John Lees' Barclay James Harvest – Relativity (2025) [Qualidade de CD + Alta Resolução] [Lançamento Digital Oficial]
Com vários anos de produção, o álbum é uma coleção de 78 minutos de canções vagamente baseadas no conceito de interação e relacionamentos humanos e cósmicos. Produzido pela banda e mixado pelo aclamado engenheiro Stephen W. Tayler (conhecido por seu trabalho com Kate Bush, Rush, Howard Jones, Rupert Hine, Tina Turner e muitos outros).'Relativity' é um verdadeiro trabalho de grupo de John Lees, Craig Fletcher, Jez Smith e Kevin Whitehead, que se inspira na rica herança musical do Barclay James Harvest, ao mesmo tempo que se apresenta como uma obra musical feita para os tempos atuais. O resultado é um dos melhores álbuns de qualquer formação do BJH em muitos anos.
Lista de faixas : 01. Relativity, Pt. 1 (Through the Dust) – 09:10 02. The Blood of Abraham – 07:43 03. Heard it All Before – 07:54 04. Magpie – 06:53 05. Love – 04:51 06. Peace Like a River – 04:19 07. Hourglass – 06:49 08. Snake Oil – 08:49 09. The End of Days – 06:44 10. Picture World – 05:45 11. Relativity, Pt. 2 (The Stars That Shine) – 09:02
Banda finlandesa de rock progressivo dos anos 90 com ex-membros do Scarab.
Banda de rock progressivo da Finlândia.
Este álbum de 1983 tem um som prog clássico agradável, talvez um pouco como a banda compatriota Fantasia transportada para os dias do neoprog e do Marillion. É definitivamente uma capa dramática para algo que não soa nada dramático ou assustador a ponto de justificar uma caveira na frente de um coração, mas parabéns para eles por terem se entregado completamente à arte surreal.
Asylum 32 tem uma agradável sensação tritonal, mas não se desenvolve muito em território progressivo; não se parece em nada com o clássico antigo Sad Sorceress da Rhea, embora explore um território harmônico e lírico semelhante.
(Note-se que esta composição foi, como era de esperar, reaproveitada no primeiro álbum dos Ageness, Showing Paces , de 1992.)
Outra ex, para o filho dela :
É maravilhoso que quase não haja influência digital dos anos 80, como no meu antigo favorito de 1980, o Prisma, que, embora mais complexo, é bastante similar em termos de som geral.
A execução e o canto são muito competentes, precisos e agradáveis em termos de execução, pelo menos para o neoprog. A questão é que, nesse estilo, o que mais se assemelha ao prog de verdade é a maneira como imita o estilo nasal, staccato e afetado de Peter Gabriel, nessa ordem. De resto, as progressões de acordes são comuns, não há mudanças repentinas, influências clássicas, fusion, partes jazzísticas, definitivamente nenhuma dissonância ou segunda menor, nenhuma mistura de partes acústicas com partes pesadas. Se incluíssem esses elementos, certamente chamaríamos de prog de verdade, não de neoprog. Mas essa é apenas a minha opinião.
Mortal Wings of Sin, uma faixa bônus que não estava no lançamento original , me lembra muito o prog alemão que já mencionei aqui antes, como Boheme, do Iskander , em termos de sonoridade, não necessariamente em termos de qualidade:
O anúncio da reedição com faixas bônus ao vivo está aqui . Esta é a cópia que tenho para compartilhar. Infelizmente, as faixas ao vivo sofrem com gravações de baixa qualidade, o que, pessoalmente, prejudica minha experiência. No entanto, um violino aparece aqui e ali, semelhante a Kansas ou Curved Air do UK, outras músicas de Darryl Way, etc.
Com um estilo semelhante ao da conhecida banda suíça de neoprog, Flame Dream, mas exatamente o que se esperaria da banda semi-prog Scarab, seguindo em frente pelos temidos anos 80 e chegando aos gloriosos anos 90.
No entanto, como música neo, é muito boa; veja New World Anthem do primeiro álbum, com a ótima imitação de Gabriel, completa com letras ridículas e vozes engraçadas perto do final:
Como sempre, me surpreende que isso tenha sido lançado no mesmo ano em que Nirvana, Pearl Jam e o rock alternativo surgiram e dominaram 90% do cenário musical.
