ROCK ART

 

Harmonia 'Musik Von Harmonia' (1974)

 

Gostaria de ler para vocês algumas das notas de encarte escritas por um amigo da banda, Asmus Tietchens, que também produz música eletrônica desde 1965. Ele diz: "Foi uma sensação quando as revistas de música anunciaram, em 1973, que Dieter Moebius, Hans-Joachim Roedelius e Michael Rother planejavam trabalhar juntos. Sob o nome CLUSTER, Moebius e Roedelius já ocupavam um lugar indispensável na cena da música eletrônica desde 1969. Rother era conhecido como um dos fundadores do movimento em 1971, além de membro extravagante da banda NEU!. No entanto, a perspectiva de os três unirem forças parecia muito frágil para ser verdade. Naquela época, o álbum do CLUSTER, "Zuckerzeit", ainda não havia sido lançado."
Lançado, o álbum deixou os ouvintes em potencial curiosos para saber o que Roedelius e Moebius pretendiam produzir ao se dedicarem a experimentos rítmicos. O fato de buscarem música rítmica era evidente, e o próprio nome de Michael Rother já garantia isso. Suas composições, assim como seu estilo inconfundível de tocar guitarra e teclado, podem ser considerados cruciais para o sucesso do projeto NEU! O público estava ansioso para ouvir HARMONIA, nome dado pelos três integrantes. Já em 1973, o HARMONIA começou a se apresentar ao vivo, antes de finalmente lançar seu primeiro álbum, intitulado simplesmente "Musik Von Harmonia" (Música da Harmonia). Roedelius afirma: "Musik Von Harmonia é um álbum belo e elegante, minimalista e vibrante, quase inteiramente tocado 'à mão', com exceção do uso de uma bateria eletrônica." Assim como CLUSTER e NEU!, eles se viraram sem sequenciadores híbridos ou sintetizadores gigantescos, mas se concentraram em reagir de forma sensível uns aos outros, bem como em criar o que pareciam sons e ruídos extremamente estranhos". Além disso, "Musik Von Harmonia é música pop experimental no sentido mais literal das palavras. Ao analisar as estruturas e peças harmoniosas e rítmicas (pop), os sons e ruídos requintados e seus arranjos (experimentais), não há dúvidas quanto a isso. "Watussi" nos recebe com aquela batida familiar e os sons agudos pelos quais a HARMONIA é conhecida. Outros sons se juntam a essa faixa motorik. "Sehr Kosmisch" é a minha favorita. É bastante sombria, com batidas que lembram batimentos cardíacos, juntamente com pulsos e ondas. Piano e sons agudos surgem antes dos 4 minutos e meio, quando o clima muda um pouco. Um ritmo distante se intensifica até dominar. No entanto, termina antes dos 7 minutos, tornando-se espacial com um piano esparso. Uma batida pulsa por volta dos 9 minutos e meio, enquanto o piano para e os sons espaciais continuam. "Sonnenschein" tem uma batida pulsante com todos os tipos de sons contribuindo. É cativante, eu gosto! Ela para abruptamente. "Dino" é outra faixa motorik acelerada e eu também gosto da guitarra. "Ohrwurm" tem Esses sons mecânicos se movem de forma estranha enquanto outros sons pairam e pulsam. É algo um tanto misterioso e sombrio. "Ahoi!" é bucólico, com violão dedilhado e outros sons complementando a música. Aos 3 minutos e meio, uma paisagem sonora diferente surge e substitui a primeira rapidamente. "Veterano" é uma faixa animada com um ritmo pulsante. Piano e batidas abrem caminho enquanto o violão toca por cima. "Hausmusik" tem piano e percussão em destaque no início, mas um minuto depois, um som diferente surge e eventualmente toma conta da paisagem sonora anterior.É rítmico, mas espacial, e então o piano retorna à medida que essa paisagem sonora rítmica se dissipa. Há uma vibração melancólica nesta faixa.

Um ótimo começo para esses caras e a magia continuará em seu segundo lançamento, "Deluxe".

