Para celebrar o 40º aniversário do lançamento do álbum duplo Tago Mago, da banda Can, que revolucionou os gêneros musicais, a Spoon Records deu uma nova vida ao disco. Com a arte original da edição britânica de 1971 e contendo 50 minutos de material ao vivo inédito, o relançamento é uma homenagem digna àquela que foi uma obra seminal do rock psicodélico e experimental.
O único álbum de Mofoya é uma amálgama de estilos que abrange desde o jazz rock feroz até o soul suave e a disco. Para sermos claros, trata-se principalmente de um álbum de fusão, mas os outros estilos mencionados adicionam tempero à mistura. Flauta e guitarra são os instrumentos principais. Faixas como A4 e B3 são belas peças instrumentais de violão e flauta, oferecendo os sons das férias na ilha que se espera do Havaí. Mas esses sons são destruídos pelo estilo Mahavishnu Orchestra de A1, B4 e, principalmente, B2. B1 e B5 têm uma fusão disco com pegada boogie, enquanto A2 é um soul suave com belos vocais femininos. Há também referências ao funk psicodélico ao longo do álbum.
Vejo Send a Message frequentemente rotulado como um álbum de rock progressivo, mas eu não o percebo dessa forma. Para mim, passa uma mensagem equivocada. Trata-se de um tipo de música tipicamente americana, como as que costumávamos ouvir no final dos anos 70. Bandas elevando estilos mais simples a um patamar artístico superior. Qualquer fã do som da CTI dos anos 70 certamente apreciará este álbum. Talvez até mais, considerando a intensidade dos solos de guitarra presentes em algumas faixas.
Na contracapa, o nome da banda está estilizado como MoFoYa.
Consorzio Acqua Potabile é um grupo de rock progressivo italiano de Novara, originado em 1977, e ainda em atividade. Como aconteceu aos outros grupos italianos dos anos 1970, a banda conseguiu publicar o primeiro álbum somente nos anos 1990, período de reavivamento do gênero e do nascimento de etiquetas discográficas especializadas no setor.
O grupo nasceu em 1977 em Boffalora sopra Ticino, província de Milão, mas foi redescoberto apenas nos anos 1990 pela etiqueta milanesa Kaliphonia que publicou um CD com as gravações de um live do mesmo ano. Após o achado, a formação se reuniu co quatro dos cinco componentes originais.
Durante a sua atividade nos anos 1970, o grupo realizou para o teatro também uma "ópera prog" de título Gerbrand, que contudo não foi jamais gravada.
A inspiração musical era de outras bandas mais conhecidas como Banco del Mutuo Soccorso e Premiata Forneria Marconi.
Nos anos 1970 a formação compreendia Bollea, que era também a voz do grupo, Venegoni, Gorlezza, Giancarlo Morani, ao baixo, e Pippo Avondo, na bateria.
De 1993 a 1998 a formação incluiu Paul Rosette, voz, Bollea, Venegoni, Gorlezza, Riccardo Roattino, na guitarra, e Avondo.
De 1998 a 2006 a formação passou a apresentar Luca Bonardi, na bateria.
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| Siga-me, siga-te, Gênesis |
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Jeff Tweedy teve uns excelentes três anos – desde o lançamento do último álbum dos Wilco – a nível de carreira: ajudou a banda americana White Denim na produção do seu próximo disco, participou na gravação e produção de One True Vine de Mavis Staples e até esteve em tour com Dylan.
Mas a verdade é que o vocalista dos Wilco não tem andado a navegar num mar de rosas. Em Setembro do ano passado perdeu o irmão e, em Janeiro deste ano, descobriu que a sua mulher tinha uma doença rara. Estes acontecimentos não foram, contudo, entraves para o músico que lança agora o disco Sukierae, num projecto composto por ele e pelo seu filho Spencer, contando ainda com a ajuda de Scott McCaughey, Jess Wolfe e Holly Laessing.
Ao longo do registo somos capazes de ouvir sons que podem fazer-nos lembrar os bons velhos Wilco, como por exemplo através das linhas desenhadas na guitarra de Jeff Tweedy em «Diamond Light Pt. 1», canção em que pergunta (talvez à sua mulher, talvez ao seu filho, ou até mesmo a si próprio) «Are you scared? / Are you frightened? / Terrified of being alone?» «Wait For Love» é uma canção com uma melodia assobiada que é capaz de transportar alguns ouvintes para um universo «beatlenesco», e a voz de Tweedy em «Summer Noon» pode por vezes soar a um Lennon psicadélico, mas sem cair numa imitação descabida.
Está na altura de referir a admiração que se deve sentir quando se descobre que o jovem baterista Spencer Tweedy é um baterista exímio, apesar de ter apenas ainda completado 18 Primaveras. O músico varia entre o rock e o jazz com um profissionalismo que não é comum na sua idade. Se muitos vierem por Jeff, outros muitos ficarão pelo Tweedy mais novo.
«Low Key» é uma óptima canção pop, com um refrão que é capaz de ficar preso na cabeça e nos lábios durante muito tempo, mas sem irritar. Já «I’ll Sing It» é uma canção mais roqueira, com um uma guitarra imbuída em fuzz e delay e com um riff sujo, a acompanhar um coro luminoso que contrasta com a voz arrastada do Tweedy mais velho, que parece subir de intensidade ao ser desafiado pelo ritmo sincopado do seu filho. De referir ainda as técnicas de produção usadas para chamar a atenção do ouvinte, como por exemplo no momento em que se desliga o amplificador mesmo antes do refrão. «New Moon» é uma canção acústica que beneficia de uma guitarra eléctrica que sabe entrar e sair nos momentos certos.
