Yes sem Yes, desta vez com um álbum tributo ao Yes lançado pela Magna Carta, uma gravadora que na época se dedicava a reunir virtuosos para ver quem conseguia tocar mais notas por segundo sem que seus dedos ficassem doloridos. A lista de convidados é um verdadeiro desfile de estrelas do rock progressivo que ainda estavam na ativa nos anos 90: Robert Berry, Billy Sherwood, Annie Haslam, Steve Morse e até mesmo alguns artistas que deixaram a gravadora principal, como Steve Howe, Patrick Moraz e Peter Banks. Por outro lado, há até um desfile de bandas que não existem mais; Magellan toca "Don't Kill the Whale", Enchant interpreta "Changes", Cairo faz sua versão de "South Side of the Sky" e Shadow Gallery apresenta "Release, Release", além de algumas bandas que não reconheci (uma era a banda de Adam Wakeman e a outra era uma banda de Nick D'Virgilio).
O álbum começa, como esperado, com "Roundabout", de Robert Berry. Tem uma vibe anos 90, um sintetizador digital tentando soar analógico, mas sem muito sucesso, embora possua a garra de alguém que sabe que está compartilhando sons que nos emocionam todos os dias. É um prazer absoluto vê-los tentar desmontar o quebra-cabeça de Jon Anderson e Chris Squire sem deixar nenhuma peça sobrando.
Várias faixas se seguem, incluindo uma participação de Annie Haslam ( Renaissance ) em "Turn of the Century", que é um dos destaques do álbum, em uma versão que você certamente já ouviu antes. Ela te saúda ao abrir os olhos com uma doçura que quase te faz esquecer que o mundo é um lugar sujo e que existe um hospício inteiro nos governando (e veja só onde isso nos levou). É o tipo de melodia que muitos de nós gostaríamos de ouvir ao acordar, antes de um amigo ou um café da manhã decente, mesmo naqueles dias em que você ainda não tem certeza se está vivo ou se a ressaca finalmente venceu. Então, os caras do Magellan lançam uma versão de "Siberian Khatru" que é pura dinamite técnica. Notas que vêm e vão, mudanças de ritmo que te deixam tonto enquanto você questiona nossa existência, e aquela sensação de que, no fundo, somos todos "hereges" querendo roubar um pouco do fogo dos deuses dos anos 70.E há muitas outras coisas, mas é melhor deixar que você as descubra por si mesmo, porque você tem o fim de semana inteiro pela frente (felizmente).
Este álbum é uma vitrine. Entre, dê uma olhada, pegue o que quiser. Algumas versões são um carinho, outras soam como um soco no estômago, mas a vida é assim, não é? Principalmente esses álbuns de covers um tanto arriscados, mas o experimento, no geral, deu muito certo.
No fim das contas, depois de ouvir Steve Morse massacrar tecnicamente "Mood for a Day", você percebe que esses sons são uma grande parte do nosso DNA, e mesmo que estejamos sempre atualizando o que ouvimos, esses sons sempre estarão em nossa memória, prontos para serem evocados sempre que precisarmos ou quisermos.
Lista de faixas: 1. Roundabout - Robert Berry (7:04) 2. Siberian Khatru - Stanley Snail (8:06) 3. Mood for a Day - Steve Morse (2:50) 4. Don't Kill the Whale - Magellan (6:06) 5. Turn of the Century - Steve Howe & Annie Haslam (6:27) 6. Release, Release - Shadow Gallery (6:17) 7. Wonderous Stories - World Trade (3:46) 8. South Side of the Sky - Cairo (7:59) 9. Soon - Patrick Moraz (5:26) 10. Changes - Enchant (6:17) 11. Astral Traveler - Peter Banks (6:59) 12. The Clap - Steve Morse (3:09) 13. Starship Trooper - Jeronimo Road (5:34)
Formação: Faixa 1: - Robert Berry / instrumentação, vocais - Steve Howe / cadência de guitarra
Faixa 2: - Nick D'Virgilio / vocais agudos, bateria - Mike Keneally / vocais médios, guitarras - Kevin Gilbert / vocais graves, teclados - Bryan Beller / baixo
Faixa 3: - Steve Morse / violão
Faixa 4: - Trent Gardner / teclados, vocais [e programação de bateria] - Wayne Gardner / guitarras, baixos
Faixa 5: - Annie Haslam / todos os vocais - Steve Howe / violão - David A. Biglin / teclados
Faixa 6: - Mike Baker / vocais - Carl Cadden-James / baixo - Brendt Allman / guitarras - Gary Wehrkamp / guitarras, teclados - Chris Ingles / teclados - Kevin Soffera / bateria
Faixa 7: - Billy Sherwood / baixo, guitarra, teclados, vocais - Jay Schellen / Faixa
8: - Mark Robertson / órgão Hammond, Moog, piano - Jeff Brockman / bateria - Alec Fuhrman / guitarras - Bret Douglas / vocal principal - Rob Fordyce / baixo
Faixa 9: - Patrick Moraz / piano de cauda Steinway D
Faixa 10: - Ted Leonard / voz - Douglas A. Ott / guitarra, teclados - Paul Craddick / bateria, teclados - Ed Platt / baixo
Faixa 11: - Peter Banks / guitarra - Robert Berry / instrumentação, arranjo
Faixa 12: - Steve Morse / violão
Faixa 13: - Adam Wakeman / teclados - Fraser Thorneycroft-Smith / guitarras - Phil Williams / baixo - Damian Wilson / vocal - Tony Fernandez / bateria
Um álbum de 1993 da Orquestra Filarmônica de Londres, com covers de músicas do Yes, acompanhados pela Orquestra de Câmara Inglesa e pelo Coro Gospel da Comunidade de Londres. Era 1993, e Alan Parsons (sim, o mesmo que poliu o lado oculto da lua) assumiu a mesa de mixagem para produzir este experimento. O risco com esse tipo de álbum é que ele acabe soando como música de elevador em hotéis cinco estrelas, mas aqui, alguns bons músicos deram uma mãozinha para dar um toque de autenticidade: Steve Howe, Bill Bruford e Jon Anderson passaram pelo estúdio (Steve Howe e Bill Bruford participam de todas as faixas; Jon Anderson foi o vocalista principal em "Roundabout", enquanto David Palmer cuidou dos arranjos orquestrais). Este álbum, obviamente, apresenta covers de músicas do catálogo do Yes, com uma orquestra substituindo a maioria dos instrumentos, e os músicos mencionados adicionando seu toque mágico.
