Trilhas sonoras de Romolo Grano:1974 Civiltá Sepolte; 1974 Ho Incontrato Un'Ombra; 1974 L’Edera

Mais uma vez, temos informações aqui . Após ouvir Kilimanjaro , decidi pesquisar para ver se encontro outras grandes surpresas. A música de biblioteca é, por vezes, bastante improvisada, abstrata e atonal, como por exemplo, Musica Elettronica  , enquanto as trilhas sonoras são geralmente de música clássica orquestral, como por exemplo, Madame Bovary.

Em meados da década de setenta, porém, há uma série de trabalhos mais influenciados pela fusão de estilos e/ou pelo estilo de Morricone, que são estes 3.

Do álbum Civilta , com informações mínimas no Discogs, com Paolo Renosto e Genitura :

De L'Edera ( título traduzido como "A Hera - Trilha Sonora Original de Série de TV" ), Fiume di Mare , com os vocais instrumentais de Morricone:

Embora Suoni Antichi apresente acordes politonais de Stravinsky nas cordas:

"Ha Incontrato",  do mesmo ano, apresenta alguns elementos de fusão; note-se também que foi " extraída do telefilme italiano de 1974, em quatro episódios, dirigido por Daniele D'Anza".  Veja, por exemplo, "  Working in the City", com seu adorável groove à la Herbie Hancock:

April Orchestra - Francis Rimbert + Frederick Rousseau

 

A música aqui é quase tão boa quanto a dos antigos clássicos da AO que eu colecionava antigamente (veja a função de busca aqui) . Eu deixei essa passar na época. E que surpresa estar de volta aqui com esses caras e suas aparentemente infinitas faixas de biblioteca. Olhando para toda a série, é realmente incrível a quantidade de música boa que havia naquela pequena biblioteca local, silenciosa e negligenciada.

Este álbum foi lançado em 1982, e parece que todas as composições foram escritas em parceria pelos dois artistas.

Francisco Rimbert:

Tecladista e compositor nascido em 3 de outubro de 1953 em Val-d'Oise (França). Aos 5 anos, começou a tocar piano e, mais tarde, acordeão. Aos 7 anos, começou a tocar harmônio na igreja. Estudou no Conservatório de Paris (Paris, França), mas não gostou do ambiente da música clássica. Aos 14 anos, formou sua primeira banda, da qual não gostou, e por isso a dissolveu. Mais tarde, fundou o FanChris juntamente com um cantor e compositor folk.

Em 1978, ele começou a trabalhar em uma loja de música especializada em sintetizadores em Paris, onde começou a ensaiar com esses instrumentos. Sua carreira decolou quando seu chefe o convidou para gravar um álbum: "Bionic Orchestra", e ele deixou o FanChris. Algum tempo depois, conheceu Jean-Michel Jarre, com quem trabalhou frequentemente.

E Rousseau , resumidamente:

Tecladista, tecladista, engenheiro de som e compositor francês.

Quai de L'enigme:

Margarida Degarne:

Nº1 Kickin’ It Up John — Michael Montgomery, Fevereiro 19, 1994

 Track listing: Be My Baby Tonight / Full-Time Love / I Swear / She Don’t Need a Band to Dance / All in My Heart / Friday at Five / Rope the Moon / If You’ve Got Love / Oh How She Shines / Kick It Up

19 de fevereiro de 1994

1 semana

Pela segunda vez em duas semanas, houve uma surpresa no topo da Billboard 200, com o novato do country John Michael Montgomery, com seu hit " Kickin' If Up", desbancando " Jar of Flies " do Alice in Chains da primeira posição. A ascensão de Montgomery ao topo demonstra a força contínua da música country, que se junta a Garth Brooks e Billy Ray Cyrus como membro da nova geração de artistas country que dominam as paradas musicais.

Montgomery cresceu rodeado de música em Lexington, Kentucky, apresentando-se no palco com sua família. Quando seus pais se aposentaram, o jovem Montgomery assumiu o protagonismo como artista solo e logo conseguiu um contrato com a Atlantic Records.

Life's a Dance , o álbum de estreia de Montgomery em janeiro de 1992, alcançou o 27º lugar na Billboard 200 e o sexto lugar na parada Top Country Albums, graças à faixa-título e a "I Love the Way You Love Me", ambas sucessos nas rádios country.

