Review: Spirit Adrift – Divided by Darkness (2019)

 

O Spirit Adrift foi formado em 2015 no Arizona e, sem seus primeiros dois discos – Chained to Oblivion (2016) e Curse of Conception (2017) – foi praticamente um projeto de um homem só, personificado na figura do vocalista e guitarrista Nate Garrett. Isso mudou em Divided by Darkness, terceiro trabalho da banda, lançado no início de maio.

No novo álbum, Garrett ganhou a companhia de Jeff Owens (guitarra), Chase Mason (baixo) e Marcus Bryant (bateria), e isso fez bem ao som do quarteto. O Spirit Adrift, com o perdão do clichê óbvio e conclusivo, está soando como uma banda em Divided by Darkness, apresentando uma amplitude até então inédita.

Musicalmente, dá pra explicar a música do grupo com a expressão “o doom metal encontra o classic rock”, mas há outros aspectos na jogada. Percebe-se uma certa influência progressiva em alguns momentos, somos surpreendidos por uma quebra de andamento que leva a faixa-título para um caminho que se assemelha ao jazz, e algumas passagens de guitarra não escondem a sua inspiração no thrash metal. Em termos de influência, dá pra identificar referências como Metallica, Trouble, Mastodon e Baroness na mistura, além de uma afinidade de timbres com o que o The Sword mostrou em Apocryphon (2012).

O uso de arranjos ascendentes é uma constante, assim como de estruturas vocais que exploram uma esfera criativa similar ao Baroness. Outro ponto essencial na sonoridade do Spirit Adrift é a presença de harmonias de guitarras em todas as faixas, entregando melodias que cativam o ouvinte e surgem em grandes trechos instrumentais.

Entre as músicas, destaque para o início arrebatador com “We Will Not Die”, a ótima música que batiza o disco, a cadenciada e pesada “Born Into Fire”, o sentimento à flor de pele de “Angel & Abyss”, a variedade desconcertante de “Torture by Time” e a sensacional sinfonia doom instrumental que fecha o disco, “The Way of Return”.

Divided by Darkness é o meu tipo de CD. Pesado, cheio de melodia e com músicas que emocionam. Adorei o trabalho e recomendo fortemente que você também o ouça.

Review: Demon – The Plague (1983)

 

Terceiro álbum do Demon, The Plague é um peixe fora d’água na discografia do grupo, um dos nomes mais cultuados da New Wave of British Heavy Metal. Sucessor dos aclamados Night of the Demon (1981) e The Unexpected Guest (1982), The Plague gera discussão até hoje. Uma parcela dos fãs o tem como um dos melhores trabalhos da banda, enquanto outros o renegam há anos.

O que existe de diferente em relação aos discos anteriores – e também aos que vieram na sequência – é que o Demon suavizou a sua música, provavelmente de olho no que estava rolando no mercado norte-americano na época. É bom lembrar que 1983 foi o ano do boom do glam metal, com Metal Health, do Quiet Riot, alcançando o primeiro lugar na Billboard e consolidando o estilo. Outro fator importante foi o crescimento da MTV, embalado, em sua maioria, pelos clipes das bandas de hard californianas. Pensando com a cabeça daquele tempo, uma mudança de sonoridade seria o caminho mais curto para alcançar um público maior.

Quer dizer então que The Plague é um álbum de hair metal? Não necessariamente. O Demon deixou a sua música menos agressiva agregando elementos de outros estilos além do hard, sendo o mais notório de todos o rock progressivo. Há uma presença constante de teclados, a alternância de dinâmicas salta aos ouvidos e a suavidade toma a linha de frente quando comparamos as nove faixas de The Plague com os trabalhos anteriores da banda. De certo modo, não seria equivocado afirmar que trata-se de um álbum que aproxima o som dos ingleses do AOR e traz ecos de grandes referências do estilo como Journey e Kansas. Além da mudança na parte musical, nota-se uma alteração também no aspecto lírico, com a banda deixando para trás as letras inspiradas em assuntos sombrios e demoníacos e falando sobre os temas sociais e políticos pelos quais a Inglaterra passava na época.

No entanto, o que fica claro é que, mesmo trilhando um universo sonoro distinto, The Plague mostra que o Demon era uma banda que valia a pena prestar atenção. A qualidade das ideias, as soluções melódicas e os arranjos evidenciam o quanto os caras eram bons, e isso é algo que ia além dos limites impostos por um gênero musical. Canções como “The Plague”, “Nowhere to Run” e a excelente “The Writings on the Wall” são exemplos disso.