Artista: The London Philharmonic Orchestra Álbum: Symphonic Music Of Yes Ano: 1993 Gênero: Rock Sinfônico Duração: ---- Referência: Discogs Nacionalidade: Inglaterra
Aproveitando o lançamento deste álbum pela LightbulbSun, decidi ouvir esta joia de 1993: a Orquestra Filarmônica de Londres interpretando o catálogo do Yes . O álbum se chama "Symphonic Music Of Yes" e, para ser sincero, é o resultado do encontro entre a aristocracia do som e os virtuosos do rock progressivo para ver quem tem a maior... pontuação, quero dizer.
A história é mais ou menos assim: depois de ser pioneiro no formato de "arranjo orquestral de rock" com "A Classic Case: The Music of Jethro Tull", "We Know What We Like: The Music of Genesis" e "Objects of Fantasy: The Music of Pink Floyd", Dee Palmer (então conhecido como David Palmer) acabou, sem surpresa, gravando um álbum do Yes no mesmo estilo. Eles conseguiram que três membros do Yes participassem deste disco: Steve Howe toca em todas as faixas, Bill Bruford em todas, exceto uma ("Mood for a Day", já que é uma peça para violão que nunca foi acompanhada por bateria), e Jon Anderson canta em duas faixas ("Roundabout" e "I've Seen All Good People"). Chris Squire não pareceu interessado no projeto, então Tim Harries, baixista contemporâneo de Bruford em "Earthworks", assumiu o posto. Nem Tony Kaye nem Rick Wakeman participaram, então Palmer ficou nos teclados. E, como dissemos antes, Alan Parsons foi o responsável pela engenharia de som.
O álbum começa com "Roundabout", um choque de mundos. A orquestra soa colossal, como um tsunami de violinos, mas quando a guitarra de Howe entra, você se lembra de que isso ainda é rock, mesmo com um toque francês. É essa mistura de prazer extremo que te convida a escapar do domínio do hemisfério esquerdo; não há lógica aqui, apenas um bombardeio sensorial puro. Então Jon Anderson aparece para nos lembrar de sua voz, caso tivéssemos esquecido, e a orquestração o envolve como uma nuvem de algodão-doce que, se você não tomar cuidado, vai te sufocar. Faixas como "Close to the Edge", "Heart of the Sunrise" e "Survival", em suas versões sinfônicas, são uma viagem sem volta. Infelizmente, há faixas como "Owner of a Lonely Heart" que não funcionam de jeito nenhum; a orquestra faz tudo soar desajeitado. Na minha humilde opinião, é muito difícil uma monstruosidade dessas soar bem, embora eu já tenha ouvido algumas versões ao vivo bastante modificadas que até que soaram muito bem, mas não é o caso aqui. Acho que o coral gospel foi um pouco subutilizado, pois poderiam ter sido usados de forma mais criativa, em vez de apenas fazerem backing vocals em "Soon" e "I've Seen All Good People".
Mas também acho que este projeto poderia ter resultado em um álbum mais significativo se um tempo considerável tivesse sido dedicado a reimaginar essas músicas em vez de simplesmente rearranjá-las com uma orquestra. O material original é excelente, e uma colaboração mais séria poderia ter rendido resultados incríveis. Bem, é o que é. No geral, é razoável.
Mas o melhor é você ouvir por si mesmo...
É melódico, por vezes comovente, e pode ser aquele primeiro contato com a realidade antes do "mate", mas um "mate" com uma dose extra de algo forte, porque em certos momentos a grandiosidade épica sobe à cabeça. A orquestra tenta domar o caos do Yes , mas o espírito da banda é indomável. É como tentar amordaçar um lobo: fica bem na foto, mas você sabe que ele pode arrancar sua mão a qualquer momento.
Cumpre exatamente o que promete, então não tenho queixas. Sim, música interpretada por uma orquestra e coro, com o apoio de instrumentos elétricos e bateria de rock. Se você estava com saudades do som clássico da banda, mas em uma versão ligeiramente modificada, este álbum é ideal para ouvir no fim de semana...