Em Life's a Dance , Montgomery provou ser o mestre da balada country poderosa. Já Kickin' It Up , como o título sugere, mostrou seu lado mais agitado. Embora Kickin' It Up tenha suas canções animadas, foi a balada "I Swear" que preparou o terreno para o sucesso do álbum. Essa faixa e "Kick It Up" foram as duas primeiras músicas que Montgomery gravou para o álbum no Woodland Recording Studios, em Nashville. "Quando terminamos 'I Swear' e 'Kick It Up'", ele relembra, "tínhamos duas músicas que iam de um extremo ao outro. Tudo o que precisávamos fazer era preencher o vazio e eu senti que teria um álbum do qual me orgulharia muito."

A Atlantic lançou "I Swear" nas rádios em 19 de novembro de 1993, nove semanas antes do lançamento do álbum. Oito semanas depois, "I Swear" alcançou o topo da parada Hot Country Singles and Tracks, preparando o terreno para Kickin' It Up . O álbum estreou em primeiro lugar na parada Top Country Albums e em terceiro lugar na Billboard 200. Uma semana depois, continuava no topo de ambas as paradas de álbuns, enquanto "I Swear" também mantinha a primeira posição.

“Acho que isso é um sinal para todos de que a música country está em alta por causa das novas influências”, diz Montgomery. “Não é aquela coisa de 'Urban Cowboy'. Isso é algo real.”

Montgomery diz que essas novas influências são os artistas que ele ouvia na adolescência, incluindo Bob Seger, Lynyrd Skynyrd, Eric Clapton, Eagles e Lionel Richie. Ele também menciona as influências da música country em casa. "Eu não tinha como não ser influenciado pela música country", diz ele. "Meus pais cantavam o tempo todo. Ambos se apresentavam nos fins de semana."

Montgomery soube da ascensão de "Kickin' It Up " ao primeiro lugar na noite seguinte à sua vitória no American Music Award de artista country revelação favorito. "Ainda estou tentando assimilar tudo", disse ele na ocasião. "Tem sido uma jornada e tanto. É quase demais para processar."

OS CINCO MELHORES
Semana de 19 de fevereiro de 1994

1. Kickin' It Up , John Michael Montgomery
2. Music Box , Mariah Carey
3. Doggy Style , Snoop Dogg
4. Jar of Flies , Alice in Chains
5. 12 Play , R. Kelly

Coda "Sounds of Passion" (1986)

 O grupo artístico holandês Coda consolidou seu nome em meados da década de 1980. Sem pretensões de flertar com a época, o quarteto profissional apresentou uma sólida obra de estreia, "Sounds of Passion", que 

demonstra vividamente a vitalidade das tradições do rock progressivo sinfônico. Uma parte significativa do programa é dedicada à suíte que dá título ao álbum, com meia hora de duração. Segundo o encarte do CD, essa impressionante obra épica foi composta pelo organista e compositor Erik de Vroomen na primavera de 1981, muito antes da formação do próprio Coda . Foi somente cinco anos depois que o maestro, com o apoio de músicos de ideias semelhantes, conseguiu registrar essa obra monumental para a história. O prólogo de "Sounds of Passion" concentra-se principalmente na figura do narrador (Peter van der Laan). Seu monólogo artístico pode ser comparado ao eterno "palavras, palavras, palavras..." de Hamlet. O recitador proclama a impotência das frases diante da profundidade dos sentimentos, para cuja plena expressão existe apenas um meio: a Música... ...A voz se desvanece, e é a vez daqueles mesmos "sons da paixão", cuja natureza transcende a consciência da pessoa comum...
Falando da tela melódica desta obra-prima, quero enfatizar a diversidade tímbrica de cores, que distingue os membros do Coda de alguns conjuntos intelectuais contemporâneos. O extenso arsenal de teclados de De Vroomen inclui não apenas sintetizadores, em voga na época, mas também dispositivos analógicos adorados pelos músicos de rock progressivo: Hammond, Mellotron, Moog + piano, cravo e órgão de tubos. Contudo, não espere um bombardeio polifônico total dos flamengos. A paleta da faixa-título inclina-se mais para a transparência, uma "atmosfera" refinada, desprovida de verniz. Enquanto o gênio Eric permite que seus "companheiros de armas" se entreguem a um frenético banquete de acordes na primeira fase da composição, um pouco mais tarde, sob a sensível orientação de seu líder, a banda faz uma transição tonal para um classicismo onírico. Característico nesse sentido é o diálogo comovente entre as passagens de piano de de Vroomen e a delicada parte de piccolo da convidada especial Pip van Steen. Os corais catedrais pseudorreligiosos no quarto e último movimento da suíte também são marcantes, abrindo as portas para um espaço de art rock resiliente e cintilante, com um prolongado fade-out orquestral. A balada dramática "Crazy Fool and Dreamer" é um exemplo elegante de música neoprogressiva refinada e "inteligente". O final de sete minutos de "Defended" segue uma linha similar, com a diferença de que os luxuosos "tapetes" de teclado no final da faixa evocam associações com a obra de Robert John Godfrey ( The Enid ).Dentre os extras, o virtuoso esboço para baixo "Central Station" e "Reverbating Sounds" - um estudo experimental sobre o tema do cosmismo desenvolvido - são interessantes à sua maneira.
Resumindo: um lançamento muito valioso, recomendado principalmente para fãs de Genesis , Camel e The Alan Parsons Project .