Pelo menos para mim, a partir do álbum Liar's Lair de 2009, os Sons of Madness soam inimitavelmente como a antiga banda Flame Dream:
Na época em que formou sua banda homônima, o músico inglês Paul Brett (n. 1947) era considerado um dos melhores guitarristas de doze cordas do mundo. Seu currículo era impressionante, com sua passagem mais recente pela banda de blues psicodélico Velvet Opera , que se dissolveu em 1969. As tendências emergentes do rock progressivo não passaram despercebidas por Brett, que sempre foi sensível ao seu tempo. Uma consequência direta disso foi a formação do conjunto Paul Brett Sage : Paul - guitarra solo e vocal; Dick Dufall - baixo; Bob Voice - percussão; Nikki Higginbottom - flauta/saxofone. Os novatos foram acolhidos pelo produtor Cyril Stapleton, que os contratou para a jovem e premiada gravadora Pye Records. E logo o primeiro LP da banda, ainda sem título, foi lançado. A completa ausência de teclados no quarteto os diferenciava do movimento proto-threshold. Numa época em que os líderes de outras bandas abraçavam a polifonia com órgão e mellotron, o quarteto liderado por Brett adotou uma abordagem completamente diferente. A base rítmica de seu primeiro álbum, Sage, era composta por harmonias folclóricas tradicionais, intrincadamente filtradas por um prisma de arranjos rock. A faixa de abertura do álbum, "3D Mona Lisa", é um exemplo disso, lançada em single juntamente com "Mediterranean Lazy Heat Wave". Os solos elétricos caprichosos de Paul e seus vocais intensos são sustentados por progressões de acordes acústicos, riffs sutis de flauta, a bateria frenética de Bob Voice e uma polifonia virtuosa e cantada. Na balada vibrante "The Sun Died", centrada no violão de 12 cordas delicado e no canto comovente do maestro, um órgão Hammond se integra perfeitamente à paleta sonora, compartilhando uma linguagem melódica com os metais. "Little Aztec Prince" é uma peça verdadeiramente pitoresca, que se beneficia enormemente dos efeitos atmosféricos de percussão (congas, bongôs e címbalos). A encantadora "Reason for Your Asking" nos transporta para um mundo de lendas de contos de fadas da nebulosa Albion, com o auxílio da orquestra conduzida por David Palmer ( Jethro Tull ). "Trophies of War" é marcada pela execução assertiva das cordas por Brett, pelos sobretons incomumente graciosos da flauta de Higginbottom e pelos timbres um tanto superficiais do órgão. Deve-se dizer que o som original de Paul Brett Sage representa uma espécie de desafio à refinada cena artística londrina, vindo dos aldeões de espírito simples. No entanto, as composições aqui apresentadas, apesar de sua aparente acessibilidade, contêm — ainda que simples — um subtexto filosófico e técnicas de composição originais. As façanhas acústicas virtuosas do gênio criativo na segunda metade de "The Tower" e o raro "motivo" na comovente "The Painter" são surpreendentes, assim como outros elementos estruturais.dispostas em uma cadeia organizada pela mão habilidosa do criador Paulo. Resumindo: uma simbiose maravilhosa entre o rock progressivo inicial e a atmosfera folclórica patriarcal dos antigos condados ingleses. Uma dica para os amantes da música dos anos 70.
Até 1994, o organista Csaba Vedres foi uma figura chave na cultuada banda húngara de rock progressivo After Crying . Sua saída da banda se deu por divergências ideológicas com seus antigos colegas. Graças à sua sólida reputação nos
círculos artísticos locais, Csaba rapidamente formou uma banda de apoio e começou a se apresentar ativamente sob seu próprio nome. Quando surgiu uma tendência à uniformidade entre os acompanhantes, o maestro Vedres percebeu que era hora de mudar de nome. Assim, uma nova e singular formação, Townscream, emergiu na cena progressiva húngara . Integrantes: Peter Asch - baixo; Gabor Baross - bateria; Béla Gál - violoncelo, sintetizadores; Csaba Vedres - teclados, vocais. O quinto membro da banda era o engenheiro de som (e letrista ocasional) Gabor Egervári.