Lista de faixas: 1. Roundabout (6:10) 2. Close to the Edge (7:39) 3. Wonderous Stories (3:53) 4. I've Seen All Good People (3:50) 5. Mood for a Day (3:01) 6. Owner of a Lonely Heart (4:43) 7. Survival (4:17) 8. Heart of the Sunrise (7:49) 9. Soon (6:16) 10. Starship Trooper (7:16)
Formação: - Steve Howe / guitarra, vocais - Bill Bruford / bateria - Jon Anderson / vocais - Tim Harries / baixo - Julian Colbeck / órgão Hammond - David Palmer / sintetizador, piano, órgão Hammond - Orquestra Filarmônica de Londres - Orquestra de Câmara Inglesa - Coral Gospel da Comunidade de Londres
E estamos de volta com nossa seção de álbuns desconhecidos e altamente recomendados, mas também com nossa outra seção de músicas para amar ou odiar, sem meio-termo. E este é um dos projetos mais perturbadores e, ao mesmo tempo, mais encantadores do RIOs moderno. Um batalhão de músicos excelentes executando o que é uma loucura sonora injustamente quase desconhecida. E como você provavelmente não conhece esses italianos, vou compartilhar um trecho de uma de suas resenhas que certamente chamará a atenção de mais de uma pessoa: "O mesmo conjunto italiano que ganhou prestígio internacional com sua obra-prima, Labirinto d'Acqua, está de volta hoje com um trabalho digno dos maiores grupos de rock de câmara. Caso alguém não conheça a música desses italianos, seu estilo é o ponto de encontro perfeito entre o rock contracultural e a música de câmara contemporânea. Estamos falando de possíveis inspirações, por um lado, de Béla Bartók e Igor Stravinsky e, por outro, de Henry Cow, Present e Univers Zero." O pior de tudo é que o que acabei de copiar é absolutamente verdade! Imagine como soa.
Uma banda concebida em 2004 que combina RIO e música de câmara, mas cujos tentáculos também se estendem em outras direções e incorporam elementos de rock progressivo sinfônico, jazz, Zeuhl e rock progressivo italiano em seu som, o resultado são quarenta e oito minutos de excelente música que realmente se transforma e se reinventa ao longo desses minutos.
Este álbum deve ser visto como uma sinfonia e não como a fórmula usual de canções pop ou rock; portanto, todas as considerações que puderem ser feitas devem ser globais em relação ao álbum como um todo e não a uma música favorita ou específica.
Tudo isso contribui para uma obra de alto nível com excelente produção, onde momentos de tensão e calma se sucedem magnificamente; trata-se de música de vanguarda que não "força" o fluxo, mesmo sendo um álbum de padrões incomuns para quem não está familiarizado com o rock de vanguarda. É um sopro de ar fresco na música moderna, um álbum do RIO, rock de vanguarda, música de câmara, rock progressivo, mas acima de tudo, música aventureira e de altíssima qualidade.
Mas este comentário explica melhor.
Não há dúvida de que o RIO e outras bandas de vanguarda progressiva estão vivendo uma era de ouro. Isso se deve não apenas à excelente fase de algumas lendas do gênero, como Univers Zero, Present e Magma, mas também ao surgimento de bandas relativamente novas, como Xing Sa, Rational Diet e o grupo italiano em questão. Yugen é uma das bandas mais experimentais e ousadas da atual cena Rock in Opposition e chamber rock. Eles claramente se inspiram no neoclassicismo e em bandas fundamentais do avant-prog como Henry Cow, Univers Zero, Present, Art Zoyd e o próprio Frank Zappa, incorporando também uma forte influência de Gentle Giant e King Crimson, e ocasionalmente se aventurando na improvisação e na experimentação. Apesar da complexidade de seu som, "Iridule", o terceiro álbum dos italianos até o momento, me parece um dos discos mais completos e pessoais que esse subgênero produziu recentemente. Capazes de mesclar todos os tipos de sons, mudanças rítmicas e contrapontos, transformando suas faixas diversas vezes ao longo de sua duração em um aparente frenesi instrumental, difícil de decifrar, mas, em última análise, fascinante e empolgante. A gama de sons é impressionante, desde a sutileza e até mesmo a doçura de 'Iridule', 'Scribbled' e 'Ice' até o extremismo do rock de câmara caótico chamado 'Serial(ist) Killer', passando por maravilhas do calibre de 'Overmurmur' e 'Becchime', talvez duas das faixas mais completas e fascinantes do ano. Eles até encerram o álbum com uma faixa, 'Cloudscape', estruturada de uma maneira mais ou menos convencional! Em resumo, uma demonstração de força avassaladora desta banda que ascende pela porta da frente ao topo da cena RIO do século XXI. Por fim, vale mencionar a colaboração de toda a banda Thinking Plague, bem como de membros do Univers Zero e do Areknamés. Nota: 8,5
E não há nada como ouvir os próprios músicos falando sobre sua música...
O estilo musical da banda é definido como "rock de câmara caótico organizado" — essa é a descrição deles —, mas eles também possuem profundidade musical, charme, contrapontos desafiadores e todo tipo de angularidade. Suas composições são intensas, soando como se tivessem saído de uma mente perturbada (embora ultimamente estejamos cansados de mentes perturbadas, é sempre melhor ouvir uma banda com um som perturbado do que um presidente).
Vamos passar para outra avaliação de terceiros, e o melhor a fazer é ouvi-la até o fim, porque se você gostar, vai adorar. Caso contrário, você vai odiar, mas, ei, você sempre pode continuar ouvindo Chano ou Shakira.
