TEARS FOR FEARS

 

Roland Jaime Orzabal de la Quintana (Portsmouth, 22 de Agosto de 1961) é um cantor, compositor e produtor musical britânico. Descendente de ingleses (por parte da mãe) e de argentinos e espanhóis (por seu pai, nascido em Paris), é conhecido principalmente como membro co-fundador do Tears for Fears, do qual ele é o compositor e vocalista principal, embora também tenha obtido sucesso como produtor de outros artistas.

Início da carreira

Orzabal conheceu Curt Smith quando ambos ainda eram pequenos em Bath, Inglaterra. No Final dos anos 70, formaram um grupo com colegas. Depois, o grupo se separou e Orzabal e Smith decidiram formar o Tears for Fears, uma banda com músicas synthpop/new wave diretamente inspiradas nas teorias do psicólogo estadunidense Arthur Janov.

Trabalho Solo

Depois de uma década de sucesso internacional, Orzabal e Smith se separaram no início dos anos 90. Embora Orzabal tenha continuado a trabalhar como Tears for Fears depois dele e de Smith se separarem, os álbuns seguintes do TFF, Elemental (1993) e Raoul and the Kings of Spain (1995) são trabalhos solo feitos por ele. Elemental foi um sucesso, ganhando o Disco de Ouro nos EUA e Prata no Reino Unido, enquanto "Raoul" tomou uma direção mais artística, com menos sucesso. Em 2001 ele lançou seu primeiro álbum realmente solo, assinado com seu nome, Tomcats Screaming Outside, enquanto ele e Smith reconciliaram-se a esse ponto e estavam trabalhando num novo álbum juntos como Tears for Fears (Everybody Loves a Happy Ending de 2004).

Trabalho como produtor/compositor

Além de produzir a maioria das gravações do Tears for Fears, Orzabal também produziu o álbum de sucesso de Oleta Adams, Circle Of One (1990) juntamente com Dave Bascombe, e com a participação de Oleta Adams no álbum de 1989 do Tears for Fears, The Seeds of Love. O álbum alcançou #1 no Reino Unido e #20 nos EUA. Orzabal também co-escreveu a faixa principal "Rhythm of Life" para o álbum dela, o qual inicialmente seria para The Seeds of Love.

 Ele também apareceu no videoclipe que acompanha a canção, tocando guitarra e fazendo backing vocal. Orzabal também co-produziu o aclamado álbum da cantora e compositora islandesa, Emiliana Torrini, Love In The Time Of Science, juntamente com o associado do Tears for Fears, Alan Griffiths. Os dois também escreveram duas canções para o álbum.

Os talentos de Orzabal como compositor foram reconhecidos novamente nos anos recentes, na versão cover de Gary Jules da canção "Mad World" que se tornou o single #1 no Reino Unido em 2003. Ela faz parte da trilha sonora do filme Donnie Darko. A canção foi originalmente composta por Orzabal e foi o primeiro hit do Tears for Fears em 1982.

Trabalho como Escritor

Em 26 de março de 2014, Orzabal lançou seu primeiro livro: Sex, Drugs & Opera: There's Life After Rock 'n' Roll A estória é sobre a vida de Solomon Capri, uma estrela pop semi-aposentado que parece estar contente com sua meia-idade. Com sua linda mulher bem sucedida, Jenny, sua casa e discos de ouro pendurados em seu banheiro luxuoso, ele parece ter tudo.

Mas nem tudo está bem entre Jenny e Solomon, como o negócio de Jenny continua a crescer, sua afeição por seu marido Solomon começa a diminuir, e logo o divórcio é uma opção. Para tentar ganhar Jenny de volta, Solomon lança seu coração machucado em tentar entrar para um reality show que transforma artistas pop em cantores de ópera.

O ás na manga é um treinador de ópera octogenário excêntrico que Solomon contrata para chegar à frente da concorrência, mas, para sua surpresa, Solomon aprende muito mais do que a forma de melhorar a qualidade do seu vibrato, especialmente quando o seu treinador pede a Solomon para fazer um dueto com a recém-solteira Samantha ...

Vida pessoal

Orzabal é casado com Caroline desde 1982. Eles têm dois filhos, Raoul e Pascal.