Seria natural esperar que o Townscream apresentasse um programa no espírito de After Crying . No entanto, a única coisa que une os dois grupos é o amor dos criadores do repertório pelas sonatas clássicas do passado. E o mentor Vedresh não hesita em admitir o óbvio. Contudo, a abordagem composicional do Townscream é definitivamente diferente da de seus companheiros de banda. Como o Townscream não possui guitarrista, a principal carga instrumental recai automaticamente sobre o piano, acompanhado por um sintetizador Korg Trinity Plus. E acreditem, meus amigos, o material cuidadosamente composto deixa bastante espaço para os teclados brilharem. O tema central do álbum é a suíte em quatro partes que dá título ao projeto, "Nagyvárosi ikonok". Sua abertura sem palavras demonstra o estilo sinfônico assertivo característico do idealizador do evento. Acordes fugazes de piano, de rara potência e beleza, dão lugar a uma orquestração sintética reflexiva, como que a sugerir que os efeitos externos não são um fim em si mesmos, mas meramente um meio auxiliar necessário, um atributo indispensável da paisagem sonora. Da dominância da música eletrónica em "Nagyvárosi ikonok II", o líder do quarteto salta habilmente para o classicismo avançado com um toque de ruído de vanguarda, apenas para confrontar todos estes vetores sonoros de uma só vez no episódio seguinte. O luminoso estudo "Minden Nap" exala um pastoralismo camerístico, cuja principal força reside no diálogo expressivo entre as partes de violoncelo de Béla Gál e as belas passagens de flauta do convidado especial Christophe Fogolian. Em "Fekete Hangulat", o ouvinte é brindado com uma fusão sinfónica vibrante e de alta qualidade, que encontra uma continuação altamente envolvente no expansivo esboço "Koldus". A massa elétrica "Íme, hát megleltem hazámat" está imbuída de um profundo sentimento religioso, enquanto o esboço paisagístico "Így szólt a madár" gravita em torno de um tipo especial de gênero orquestral new age. A experimentação medieval é explorada em "Hajnali ének", enquanto o refrão final, "Alászálla a poklokra"/"Az utolsó ikon", é uma peça verdadeiramente progressiva, generosamente temperada com as travessuras dos tocadores de metais convidados - um trompetista e um trombonista.
Em resumo: um exemplo brilhante de pensamento criativo original, materializado em uma apresentação de rock incrivelmente cativante e altamente artística. Altamente recomendado.
Ela surgiu como uma grata novidade no mundo pop. Um sopro de vida no mundo da música. Era diferente do que se via naquele momento. Era indesmentivelmente pop, sim, não negava isso, mas mostrava que era possível fazer aquilo sem apelação, gemidinhos ou lingeries. E além do mais tinha a careca! Aquela cabeça raspada que conferia aquela garota todo um ar de agressividade e rebeldia mas que, no entanto, não era gratuita, jogo de cena ou meramente uma marca pop, e sim uma reminiscência da infância sofrida entre abusos, violência e orfanatos. Sinéad O' Connor, aparecia lá naquele 1987 com seu vigoroso "The Lion and the Cobra", um disco que conduzia juntos força e singeleza, atitude e universalidade, fúria e sensibilidade. "Jackie", a primeira do disco, uma faixa crescente, conduzida só na guitarra, funciona quase como uma pequena introdução ao álbum, dada sua curta duração; sendo assim, a seguir vem então uma sequência matadora com os dois principais hits do disco, a vigorosa "Mandinka" e "Jerusalém" com sua atmosfera mística e exótica de magia. Aí o ritmo quebra um pouco com a balada quase acústica "Just Like You Said It Will B" de linhas espanholas; com a etérea "Never Get Old", de participação da também irlandesa Enya, em uma faixa bem ao estilo desta conterrânea; e com a orquestrada "Troy" que ganha em ímpeto, em intensidade, em ênfase e interpretação, até culminar num final grandioso e espetacular. Um dos grandes momentos do álbum, "I Want Your Hands (On Me) é um um pop de primeira qualidade com uma programação de bateria pra lá de bacana, um embalo contagiante e uma interpretação fantástica da cantora com um refrão de poder hipnótico. "Drink Before the War", que vem na sequência, baixa a rotação de novo numa balada melancólica e "Just Call Me Joe", segue a linha da abertura, numa faixa conduzida por uma guitarras rascante mas que aqui contrasta com a doçura do vocal de Sinéad.