O mesmo conjunto italiano que conquistou aclamação internacional com sua obra-prima, Labirinto d'Acqua, está de volta com um trabalho digno dos maiores grupos de rock de câmara. Para quem não conhece a música desses italianos, seu estilo é a mistura perfeita de rock não convencional e música de câmara contemporânea. Estamos falando de possíveis inspirações, por um lado, de Béla Bartók e Igor Stravinsky, e, por outro, de Henry Cow, Present e Univers Zero. O novo álbum mantém a excelente instrumentação e a composição refinada, e conta com participações especiais de ninguém menos que o baterista Dave Kerman e o baixista Guy Segers, que contribuem magnificamente para cada nota. No início, Iridule emprega alguns tons dissonantes que deixam uma impressão arrepiante, e é a introdução perfeita para um álbum repleto de virtudes não convencionais. Especialistas em mudanças rítmicas, contraponto, cacofonia e até mesmo na geração de estruturas irregulares e intensas que parecem desequilibradas, eles são, na verdade, o produto de um longo período de ensaio, dada a sua sincronização altamente calculada. Essas características, combinadas com momentos em que a performance de um instrumento inclui pausas inesperadas, dão a impressão de que máquinas, e não músicos, estão por trás de tudo. No entanto, o Yugen não é de forma alguma insensível, assim como as bandas e compositores que os inspiram, de modo que, no fim das contas, podemos falar de emoções ou sentimentos transmitidos por sua música, por mais abstratos que sejam. Estamos falando de um virtuosismo que não se restringe a um único músico, mas se estende a todo o conjunto, e que surpreende ao longo de todo o álbum, dada a sua complexidade inerente. As atmosferas que permeiam Iridule são opressivas, marcadas por ataques desenfreados e perversos, e também revelam ambiências mais calmas e sinistras, todas herdadas do melhor do RIO dos anos 70. O Yugen não deixa nada a desejar com este álbum e, na minha opinião, eles são a resposta e a competição para os grupos belgas de rock de câmara que retornaram este ano. Isso se comprova pelo fato de Iridule ser um fenômeno repleto de complexidade, virtuosismo soberbo e uma proposta que abraça o lado mais experimental e variado que a cena da música progressiva e contemporânea ofereceu em 2010. Merecem destaque os riffs de guitarra rápidos — embora pouco frequentes — e poderosos, as linhas de baixo igualmente velozes e as formas percussivas bem colocadas, sempre sustentadas pelo subsistema acústico.
Outro álbum altamente recomendado; é preciso ter cuidado para não machucar a cabeça ou os ouvidos, mas se você o ouvir com atenção, os benefícios serão enormes.
Mais do melhor do rock peruano. Você não encontrará esse tipo de coisa facilmente; nem eu me lembro como os descobri. Do Peru, apresentamos um supergrupo latino-americano chamado Actitud Modulada, um projeto composto por músicos com vasta experiência em rock progressivo e outros gêneros, sempre de altíssima qualidade, cujo som mistura criativamente gêneros como ritmos nativos com toques de jazz, ritmos afro-peruanos e poesia profundamente enraizada em nossa terra natal. Apresentaremos seus três álbuns aqui, então prepare-se para descobrir algo realmente valioso que surpreenderá muitos fãs. Este grupo é formado por ex-integrantes de bandas como Frágil, La Sarita, Kharmina Burana, Hombre de Lata e Flor de Loto, entre outras. Perfeito para encerrar mais uma semana no blog Cabeza e para ouvir durante o fim de semana. E isso não é tudo que temos desta banda, então abra espaço em seus ouvidos, em sua mente e em seu coração.
Artista: Actitud Modulada Álbum: Actitud Modulada Ano: 2018 Gênero: Crossover prog Duração: 42:11 Referência: Rate Your Music Nacionalidade: Peru
Até o momento, o Actitud Modulada lançou três álbuns: o primeiro em 2018, que apresentamos agora, o segundo em 2019 e o mais recente, que inclui a apresentação do grupo no Gran Teatro Nacional de Lima. Com esses álbuns, eles se consolidaram rapidamente na cena peruana, tanto pela criatividade de sua abordagem quanto pela qualidade de seus integrantes, sendo considerados o supergrupo de referência do Peru.
Para começar, vamos relembrar o momento anterior ao lançamento deste álbum, o primeiro do grupo.
O supergrupo de rock peruano Actitud Modulada apresenta seu primeiro álbum. O grupo Actitud Modulada, formado por músicos com vasta experiência em diversas bandas, lançará seu primeiro álbum no dia 27 de dezembro no bar La Noche de Barranco. O grupo, fundado por Daniel López Gutiérrez, conta com membros atuais e antigos de bandas como Frágil e La Sarita. Os vocais principais são do músico e compositor Alejandro Susti. A estreia do grupo apresenta uma coleção de composições caracterizadas pela fusão do rock com a música peruana, tanto da costa quanto da região andina, com uma abordagem virtuosa instrumental típica do rock progressivo. O álbum foi lançado pela gravadora mexicana Azafrán Media e, devido à sua qualidade de produção, performance instrumental e composições, ficou em oitavo lugar na lista dos 10 melhores álbuns de rock peruano de 2018, anunciada nesta segunda-feira no programa especializado 'Rock en Rojo y Blanco', da Agência Andina de Notícias. O conteúdo de áudio do álbum é acompanhado por um DVD, gravado durante as sessões de composição no estúdio Enrique Delgado da APDAYC (Associação Peruana de Autores e Compositores). Além de López Gutiérrez e Alejandro Susti, o Actitud Modulada conta com o baterista Jorge Durand, o multi-instrumentista Tavo Castillo, o percussionista Dante 'Choclito' Oliveros, o baixista Diego Sue e o guitarrista José Palacios. Publicado em: 15/12/2018
E assim chegamos a este primeiro álbum, e para apresentá-lo, estamos fazendo isso da maneira correta...