MUSICA&SOM ☝

Absolute Elsewhere "In Search of Ancient Gods" (1976)

 Em 1968, o pesquisador suíço Eric von Döniken publicou seu livro "Retorno às Estrelas (Eram os Deuses Astronautas)", que instantaneamente se tornou um best-seller nos Estados Unidos, América Latina e Europa. Baseando-se em 

estranhas descobertas arqueológicas em diversas regiões do globo, o autor levantou a hipótese de paleocontatos entre a humanidade e representantes de uma civilização altamente avançada que, naturalmente, vieram de outro planeta. O material dessa obra serviu de base para o documentário "Em Busca do Futuro" (1970), que também gerou considerável interesse entre os entusiastas da ufologia. Um dos apaixonados pelas ideias de von Döniken foi o jovem músico inglês Paul Fishman. Seu contato com essas teorias inovadoras despertou a fértil imaginação do britânico, resultando no programa conceitual "Em Busca dos Deuses Antigos". Para isso, o prodígio de 16 anos, cheio de recursos, organizou o projeto Absolute Elsewhere , que, além do idealizador Paul (sintetizadores, sequenciadores, flauta, piano elétrico, piano acústico, sintetizadores de cordas), contou com o guitarrista Philip Saatchi, o baixista John Estrop e o experiente baterista Bill Brufford (ex- Yes , King Crimson , carreira solo). Seu pai, Jack, ajudou Fishman Jr. a produzir o disco. E a equipe do Laboratório de Radioastronomia da Universidade de Manchester auxiliou o talentoso compositor com efeitos especiais — os sons do espaço. Assim, nasceu um disco bastante intrigante. Algumas palavras sobre o conteúdo do lançamento:
das sete faixas do disco, quatro são extensas obras épicas. O maestro Fishman fez um trabalho soberbo, criando uma vibrante tela melódica e utilizando habilmente os recursos instrumentais que lhe foram confiados. A combinação "Eartbound/Future Past" é, em sua essência, uma trilha sonora pronta para um filme hipotético sobre os mistérios do universo: apresenta sobretons de teclado enigmaticamente calorosos e leves passagens de flauta. A peça, inicialmente tranquila, ganha impulso aos seis minutos, permitindo que o guitarrista Saatchi sature a paleta sonora com excelentes solos sobre um pano de fundo de paisagens sonoras sintetizadas misteriosas e uma seção rítmica bem coordenada. A relativamente curta "Moon City" é um exercício singular de autoexpressão para o ambicioso Paul: seus experimentos com música eletrônica lembram, em certa medida, os estudos imaginativos de Eduard Artemyev.E lampejos criativos isolados dos adeptos do movimento krautrock. A maravilhosa rapsódia "Miracles of the Gods" é um excelente exemplo da fusão entre arte sinfônica e space rock. Um esquema semelhante funciona brilhantemente em outra peça extensa, "Chariots of the Gods", com 11 minutos de duração, que conta com uma participação especial da violoncelista Kim Macrill. O impressionante e expansivo final, "Return to the Stars", serve como vitrine para o Sr. Fishman, que pinta de forma inspiradora um quadro de uma grande jornada transgaláctica...
Em resumo: um ótimo grupo de rock progressivo, tanto em conceito quanto em execução, feito sob medida para fãs de ficção científica e amantes da música. Recomendo que você experimente.

