou lentamente a se tornar realidade. Inspirando-se no título de um livro de contos do humorista americano James Thurber , o quarteto mergulhou no processo criativo. Logo eles encontraram um produtor e depois gravaram nos lendários estúdios Abbey Road. Ao contrário de alguns de seus contemporâneos, que se contentavam com o folclore de sua ilha natal, o The Dog That Bit People seguia de perto as extravagâncias dos "americanos" que representavam o cenário do rock da Costa Oeste. O grupo de Birmingham era particularmente fã das músicas de Neil Young . E em certas faixas do álbum, a influência do artista estrangeiro é bastante evidente. A composição do álbum não é uniforme. Há peças em andamento médio com vocais excessivamente açucarados ("Goodbye Country"); esboços animados no espírito de um blues progressivo moderado ("The Monkey and the Sailor"); ecos de melodias folclóricas, "aprimoradas" para o estilo country ("Lovely Lady", "Someone Somewhere"); e simplesmente belas construções de um plano misto ("Sound of Thunder", "Red Queen's Dance"). No entanto, o maior efeito é alcançado por "The Dog That Bit People". Eles alcançam seus objetivos quando agem sem se importar com ninguém. É o caso, por exemplo, da magnífica faixa "Cover Me in Roses", que combina corais comoventes e elegíacos tocados em instrumentos acústicos com passagens de teclado artísticas, ou da igualmente bela introdução "Walking", sutilmente orquestrada pelo Mellotron de Keith Millar. A obsessão excessiva por "americanismos" fica evidente na segunda metade do álbum, que apresenta a obra-prima em tom maior "Mr. Sunshine" e a despreocupada e vibrante "Tin Soldier", com seu refrão prolongado que se desvanece. Para aqueles que preferem faixas mais enérgicas, há uma dose de adrenalina em "Reptile Man", repleta de riffs afiados e versos sombrios com vocoder.O ato final é o single bônus "Merry Go Round", completamente despreocupado, porém incrivelmente agradável, que atesta as origens big beatdo Dog That Bites People . Resumindo: um presente despretensioso e, à sua maneira, atraente para o impressionante exército de fãs de proto-prog. Recomendo conferir.
As bandas de rock holandesas sempre foram conhecidas por sua excentricidade. Somente
os suecos conseguiam rivalizar com os artistas flamengos em sua habilidade de transitar com elegância entre o sublime e o ridículo, e mesmo assim, com algumas ressalvas. O Alquin , veteranos da cena progressiva holandesa e mestres do ecletismo, já foi renomado por sua capacidade de se equilibrar na tênue linha entre a ironia e o drama. Em 1977, no fim da "era de ouro" da arte, os membros da banda se separaram às pressas, apenas para se reunirem um quarto de século depois com uma formação praticamente original. O Alquin dos anos 2000 é: Ferdinand Bakker (guitarra, violino, piano, vocais; único compositor), Michel van Dijk (vocais), Dick Franssen (órgão, teclados), Ronald Ottenhoff (saxofone), Walter Latuperissa (baixo, vocais) e Job Tarenskeen (bateria, vocais). As quatorze faixas de "Blue Planet" são um ótimo motivo para celebrar os veteranos do prog. O reencontro certamente valeu a pena: não há vergonha nenhuma em apresentar esse material aos fãs. Conscientes de suas conquistas passadas, a formação atual do Alquin não busca reproduzir meticulosamente o som clássico (como, por exemplo, seus compatriotas do Focus fizeram em situação semelhante ). No entanto, os veteranos também não têm a intenção de flertar com a geração "neo". Afinal, raízes são raízes. E, neste caso, elas servem como um vetor necessário para o desenvolvimento da banda. O tom do álbum é definido pela faixa instrumental de abertura, "Return to the Blue Planet", executada de maneira maravilhosamente lúdica (guitarra, Hammond e saxofone assumem