E para isso, temos as palavras do nosso sempre presente e involuntário comentarista, que nos conta o seguinte sobre o nome da banda...
Hoje temos o prazer de apresentar o eclético conjunto ACTITUD MODULADA, um supergrupo fundado em 2015 cuja oferta musical é um terreno fértil onde jazz-rock, rock sinfônico clássico, hard rock e fusão contemporânea com raízes no folk coexistem. Daniel López Gutiérrez foi a força motriz por trás deste projeto, idealizando um conjunto onde a música, enraizada em uma ideologia progressista, passa por uma metamorfose desde sua essência para expandir sua linguagem para os registros relacionados que já mencionamos. Na formação do ACTITUD MODULADA, López Gutiérrez é responsável pelos teclados, mellotron, theremini, glockenspiel, percussão e vocais de apoio, enquanto Alejandro Susti canta como vocalista principal e toca guitarra elétrica e eletroacústica, Jorge Durand toca bateria e glockenspiel, Diego Sue toca baixo e também contribui com vocais de apoio, José Salvador Palacios Cussianovich brilha na guitarra elétrica solo, Tavo Castillo divide seu tempo entre flauta, pedal steel e guitarras eletroacústicas, mellotron e theremini, e Dante “Choclito” Oliveros cuida de quase toda a percussão. Ocasionalmente, o septeto se reduz a um quarteto, dependendo das necessidades de cada música (como detalharemos adiante). No início de outubro, a banda lançou seu álbum de estreia homônimo em diversas plataformas digitais, enquanto a edição física, que incluirá um DVD com vídeos da banda tocando cada faixa, ainda está pendente. A gravadora mexicana Azafrán Media e a francesa Musea Records produziram em conjunto “Actitud Modulada”, e o álbum foi masterizado em Londres — nada menos que nos estúdios Abbey Road! O engenheiro de som foi Christian Wright (que já trabalhou com Radiohead e Coldplay, entre outros). Ao todo, temos aqui membros da lendária banda FRÁGIL, um ex-integrante do KHARMINA BURANNA e do FLOR DE LOTO (duas das bandas progressivas peruanas mais relevantes do novo milênio), um ex-integrante do STRETCH IT TO THE LIMIT e figura muito ativa na cena jazzística de Lima, um cantor e compositor com vários álbuns solo em sua carreira e um dos percussionistas mais celebrados da cena rock-fusion, que foi membro da banda nacionalmente famosa LA SARITA. Vamos agora analisar os detalhes do repertório de "Actitud Modulada". Ocupando os primeiros 4 minutos e 15 segundos do álbum, "Cuerda Rasgada" apresenta um refrão irresistível e incrivelmente ágil, com sua sólida base de jazz-fusion em nuances de tondero e blues. Como é típico nesses casos em que o ritmo é a característica definidora da paisagem sonora, a estrutura de bateria, percussão e baixo estabelece firmemente o ritmo para o desenvolvimento envolvente do núcleo temático. Após essa explosão inicial contagiante de energia, vem "Demon", uma peça mais sofisticada que incorpora uma poderosa encruzilhada entre jazz-rock e prog, com uma combinação de grooves graciosos e delicados floreios melódicos. A interação entre a guitarra solo e o sintetizador, juntamente com momentos de virtuosismo discreto na guitarra, compõe o panorama geral da peça: em um dado momento, um breve espaço se abre para o cajón brilhar, seguido por outra passagem onde se desenrola um duelo entre os thereminis de Castillo e López Gutiérrez. Com a combinação de 'Gallinazos' e '10:27', o conjunto se concentra com particular intensidade na estrutura sonora estilizada de coordenadas prog-sinfônicas, criando assim dois dos destaques do álbum. A primeira dessas canções tem pouco mais de 9 minutos, enquanto a segunda atinge quase 7 minutos e 15 segundos de duração. No caso de 'Gallinazos', os magníficos versos iniciais do conto de Julio Ramón Ribeyro, "Los gallinazos sin plumas" (Os Abutres Sem Penas), são citados textualmente nos primeiros versos da canção de Susti: "Às seis da manhã a cidade se levanta na ponta dos pés." A essa altura, a estrutura sonora da seção instrumental já passou do silêncio sucinto inicial para um momento expressionista afirmativo, com uma demonstração ressonante de lirismo musical, onde a flauta inicialmente atua como elemento principal, mas posteriormente há uma divisão de domínio entre os teclados e a guitarra solo sobre uma assinatura de tempo incomum. O som situa-se em algum lugar entre Genesis, Camel e Fragil, enquanto alguns aspectos de fusion entram em jogo durante o longo processo de reforço e remodelação do esquema rítmico e da atmosfera geral. O tom cerimonial imposto pelo piano em uma virada sóbria, imbuído de drama sutil, permite que o corpo central retorne com força renovada. O final macabro da história original se transforma em uma canção de emancipação graças às linhas vibrantes de sintetizador que López Gutiérrez coloca em primeiro plano (algo que nos lembra muito os tempos do segundo álbum do KHARMINA BURANNA). Enquanto isso, '10:27' é a versão com letra daquela que era originalmente uma faixa instrumental do segundo álbum de Kharmina Buranna, "Seres Humanos" (2012). Esta versão não só é um minuto e meio mais longa que a primeira, como também apresenta uma exploração mais ponderada de suas nuances potenciais, graças a novos arranjos para os solos de guitarra e às coloridas adições da flauta. Além disso, a percussão adicionada confere ao swing básico da canção um calor renovado ao longo do tema central e uma graça refrescante na vigorosa coda. A letra altamente evocativa reflete a inspiração original: o nascimento do filho mais velho de López Gutiérrez. 