No auge da popularidade do Tears for Fears em 1985, Orzabal ganhou considerável atenção da imprensa por sua conturbada relação com seu pai e uma charge apareceu no jornal britânico The Sun, falando disso. A charge foi depois reimpressa dentro das ilustrações do single do Tears for Fears, "I Believe".

Além de música e psicologia, Orzabal diz ter interesses em fotografia, política, sociologia e astrologia.

                   

0:00 Woman of Ireland 1:05 I believe (performed by Odeta Adams) 4:28 Head over heels / Broken 9:06 Change 14:42 Pale shelter 19:22 Woman in chains 26:48 Advice for the young at heart 32:05 Mad world 35:58 Famous last words / When the Saints go marching in 41:20 I've got to sing my song (performed by Odeta Adams) 46:02 Badman's song 57:40 Sowing the seeds of love 63:46 All you need is love 65:39 Everybody wants to rule the world 70:40 Year of the knife 78:45 Shout.

Cassiel - ON (2026)

Ouça e Veja

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ON é o primeiro som do universo do pernambucano radicado no ABC Paulista Cassiel. São mantras, personagens, histórias e cenários numa narrativa autobiográfica, misturando ancestralidade e vanguarda, guiada pela Bassmusic. Cada faixa funciona como um capítulo simbólico mantendo unidade conceitual e liberdade estética. A obra investiga memória, origem e identidade coletiva através do som como força espiritual, do corpo como portal e do ritmo como tecnologia ancestral...

O Velho Manco - Senoides EP (2026)

Ouça

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A banda OVM, do cast do selo Casalago Records apresenta o EP Senóides, novo capítulo do projeto que dará origem ao segundo álbum da carreira, “Exúvios”, previsto para ser apresentado integralmente até outubro de 2026. Composto pelas faixas “Vestida” e “Senoide 1 / Senoide 2”, o trabalho transita entre delicadeza, estranhamento e tensão psíquica para expandir o universo conceitual que o trio vem desenvolvendo em torno da saúde mental. Produzido, mixado e masterizado por Gui Godoy, da Casalago Records, o EP reafirma a identidade da banda ao unir rock alternativo, indie e uma escrita que transforma desconforto emocional em narrativa musical..

YOUNG MARTYRS – Might Just Be Enough

 

O terceiro álbum da banda Young Martyrs, de Bath, é facilmente o seu melhor lançamento até o momento. Suas dez faixas – que transitam entre o rock com raízes no folk, o rock melódico e uma onda de sons da música americana com um toque de influência britânica – mostram uma banda com sonoridade madura. Mais importante ainda, 'Might Just Be Enough' apresenta o trabalho de músicos que possuem um talento natural para compor canções bem elaboradas.

A faixa-título, que começa com um dedilhado suave de guitarra elétrica e apresenta um vocal arrebatador, inicia o álbum com um som melódico e despretensioso que sugere que o Young Martyrs não busca a "gratificação instantânea", preferindo deixar sua música envolver o ouvinte. Isso permite que suas influências de Americana façam sua mágica e, embora a entrada da bateria e do baixo traga um pouco mais de peso, isso não prejudica a melodia. O que mais impressiona aqui, porém – e isso fica evidente no momento em que um refrão mais impactante começa – é o uso de harmonias vocais pela banda. Ao longo do refrão principal e até o final da faixa, a segurança com que a banda une suas vozes confere à performance um toque atemporal. De certa forma, este é o Young Martyrs em sua forma mais pura, especialmente considerando que esta faixa – e outras partes deste álbum – nunca soam como se fossem fortemente influenciadas por nenhum artista em particular, permitindo que a música da banda se sustente por seus próprios méritos.

"Sugar On My Tongue" segue um caminho ligeiramente diferente, mas não é menos impressionante. Desde os compassos iniciais, com acordes suaves que exploram um ótimo som pop-rock, aliados a uma guitarra solo com toques de blues, a faixa exibe uma confiança inabalável, mas se transforma em algo muito maior do que as primeiras impressões sugerem. Conforme a música avança e a melodia cresce, o vocalista Tom Corneill entrega uma performance realmente emocionante, que soa como algo de décadas passadas, em perfeita sinergia com o som retrô da guitarra. Então, após capturar totalmente a atenção do ouvinte, chega o refrão, e o Young Martyrs explode em uma canção absolutamente alegre que convida o público a cantar em coro, compartilhando algo que finalmente funde o amor da banda pelo rock melódico, country rock e o pop clássico das rádios AM em algo quase perfeito. Se você não se convencer com este álbum quando as últimas notas desta música se dissiparem no silêncio, provavelmente nunca se convencerá.