MUSICA&SOM ☝

The Smiths - "Hatful of Hollow" (1984)

 

"Eu me arrependo da produção dela agora."

Morrissey,

sobre "What Difference does it Make?"

no disco de estreia.

"Decidimos incluir as faixas extra

de nossos singles de 12 polegadas

para pessoas que não tinham todos eles

e para tornar completamente acessível."

Morrissey,

quando do lançamento de "Hatful of Hollow"

""How Soon Is Now?" foi

imediatamente reconhecida

como algo diferente,

algo que ia muito além do que

os Smiths já haviam tentado ou lançado;

algo completamente original,

uma música totalmente diferente de qualquer outra,

ela os impulsionou a uma categoria

inteiramente nova."

Tony Fletcher,

autor da biografia "The Smiths: A Light That Never Goes Out"

Tinha uma música, que eu sabia que era da banda The Smiths, que eu acabara de conhecer, que eu havia ouvido algumas vezes, curtia de montão, mas não sabia o nome. O refrão, que encerrava a canção, era bem marcante e repetia algo infinitamente até o final, misturando a voz do vocalista a uma espécie de coro infantil até desaparecer de todo em fade-out.  No meu limitadíssimo inglês entendia que ele cantava algo como "The teacher", "I'm the preacher" e, às cegas, adotando como prováveis títulos aquelas possibilidades que meu entendimento da língua inglesa sugeria, persegui a tal da música tentando descobrir de que disco ela seria. Pesquisei na revista Bizz, perguntei a amigos, fiquei atento às rádios e nada... Obviamente, não batendo os nomes existentes de canções com aqueles possíveis que eu supusera, percebi que nem eles, nem algo parecido, se constituíam efetivamente no título da canção. Deveria descobri-la ouvindo nos álbuns, faixa a faixa, tentando identificar o tal refrão que me seduzira. Um amigo tinha o "Hatful of Hollow" e consegui que ele me emprestasse. Não encontrei a que procurava mas fui surpreendido ao reconhecer outras que também já ouvira de passagem, mas não sabia que era da banda. "Please, please, please let me get what I want", por exemplo, eu conhecia de algum filme adolescente dos anos 80, que depois vim a lembrar que era do "Curtindo a vida adoidado". Outra delas era "Girl Afraid", uma impagável surpresa, uma vez que eu costumava escutá-la na abertura de um programa local sobre surf lá em Porto Alegre, o Realce, e sempre achava o máximo aquela guitarra e ficava me perguntando de quem seria uma coisa maravilhosa como aquela.
Mas havia outras maravilhas ali e naquele disco eu conheci a beleza encantadora de "William, it was realy nothing", a doçura charmosa de "This charming man", a intensidade sonora da sensual "Handsome Devil", a elegância da pessimista "Heaven knows I'm miserable now", e possivelmente, a melhor música dos Smiths, que me impressionou desde o primeiro instante, "How soon is now?", uma peça musical de feitura complexa que combinava camadas de guitarra sobrepostas, criando uma atmosfera tensa e quase sombria, com uma letra da mais exposta vulnerabilidade, interpretada de forma tão envolvente e dramática que era impossível que o ouvinte ficasse indiferente a seu comovente apelo por amor e atenção.
Enfim, o "Hatful of Hollow" me deu muito mais do que a, até então, misteriosa música que eu procurava. Com aquele disco eu passei definitivamente a apreciar e conhecer The Smiths.  As interpretações intensas daquele vocalista, a versatilidade, a inventividade e a técnica daquele guitarrista de poucas distorções e quase nenhum solo, aquele time azeitado com "coadjuvantes" que brilhavam nos momentos certos e aquelas letras que eu, em contato com o encarte pela primeira vez, começava a descobrir e me identificar faziam com que aquela minha estada com o álbum fosse algo especial e criasse uma relação de carinho com ele a partir de então. 