'Three Seconds…', interpretada pelo quarteto formado por Palacios, López Gutiérrez, Sue e Durand, representa um dos verdadeiros pontos altos do repertório — senão o seu ápice decisivo. Esta composição sublime de Palacios (um mestre por direito próprio) evoca uma fusão vibrante dos universos de Allan Holdsworth e da Mahavishnu Orchestra, com toques de Cabaret: sobre uma base de desenvolvimento temático genuinamente vigoroso, um esquema rítmico elegantemente autocontido se desdobra graciosamente, enfatizando inteligentemente as cadências centrais da peça. Os espaços vazios que Palacios deixa ao longo do caminho ressoam com a mesma força que os próprios sons. O violão define firmemente o tom do motivo central, ocasionalmente ecoado pelo sintetizador; enquanto isso, a dupla Sue e Durand conduz o swing com precisão impecável, gerenciando a tensão sutil que pulsa ao fundo. Parte dessa tensão é liberada quando, perto do final, Durand apresenta um excelente solo de bateria sob o olhar atento dos instrumentos acompanhantes, cuja missão é manter o foco central da peça em meio ao clímax explosivo de bateria e pratos que se desenrola com majestosa desenvoltura. Tudo culmina em uma coda muito breve, matematicamente delineada em torno dos acordes finais do tema central. Que delícia! Verdadeiramente, que delícia! Confesso: é a nossa faixa favorita do álbum. 'Metamorphosis' ocupa os cinco minutos finais da lista de faixas oficial do álbum, oferecendo uma mistura impressionante de hard rock melódico e rock progressivo. O swing exuberante e pulsante de algumas passagens e a precisão dos riffs são essenciais para manter a força da primeira metade. Na segunda metade, a música transita para uma atmosfera contemplativa, introduzida pela interação equilibrada entre a guitarra solo e a pedal steel. Isso confere à variação reflexiva com que a música termina um brilho marcante e imponente. Como faixa bônus, o DVD inclui um remix de 'Cuerda Rasgada' por THEREMYN_4, uma versão 45 segundos mais curta que a original que abriu o álbum. O processamento eletrônico confere um toque automatizado ao groove tondero inicial, dando-lhe uma robustez mais moderna nessa confluência do terreno e do cibernético. Uma ideia curiosa para dar um epílogo encantador a um álbum que, por sua abordagem eclética, exala uma elegância progressiva de grande pedigree. Com os músicos veteranos que compõem o ACTITUD MODULADA, temos qualidade e versatilidade garantidas, uma garantia plenamente cumprida no prazer estético que experimentamos desde 'Cuerda Rasgada' até 'Metamorfosis'. Este álbum, intitulado “Actitud Modulada”, é altamente recomendado: adicione-o à sua lista de próximas compras de música!
Chega de conversa fiada, tem muita música aqui... a prova está no pudim, veja como isso soa bem.
E como é evidente que muitas pessoas gostaram do álbum, existem vários artigos escritos sobre ele, então vamos passar para outro...
Se fazer música no Peru já é como nadar contra a corrente, imagine embarcar num projeto de rock progressivo. É como lutar contra moinhos de vento. Felizmente, ainda existem pessoas aqui que respiram arte e são apaixonadas por lançar planos que, à primeira vista, podem parecer impossíveis. A música é capaz de mover qualquer coisa. E foi exatamente isso que aconteceu com o Actitud Modulada, um supergrupo peruano que acaba de lançar seu primeiro álbum, que leva o nome da banda. E digo supergrupo porque, de fato, é. Seus membros vêm de diversos coletivos e carreiras solo, o que já dá ao conjunto uma vantagem definitiva. Justamente com um grupo de pessoas tão fantástico, este primeiro álbum não poderia dar errado. Não havia como. No comando está Daniel López Gutiérrez: tecladista que tocou em bandas como Kharmina Burana, Hombre de Lata, Flor de Loto, entre outras. Há também dois músicos de Frágil: Octavio Castillo e Jorge Durand. Juntamente com eles estão Alejandro Susti, cantor e compositor com uma longa e distinta carreira e um prolífico escritor; Diego Sue, baixista que também tocou no Kharmina Burana e atualmente é membro do La Specie, Curiosity e Mandamás; José Palacios Cussianovich, guitarrista da banda de jazz-funk Stretch it to the Limit e do trio de jazz 702 Banana Cake; e Dante Oliveros, renomado percussionista do La Sarita. Com uma formação tão rica, era de se esperar uma diversidade de elementos. E assim é: o álbum de estreia, Actitud Modulada, parte de uma base progressiva, mas incorpora detalhes sonoros e harmonias de outras tradições musicais. Por exemplo, uma faixa como Cuerda Rasgada — que abre o álbum — incorpora o espírito afro-peruano, magistralmente integrado à estrutura geral da obra. Enquanto isso, Demon transita por espaços onde o hard rock e o jazz reinam absolutos. Uma peça instrumental onde o virtuosismo dos músicos da banda é imediatamente evidente. Há também uma forte influência de jazz em "Three Seconds" (outra faixa instrumental), enquanto em "Metamorfosis" o hard rock volta a te agarrar pela garganta. As faixas progressivas mais puras são "Gallinazos" e "10:27", obras que exibem toda a riqueza do gênero e combinam uma pluralidade de atmosferas que vão da calma bucólica a vórtices imersos em agitação. Menção especial para a voz calorosa de Alejandro Susti, com um timbre ideal para esta requintada oferta musical. " Actitud Modulada" — o álbum — foi gravado nos antigos estúdios Iempsa em Lima e masterizado no lendário Abbey Road Studios em Londres, sob a supervisão de Christian Wright, que já trabalhou com artistas como Radiohead, Blur, Arcade Fire, Bryan Ferry, Coldplay e muitos outros. Ao terminar de escrever isto, percebo que não consigo tirar da cabeça músicas como "Gallinazos", "Metamorfosis" e, claro, "Cuerda Rasgada". Sem dúvida, o álbum de estreia do Actitud Modulada é magnífico. Que venham muitos mais! Nota: 9/10
Resumindo, mais uma pequena joia a ser descoberta e mais um exemplo da abundância de bandas e projetos de qualidade surgindo da América Latina, que muitas vezes passam despercebidos mais por forças de mercado do que por uma necessidade genuína de promover a riqueza de talento musical garantido. Aqui no nosso blog, adoramos compartilhar e apreciar esses pequenos tesouros. Aproveite!