The Plague acaba de ser relançado pela Hellion Records aqui no Brasil, com seis faixas bônus que trazem a mixagem original de algumas das canções do álbum. Além disso, vale mencionar que a Hellion também disponibilizou os dois primeiros CDs do grupo em edições nacionais, ambas igualmente com bônus.

Uma ótima oportunidade de conhecer uma das bandas mais cultuadas do metal britânico, naquele que é o seu trabalho mais experimental.

Review: Bad Religion - Age of Unreason (2019)

 

Se formos parar pra considerar as bandas clássicas do hardcore norte-americano como Dead Kennedys, Black Flag, Bad Brains e Minor Threat, veremos que quase nenhuma delas conseguiu manter uma carreira ativa após a década de 1980 - muitas nem chegaram inteiras até o final. Mas enquanto a maioria se debandou ora para fora da música, ora para projetos dentro de subgêneros do estilo (descontando ocasionais voltas e turnês nostálgicas), os californianos do Bad Religion sempre se mantiveram em atividade, com uma discografia regular e constantes turnês mundo afora, mesmo em meio a compromissos extra-musicais - o vocalista (e membro mais longevo) Greg Graffin é PHD em paleontologia evolucionária e leciona na universidade da California.

Ainda assim, se passaram seis anos desde o último álbum de estúdio, True North, o maior hiato entre lançamentos da banda - não contando o disco de canções natalinas (?), que também é de 2013. E nesse período de tempo mudanças aconteceram, como a demissão (na versão do próprio) do velho guitarrista Greg Hetson, que passou por um divórcio e algumas pendengas judiciais nebulosas, e a saída do baterista Brooks Wackerman para o Avenged Sevenfold. Mike Dimkich (ex-The Cult) e Jamie Miller tornaram-se os respectivos substitutos, com o último fazendo sua estreia em estúdio com o hoje sexteto - o novo guitarrista já havia registrado o disco de Natal.

Muitos já afirmaram que em tempos que a extrema direita - ou o que é considerado por alguns como “extrema” - ascende ao poder, as bandas oriundas do punk/hardcore acabam ao menos ganhando mais assunto para as letras, além de talvez um vigor renovado pela raiva e a revolta com o sistema renovada. E com o Bad Religion não foi diferente, já que Brett Gurewitz (principal compositor junto com o vocalista) anunciou desde o ano passado que a recente eleição de Donald Trump como presidente dos Estados Unidos teria influência direta nas composições, o que, convenhamos, não surpreende, ainda mais tendo na memória a temática anti-Bush adotada em The Empire Strikes First (2004) quinze anos atrás.

Já em termos musicais, para o bem ou para o mal, Age of Unreason não traz grandes inovações dentro do som da banda. Mesmo as influências de folk e country de determinadas canções não são algo novo - vide “Man With a Mission” (1993), “Drunk Sincerity” (1996) ou mesmo a mais recente “The Devil in Stitches”. Talvez o que dê pra se notar de diferente seja a produção de Carlos de la Garza (Paramore, Jimmy Eat World), que deixou o som mais limpo e cristalino do que o normal, o que até poderia ser visto como algo negativo, mas não quando falamos da banda que praticamente deu início ao chamado - e muitas vezes defenestrado - harcore melódico, um estilo que já não prima por muita sujeira.

Mas uma sonoridade mais do mesmo não implica exatamente em músicas ruins, e tanto Graffin quanto Gurewitz (aqui assinando todas as músicas juntos pela primeira vez) são provavelmente os melhores compositores que o hardcore norte-americano já ofereceu ao mundo. Tudo bem que canções como “The Approach” e “What Tomorrow Brings” são daquelas que eles poderiam escrever dormindo, com suas sequências de acordes manjados e as harmonias vocais de sempre (um diferencial do grupo desde o início, vale frisar), mas ambas são bem satisfatórias, assim como a dobradinha de abertura “Chaos From Within” e “My Sanity”, e “Big Black Dog”, mais uma das sub-”21st Century Digital Boy” que a banda vira e mexe tenta emplacar nos discos, felizmente aqui com um resultado melhor. Já entre as diferentes, sobressaem-se “Candidate”, que remete ao discos solos de Greg Graffin - mais calcados em suas raízes americanas - a cadenciada “Lose Your Head” e também “End of History”, que chega a lembrar - sério mesmo - Green Day.