os papéis principais) e demonstrando o impecável senso melódico do maestro Bakker. Em seguida, vem o thriller retrô "Murder in the Park", que explora as complexidades psicológicas de um assassinato no Hyde Park, em Londres, nos últimos dias de 1958. A fusão baseada em temas de "Over & Out" deixa claro que o formato de canção está ganhando um apelo especial para o sexteto, e a capacidade de transmitir histórias contadas em linguagem simples é muito mais valorizada do que floreios composicionais progressivos. Os holandeses não ostentam seu domínio, embora partes individuais ainda soem brilhantes e poderosas (por exemplo, os solos de guitarra de Ferdinand em "The Hitman"). O fator decisivo para a paleta geral agora é um arranjo moderadamente polifônico, livre de pretensões desnecessárias e passagens autoindulgentes. E isso é para melhor, porque, em meio ao pano de fundo complexo, você começa a perceber de forma diferente baladas sinceras como "Love = a Little Thing", marcadas por um senso de reflexão blues ("Enough = Enough") ou revelações elegíacas maduras ("Pictures"). Quando chega o momento da coragem, AlquinEles lançam cargas poderosas ("Can't Sleep", "Singapore Connection" e outras), atestando a abundância de pólvora em seus arsenals. Em uma palavra, "charmant", como se dizia antigamente. Resumindo: um lançamento muito bom de veteranos consagrados do mundo da arte. Recomendo conferir.
Rob Reindorf é natural de Accra, Gana, e gravou três álbuns no final dos anos 70 e início dos anos 80 antes de cair no esquecimento por décadas. Graças à Soundway, seu segundo álbum foi relançado em 2012 e está disponível em todas as plataformas de streaming.
Começando com quatro notas em um teclado com som de órgão, " Make It Fast, Make It Slow" rapidamente entra no modo funk, com sua big band rítmica propulsiva e refrões de chamada e resposta que remetem a Fela Kuti, o padrinho do funk africano. Os metais, tocados por uma banda do exército ganês, dão um toque extra a essas músicas. A faixa-título, carregada de conotação sexual, é contrabalançada pela passagem religiosa no meio do álbum – "Fale com Jesus, e ele viverá em você!", diz Rob em "He Shall Live in You". Essa faixa e "Back On You" são truncadas, terminando inesperadamente, provavelmente devido a um problema na remasterização das gravações originais.
O inglês de Rob não é perfeito, mas é justamente a linguagem usada neste álbum que resulta em uma performance única, meio arrastada, que pode exigir várias audições para ser compreendida. Veja, por exemplo, uma faixa como "Bargain", onde ele fala em frases repetidas – é uma sacada genial que dá um toque especial ao álbum.
Em 2023, Rob voltou à cena musical, fazendo turnê pela Europa devido a um ressurgimento de sua popularidade. Aos 70 e poucos anos, Rob aparentemente ainda está gravando e arrasando nos palcos. Vai, Rob!
Ouvi este álbum há muitos anos, inicialmente o considerei mediano e o esqueci por um tempo. Mas, com o passar dos anos e conforme fui me aprofundando em Babyface e bandas como After 7 e Silk, ele começou a aparecer com frequência. Após uma reavaliação, considero este um lançamento excepcional e com uma pegada mais voltada para o lado B.
Mint Condition vem de Minneapolis, onde foram descobertos por Jam & Lewis. Eu não necessariamente colocaria o som deles no mesmo nível de Janet Jackson ou Prince, e o vocalista Stokley soa mais como Raphael Saadiq do que qualquer outro artista de Minnesota, mas eles realmente utilizam instrumentos ao vivo. Enquanto o Príncipe gravava com o The New Power Generation – uma banda grande e com formação rotativa de pelo menos oito membros – no início dos anos 90, o Mint Condition lançava seus dois primeiros álbuns, Meant to Be Mint (1991) e From the Mint Factory .