Um grande músico armênio, e hoje voltamos com seu mais recente álbum deste ano. E se você achava que já tinha ouvido tudo o que o jazz e a música folclórica armênia tinham a oferecer (bem, com o pouco que você ouviu), sente-se e prepare-se, porque este álbum é uma experiência religiosa e matemática ao mesmo tempo, onde ele quebra completamente os padrões, toma uma posição e define seu próprio manifesto sonoro para compartilhar com você, combinando jazz, prog pesado e espiritualidade. É complexo, leva tempo para digerir, mas tem uma beleza tão crua que cativa mesmo que você não entenda nada de teoria musical. Entre tudo o que pode ser dito sobre este álbum, devo dizer que, além da perfeição da música em si, há o aspecto da produção, já que o áudio é assustadoramente nítido; você pode até ouvir o suspiro de Tigran antes de se lançar em um daqueles solos frenéticos que fazem parte de seu estilo. Se você curte jazz que ousa se misturar com rock e tem raízes culturais profundas, dê o play neste álbum e prepare-se para 72 minutos de pura adrenalina. Um álbum altamente recomendado (e praticamente desconhecido) para começar o dia com o pé direito! Artista: Tigran Hamasyan Álbum: Manifeste Ano: 2026 Gênero: Jazz Contemporâneo / World Fusion / Jazz-Rock Duração: 72:00 Referência: Discogs Nacionalidade: Armênia
Neste trabalho, Tigran mergulha ainda mais fundo nessa mistura frenética de jazz contemporâneo, polirritmias poderosas tocadas no piano (há momentos em que Tigran não apenas toca piano, ele o castiga com tamanha precisão que soa como uma bateria afinada em notas) e as antigas tradições da Armênia. O mais curioso em "Manifeste" é que soa mais orgânico do que seus experimentos anteriores, mas não menos complexo. É como se ele tivesse encontrado o equilíbrio perfeito entre a força bruta de uma banda de djent e a delicadeza de um monge em um mosteiro do Cáucaso.Os padrões rítmicos são de outro mundo; eles constantemente te desafiam a encontrar a primeira batida, e justamente quando você pensa que conseguiu, eles te surpreendem. Mas, como o título sugere, isso não é apenas música, porque há uma carga política e humana aqui, perfeita para calar a boca daqueles idiotas que dizem que arte não deve ser misturada com questões sociais. Você sente uma urgência, uma mensagem por trás de cada composição. Há uma qualidade épica poderosa, quase como se cada faixa fosse uma proclamação de resistência e liberdade.
Desde o início, a obra se impõe, é poderosa desde o princípio, com uma seção rítmica arrebatadora e melodias que ressoam profundamente na alma. Mas então, ela revela sua herança armênia, transformando-se em uma jornada ao passado com uma perspectiva futurista. Sua sensibilidade ao lidar com escalas tradicionais também é notável. E, finalmente, há um final perfeito, com um tema longo e épico que cresce em intensidade até você sentir que o piano está prestes a explodir ao seu lado. É pura emoção derramada sobre as teclas.