"Combata o verdadeiro inimigo"
A irlandesa viria ainda a alcançar grande com a interpretação inspiradíssima de "Nothing Compres 2 U" de Prince em seu disco seguinte "I Do Not Want What I Haven't Got", interessante mas não tão brilhante quanto o primeiro; mas prejudicou brutalmente a própria carreira quando em 1992, rasgou a foto do então Papa João Paulo II ao vivo na TV americana advertindo "Combata o verdadeiro inimigo". Atitude até com fundamento, se formos considerar a hipocrisia, o poder, e sobretudo os escândalos sexuais da igreja católica envolvendo crianças, mas naquele momento tão gratuito e fora de contexto que acabou por lhe render restrições, boicotes, vaias e, enfim, uma péssima repercussão. Talvez a cantora tenha pago o preço exatamente por não ser oportunista. Teria sido muito mais 'fácil' e garantido, se formos pensar em termos de visibilidade para um artista, fazer tal protesto diante de uma manchete forte envolvendo o Vaticano, de algum escândalo específico, ou nos dias de hoje em que os abusos são constantemente denunciados, mas naquele momento,desvinculado de qualquer fato forte o suficiente e com o carisma de João Paulo II, tudo acabou apenas conspirando contra a própria artista. Fato é que desde então a carreira (e a vida) de Sinéad tem sido uma constante confusão entre casamentos, divórcios, seitas, discos religiosos, ativismo, engajamento, polêmicas e projetos musicais interessantes porém mal resolvidos. Sinéad O'Connor é para mim uma espécie de xodó. Até gosto mais de outras cantoras, outras tem obras mais relevantes, contribuições maiores que as dela mas gosto dela de uma maneira quase irrestrita. Além de musicalmente praticamente sempre curtir as coisas que faz, mesmo as mais esquisitas, tenho uma espécie de carinho por essa 'menina' confusa, traumatizada e revoltada como se a conhecesse pessoalmente e para cada perda de rumo ou besteira que ela faz na vida eu até entenda mas intimamente não deixe de lamentar, pensando cá comigo algo do tipo, "Ai, Sinéad, de novo?".
************************************ FAIXA: 1. "Jackie" 2:28 2. "Mandinka" 3:46 3. "Jerusalem" 4:20 4. "Just Like U Said It Would B" 4:32 5. "Never Get Old" 4:39 6. "Troy" 6:34 7. "I Want Your (Hands on Me)" 4:42 8. "Drink Before the War" 5:25 9. "Just Call Me Joe" 5:51
Sabe aqueles discos que a gente acha que ninguém mais gosta além de você? Pois é, "Am I Not Your Girl?", de Sinéad O'Connor era assim pra mim. Já era fã da cantora de seus trabalhos de carreira, mas aí na compilação "Red Hot + Blue" coletânea com vários artistas em homenagem a Cole Porter, descobri a veia jazz da irlandesa. No projeto da organização Red Hot, em benefício às vitimas da AIDS, Sinéad interpretava, de forma magnífica, a lindíssima "You do something to me" e aquilo me arrebatou. Mas acredito que a experiência tenha sido importante para ela também, uma vez que a cantora lançaria dois anos depois, um álbum só de standarts do jazz.
Sinéad canta com elegância, com precisão, confere a emoção exata para cada canção.
A faixa de abertura já justificaria todos os elogios à obra: "Why don't you do right?", canção originalmente do filme "As noivas do Tio Sam", mas imortalizada na voz da sensual personagem de desenho Jessica Rabbit, ganha carne e osso na boca de Sinéad O'Connor numa interpretação provocativa, insinuante, venenosa, digna da femme-fatale do desenho animado.