Apesar de algumas canções com cara de filler na parte final do tracklist, quase nada em Age of Unreason pode ser considerado como um deslize, com exceção talvez de “Do the Paranoid Style”, curiosamente um dos carros chefe de divulgação - a genérica “The Kids Are Alt-Right”, divulgada ano passado, felizmente ficou apenas como bônus. Há até uma faixa com co-autoria do guitarrista Brian Baker (“Faces of Grief”), a primeira em anos. Está entre os melhores álbuns que a banda já lançou? Nem de longe. Mas pode-se dizer que está no mesmo nível de seus antecessores, em especial os também revivalistas New Maps of Hell (2007) e True North (2013) - o mais ousado The Dissent of Man (2010) permanece como o principal dessa safra. Mas a essa altura, vale mesmo a pena fugir tanto de um estilo consagrado quando a maioria de seus fãs nem deseja isso? Talvez não.

Can – Tago Mago (1971)

Quando se junta o pulsar funk da bateria à dissonância futurista das texturas isso é Tago Mago.

O rock vanguardista alemão dos anos 70, o chamado krautrock, foi um dos períodos mais inventivos da história da pop. Os Can são a típica banda desta estética: eruditos e libertários, fazendo filtros para os joints com as pautas do Conservatório. Fosse numa palestra do Stockhausen, fosse num concerto dos Floyd, jogavam sempre em casa. Esta promiscuidade cultural qualificava-os para o mais demente dos projectos: fazer uma síntese de toda a música contemporânea. E foi isso mesmo que alcançaram no ambicioso Tago Mago, reunindo a electrónica e o minimalismo do avant garde; a improvisação e a dissonância do free jazz; a melodia e o blues do acid rock; e o groove maníaco da bateria, roubado ao funk. O que mais sobressai nesta mescla é, justamente, a bateria, eufórica e hipnótica, subjugando com a sua omnipotência todos os outros instrumentos.

O caldo resultante é algo inteiramente novo, e a geração do pós-guerra precisava desesperadamente dessa novidade (se se colassem à música anglófila, perderiam a sua individualidade; se seguissem a tradição alemã, seriam cúmplices do nazismo). A pátria concreta era um tabu? Não faz mal, inventa-se uma pátria imaginada. Tago Mago é esse novo país, espacial e futurista, mais sonho do que coisa real.

Para gravar esta obra-prima, os Can viveram juntos num castelo durante cerca de um ano. Nada era muito premeditado. O que faziam, fundamentalmente, era improvisar. Essas sessões – que por vezes se prolongavam durante horas a fio – eram gravadas secretamente. Grande parte de Tago Mago resulta da edição dessas longas jams. Daí a sua frescura e fluidez.

À época, Tago Mago passou meio despercebido. Era um disco demasiado à frente do seu tempo. Mas a posterioridade ouviu-o com atenção. Eno, Bowie, Joy Division e Radiohead são alguns dos seus herdeiros. Recordá-lo nada tem de revivalismo. Ainda hoje sabe a futuro e a nada mais.

The Specials – The Specials (1979)

O álbum de estreia dos Specials capta na perfeição o espírito tumultuoso do tempo. E fá-lo escolhendo um lado da barricada: o das pessoas decentes contra a estupidez do racismo.

Os Clash já tinham apontado o caminho, mostrando que era possível misturar punk com música jamaicana, mas os Specials fizeram desse cruzamento a sua própria identidade. Era o ska de segunda vaga acabadinho de chegar, o primeiro revivalismo de uma música nascida duas décadas antes em Kingston. Do ska, traziam a alegria dançante; do punk, a raiva e o desmazelo.

O interesse pela música caribenha era natural. Desde o pós-guerra que milhares de jamaicanos haviam imigrado para o Reino Unido, trazendo consigo a riqueza da sua tradição musical. Os próprios Specials são o resultado desse melting pop, misturando brancos e negros na sua formação. Os dois tons da 2 Tone Records.