O pianista e compositor armênio Tigran Hamasyan (Gyumri, Armênia, 1987) apresenta "Manifeste", um álbum que marca um novo capítulo para um dos artistas que trabalham na interseção do jazz, do rock progressivo e da música global. O álbum, uma declaração sonora que se inspira nas profundas tradições espirituais de sua herança armênia, foi gravado entre 2023 e 2025 e emerge como uma declaração profundamente pessoal e um retrato vívido da busca, da alegria da criação e da transformação espiritual. Após seu álbum duplo de 2024, "The Bird of a Thousand Voices", Tigran Hamasyan continua sua exploração artística com uma obra que se desdobra em uma sequência ritualística. Da meditativa "Prelude for All Seekers" à poderosa "National Anthem of Repentance", a obra combina complexidade rítmica e profundidade espiritual com uma estética fresca e progressiva. "Manifeste" exibe uma ampla paleta instrumental através do uso de efeitos, sintetizadores e design de som, criando atmosferas contrastantes. Sobre a filosofia por trás deste álbum, Tigran Hamasyan escreve: “Nós nos cristalizamos através do sofrimento. O papel do artista é permitir que o público experimente a catarse, retornando ao mistério eterno do nascimento da existência, de onde viemos e para onde retornamos.” Essa metafísica permeia cada momento de “Manifeste”, onde Hamasyan une o humano, o digital e o sagrado em uma declaração de unidade através do som, onde a tecnologia de ponta se funde com a ressonância ancestral. Com este novo álbum, Tigran Hamasyan solidifica sua posição como um dos pianistas e compositores de jazz e rock mais notáveis e distintos de sua geração.
qualquer forma, aqui estão 14 músicas que, através dos seus ouvidos, irão direto para a sua cabeça e para o seu coração, então não pense demais e simplesmente comece a ouvir...
"Manifeste" é, sem dúvida, um dos pontos altos da carreira de Tigran. Não é um álbum para se ouvir casualmente enquanto se faz outra coisa; é uma obra que exige atenção plena. Para aqueles que acompanham sua evolução, este álbum é a prova de que não há limites para o que esse artista pode alcançar.
O aclamado pianista e compositor Tigran Hamasyan apresenta Manifeste, uma declaração sonora imbuída das profundas tradições espirituais de sua herança armênia. Com lançamento previsto para 6 de fevereiro de 2026 pela Naïve Records, o álbum marca um novo capítulo para um dos artistas mais visionários que atuam na interseção do jazz, do rock progressivo e da música global. Gravado entre 2023 e 2025 em estúdios em Yerevan, Atenas, Moscou, Los Angeles e outros locais, Manifeste surge como uma declaração profundamente pessoal e um retrato vívido da busca, da alegria da criação e da transformação espiritual. Após seu aclamado álbum duplo de 2024, The Bird of a Thousand Voices, Hamasyan continua sua destemida exploração artística com uma obra que se desdobra em uma sequência ritualística. Da meditativa "Prelude for All Seekers" à poderosa "National Anthem of Repentance", a obra combina complexidade rítmica e profundidade espiritual com uma estética inovadora e progressiva. “Buscar e trabalhar em si mesmo para descobrir quem você é… encontrar algo que talvez sempre tenha estado lá, mas que você precisa desenterrar para que possa se manifestar e nascer neste mundo”, reflete Hamasyan nas notas do álbum. “Aquele momento em que uma peça musical nasce e a alegria preenche seu coração é o momento mais precioso para mim como músico.” Ao longo do álbum, a arte pianística de Hamasyan atinge patamares extraordinários, navegando por estruturas rítmicas complexas e intrincadas com seu conjunto de classe mundial. As seções mais pesadas vibram com uma qualidade de metal progressivo, especialmente na explosiva faixa de abertura “Prelude For All Seekers” e na sombria e cativante “A Eye (The Digital Leviathan)”, que apresenta o trabalho de guitarra penetrante de Nick Llerandi ao lado da poderosa seção rítmica de Marc Karapetian no baixo e Matt Garstka na bateria. Melodias folclóricas armênias brilham através dessas bases densas e pesadas, fundindo sabedoria ancestral com urgência moderna. O álbum exibe uma paleta instrumental magistral através do uso refinado de efeitos, sintetizadores e design de som, criando contrastes impressionantes em atmosfera e humor. “E flat Venice – Per Mané” explora a fusão da sensibilidade pop lírica com a música eletrônica, apresentando os vocais etéreos de Asta Mamikonyan juntamente com a programação de bateria e o trabalho de sintetizador de Hamasyan. A faixa ganha impulso com um acompanhamento cada vez mais rítmico, culminando em um groove com influências techno e pulsações funky e dançantes. Os arranjos e a produção de Manifeste exalam uma qualidade cinematográfica, resultando em uma experiência auditiva dinâmica e imersiva. Cada composição cria um universo sonoro e uma abordagem que guia o ouvinte por uma série de ambientes musicais épicos, cada um com seu próprio terreno emocional e identidade textural.
Lista de faixas: 1. Prelude For All Seekers (4:30) 2. Yerevan Sunrise (4:55) 3. Manifeste (8:23) 4. One Body, One Blood (4:23) 5. Seven Sorrows (7:20) 6. Years Passing - For Akram (2:25) 7. Dardahan (4:12) 8. War Time Poem (3:47) 9. The Fire Child - Vahagn is Born (4:02) 10. Ultradance (6:13) 11. Per Mané - Eb Venice song (4:48) 12. Window From One Heart To Another - For Rumi (2:40) 13. A Eye - The Digital Leviathan (8:14) 14. National Repentance Anthem (6:42)
Formação: - Tigran Hamasyan / piano, sintetizadores, vocais, programação Músicos convidados: Marc Karapetian / contrabaixo Matt Garstka / bateria Arman Mnatsakanyan / bateria Arthur Hnatek / bateria, programação de bateria Nate Wood / bateria Evan Marien / contrabaixo Daniel Melkonyan / trompete Nick Llerandi / guitarras Artyom Manukyan / violoncelo Asta Mamikonyan / vocais Hamin Honari / daf Yessai Karapetian / blul Yerevan State Chamber Choir dirigido por Kristina Voskanyan