Tracklist:

 1. Watussi 06:00
 2. Sehr Kosmisch 10:59
 3. Sonnenschein 03:57
 4. Dino 03:33
 5. Ohrwurm 05:10
 6. Ahoi! 05:15
 7. Veterano 03:59
 8. Hausmusik 04:33

TotalTime:43:30

 Dieter Moebius - synthesizer, guitar, electronic percussion, nagoya harp, vocals
 Hans-Joachim Roedelius - organ, piano, guitar, electronic percussion, vocals
 Michael Rother - guitar, piano, organ, electronic percussion, vocals
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Harmonia is a Krautrock supergroup from Germany. They formed as a collaboration between Michael Rother of Neu! and Hans-Joachim Roedelius and Dieter Möbius of Cluster and later included the British musician Brian Eno.

MUSICA&SOM☝

Guru Guru - 1970 - UFO

 

Um grupo de músicos de free jazz enfeitiçados pelo rock'n'roll (e,
 bem, pelo ácido também), o Guru Guru
aplicou seu treinamento experimental, interpretativo e improvisacional ao rock psicodélico.
Seu álbum de estreia — intitulado, sem ironia, UFO — mergulha de cabeça nos
confins da galáxia sonora conhecida; a banda produz todos os tipos de
 sons insanos a partir de uma formação totalmente convencional de guitarra, baixo e
bateria. A faixa-título de 10 minutos é um mergulho destemido em
 estados de transe totalmente livres e completamente alucinantes, seguida pela
 faixa de encerramento "Der LSD Marsch", com sua flauta distorcida e estridente, cujo título exemplifica bem
 os hábitos de consumo do Guru Guru,
tanto na época quanto no futuro
.

5 estrelas. O álbum de estreia do Guru Guru, UFO, é uma verdadeira experiência krautrock e oferece todos os aspectos que se espera de um disco do gênero: rock ácido, viagens espaciais e originalidade.

O lado A é repleto de jams de rock ácido que lembram um pouco as apresentações ao vivo de Jimi Hendrix, mas sem a influência do blues. A bateria tem uma pegada industrial e o trio de krautrockers toca de forma coesa e interativa. É impressionante que a duração do lado A seja de cerca de 18:30, com pouca variação sonora, mas sempre empolgante. Depois de ouvir pela primeira vez, minha esposa me disse: "Nossa, a guitarra soa como uma garota tendo um orgasmo!". Bem, a música se chama "Girl Call" (Chamada da Garota): acho que era essa a intenção!

O lado B começa com a faixa-título, UFO. Essa faixa de 10 minutos é uma verdadeira obra de arte. Não é uma música, nem uma composição: soa como se OVNIs estivessem pousando no seu quintal! Certa vez, enquanto ouvia o disco, um amigo me ligou e perguntou se eu estava sentado em um trem por causa dos sons de fundo. Bem, é mais ou menos isso que essa faixa representa: sons extraterrestres criados por equipamentos eletrônicos, misturados com gravações de trens e sons de máquinas. É uma verdadeira viagem espacial, como nunca tinha ouvido antes. A última música soa como as do primeiro lado; um rock ácido e experimental da melhor qualidade.

Eu realmente gostei da abordagem espacial única da faixa-título, e as partes de space rock ácido são mais do que boas. 

 Lista de faixas

1. Stone In (5:43)
2. Girl Call (6:21)
3. Next Time See You At The Dalai Lhama (5:59)
4. Ufo (10:25)
5. Der LSD / Marsch (8:28)

Total Time: 36:56

 Musicians

- Ax Genrich / guitar, Fx
- Uli Trepte / bass, electronics
- Mani Neumeier / electric drums, cymbal, gong, electronics, tape, vocals

MUSICA&SOM☝

Between ~ Germany

 

Dharana (1974)

Dharana é o terceiro álbum do Between, um grupo internacional baseado em Munique. A música aqui pode ser descrita, de forma geral, como World Fusion, um termo abrangente que incorpora várias tradições folclóricas, música eletrônica, new age e jazz. É preciso estar no clima certo para ouvir um álbum como este, pois é muito relaxante e tranquilo. Guardem a bateria, pessoal, isso não é Krautrock! Eu diria que, em Dharana, o Between opera de maneira semelhante ao Popol Vuh e ao Deuter da mesma época, embora seja muito diferente de ambos no geral. As notas detalhadas do encarte apontam para as tradições grega, budista, japonesa, europeia (em geral) e indiana como referências. O oboé de Robert Eliscu é o instrumento principal mais proeminente, embora eu considere o órgão hipnótico de Peter Michael Hamel um destaque. Dois percussionistas garantem que este não seja um trabalho estático.