'Only You' soa um pouco mais comercial com sua mistura de indie pop e americana, pendendo um pouco mais para os sons vibrantes da guitarra, mas os fãs das harmonias do Martyrs não ficarão desapontados, assim como os admiradores da guitarra solo de Tom. Embora a música pareça um pouco mais direta e objetiva – centrada em uma guitarra solo muito mais proeminente e na ótima bateria de Lee Cole – há alguns floreios sutis que ajudam a alinhar tudo com o lado mais suave do Martyrs, e alguns vocais agudos, usados ​​como um gancho simples, contribuem para tornar esta uma das faixas de destaque do álbum. Depois de uma pegada rock – mas suave – a minimalista 'Count To Ten' parece um pouco frágil, pelo menos a princípio. No entanto, com o tempo, outro ótimo vocal se revela, enquanto o trabalho de guitarra abafado de Rich Beeby soa bastante inteligente. Esta é uma daquelas faixas que definitivamente sofre com a infeliz sequência do álbum: há ótimas melodias aqui, e as harmonias da banda são impecáveis; Com certeza teria funcionado melhor como uma faixa de encerramento de álbum mais discreta.

Em outros momentos, "Gravity" faz ótimo uso de timbres de guitarra suaves e uma voz de tenor aguda, introduzindo toques do Radiohead da era "Bends" ao som do Young Martyrs, exigindo um pouco mais das cordas vocais de Tom, enquanto a música sem percussão assume um papel mais secundário. Já a belíssima "Talk To Me" mistura sons acústicos suaves com uma pegada anos 90 a uma base sólida e melódica de indie rock, permitindo que o arranjo coloque o baixo de Phil Smith em destaque, sem deixar que os vocais naturais de Tom ocupem o centro do palco. Essas faixas de ritmo mais lento parecem ser a essência do som atual do Young Martyrs em muitos aspectos, mas aqueles que buscam algo mais impactante certamente irão se deliciar com a brilhante "Is There Anybody Out There", outra música um pouco mais roqueira que demonstra maior versatilidade musical. O arranjo funde os elementos característicos do Young Martyrs com um riff mais lento e encorpado, sobre o qual os vocais em harmonia proporcionam um contraste melódico maravilhoso. Ao empregar também um refrão bastante simples, esta música se torna um pouco mais direta, mas não deve ser considerada menos sofisticada.

A pegada radiofônica também transparece em "Seventeen", um single de pré-lançamento que apresenta um som pop rock muito mais próximo de partes do álbum anterior da banda. Com um som de tom-tom potente, guitarras bem arranjadas criam uma melodia suave, enquanto Tom mergulha em sua própria alma para um vocal comovente. Ao final do primeiro verso, fica claro que esta é uma faixa forte, mas ela se desenvolve a partir daí, com um refrão roqueiro que aproveita ao máximo a habilidade indie rock da banda, e um solo de guitarra arrasador onde Rich – provavelmente sem querer – parece incorporar um trecho do solo do clássico "Who's Crying Now", do Journey. Se você por acaso leu algo comparando Young Martyrs com Kings of Leon, faixas como esta deixam um pouco mais óbvio o porquê: há algo no sólido trabalho de guitarra rítmica e na melodia roqueira que remete aos trabalhos mais famosos do KOL, mas as semelhanças param por aí. Esses caras são indiscutivelmente compositores melhores, e o material deles é liderado por um cara que realmente sabe cantar…

Adotando uma abordagem um pouco menos impactante do que em alguns momentos de "Time Is Not On Our Side" (2023), que inclui a excelente "Never Gave You The Blues", "Might Just Be Enough" apresenta um Young Martyrs com um som mais maduro, mas o material ainda deve agradar a muitos dos fãs da banda. Os melhores momentos deste álbum também têm o potencial de conquistar novos ouvintes: quem não conhece a banda deve ouvir logo as radiofônicas "Is There Anybody Out There" e "Seventeen", e depois conferir "Only You" e "Talk To Me" para ter uma visão geral do ótimo som da banda. Seja qual for a sua abordagem, "Might Just Be Enough" é um disco sólido, que merece tornar o Young Martyrs muito mais conhecido.