Na época achava que "Hatful of Hollow" fosse um álbum. Um álbum de carreira. Tempos depois foi que com a saber que se tratava de mais uma das tantas coletâneas, compilações, compensações, correções, contrapartidas que os Smiths costumavam fazer. No caso foi uma combinação da vontade de fazer justiça a alguns singles que não haviam recebido a devida importância quando do lançamento como "William, is was really nothing"; de exibir com a devida grandiosidade sua nova pérola, que a banda sabia ser um material diferenciado, "How soon is now?"; e de redimir uma certa insatisfação com a produção e mixagem do primeiro álbum e o resultado final de algumas músicas como "What difference does it make?", por exemplo, que Morrissey considerava que havia ficara melhor nas seções da BBC e que foi incluída em "Hatful of Hollow", do que na que entrara no disco de estreia da banda. Mesmo com essa estrutura de Frankenstein, um single aqui, uma demo ali, uma inédita acolá, "Hatful of Hollow", era tão bem montado e coeso que soava como um álbum e, mesmo com o conhecimento de sua natureza seletiva, permaneceria com um pouco desta aura de álbum concebido e, para nós fãs, com a reverência que este status costuma merecer.
E a música que eu procurava?
A tal da canção era "Panic" e o tal do verso que eu não identificava, ordenava, com o sarcasmo ácido e sádico de Morrissey, enforcar um DJ que tocava constantemente músicas que não diziam nada sobre a sua vida. "Hang the DJ, hang the DJ...", entoavam insistentemente o vocalista e o coro até o final da faixa. Fui encontrá-la mais tarde, no "The World Won't Listen", outra dessas coletâneas de motivações peculiares que os Smiths costumavam organizar. Mas aí, quando encontrei "Panic" ela já não era mais a única que me interessava. Eu havia tido contato com canções que falavam a mim muito sobre minha vida. A minha busca já havia chegado ao fim.
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FAIXAS:

1. "William, It Was Really Nothing" - versão original do single (2:09) 
2. "What Difference Does It Make?" - versão do programa de John Peel na Radio 1 da BBC, diferente da lançada no álbum "The Smiths" (3:11)
3. "These Things Take Time" - versão do programa de David Jensen na Radio 1 da BBC (2:32)
4. "This Charming Man" - versão do programa de John Peel na Radio 1 da BBC, diferente da versão do single e do álbum "The Smiths" (2:42)
5. "How Soon Is Now?" - versão original do single posteriormente incluída na versão CD do álbum "Meat Is Murder" (6:44) 
6. "Handsome Devil" - versão do programa de John Peel na Radio 1 da BBC, não tendo sido lançada nenhuma versão oficial de estúdio além desta (2:47)
7. "Hand in Glove"  - versão original do single, diferente da lançada no primeiro álbum "The Smiths" (3:13)
8. "Still Ill" - versão do programa de John Peel na Radio 1 da BBC, diferente da versão do álbum "The Smiths" (3:32)
9. "Heaven Knows I'm Miserable Now"  versão original do single (3:33)
10. "This Night Has Opened My Eyes" - versão do programa de John Peel na Radio 1 da BBC, não tendo sido lançada nenhuma versão oficial de estúdio além desta (3:39) 
11. "You've Got Everything Now" - versão do programa de David Jensen na Radio 1 da BBC, diferente da versão do single e do álbum "The Smiths" (4:18)
12. "Accept Yourself" - versão do programa de David Jensen na Radio 1 da BBC, diferente da versão do lado B do single "This Charming Man" (4:01)
13. "Girl Afraid" - versão original, lado B do single "Heaven Knows I'm Miserable Now" (2:48)
14. "Back to the Old House" - versão do programa de John Peel na Radio 1 da BBC (3:02)
15. "Reel Around the Fountain" - versão do programa de John Peel na Radio 1 da BBC, diferente da lançada no álbum "The Smiths"  (5:51)
16. "Please, Please, Please, Let Me Get What I Want" - versão original, lado B do single "William, It Was Really Nothing" (1:50)

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Ouça:

The Smiths- Hatful of Hollow

Sleaford Mods - "Divide and Exit" (2014)

 

“A melhor banda de rock'n'roll do mundo. 

Indubitavelmente, absolutamente e definitivamente, 

a maior banda de rock'n'roll do mundo”

Iggy Pop

Olha, se tem uma coisa legal, instigante, até mesmo original, por assim dizer, no mundo da música hoje em dia, surgido no século XXI é os Sleaford Mods. A fórmula é muito básica, sem nenhum rebuscamento, e talvez por isso seja mais legal. Dois caras: um deles canta-declama-fala as letras, ao estilo rap, de forma extremamente crua e contundente, e o outro rola programações minimalistas, batidas repetitivas e selvagens, bases agressivas carregadas no baixo apoiadas nos famosos três acordes do punk, só que curiosamente sem resquício de guitarras. James Williamson, o vocalista cospe as palavras, as distribui como ofensas, como socos, como uma espécie de Sex Pistols do novo milênio, enquanto Andrew Fearn guarda toda sua mágica no laptop carregado de bases pré-gravadas. 