Andromeda ~ Germany

 

Andromeda (1979)

Assim como Zarathustra, o nome alemão Andromeda é mais conhecido por um álbum do início dos anos 70. E assim como com Zarathustra, eu prefiro a banda posterior, com uma sonoridade diferente. Este Andromeda toca uma mistura de estilos familiares do rock progressivo, principalmente Jethro Tull devido ao uso da flauta e ao estilo geral das músicas. Genesis e Yes também são mencionados. No geral, me lembrou bastante o Mythos de meados para o final dos anos 70, com uma pitada de Novalis, especialmente considerando os vocais meio em alemão. Um ótimo álbum, que talvez tenha trechos líricos demais para ser um clássico, mas as partes instrumentais compensam. O trabalho de guitarra também é excelente.

Tecnicamente, a banda é conhecida como Andromeda. Eles têm outros dois lançamentos que eu não ouvi.

Até o momento, não existem reedições de nenhum de seus álbuns.

BIOGRAFIA DOS Corte dei Miracoli

 

Corte dei Miracoli

Corte dei Miracoli foi um grupo de rock progressivo italiano ativo nos anos 1970.

História

Com uma característica formação com dois tecladistas e sem guitarra, a Corte dei Miracoli, de Savona, realizou somente um álbum para a pequena etiqueta Grog, com a ajuda do guitarrista do New Trolls, Vittorio De Scalzi, que era também responsável pela gestão da casa discográfica.

O grupo foi formado em torno de 1973 pelos ex-componentes do Tramps, entre os quais, o tecladista Alessio Feltri, que tinha também tocada anteriormente com Il Giro Strano, um grupo estreitamente ligado com a Corte dei Miracoli.

O segundo tecladista original, Michele Carlone, deixou o grupo pouco antes das gravações do álbum, substituído pelo pianista de jazz, Riccardo Zegna.

O álbum é obviamente orientado em direção ao progressivo sinfônico dominado pelo cruzamento dos teclados e partes vocais são o seu ponto débil, muito distante da base musical. Um bom álbum, mas não entre os melhores gêneros.

O grupo continuou a tocar até o verão de 1976. A última formação compreendia também um guitarrista Valerio Piccioli. Após a dissolução da banda, uma nova versão de Il Giro Strano foi formada por Feltri, Siri e Piccioli, mas sem sucesso.

Um bom álbum póstumo, Dimensione onirica, gravado em 1973-1974 da primeira formação, foi publicado pela Mellow em CD. O tecladista Riccardo Zegna depois deu origem ao trio Gialma 3.

Formação

1973-74

• Graziano Zippo (voz)
• Alessio Feltri (teclado)
• Michele Carlone (teclado)
• Gabriele Siri (baixo)
• Flavio Scogna (bateria, percussões)

1975

• Carlone substituído por
• Riccardo Zegna (teclado)

Discografia

LP

• 1976 - Corte dei Miracoli (Grog, GRL 04)

CD

• 1992 - Dimensione onirica (Mellow, MMP 104)
• 1993 - Live at Lux (Mellow, MMP 138)
• 1994 - Corte dei Miracoli (Vinyl Magic, VM 040)

MUSICA&SOM☝

Barry White - Just the way you are

 

"Just the Way You Are" é uma das canções mais icônicas do lendário Barry White , conhecido como "A Voz do Amor". Embora originalmente escrita e interpretada por Billy Joel em 1977, a versão de Barry White , incluída em seu álbum *The Icon Is Love* (1994), deu à música um toque sensual e profundamente emocional, transformando-a em um clássico da soul e do R&B. Com sua inconfundível voz aveludada e arranjos orquestrais suntuosos,  Barry White  transformou a canção em uma declaração de amor apaixonada e sincera.  

A produção de "Just the Way You Are" é característica do som opulento de Barry White : cordas exuberantes, um ritmo suave e constante, vocais de apoio femininos que complementam sua voz grave e uma levada que convida à dança lenta. A instrumentação cuidadosamente elaborada evoca elegância e romance, com pianos discretos, guitarras cheias de alma e linhas de baixo proeminentes que remetem à era de ouro da disco music e do soul dos anos 70. Barry White , além de intérprete, era um mestre da produção, e isso fica evidente em cada detalhe da canção.  