Agosto de 2026

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Pekka Streng & Tasavallan Presidentti - Magneettimiehen Kuolema (1970)

 

PEKKA STRENG (26/04/1948 - 11/04/1975) foi uma figura mística e trágica, pioneiro na pequena cena da música folk psicodélica finlandesa. No final da década de 1960, participou das atividades do Teatro Estudantil da Universidade e também atuou em peças radiofônicas que causaram grande impacto na equipe da YLE (emissora de rádio finlandesa), a ponto de ser recomendado a Otto Donner, que o convidou para gravar para a famosa gravadora Love Records. Nesses álbuns, com a participação de renomados músicos finlandeses, Pekka canta e toca violão, sendo que todas as músicas e letras são de sua autoria.
Seu primeiro disco, “Magneettimiehen Kuolema” (“A Morte de um Homem Magnético”, 1970), foi gravado com a famosa banda de rock progressivo TASAVALLAN PRESIDENTTI.
Este álbum aborda temas de filosofias e religiões orientais, e a faixa mais famosa é a canção “Sisältäni Portin Löysin” (“Encontrei um Portal Dentro de Mim”), que descreve poeticamente o processo de expansão da consciência e já foi interpretada por muitos outros artistas finlandeses renomados. Há também outras faixas interessantes, como a eufórica “Gilgamesh”, “Olen Erilainen” (“Sou Diferente”) e “Pitkä Kieli” (“Língua Longa”).
O segundo álbum, “Kesämaa” (“Terra de Verão”, 1970), foi produzido com outro grupo de músicos finlandeses famosos, incluindo Olli Ahvenlahti, Eero Koivistoinen, Hasse Walli e Pekka Pöyry. A atmosfera geral do disco é um pouco mais acolhedora e clara do que a de seu antecessor, de caráter mais psicodélico, mas também apresenta elementos artísticos e surreais refinados. Além dos poemas de Pekka, também há textos de outros autores, como Tove Jansson.
Infelizmente, durante seu serviço militar em 1967, Pekka foi diagnosticado com câncer, e a consciência de sua grave doença certamente afetou sua carreira artística. Ele faleceu aos 26 anos, deixando apenas dois álbuns finalizados e planos para um terceiro, que nunca foi gravado. Um concerto em memória de Pekka e de Matti Kurkinen (membro da banda Kalevala, falecido no mesmo ano) foi realizado no Kulttuuritalo, com apresentações de Jukka Tolonen, Rock'n'Roll Band, Albert Järvinen e Kalevala.
Embora Pekka nunca tenha sido um artista extremamente popular, ele possui um forte status de culto, seus discos continuam vendendo bem e existem algumas reedições remasterizadas de seus álbuns disponíveis no mercado. Apesar de ter fãs em vida, ele nunca se interessou por publicidade e concedeu apenas uma entrevista, publicada postumamente. Sua posição certamente o coloca entre outros artistas progressistas finlandeses da década de 1970, como WIGWAM e TASAVALLAN PRESIDENNTI, embora suas obras cantadas em finlandês possam não ser tão acessíveis ao público que não fala finlandês quanto aos finlandeses.

Tracklist:
01. Gilgames 1:59
02. Kylma kaupunki 3:08
03. Olen erilainen 3:44
04. Pitka kieli 4:27
05. Makea Sandra 3:19
06. Laulu hyonteisesta joka nukahti ruusun vuoteeseen 1:50
07. Takaisin virtaan 7:10
08. Olen elain 3:05
09. Ahnehtiva Kud 2:48
10. Olen vasynyt 2:02
11. Sisaltani portin loysin 5:08
Bonus Tracks:
12. Gilgames (demo) 4:54
13. Pekka Streng & Soulset - Makea Sandra- YLE 1969 (Bonus track) 3:57
14. Pekka Streng & Soulset - Laulu hyonteisesta joka nukahti ruusun vuoteeseen- YLE 1969  1:15

Line-up / Musicians
- Pekka Streng / vocals, acoustic guitar

Members of TASAVALLAN PRESIDENTTI
- Måns Groundstroem / bass, piano
- Jukka Tolonen / guitar, piano
- Pekka Pöyry / tenor saxophone, flute
- Vesa Aaltonen / drums, bongo

Additional musicians:
- Karoly Garam / cello
- Esko Rosnell / drums, bongo, tabla

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Polyphony - Without Introduction1971

 