A produção deste disco é impecável, e acho que será um fator decisivo para quem o ouvir hoje em dia. A programação da bateria remete ao som do New Jack Swing, que na época do lançamento deste álbum já existia há alguns anos. Guy, Keith Sweat e Bobby Brown lançaram álbuns que definiram o gênero em 1987-88, e até mesmo "Do the Bartman" foi lançado em 1990. Em 1993, o New Jack Swing já havia passado do seu auge de crítica e público. Mas o Mint Condition conseguiu um meio-termo entre o pop New Jack e o soul do meio-oeste americano.
É quando o álbum se apoia na bateria ao vivo que ele atinge seu maior sucesso. "Someone to Love" é uma balada terna com bateria e saxofone que não destoaria em uma playlist do Prince. "10 Million Strong" tem um chiado interessante ao fundo, com som de música ao vivo, além da bateria. "U Send Me Swingin'" é uma verdadeira revelação. Eu ouvia muito essa música em 2021 e, depois de tomar a vacina contra a Covid, fiquei acordado até as 3 da manhã em um delírio atordoado, bebendo Polar de toranja, assistindo a Cluny Brown e cantando "U send me sWANNGgANNN!". São memórias que a gente não esquece.
"So Fine" é uma balada com forte presença da guitarra elétrica, e "Back to Your Lovin'" é uma balada lenta e doce. Não me canso dessa. Além disso, as duas últimas faixas são realmente interessantes porque ambas utilizam a guitarra elétrica de maneiras que você normalmente não esperaria em um álbum de R&B dos anos 90. "My High" é como uma vinheta, e "Fidelity" tem uma guitarra quase heavy metal e se transforma em rock puro, fechando o álbum de forma semelhante a "Just About Over" do Goodie Mob, a penúltima faixa de Still Standing (1998). Ambas as músicas são do tipo "ame ou odeie". Meu amigo Jellybean Johnson, que fez o solo em "Criticize" do Alexander O'Neal (uma das melhores músicas de todos os tempos), toca guitarra elétrica aqui e arrasa.
"Harmony" é um pouco cafona com seus tambores de aço e, como mencionei antes, algumas faixas da primeira metade deste álbum são decepcionantes. Apesar disso, From the Mint Factory é um excelente disco. Também recomendo procurar o remix Ummah (produção de Q-Tip e J Dilla) de "Let Me Be the One", do álbum The Collection (1991-1998) do Mint Condition , que apresenta um ótimo verso do Phife – que diz "Me encontre no jogo dos Timberwolves hoje à noite!".
Como sempre, há muito mais música sendo lançada do que eu consigo acompanhar, e esta lista provavelmente seria diferente se fosse escrita no mês que vem (ou até mesmo amanhã), mas aqui estão 10 álbuns de 2023 que deixaram grande impacto. Menções honrosas também estão incluídas no final.
Um feliz 2024 e liberdade para Young Thug!!!
10. Danny Brown – Time Ain’t Accidental
Danny Brown nunca usou tão pouco do que eu chamo de sua "voz maluca" como em Quaranta , e o resultado é seu trabalho mais surpreendentemente agradável e vulnerável. Ele brilhantemente transforma um verso clássico do Geto Boys no refrão de "Down Wit Me", uma canção crua sobre término de relacionamento que o deixa com a voz emocionalmente esgotada. No entanto, ele se recupera rapidamente em "Celibate" com a ajuda de um excelente verso de MIKE. "Hanami" é uma meditação sobre a passagem do tempo (!) e "Bass Jam" é simplesmente linda. Embora Quaranta tenha sido anunciado anos atrás (Brown completou 42 anos meses antes do lançamento), a espera valeu a pena.
9. Ken Carson – A Great Chaos
O cenário do rap está uma bagunça agora, e muitos lançamentos novos me deixam decepcionado. Mas ouvir "if looks could kill" do Destroy Lonely em 2023 realmente saciou minha vontade de ouvir algo jovem, no estilo do Carti, e vindo de um cara de quem eu nunca tinha ouvido falar, tornou tudo ainda mais impressionante. Ken Carson faz a mesma coisa em A Great Chaos , que tem três participações do Destroy Lonely, mas basicamente mostra Carson falando besteira com sua voz arrastada e confusa sobre batidas açucaradas.