Isso não é música?

Isso é muito punk!

Sem falar que, ao melhor estilo dos punks originais, lá dos idos 1977, que bradavam contra o governo inglês e sua política, vociferam também pelos problemas sociais do Reino Unido dos dias de hoje.
"Divide and Exit", de 2014, marca, possivelmente, o momento de maturidade sonora da dupla. Nem tão primário quanto um projeto ainda incipiente, nem tão polido quanto uma proposta pop comercial. Bem acabado na medida certa sem perderem nada a contundência. É o caso exatamente da primeira faixa, "Air Conditioning" em que a gente já percebe um vocal mais trabalhado, uma certa pós-produção na batida, mas a fúria está toda lá. "Tied up in Nottz" que a segue e uma das melhores do álbum, tem além da tradicional linha agressiva de baixo, um tecladinho que parece um brinquedo infantil e um arremedo de uma guitarra só pra não dizer que não tem. "A Little Ditty" tem provavelmente a programação de baixo mais violenta do disco, "Strike Force" por outro lado talvez seja a mais cadenciada, o que não significa que tenha um vocal menos intenso. "The Corgi" é bem ritmada, quase um 'samba do inglês-doido'; a ótima "Tiswas" é um punk tão gostoso que dá vontade de poguear; e "Middle Man", por sua vez, um hardcore furioso conduzido aos perdigotos pelo vocal intimidador de Williamson.

"Liveable Shit", para mim a melhor, tem uma linha de baixo pré-gravada elegante, o vocal afrontoso de sempre, e samples com risadas de claque como se o vocalista dividisse uma piada com os ouvintes, o que torna a faixa algo bizarramente divertido.
"Tweet Tweet Tweet" tem uma espécie de 'coro' que lhe confere uma atmosfera um tanto pomposa mesmo sobre uma base tão pobre, conferindo ao disco um final, até mesmo, grandioso por assim dizer.

Um cara que não sabe cantar e fala as letras, um outro que não sabe tocar e leva tudo gravado no seu computador... Isso lá é música?

Isso é punk. 

Isso é muito punk. 

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FAIXAS:

1. "Air Conditioning" (2:26)

2. "Tied Up in Nottz" (2:40)

3. "A Little Ditty" (2:32)

4. "You're Brave" (2:45)

5. "Strike Force" (2:49)

6. "The Corgi" (2:35)

7. "From Rags to Richards" (3:26)

8. "Liveable Shit" (3:19)

9. "Under the Plastic and N.C.T." (3:17)

10. "Tiswas" (3:12)

11. "Keep Out of It" (2:59)

12. "Smithy" (2:21)

13. "Middle Men" (2:31)

14. "Tweet Tweet Tweet" (3:02)

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Ouça:

Sleaford Mods - Divide and Exit

The Sisters of Mercy - "First and Last and Always" (1985)

 

"Nenhuma das canções do álbum são sobre ser uma vítima dos seus próprios prazeres."