 Este é um daqueles lançamentos míticos que você pensa que nunca ouvirá porque está fora de catálogo há tanto tempo e não parece haver intenção de relançá-lo. Um enorme agradecimento a Todd por me permitir finalmente ouvir este álbum. Ouvi falar dele pela primeira vez quando recebi a lendária lista de Greg Walker com seus melhores álbuns de prog music. Eu nunca tinha ouvido falar dessa banda americana de Virginia Beach, Virgínia. Glenn Howard criou o nome POLYPHONY depois de ver esse termo sendo usado por alguns dos grandes compositores clássicos. Eles usavam essa palavra para descrever "as texturas de múltiplas vozes em movimentos projetados para excitar e capturar a atenção de seus ouvintes".
Nossa, essa descrição se encaixa perfeitamente nessa música. Uma banda de cinco integrantes com baterista, percussionista, guitarrista, tecladista e baixista. E também vocais, embora os extensos solos instrumentais sejam o foco. A arte da capa foi feita por uma mulher que trabalhava para a Sun Records. Ela ouvia a fita master e meditava sobre ela, aguardando a visão de como a capa deveria ser. Era assim que ela sempre fazia. Essa obra de arte ganhou vários prêmios. É uma imagem dos "Quatro elementos do universo convergindo para uma força de energia que era a 'polifonia'". Lançado em 1972, este álbum realmente não se parece com nenhuma banda ou trabalho específico. E sua originalidade certamente não é esquecida na minha avaliação.

"Juggernaut" começa com explosões sonoras que se mantêm até se estabilizarem. Alguns sons espaciais interessantes surgem após um minuto, com o apoio da percussão e da bateria. Sintetizadores e um som mais pesado vêm em seguida. Um solo de órgão antes dos 4 minutos, depois a bateria e o baixo retornam, seguidos pela guitarra que arrasa. Vocais pela primeira vez após 9 minutos e meio. Incrível. Guitarra e órgão assumem a liderança quando os vocais param. "40 Second Thing in 39 Seconds" é uma mini-extravagância de sintetizador Moog. Muito experimental, mas curta.

"Ariel's Flight" apresenta esses sons angulares logo no início, com uma guitarra de som cru. A música muda um minuto depois, quando o órgão e a bateria começam a liderar. Baixo encorpado aos 3 minutos e os vocais entram em seguida. Nossa, isso é muito bom. O baixo é estrondoso. Uma mudança aos 5 minutos e meio, quando o órgão vem à tona. Isso lembra muito o Anglagard. Incrível. Os vocais aparecem e desaparecem. Uma calmaria com vocais aos 11 minutos e meio, depois a música fica mais intensa novamente com órgão pulsante e vocais. Olá! "Crimson Dagger" começa com órgão e bateria, com guitarra e baixo entrando em seguida. Uma vibe espacial surge antes dos 3 minutos. Uma paisagem sonora relaxante se segue, e então os vocais entram. Vocais de apoio também nesta faixa.

A expectativa é justificada. Este álbum combina perfeitamente com o meu gosto.

Álbum de estúdio, lançado em 1971.

Lista de músicas/faixas:

1. Juggernaut (14:04)
2. 40 Second Thing In 39 Seconds (1:07)
3. Ariel's Flight (15:15)
4. Crimson Dagger (7:05)

Duração total: 37:31

 Formação/Músicos

: - Martin Ruddy / baixo, vocais
- Christopher Spong / bateria
- Craig Massey / vocais, órgão, sintetizador Moog
- Glenn Howard / vocais, guitarras
- Chatty Cooper / percussão

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Pyramid - Pyramid 1975

 

A misteriosa banda da gravadora Pyramid,
 com seu álbum homônimo de uma única faixa, parece ser o que
Toby Robinson me disse ser a tentativa deles de criar um álbum no estilo do Cosmic Jokers.

"Dawn Defender" é claramente uma mixagem de várias sessões diferentes,
 e apresenta uma ampla gama de estilos, desde o psicodélico Ash Ra Tempel com guitarras de eco.

 e sintetizadores cintilantes até mergulhos de cabeça no território da distorção do Hawkwind.
 A sensação é muito parecida com o que o Porcupine Tree e o Electric Orange tentaram mais recentemente,
 exceto pelas texturas autênticas do Mellotron e pelas técnicas antigas de delay analógico.
 No geral, um excelente álbum de Krautrock espacial.