"Bewitched, Botched and Bewildered" que a segue, conjuga magicamente melancolia, delicadeza e graça, com a cantora colocando uma doçura tal, uma fragilidade na voz... que chega a ser algo realmente tocante. "Secret Love", originalmente cantada por Doris Day, nos anos 50, tem um arranjo mais aberto, mais luminoso, mas Sinéad canta num ar quase confidente ao revelar, "Once I had a secret love" e logo abre o peito para revelar que não tem segredos para mais ninguém, "My secret love is no secret anymore". E "Black Coffee", gravada anteriormente por nomes como Sarah Vaughn e Ella Fitzgerald, e trilha do filme "Algemas Partidas" em 1960, confirma perfeitamente aquela atmosfera misteriosa de filme noir.
No entanto é em "Success has made a failure of our home" que a irlandesa despeja sua maior carga emocional em uma das canções do disco. Apoiada por um arranjo jazz-rock intenso, Sinéad numa interpretação dramática, encarna uma mulher desesperada, quase indo às lágrimas, se desfazendo, se desintegrando diante de seu homem, implorando para que ele simplesmente diga que ela ainda é sua garota.
Outro ponto alto do disco é a ótima "I want to be loved by you", do filme "Quanto mais quente melhor", na qual Sinéad conserva a discontração e a leveza da original, interpretada por Marilyn Monroe, com direito até a um "Boop-boop-a-doop!", que, se não tem a mesma sensualidade da loira, tem graça e doçura.
A sombria canção do compositor húngaro Rezső Seress, letrada por László Jávor, "Gloomy Sunday", associada frequentemente a suicídios, traduzida para o inglês e cuja interpretação mais famosa é de Billie Holiday, ganha uma verão não menos emocional, intensa e cheia de possíveis "leituras" e "interpretações" na voz da irlandesa que, sabe-se bem, embora tenha morrido de causas naturais, tentara o suicídio diversas vezes durante a vida.
"Love Letters", clássico que já esteve nas trilhas de diversos filmes e peças, com os mais variados andamentos e ênfases, neste disco ganha uma sonoridade imponente de metais com uma poderosa introdução de uma orquestra de jazz, enquanto Sinéad, se comparada a outras grandes vozes como Nat King Cole e Elvis Presley que já interpretaram a canção, opta por uma interpretação sóbria, comedida, que lhe confere um aspecto ainda mais fragilizado.
Em uma leitura extremamente melancólica e dramática do clássico da bossa-nova, "Insensatez", de Tom Jobim e Vinícius de Moraes, a irlandesa demonstra toda a importância e a influência da música brasileira em sua formação. "Scarlett Ribbons", canção de Natal na sua origem, aqui adquire uma carga quase fúnebre. Muito se dá pelo formato: a voz acompanhada apenas por uma flauta, e o tom cru do estúdio, com o ouvinte podendo captar todas as respirações, as pausas, os vazios...
"Don't cry for me, Argentina", do musical Evita, aparece em duas versões, uma cantada, que se não é nada excepcional, no mínimo é, inegavelmente, melhor do que a da Madonna, e uma instrumental, num jazz descontraído e acelerado, que, praticamente fecha o disco, que ainda tem uma mensagem pessoal da cantora sobre a dor (o que também fez ainda mais sentido depois das circunstâncias de sua morte).