Andrew Eldritch

 Ali pelo início dos anos 90, eu que já era vidrado em The Cure, Siouxsie and The Banshees, Bauhaus, ainda estava ávido por conhecer outros artistas que compunham o universo dark que naquele momento me fascinava muito. Certa vez fui à casa do meu amigo Samuel Grizza e ele me apresentou além do "Green" do R.E.M., o "Happy?" do PIL, o "Doolitle" dos Pixies, um álbum do Sisters of Mercy, banda que nunca havia escutado mas que ouvira falar que atuava mais ou menos naquela linha soturna e sombria que tanto me interessava. Como os discos eram do irmão dele que estava viajando, Samuca me emprestou às escondidas para que eu conhecesse e gravasse. Desde então a fita do Sisters passou a ser uma espécie de xodó, uma daquelas queridinhas que sempre ouvia com satisfação e admiração no walkman hipnotizado por aquela voz lúgubre e sinistra de Andrew Eldritch e aqueles climas pesados e soturnos. Muita gente considera "Floodland" o melhor disco da banda, que inegavelmente é um baita dum trabalho também, mas para mim nenhum supera este, seu álbum de estreia com a formação tida como clássica, ainda com os ex-integrantes que depois viriam a fundar o The Mission: "First and Last And Always".
O pessimismo apocalíptico da faixa de entrada "Black Planet", a morbidez desesperadora da suplicante "Marian (Version)", a imponência da faixa que dá nome ao disco e a belíssima guitarra serpenteante de Wayne Hussey na monumental "Some Kind of Stranger", o derradeiro momento do álbum, são motivos o suficiente para fazer deste álbum, na minha opinião, não só o melhor disco da banda como um dos grandes álbuns da leva gótica dos anos 80, embora seu vocalista renegue veementemente o rótulo. Pode até não ser gótico, Andrew, mas que é FUNDAMENTAL é, e isso nem você pode contestar, meu caro.
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FAIXAS:
1 - "Black Planet"
2 - "Walk Away"
3 - "No time to cry"
4 - "A Rock and a Hard Place"
5 - "Marian (version)"
6 - "First and Last and Always"
7 - "Possession"
8 - "Nine While Nine"
9 - "Amphetamine Logic"
10 - "Some Kind of Stranger"

Ozzy Osbourne – Ordinary Man

Há tantos anos que anda por aí que quase é esquecida a longevidade da lenda das lendas, um disco extremamente pessoal que acaba por retratar o seu longo caminho para a fama e consegue ser uma despedida dos estúdios e dos palcos, fruto dos seus mais recentes problemas de saúde. Ozzy Osbourne nasceu, viveu e irá morrer num palco, quer se goste quer não, Ozzy é uma lenda incontornável que fundou um género e o continuou em Black Sabbath e em nome próprio. É com este nome próprio que lança o seu 12.º álbum de originais, Ordinary Man .

Trazendo uma série de amigos para a colaboração do disco, incluindo Slash, Post Malone e Elton John, Ozzy consegue fundir duas das suas grandes paixões: o heavy metal e as power ballads. Ordinary Man é composto por 11 faixas, onde se destacam “Straight to Hell”, “Under The Graveyard”, “All My Life” e “Ordinary Man” que são verdadeiras composições que se impõem tanto pelo seu grau de obscuridade e emoção, com as emotivas (“All My Life” e “Ordinary “Man”) a servirem de compêndio a uma terminal ‘raison d’être’ que parece surgir no pior ano da vida do artista. Destaques à parte, a verdade é que todo o álbum consegue apresentar um Ozzy em boa forma vocal, apesar dos vários retoques de produção que os temas exigiram para que a voz de Ozzy ficasse ao nível que todos estamos habituados. A par disto, a produção acaba por retirar a ‘rudeza’ existente nos álbuns a solo da lenda, tendo de confiar num som mais limpo e numa equipa de músicos à qual nem sempre está habituado, com a ausência do grande Zakk Wylde a retirar um protagonismo sonoro que era sempre tão importante.

Sendo um tema tão comum, o longa-duração não pretende ser conceptual, apesar do significado que contém. Ordinary Man acaba por se tornar muito comercial e chegado às rádios, mesmo com faixas pesadas como “Straight to Hell” e a incrível “Under The Graveyard”, e com baladas poderosas como “Ordinary Man”. O 12.º disco de originais não pode ter uma análise linear, pois nunca foi assim que Ozzy nos habituou. Saber que o mesmo lança um disco na sua idade (71 anos), com todos os seus problemas de saúde, é realmente incrível e surpreende pela sua energia vocal que faz inveja a qualquer jovem cantor da indústria. Ordinary Man não se compara aos clássicos do artista, nem de perto nem de longe; consegue conter uma série de temas poderosos e emotivos que nos levam a uma viagem pelo íntimo do príncipe, no entanto, desilude pelo seu grau de limpeza e diversidade de qualidade, com faixas muito boas e outras menos conseguidas como “Goodbye” e “Scary Little Green Men”, e pela quantidade de temas com refrões fáceis e previsíveis. Independentemente de todos os defeitos que lhe quisermos pôr, a verdade é que é um disco que revela mais de um dos homens mais importantes do heavy metal, género que ajudou a fundar. O 12.º álbum de estúdio não nos fará esquecer os icónicos Blizzard of Ozz e Diary Of A Madman, mas consegue ser um bom registo .