Discografia...

PYRAMID (1975-1976)

Dawn Defender
LP Pyramid (1976)

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Tender Aggression ~ Germany

 

Fly Disco Fly (1976)

E aqui vai uma dica para vocês. Comprei este álbum junto com uma pilha de outros discos de jazz funk (mais este) por um preço bem em conta. Mas assim que vi a lista de artistas neste álbum, soube que seria o melhor de todos. 

Por onde começar? Eu digo que devemos culpar Sylvester Levay e partir daí. Quem? Ele é o húngaro que tocou no lendário álbum underground de Krautrock, Vita Nova, junto com um Eddy Marron pré-Dzyan. Enquanto estava na Alemanha, ele percebeu (com muita perspicácia) que a disco music poderia ser a próxima moda. Então ele forma o Silver Convention, reúne umas beldades, lança "Fly, Robin, Fly" e é "um sucesso estrondoso". Uau! Dança, dança, dança! 

Seguindo uma linha semelhante, há alguns anos deparei-me com um álbum de disco do ORS (Orlando Riva Sound) que contava com algumas figuras ilustres do Krautrock no Moog. O precedente havia sido estabelecido. 

Com esse prelúdio, permitam-me apresentar Dieter Reith. Ele se provaria o Wolfgang Dauner da próxima geração. Dauner era um tecladista de jazz que flertava com o jazz rock pesado e até mesmo com o Krautrock. Mas ele não estava acima das normas da cultura pop e também se aventurou um pouco na psicodelia em sua época (alguém se lembra de The Oimels?). Reith também era um tecladista de jazz que tocava jazz rock pesado. Mas sua cultura pop seria a disco, com D maiúsculo. Para acompanhá-lo nessa jornada, ele trouxe Siggi Schwab e Dave King, ambos com passagens por bandas como Embryo, entre muitas outras. E Curt Cress na bateria. Ele até mesmo recrutou Ralf Nowy no saxofone. Todos esses são nomes de peso no underground alemão. 

Então, independentemente do estilo, as composições (principalmente de Reith) serão de primeira classe, com melodias memoráveis. E muitos teclados analógicos encorpados dos anos 70 para dar o toque final perfeito. Tudo isso com uma orquestra de cordas (do Helmut Geiger Group, que não teria a menor chance de ser popular de outra forma) e uma batida 4/4, elementos obrigatórios para fazer deste um álbum disco. Curt Cress deve ter adorado o cachê que recebeu por isso. Sem firulas ou improvisos, apenas manter o ritmo. Uma tarefa difícil. 

Mais divertido ainda é o próprio título do álbum. Foi lançado na Alemanha, país de origem da banda, com o nome de Power Sandwich. A que se refere isso? Estamos décadas antes de o termo "Power Lunch" (almoço de negócios) se popularizar no meio empresarial. Melhor ainda, na Espanha, optaram por Disco Sandwich. Disco Sandwich ? Que genial! Deveriam ter chamado de Tuna Taco (taco de atum) para ir direto ao ponto. Falando em mulheres, parece que Schwab aproveitou uma boa noite de luxúria. Ele também esteve envolvido com os álbuns do Vampyros Lesbos.

Nos Estados Unidos, esses títulos não iam pegar, por assim dizer. Que tal "Fly Disco Fly"? É, de jeito nenhum a gente ia tentar lucrar com a Convenção de Prata nem nada do tipo. Quer dizer, eles só venderam milhões de cópias. Obviamente não funcionou, já que quem diabos já ouviu falar desse álbum? 

BIOGRAFIA DOS Cervello

Cervello

Cervello (cérebro, em italiano) foi um grupo de rock progressivo italiano baseado em Nápoles.

História

O grupo nasce em 1970 na onde do rock progressivo por iniciativa de Corrado Rustici que forma uma banda jovem composta por Antonio Spagnolo, Giulio D'Ambrosio, Renato Lori e Pino Prota. Lori e Prota serão sucessivamente substituídos por Gianluigi Di Franco e Remigio Esposito.

A procura por novas sonoridades, permitiram-lhes constituir uma formação sem o uso de teclados, desfrutando, no entanto, da utilização de geradores de eco, entre outros instrumentos.