A letra, concebida por Billy Joel como uma homenagem à sua então esposa, ganha um novo significado na voz de Barry White . Versos como "Não mude para tentar me agradar" e "Eu te amo do jeito que você é" ressoam com devoção absoluta. Barry White consegue transmitir uma mistura de admiração, desejo e ternura, tornando a mensagem de aceitação incondicional ainda mais poderosa. Sua interpretação é íntima, como se ele estivesse sussurrando ao ouvido de um amor eterno.  

Embora a versão de Billy Joel já fosse um sucesso, Barry White a apresentou a um novo público, consolidando-a como um hino romântico atemporal. Sua versão se destaca pela capacidade de fundir o soul clássico com um toque moderno (para os anos 90), demonstrando que grandes canções podem ser reinventadas sem perder sua essência. Além disso, a canção reforçou o status de White como um ícone do amor e da sedução na música.  

"Just the Way You Are", interpretada por Barry White, é mais do que uma simples canção: é uma experiência sensorial. Combina produção impecável, uma voz inigualável e letras que celebram o amor incondicional. Embora décadas tenham se passado desde seu lançamento, permanece um marco da música romântica, perfeita para noites apaixonadas ou simplesmente para apreciar a arte de um dos maiores crooners da história. Se existe uma canção que encapsula o espírito de  Barry White , é esta: calorosa, sedutora e eternamente elegante. 

 

M I A (Músicos Independientes Asociados) - Cornonstípicum

 

Em 1978, no auge do rock argentino, a banda MIA (Músicos Independientes Asociados) surgiu com um som revolucionário em seu álbum de estreia. Entre suas faixas mais memoráveis ​​está "Cornonstípicum ", uma música que encapsula a essência de um grupo que ousou misturar rock, jazz, funk e vanguarda com uma atitude irreverente e experimental.  

Desde os primeiros acordes, a música surpreende com sua estrutura não convencional. A base instrumental, conduzida pelos riffs de guitarra de Alberto Muñoz e pelo baixo de Gonzalo Farrugia, cria uma atmosfera densa e em constante transformação, enquanto a bateria de Carlos Riganti alterna entre ritmos sincopados e explosões de energia. Os teclados adicionam um toque psicodélico, que remete a bandas como King Crimson ou Frank Zappa, mas com uma identidade própria, marcada por humor ácido e improvisação.  

A voz rouca e carregada de ironia de Daniel "Piti" Fernández é o fio condutor das letras, que parecem um jogo de palavras surreal. Frases como " Cornonstípicum , don't you see it's like this?" ou "Everything's upside down, but it doesn't matter" podem ser interpretadas como uma crítica à monotonia, à burocracia ou até mesmo uma zombaria dos clichês do rock da época. O próprio título, uma palavra inventada, sugere uma distorção do "típico", como se a banda quisesse romper com qualquer convenção musical ou social.  

No contexto do rock argentino do final dos anos 70, o MIA se destacou por sua atitude vanguardista. Enquanto outras bandas buscavam um som mais comercial ou político, eles exploravam uma liberdade criativa ilimitada. "Cornonstípicum"  é um exemplo perfeito: uma canção que desafia fórmulas, com mudanças abruptas, dissonâncias calculadas e um espírito lúdico que instiga o ouvinte.  

Embora não tenha alcançado o mesmo reconhecimento generalizado que outras bandas da época,  o álbum de Cornonstípicum e M.I.A. tornou-se um clássico cult. Hoje, a música ainda soa atual e inovadora, provando que a verdadeira inovação nunca envelhece.  

Cornonstípicum é uma joia do rock experimental argentino, uma obra que recompensa aqueles que buscam música com ideias ousadas e execução impecável. 