Porém, Sukierae não contém apenas momentos altos, tendo também a sua quota-parte de canções menos boas, o que leva a crer que este trabalho só teria a ganhar se não tivesse sido concebido como um disco duplo. Mas a verdade é que é um disco com um fio condutor que nos leva a esquecer os seus momentos mais fracos face aos seus momentos áureos.
O duo Tweedy chegou para ficar e mostrar que afinal se pode misturar família e negócios e acabar com um excelente resultado.
Os The Charlatans são um caso atípico na Britpop. Surgiram antes de o fenómeno rebentar – formaram-se em 1989 – e permanecem ativos e com bons discos editados nos anos recentes. Nunca explodiram verdadeiramente fora do Reino Unido, mas ainda são banda para andar em digressão fora de terras de Sua Majestade durante largos meses, apenas não atuando em estádios e focando os seus espetáculos em anfiteatros e outras salas. Em Portugal, por exemplo, tocaram em 2008 na Aula Magna de Lisboa, enquanto uns Pulp e Blur fecham festivais e os Suede atuam nos coliseus da capital e da invicta.
Some Friendly, de 1990, foi o disco de estreia do grupo liderado por Tim Burguess. É um disco distante da soalheira pop de temas mais para a frente na carreira do grupo, mas não por isso é menos fundamental na carreira destes bons charlatães. Experimental, intenso e saudavelmente caótico, é um disco para emprateleirar ao lado da estreia dos Stone Roses e de Screamadelica, dos Primal Scream, por exemplo.
Lento quando tem de ser («Oportunity», colossal tema) e épico sem pedir licença a ninguém («Sprongston Green» é perfeito remate da jornada), Some Friendly é um disco de culto: não é consensual, não é imediato, não é fácil, mas quem nele entra com pujança dificilmente não dará por si pontualmente a querer voltar para ele. «Polar Bear» é talvez a faixa emblemática: cruza dub e elementos eletrónicos com guitarras e a voz de Tim Burguess, meio escondida e abafada, mas inconfundível e jeitosa: bem jeitosa. É o passado e o que viria a ser o futuro de uma banda ainda viva no presente. Longe de grandes palcos, embora ainda fortes. Bom.
Pode um disco ser um autêntico caldeirão de influências, sendo que no interior dessa mistura é que se encontra a verdadeira identidade da banda que o criou? Sim, pode. Aliás, já aconteceu inúmeras vezes ao longo da história da música do século passado. O interessante, neste caso, é perceber-se que isso não surgiu propositadamente. Explico melhor: Screamadelica não terá sido pensado como um projeto uno e coeso, mas como um disco que reunisse singles e lados B. No entanto, a misturada foi tanta e resultou tão bem, que a partir da data do seu lançamento, Screamadelica passou a ser a obra de referência dos Primal Scream, e em todos os passos que o grupo deu no seguimento da sua carreira, foram constantes as mudanças de rumo musical. Screamadelica continha, por assim dizer e de forma condensada, o futuro caminho musical da própria banda: a diversidade. Também é certo que em Screamadelica há alguma coisa de Stones, de Roky Erickson, de Jah Wobble, entre outros, sendo que nos discos seguintes do grupo, muitas dessas influências se transformaram em sons próximos dos sons dos Neu!, dos CAN, do punk e até de um certo hardcore. Mais ainda, Screamadelica influenciou o futuro próximo da música britânica, o futuro que se encontrava ao virar da esquina do tempo. Sem este disco era bem possível que os Oasis, os Blur e outros reis da Britpop nunca se dessem a conhecer ao mundo exatamente da forma como o mundo os conheceu. Para o bem ou para o mal, isto foi mais ou menos o que se passou.
Screamadelica é um álbum com lugar garantido na história da música. Disso ninguém duvida. Desde logo pela qualidade inegável das suas composições: «Loaded», «Movin’On Up», «Higher Than The Sun» ou «Shine Like Stars» são autênticas peças de puro génio musical. O rock, a pop, o dub, o acid e outros variados ingredientes resultaram perfeitamente em conjunto. Aquilo que à partida parecia não ser conciliável, acabou por ganhar contornos mágicos e intemporais. Aquele que é considerado um dos discos da história da música em que as drogas mais influência tiveram na sua feitura (a revista Uncut até já lhe dedicou um artigo especial de várias páginas a propósito desse facto), vive em nós há mais de 20 anos, sem quaisquer problemas de identidade. Não há grandes vantagens em catalogar um disco como Screamadelica. Aliás, e em abono da verdade, penso mesmo que é tarefa impossível. Pertence à sua própria e exclusiva categoria. É um disco livre e libertador. Trouxe coisas novas ao mundo do pop / rock, nomeadamente todo um manacial da emergente cultura techno, da house music e das raves. Por outras palavras, mudou o panorama convencionalizado. Nunca mais os Primal Scream conseguiram um feito semelhante na sua carreira. Atrevo-me até a dizer que nunca mais conseguirão produzir um disco tão marcante como esse opus de 1991. Apesar de tudo, e já o disse noutro texto publicado neste mesmo site, o que sempre me agradou nos Primal Scream, e sobretudo na figura do seu frontman, é a capacidade que desde cedo mostraram de assumir o risco, de mudar de caminho, de tentar inovar. Algumas vezes erraram o alvo, outras vezes acertaram, mas nunca da forma perfeita conseguida em Screamadelica. Por tudo isto, Bobby Gillespie e companhia merecem o estrelato infinito. Merecem todos os elogios, todas as considerações, todo o nosso respeito. A arte de Screamadelica é imorredoura, elástica e tão absolutamente artificial como o combustível ilícito que lhe deu força para existir. Assim continue, como continuará, com toda a certeza, a ser visto e entendido como um dos raros discos que mudou o curso da história da música na última década do século passado.