O grupo iniciou logo as suas exibições ao vivo, e em junho de 1973, participou do terceiro Festival de Vanguarda da Música e Novas Tendências, que naquele ano ocorreu em Nápoles, obtendo um bom sucesso de crítica.^[2]

Graças também ao suporte de Danilo Rustici, irmão de Corrado, e guitarrista do Osanna, o Cervello assinou um contrato discográfico com a Ricordi, e no verão de 1973 gravou em Milão o seu único álbum intitulado Melos.^{[3] [4]} O disco obteve um escasso sucesso de vendas e a banda se dissolveu logo a seguir. Corrado Rustici prosseguiu sua carreira com o Nova, e Gianluigi Di Franco, a atividade de solista e autor.

Formação

• Gianluigi Di Franco: voz, flauta, percussão
• Corrado Rustici: guitarra, flauta, vibrafone, voz
• Giulio D'Ambrosio: sax, flauta, voz
• Antonio Spagnolo: baixo, violão, flauta, pedaleira, voz
• Remigio Esposito: bateria, vibrafone

Discografia

• 1973 - Melos

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Interpol – El Pintor (2014)

 

Os Interpol tornaram-se um dos assuntos mais delicados da música alternativa. Se, em 2002, o álbum de estreia Turn on the Bright Lights atribuiu-lhes um unânime estatuto estratosférico, em 2014, após quatro álbuns e com a saída do importante e irrepetível baixista Carlos Dengler, não há concordância em relação à qualidade do conjunto nova-iorquino na última década. Desde Our Love to Admire, a sombra da glória do primeiro longa-duração tem acompanhado a banda. Ouso a comparar a sombra do TOTBL àquela típica melancolia de romance moderno: a inevitável comparação de qualquer potencial novo namoro ao antigo grande amor que existiu nas nossas vidas. Constantes comparações, declarações saudosistas, negações e críticas. Terá sido Turn on the Bright Lights uma maldição que habituou mal os ouvintes e colocou a fasquia demasiado alta, ou terá sido uma bênção, que colocará sempre os Interpol no éden dos revivalismos do segundo milénio? Não interessa. É sensato afirmar que a fama dos Interpol vive do TOTBL? Não. Influenciaram, envelheceram, foram criticados, foram amados, fizeram projectos a solo, perderam um dos elementos fundamentais da composição e, talvez, até mais. Após uma longa mudez de estúdio enquanto saltavam de continente em continente, os Interpol decidem pintar um verdadeiro grito do Ipiranga: «Fuck the ancient ways», exclama Paul Banks. 17 anos depois do nascimento da banda, eis o difícil quinto disco: El Pintor.

Quatro anos após o regresso à Matador Records com o conceptual, orquestrado, atmosférico e negro álbum homónimo, El Pintor renova os votos com a típica sonoridade que marca a identidade «interpoliana», mas trilha um caminho diferente do habitual para chegar a essa tão familiar personalidade.

Em semelhança aos outros discos, este é de difícil digestão e, conselho de amigo, não desistam à primeira. Na primeira audição rapidamente identificamos os elementos indissociáveis de qualquer canção dos Interpol: uma sensualidade melódica dominadas pela guitarra arpejada, «reverberada» e ritmada de Daniel, as teclas que acolhem a guitarra e dão tom à atmosfera pretendida, o famoso timbre de barítono do Paul Banks e uma bateria irrequieta de Samuel Fogarino que, apesar de maquinal, sabe respeitar os silêncios e está apaixonada por contratempos e pelo duplo toque no prato de choques.

Sentimo-nos verdadeiramente em casa com «All The Rage Back Home», canção que arranca o disco. Apesar de começar com uma dinâmica rítmica preguiçosa a fazer lembrar «Next Exit», de Antics, enquanto nada no reverb sujo da guitarra, a faixa cresce até se transformar num dos mais orelhudos temas uptempo dos Interpol, remetendo para uma irrequieta «Heinrich Maneuver» com a carga emocional de uma «Pioneer to the Fall», todas de Our Love to Admire. É possível sentir a falta dos tiques de Carlos Dengler no baixo, que vincavam ainda mais a identidade de Interpol.

Consciente da importância de Carlos D. na composição, que juntamente com as ideias de Daniel Kessler eram a base das músicas de Interpol, Paul Banks assume as rédeas do baixo e dá uma abordagem que, apesar de diferente, ainda soa a Interpol. Paul tornou-se, sem pudor, num baixista que impõe linhas directas que, embora não tenham já muito balanço, é mais ousado no uso da distorção e mais colada à guitarra de Daniel.