O álbum de estreia dos Specials é mais conhecido pelas soalheiras “A Message to You, Rudy” e “Monkey Man”, mas quem ouvir o disco com atenção encontrará um feeling bem mais sombrio, cheio de referências às tensões raciais das ruas de Coventry. Recordemos as circunstâncias históricas. A crise económica agudizava-se. Muitas fábricas fechavam, lançando milhares para o desemprego. A extrema-direita aproveitava a confusão para crescer (1979 foi, justamente, o auge da influência da National Front). Brancos, pretos, carecas, punks- todos se guerreavam na “Concrete Jungle” que era a Inglaterra de então. O disco capta na perfeição o espírito tumultuoso do tempo. E fá-lo escolhendo um lado da barricada: o das pessoas decentes contra a estupidez do racismo.

O som dos Specials é uma orgulhosa caldeirada. O elemento mais punk no seu som é a voz inexpressiva e despenteada de Terry Hall. A guitarra-ritmo é puro ska, nervosa e percussiva, duplicando as batidas em relação ao reggae. O baixo é funky e irrequieto, trazendo para o bolo o groove da música negra americana. A guitarra-solo brinca na areia ao rockabilly. A segunda voz, bateria e sopros são jamaicanos até ao tutano. Last but not the least, surge o órgão vintage de Jerry Dammers (o líder da banda, criador do conceito e principal escritor de canções).

A produção de Elvis Costello é irrepreensível, conseguindo captar em fita a vivacidade dos seus concertos. Destaca o baixo na mistura, como mandam as boas etiquetas jamaicanas. Realça também as vozes, para que todas as palavras sejam perfeitamente compreendidas. As letras inteligentes e espirituosas assim o exigem.

Há bandas que nos fazem pensar e combater, outras que nos fazem rir e dançar. Só os especiais fazem quatro em linha.

Nacho Vegas – Violética (2018)

 

Nacho Vegas foi beber em Violeta Parra alguma da inspiração para fazer seu mais recente disco. O menino sombrio da música moderna espanhola inflou-se de uma dolente luminosidade redentora, e deu-nos em Violética um duplo álbum de imenso requinte e bom gosto.

Despachemos as apresentações em duas ou três linhas de texto: Nacho Vegas é um nome de grande importância na música do país vizinho. Pertenceu aos Eliminator Jr., Lucas 15 e fundou os históricos Manta Ray, banda fulcral da primeira fornada indie espanhola. Depois, um pouco antes do virar do século, iniciou uma carreira a solo de prestígio e tem até hoje inúmeros trabalhos gravados. Em Portugal, como seria de esperar, é gloriosamente desconhecido.

A meio do ano passado, Nacho Vegas estreou Violética, álbum que mistura em quase duas dezenas de canções alguns dos seus maiores tiques e vícios: Tom Waits anda por algumas delas com perfeito à-vontade, mas também se respira Nick Cave num ou noutro tema, notando-se ainda alguns ecos de The Jesus and Mary Chain. Nada de muito novo, portanto. O inesperado é Nacho Vegas ter pensado um disco (ou parte dele, pelo menos) à sombra da parra de Violeta, essa enorme folclorista chilena que há muito é estrela brilhante na história do seu país, e que cada vez mais cintila um pouco por todos os ouvidos nos quatro cantos do mundo. O disco, como dissemos, é duplo e ouve-se como quem come um pitéu michelin, embora sem as cagâncias e bazófias típicas que rodeiam o prémio dado às mais famosas comezainas. Na primeira parte de Violética, o prato principal. Na segunda, a sobremesa e o digestivo. Assim mesmo, até nos empanturrarmos com tanta e tão boa fartura.

O primeiro disco é verdadeiramente irrepreensível. Não há uma única canção menor, antes e apenas o crème de la crème de um autor que todos deveriam conhecer e que ao longo de décadas já nos brindou com trabalhos como Esperanza, Estratexa ou Torres de Electricidad (enquanto Manta Ray) ou, em nome próprio, com pequenas pérolas de estilo e gosto como Actos Inexplicables, Desaparezca Aquí, El Manifesto Desastre, La Zona Sucia, entre outros. Em Violética, o tom dolente mas imenso de brilho e luz faz-se com canções sublimes. “Ser Árbol”, por exemplo, é tão bonita que apetece chorar de prazer. Ouçam-lhe atentamente os coros, ingrediente angelical que confere ao tema aquilo que poderá muito bem ser descrito como um delicado pedaço de paraíso. Ou a Waitsiana “Bajo El Puente de L`Ará”, tão arrastada e cheia de pó. Mas se tivéssemos de escolher os melhores momentos dessa primeira fatia sonora (tarefa difícil, e sobretudo escusada) então ficaríamos com “Desborde” (oh, meu Deus!), “Las Palabras Mágicas” (oh, meu Deus!) e “Todo o Nada” (oh, meu Deus), sempre conscientes de que não devemos nunca utilizar o nome do Criador em vão. É que são divinais, as três, e por isso parecem ser a conta que tantas vezes dizemos ser-Lhe devida.