Na época que soube do projeto da irlandesa, tratei de dar um jeito de dar um jeito de conseguir aquele seu novo álbum, só que duro como era na época (e ainda sou), o jeito foi gravar e ter em K7. Muito ouvi aquela fita. Gastei os cabeçotes do walkman com ela. Até evoluí depois, embora ainda sem grana, para o CD gravado, mas nunca havia tido uma mídia original. Até que numa dessas feiras de vinil, encontrei por um preço bem razoável o "Am I Not Your Girl?" em LP. O vendedor, um senhorzinho muito simpático que me contou ter sido DJ em festas disco dos anos 70, se derreteu pelo álbum. Disse ser aquele, na sua opinião, um grande disco, trabalho que muita gente não valoriza mas que para ele era o melhor da cantora, interpretações incríveis e tudo mais... Se eu tivesse alguma dúvida, as teria abandonado naquele momento com uma manifestação tão entusiástica como aquela. Mas a admiração pelo disco não parou nele: tenho o hábito de compartilhar nas redes sociais minhas trilhas sonoras do dia e num dia desses qualquer, ouvindo o álbum, lancei lá no Facebook, no Instagram, no Twitter, um "Ouvindo agora, "Am I Not Your Girl?", de Sinéad O'Connor". Ah, foi uma enxurrada de likes e comentários. "Grande disco", "Esse disco é muito bom", "Dos meus preferidos", e etc. Aí que eu descobri que não sou só eu que adoro esse disco. E, cá entre nós, um disco com tantos clássicos, canções eternizadas pelo cinema, músicas já interpretadas por nomes imortais, admirado desta maneira, e com essa importância na vida de tanta gente, não pode ser considerado menos que um ÁLBUM FUNDAMENTAL.
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FAIXAS:
1. "Why Don't You Do Right?" - Joe McCoy(2:30)
2. "Bewitched, Bothered and Bewildered" - Lorenz Hart, Richard Rodgers(6:15)
3. "Secret Love" - Sammy Fain, Paul Francis Webster(2:56)
4. "Black Coffee" - Sonny Burke, Paul Francis Webster (3:21)
5. "Success Has Made a Failure of Our Home" - Johnny Mullins(4:29)
6. "Don't Cry for Me Argentina" - Andrew Lloyd Webber, Tim Rice (5:39)
7. "I Want to Be Loved by You" - Bert Kalmar, Harry Ruby, Herbert Stothart (2:45)
8. "Gloomy Sunday" - László Jávor, Sam L. Lewis, Rezső Seress (3:56)
9. "Love Letters"Edward Heyman, Victor Young3:07
10. "How Insensitive" - Vinicius de Moraes, Norman Gimbel, Antônio Carlos Jobim(3:28)
11. "Scarlet Ribbons" - Evelyn Danzig, Jack Segal (4:14)
12. "Don't Cry for Me Argentina" (Instrumental) - Andrew Lloyd Webber, Tim Rice (5:10)
13. "Personal message about pain (Jesus and the Money Changers)" (Hidden track) - O'Connor (2:00)
Bem como o Kraftwerk, referência em música eletrônica, a dupla americana Silver Apples foi uma das grandes responsáveis pelo desenvolvimento do gênero; não com a mesma qualidade dos alemães, que surgiram depois mas atingiram resultados mais expressivos, mas ainda assim com muita relevância no cenário musical de um modo geral. Muito doidos, psicodélicos, criativos e experimentais, os Silver Apples, ao mesmo tempo que prenunciavam uma série de estilos dentro da prórpia música eletrônica, ajudavam também, de certa forma com suas repetições, timbres, vocais e minimalismo, na formação do punk rock que explodiria dali a alguns anos, “Silver Apples” , seu álbum de estreia, de 1968, é o que merce atenão especial. Seu som ainda soa cru e pouco trabalhado, se formos comparar com o que o Kraftwerk conseguiria fazer pouco tempo depois; pode soar até meio repetitivo e pouco criativo para os mais exigentes, mas exatamente por isso mesmo torna-se extremamente interessante e mais valoroso no seu contexto, conseguindo com criatividade atingir uma sonoridade bem rock, mesmo sem o instrumental característico, uma vez que a dupla Danny Taylor e Simeon III, utilizava-se basicamente de uma bateria (acústica) e uma espécie de sintetizador primário que chamavam de oscilador eletrônico. Destaques para a excelente “Oscillations” que abre o disco, síntese de tudo o que a banda se propunha num misto perfeito de experimentação, psicodelia, concretismo e atitude musical; para o que a segue: “Seagreen Serenades”; para a boa “Velvet Cave” com sua beteria pesada e forte; para os tons árabes de “Whirly-Bird”; e para a tribal “Dancing Gods”. Criativo e inovador, um pouco estranho, é verdade, mas absolutamente fundamental. ********************************
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