E é quando a guitarra de Daniel se manifesta que mais nos lembramos do passado desta banda renovada. Talvez por, como já referiram em diversas entrevistas, quererem «dar focus ao rock ‘n’ roll», ou talvez seja uma consequência do (agora) trio nova-iorquino ser composto por dois guitarristas por natureza, é notável o relevo que a guitarra de Daniel Kessler ganhou. Em «Anywhere» e «My Desire», temas que impressionaram no Optimus Alive 2014, a sonoridade épica, a estrutura e o riff dedilhado berram desavergonhadamente a identidade da banda. Especialmente em «My Desire», canção que melhor mostra a qualidade de Paul Banks enquanto baixista (devido à sua precisão e constante cruzamento harmónico com a guitarra), expõe um crescendo até ao marcante refrão «Be my desire… I’m a frustated man» que não esquece a emotividade do álbum homónimo e do ambiente post-punk de TOTBL e Antics.

Apesar de ser mais liricamente directo, Paul não mudou. O imaginário que contempla o amor, a morte, a mudança e a fragilidade humana através de descrições palpáveis e explicitamente culpadas continua bastante presente. E até mais viva e confiante, com um expressivo Paul Banks que se aventura nos campos do falsete. Atrevo-me a denotá-lo como baritenor em algumas canções, como na «My Blue Supreme», onde podemos ouvir uma ambiência pesada acompanhada por um cantar sensível «Fake, it already captured me alone…», ou na monotonia dinâmica de «Same Town, New Story», que captou a nova-cadência preferida deste álbum.

Se em «Same Town, New Story» esta nova-cadência preferida se manifesta, nas canções que fecham o disco é bem evidente. Em «Tidal Wave», a minha predilecta, o falsete de «Oh, what a sweet serenade…» transborda toda a nostalgia que é, por sua vez, ampliada pelo baixo directo que trina, vezes sem conta, a mesma linha melódica, enquanto é acompanhada pelo dedilhado característico de Daniel. E se «Tidal Wave» é o último culminar de El Pintor, «Twice as Hard», juntamente com «Leif Erikson», é o melhor final que os Interpol já criaram para um disco. «Twice as Hard», introspecção post-punk de vinho tinto e lareira, embala-nos num caos requintado gerado pela progressão de acordes do piano e pelo ambiente instrumental que desmascaram as mazelas, ainda vivas mas mais maturas, do disco anterior. É algo novo mas com base no passado. Uma cara adulta mas lavada. E é fácil crer que é esta nova-cadência que descreverá melhor El Pintor. Esta nova-cadência aponta para o futuro e berra como o elemento mais natural na composição do (agora) trio formado por Paul, Samuel e Daniel.

Se tivesse que apresentar Interpol a alguém, El Pintor não seria certamente a minha primeira escolha. É um capítulo avançado desta epopeia complexa, escrita por quatro jovens de Nova-Iorque. Quem iria cometer a loucura de contar a Ilíada a partir da morte de Pátroclo? Tal como o «canto XVI» da obra de Homero, este disco pede um contexto: não é auto-explicativo. Conceptualmente é um álbum confuso, mas melodicamente é rico em ideias e vontade. O valor deste disco reside na promessa de continuidade: a forma de criar mudou, mas a forma respeita o todo, neste caso, a identidade de Interpol.  Ouçam mais uma vez, repito. É como se estivéssemos a ouvir uma banda que nos é bastante familiar pela primeira vez, passo o paradoxo. São temas que precisam (e merecem) marinar dentro dos nossos ouvidos para entendermos a grandiosidade dos ambientes que procuraram pintar.

Mas as divisões continuarão e a saudade que Turn on the Bright Lights deixou ainda não foi ultrapassada por alguns. A banda está ciente disso, já o afirmaram por diversas ocasiões. Mas desta vez, após quatro anos, o quadro, que aparentava estar danificado, precisava de ser restaurado. Repintado. Toda a raiva voltou para casa. Continuar a caminhar sem se esquecerem das pegadas que deixaram para trás. Mesmo bairro, nova história. Os novos Interpol não deixaram de ser os velhos Interpol, apenas ousaram assumir que já nunca mais serão os mesmos. Se isso é bom ou mau, não interessa (ainda). É relativo.