Depois, o segundo momento do banquete. O problema (é apenas uma força de expressão, entenda-se) do segundo disco é, ou começa por ser, não nos querermos separar do primeiro. Mas quando avançamos pela exuberante e dura “Maldigo Del Alto Cielo”, tema original de Violeta Parra, cantado a meias por Nacho Vegas e pela sua querida Christina Rosenvinge, percebemos que o delicioso repasto sonoro continua, embora um pouco menos gourmet. No entanto, é bom ouvirmos com atenção”Tengo Algo Que Decirle”, por exemplo.

Violética é um disco com canções de amor, mas também político e muito lúcido, olhando para o presente e para o futuro que nos espera logo ao virar da esquina, interrogando ambos os momentos. É um disco soberbo, como Nacho Vegas há muito não nos dava. Podemos agora, tranquilamente, permitir que o músico asturiano volte a desaparecer por mais algum tempo. Violética chega e sobra para nos entretermos com ele durante alguns anos.

Dead Kennedys – Fresh Fruit For Rotting Vegetables (1980)

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Hardcore salpicado com surf rock, ironia e humor negro. Agressividade e inteligência em partes iguais.

Na capa, vemos carros de polícia a arder em San Francisco. Não é montagem. O motim aconteceu mesmo, na sequência do assassinato de George Moscone e de Harvey Milk (e da sentença happy meal que recebeu o assassino). Fresh Fruit for the Rotting Vegetables é a banda-sonora desses anos turbulentos e a sujidade do punk de ’77 não bastava para expressar toda a raiva necessária. Era preciso uma música ainda mais rápida, ainda mais barulhenta e ainda mais agressiva. Os Dead Kennedys foram um dos pioneiros dessa versão mais radical do punk a que se chamou hardcore. A velocidade estonteante de “Drug Me” é um dos seus primeiros exemplares.

Porém, o que é interessante no hardcore emergente dos Dead Kennedys é a sua despreocupada contaminação.

Impureza nº1. Para os seus congéneres mais puritanos – como os Black Flag e os Minor Threat -, uma melodia que ficasse no ouvido era já o Satanás. Fresh Fruit está-se a marimbar para esses pruridos, oferecendo-nos canções que se podem trautear no elevador. Quem nunca assobiou “California Uber Alles” na banheira que atire a primeira pedra.

Impureza nº 2. Onde o hardcore 1º escalão pretende fazer um corte radical com a história do rock, os Dead Kennedys gostam de, aqui e ali, dar umas pinceladas revivalistas. O doo-wop em “Kill the Poor”, o surf rock em “Let’s Lynch the Lord”, o rockabilly em “Stealing People’s Mail” e o rock gótico em “When Ya Get Drafted” são quatro apontamentos retro que só tornam o disco mais interessante.

Impureza nº 3. Se o hardcore purista é obcecado com a simplicidade radical, a banda de Jello Biafra não tem problemas em abraçar estruturas mais complexas quando os temas assim o exigem. É o que sucede com a subtil dinâmica de “Holiday in Cambodia”, que vai acumulando tensão nos assombrosos primeiros riffs até explodir no catártico refrão.

No capítulo ideológico, os Dead Kennedys  estarão alinhados com o anti-capitalismo típico do hardcore, mas com diferenças na relação com o “exterior”. Enquanto o hardcore impoluto fecha-se em si próprio, isolando-se do “odioso sistema”, os Dead Kennedys tentam dialogar com o mainstream, agitando-o, provocando-o, escandalizando-o. E a esquerda libertária de Biafra é mais articulada e acutilante do que a dos seus comparsas. Jello pode ser panfletário mas a inteligência do seu sarcasmo redime-o. Ninguém bate Biafra na sofisticação e crueldade do seu sentido de humor. Que o diga “I Kill the Poor”.

Só fazem é bem em demarcar-se da mentalidade de seita dominante no movimento hardcore. Se o punk é, acima de tudo, pensar pela própria cabeça, então os Dead Kennedys serão um espécimen bem mais interessante.