Violator - Depeche Mode

 

Violator, Depeche Mode

     Era 1990 e eu era um garoto de 17 anos, completamente absorto pelo heavy metal e por alguns artistas de gêneros mais populares. Depeche Mode, para mim, era apenas um nome que eu ouvia no rádio, uma banda de sintetizador que não combinava com o meu gosto. Tudo mudou numa tarde em que "  Personal Jesus" começou a tocar no rádio .  Aquela mistura de pulsos eletrônicos sombrios e sedutores foi como entrar num novo mundo, um mundo onde a música não era apenas ouvida, mas sentida profundamente. Foi uma revelação ouvir aquela melodia simples, porém hipnótica. Esse álbum me ajudou a descobrir e entender que existia outro tipo de música  que não precisava de guitarras estridentes para ser intensa.

Em 1990, num mundo onde os sintetizadores reinavam como prenúncios de um futuro incerto, o Depeche Mode lançou Violator , seu sétimo álbum de estúdio. Produzido por Flood (pseudônimo de Mark Ellis ) e mixado por François Kevorkian , Violator não era apenas um álbum, mas um portal para um universo paralelo onde melancolia, desejo e redenção se entrelaçavam em frequências eletrônicas. Com uma abordagem inovadora que rompia com sua fórmula anterior, o quarteto de Basildon ( David Gahan, Martin Gore, Alan Wilder e Andrew Fletcher ) criou uma obra que fundia synth-pop, rock gótico e blues eletrônico, catapultando-os ao estrelato mundial.

Ao contrário de seus antecessores, o álbum carece de uma narrativa definida, e a diversidade de temas que explora torna impossível apontar um único tema abrangente, apesar da aparente conexão entre as músicas. Violator  tece uma narrativa digna de um romance de ficção científica, onde cada faixa é um capítulo de uma saga distópica. 

O álbum abre com "World in My Eyes ", um hino synth-pop onde a influência do Kraftwerk é evidente , mas imbuído de uma sensualidade quase alienígena. A voz de Gahan nos convida a explorar um universo onde o prazer é a única moeda, seu ritmo dançante escondendo uma escuridão latente. Martin Gore, o arquiteto lírico, confessou que a canção é uma proposta hedonista, um hino à conexão física em um mundo desumanizado.  "Sweetest Perfection"  é uma faixa com um início minimalista que culmina em um refrão grandioso. A canção explora a busca pela plenitude por meios artificiais. Seu caráter progressivo se destaca, com ecos de rock psicodélico em sua estrutura pulsante. A inspiração de Gore pode estar ligada à luta interna pela autenticidade em um mundo de simulações. A voz de Gore  contrasta com os sintetizadores frios, como se uma inteligência artificial estivesse confessando seu desejo de sentir, como se fosse  o lamento de um androide ansiando pela imperfeição humana.  "Personal Jesus",  a música que me impressionou profundamente aos 17 anos, um dos destaques do álbum, surge como um raio em um céu metálico. Com seu riff de guitarra blues e percussão industrial, a canção é uma sátira mordaz da comercialização da fé, inspirada na relação entre Elvis e Priscilla Presley . Gore explicou que a música fala sobre ser "um Jesus para alguém, alguém que oferece esperança e cuidado ". O videoclipe da música foi dirigido por Anton Corbijn.  A canção foi um sucesso inovador, fundindo rock e música eletrônica de uma forma que pode ser considerada precursora do grunge.  "Halo" emerge como um oásis de luz na escuridão, com sua atmosfera etérea e narrativa de amor redentor. É uma das joias menos óbvias do álbum, com arranjos de teclado que criam um equilíbrio entre o gótico e o romântico. A letra de Gore fala de rendição e esperança, como se um viajante espacial estivesse encontrando refúgio após uma tempestade cósmica. A música apresenta uma produção impecável, com camadas de sintetizadores envolvendo a voz de Gahan em uma aura de melancolia, um  momento de introspecção onde os protagonistas confrontam as consequências de seus desejos e buscam absolvição. O Lado A encerra com "  Waiting for the Night ", uma peça minimalista com seu ritmo hipnótico e texturas ambientais. Gore e GahanEles cantam em uníssono, criando um senso de unidade na desolação. A natureza introspectiva do álbum continua, com letras que exploram a expectativa de uma mudança crucial.