8. PinkPantheress – Heaven Knows
Depois de um início arrasador em 2021 com o excelente "18 Minute to Hell with It" , PinkPantheress subiu de nível este ano. "Boy's a Liar Pt. 2", com participação de Ice Spice, foi um sucesso absoluto, e Pink lançou em seguida um álbum tão bom quanto poderíamos esperar. Repleto de hits e participações especiais impecáveis, " Heaven Knows" torna impossível descartar a estrela de 22 anos.
7. Drake – A Great Chaos
Não culpo ninguém que despreze o Drake neste ponto da carreira: sua riqueza e influência são supérfluas, e ao longo de uma década e meia sua persona no rap se transformou de um jovem promissor e cheio de energia em um cara rico e tarado que abusa de comparações e só fala coisas constrangedoras. Mesmo assim, ouvi músicas do álbum For All the Dogs tanto quanto qualquer outra coisa no último trimestre de 2023. Como a maioria dos álbuns de grandes artistas da era do streaming, ele é extenso, mas ainda tem muitas músicas ótimas. Chief Keef abrilhanta "All the Parties" com um verso relâmpago que Drake complementa com um riff; "8AM in Charlotte" traz Drizzy em um solo alucinante sobre uma batida do Conductor (!); "Rich Baby Daddy" conta com SZA deslizando sobre uma produção no estilo de "My Boo" (sem mencionar o refrão incrível); "Away From Home" é surpreendentemente reflexiva, etc. A edição Scary Hours , lançada em novembro, adiciona 6 músicas, em sua maioria ótimas, que me lembram por que venho ouvindo esse cara há quase toda a minha vida.
6. Yo La Tengo – This Stupid World
O talento inegável do Yo La Tengo, em plena atividade na sua quinta década, fez tudo de novo em This Stupid World . "Sinatra Drive Breakdown" é a faixa de abertura mais pesada desde "Pass the Hatchet, I Think I'm Goodkind", de 2006. Uma jam session pura, ela define o tom para um álbum de nove faixas, experimental e conciso. Já "Aselestine" oferece a doçura que tanto os fãs de longa data quanto os novos ouvintes vão adorar.
5. Maxo – Debbie’s Son
Maxo me impressionou em 2019 com seu álbum de estreia pela Def Jam, Lil Big Man , uma coleção de raps concisa e suave. A Def Jam levou quatro anos para lançar o sucessor, Even God Has a Sense of Humor , em 2023. Apesar de ser um bom lançamento, esse álbum representa o fim de um vínculo com uma gravadora que aparentemente ofereceu pouca promoção ou apoio. Lançado de forma independente, Debbie's Son é o álbum mais experimental e pessoal de Maxo em 2023. A participação exclusiva de Zelooperz é uma escolha ousada que se mostra acertada desde o início, e a pegada jazzística de "#3" e "Boomerang" agradará a qualquer ouvinte que busque algo além do status quo atual do rap.
4. Jess Williamson –Time Ain’t Accidental
Quando conheci Jess Williamson após seu show em Healdsburg, em 2023, elogiei sua escolha de música de entrada: “Only Time”, da Enya. Ela comentou que, como seu álbum se chama Time Ain't Accidental (Tempo Não é Acidental) , “Only Time” fazia todo o sentido, algo que eu nem havia considerado. Amante da música de coração, é natural que Williamson esteja vivendo seu momento agora como uma nova voz excepcional no country, em meio a um período de grande sucesso para o gênero em geral. Vê-la apresentar essas músicas em um local pequeno foi um verdadeiro deleite e evidenciou a pura excelência de sua composição, que se destaca em faixas como “Roads” e “God in Everything”. Isso, sem falar das batidas eletrônicas na faixa-título e em “Topanga Two Step”, que são perfeitas.