A faixa de abertura do lado B é  "Enjoy the Silence  ", o coração pulsante de Violator , um hino que transcende o tempo e o espaço. Tornou-se um sucesso mundial, alcançando o top 10 tanto no Reino Unido quanto nos Estados Unidos. Gore escreveu a letra como uma reflexão sobre a paz encontrada no silêncio, mas a produção de Flood a transformou em um gigante eletrônico com um refrão melódico irresistível. A música também contém um interlúdio oculto notável, " Interlude #2 (Crucified) ", que adiciona um toque sinistro ao final da versão do álbum. A canção reflete a luta de Gore com a comunicação em um mundo barulhento .  "Policy of Truth" é uma história de consequências, com seu ritmo hipnótico e tom cínico. A canção, com seu refrão marcante e   produção impecável,  alcançou o primeiro lugar na  parada Modern Rock Tracks da Billboard nos Estados Unidos . É  uma faixa que equilibra a dançabilidade com a melancolia,  enquanto explora as mentiras que sustentam os relacionamentos humanos e as verdades que ferem.  "Blue Dress" é uma das faixas mais enigmáticas do álbum , com seu ritmo lento e atmosfera sensual.  A letra de Gore  pode aludir a uma obsessão romântica ou à idealização de um objeto de desejo. A canção, assim como " Enjoy the Silence" , inclui um interlúdio,   "Interlude   #3",  uma peça sintetizada e operística onde os quatro membros da banda executam uma vocalização coral usada anteriormente apenas na excepcional faixa  "Pimpf",  do álbum "  Music for the Masses" (1987).  Este interlúdio é, na verdade, bastante curto, pois após a vocalização, inicia-se uma espécie de ronronar animalesco, marcando o verdadeiro ponto de partida da faixa final do álbum, " C lean " , uma peça que simboliza a "queda completa na escuridão ". Com seu ritmo assombroso e tom introspectivo, a canção é um lamento pela redenção pessoal, como se os protagonistas tivessem sobrevivido a uma catástrofe cósmica. Ela reflete a luta de Gahan com seus demônios pessoais, um tema que se intensificaria no álbum seguinte , " Songs of Faith and Devotion " (1993) .

Violator não foi apenas um álbum; foi uma supernova que redefiniu o cenário musical dos anos 90.Com mais de um milhão de cópias vendidas nos Estados Unidos e uma turnê mundial que atraiu 1,2 milhão de fãs,o Depeche Modese tornou um fenômeno global. É o manifesto de uma civilização à beira do colapso, um testemunho da capacidade da humanidade de encontrar beleza na escuridão. ComoGoreem uma entrevista de 1990:"Chamamos de Violator de brincadeira, mas ninguém entendeu". E aí reside seu poder: um álbum que quebraria minhas expectativas e marcaria para sempre aquele garoto de 17 anos...

Because the Night - Patti Smith Group

 

Lançada em 1978 como parte do álbum de estúdio "Easter", a canção "Because the Night" do  Patti Smith Group é uma das faixas mais celebradas de sua discografia e do rock americano dos anos 70. É uma música composta por Bruce Springsteen e pela própria Patti Smith , embora eles não a tenham escrito juntos. Originalmente, era uma composição de Springsteen das sessões do álbum Darkness on the Edge of Town (1978), mas ele não ficou totalmente satisfeito com o resultado, e a música acabou ficando de fora do álbum. O produtor Jimmy Iovine  então a ofereceu a Smith , que a reescreveu e lhe deu seu toque pessoal.

O resultado final é um hino apaixonado ao amor e ao desejo, habitantes comuns da vida noturna, como proclamam seu refrão e verso mais icônico: "Porque a noite pertence aos amantes, porque a noite nos pertence " .  "Because the Night" se destaca por sua estrutura ascendente, começando com uma introdução suave de balada marcada pelo piano e culminando em um refrão apoteótico com guitarra rock e um hino de estádio.

A performance vocal de Patti Smith é apaixonada e poderosa, situando-se entre o rock clássico e a intensidade do punk rock dos anos 70, mas brilha igualmente nos trechos mais lentos.  "Because the Night"  foi uma das faixas de maior sucesso em sua discografia, alcançando o 13º lugar na Billboard Hot 100 dos EUA , e desde então foi regravada por diversos artistas, incluindo  10,000 Maniacs, Sonic Youth e Kim Wilde.  O próprio Springsteen a apresenta regularmente em seus shows, e sua versão de "Because the Night" é  uma das mais aclamadas por seus fãs.