3. Animal Collective – Isn't It Now?
Tendo ouvido versões ao vivo dessas músicas por quase 4 anos, Isn't It Now me pareceu maravilhosamente familiar na primeira vez que apertei o play. Como fã de longa data do Animal Collective, que se encantou com Time Skiffs de 2022 , receber o álbum complementar (músicas de ambos os álbuns foram escritas na mesma época) um ano depois foi como receber um grande abraço.
2. Dougie Poole – The Rainbow Wheel of Death
Quanto mais ouço essas músicas, mais elas parecem fazer parte permanente do meu cérebro. "Worried Man Blues 2" sai do alto-falante enquanto dirijo, "Beth David Cemetery" sai da minha boca enquanto trabalho. O pedal steel chora, o violão dedilha, mais um dia se passa e essas músicas vivem de graça na minha cabeça. "I Lived Nourished by Time – Erotic Probiotic 2My Whole Life Last Night" é perfeita – uma reflexão engraçada, assustadora e simplesmente genial sobre a mortalidade. Destinado a se tornar um clássico, eu recomendaria The Rainbow Wheel of Death para qualquer pessoa que ame boas canções.
1. Nutrido pelo Tempo – Nourished by Time – Erotic Probiotic 2
Desde 2019, Marcus Brown vem lançando singles e EPs como Nourished by Time (incluindo o EP de duas faixas "Erotic Probiotic "), totalizando material suficiente para um álbum, com qualidade que rivaliza com a da maioria dos artistas contemporâneos de R&B/pop. Isso até o lançamento de "Erotic Probiotic 2", que superou seus trabalhos anteriores e finalmente deu ao artista o reconhecimento merecido: Oneohtrix Point Never descreveu recentemente "Nourished By Time" como "a única música nova que eu juro que é de outro nível", e isso vindo de um artista tão consistentemente na vanguarda dos mundos experimental e pop como OPN é um grande elogio. Mas "Erotic Probiotic 2" justifica essa afirmação.
Produzido por um único artista, o som do Nourished By Time evita a síndrome do excesso de músicos no pop atual, ao mesmo tempo que apresenta canções tão cativantes e fáceis de cantarolar quanto as de qualquer outro artista pop. A faixa de abertura, “Quantum Suicide”, é uma revelação, um sucesso estrondoso e uma prece: “A jornada, a dor / Que tudo seja igual”, ele canta com toda a sua potência (e há muita potência fantástica aqui). Inicialmente, achei que o álbum fosse um pouco carregado no começo, mas depois percebi: nossa, eu adoro essas últimas 3, 4, 5 faixas em um álbum de 9 músicas. Após as produções deliciosamente elaboradas de “Rain Water Promise” e “Soap Party”, a relativamente minimalista “Workers Interlude” permite que NBT exponha sua alma (“Agora as pessoas passam por mim / E tudo o que eu pergunto é por quê? ”) antes de “Unbreak My Love” proporcionar a catarse final que fecha tudo com chave de ouro. Erotic Probiotic 2 é um divisor de águas para a Nourished by Time e, quase certamente, um prenúncio de coisas ainda melhores.
Honorable Mentions:
André 3000 – New Blue Sun
Arooj Aftab, Vijay Iyer & Shahzad Ismaily – Love In Exile
Bad Bunny – Nadie sabe lo que va a pasar mañana
bar italia – Tracey Denim
Earl Sweatshirt & The Alchemist – Voir Dire
George Clanton – Ooh Rap I Ya
Ice Spice – Like..?
Jessy Lanza – Love Hallucination
jonatan leandoer96 – Sugar World
Kali Uchis – Red Moon in Venus
Karina Rykman – Joyride
Lana Del Rey – Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd
formato tradicional de canção à medida que amadureciam, explorando novos territórios: óperas rock, oratórios, balés e concertos com orquestras sinfônicas gradualmente se tornaram parte integrante do gênero. Bandas de prog de segunda linha tentaram acompanhar os "grandes", mas a experimentação em larga escala exigia um escopo ideológico correspondente e uma excelente técnica de performance. Poucas podiam se gabar disso...
