MUSICA&SOM

sábado, 29 de junho de 2024

Aretha Franklin - Snapshot - 'Freeway Of Love'

1985 marcou um certo renascimento na carreira da indiscutível 'Rainha do Soul', Aretha Franklin. E foi um renascimento bem-vindo, servindo como um lembrete para todos do talento raro que a Sra. Franklin é.

Aretha Franklin assinou contrato com a Columbia Records aos dezoito anos antes de mudar para o que viria a ser uma associação de longa data com o selo Atlantic em 1967. Entre 1967 e 1976 com a equipe de produção de Jerry Wexler Tom Dowd e Arif Mardin em apoio, Franklin acumulou nada menos que surpreendentes 34 sucessos no top quarenta nos EUA. Alguns dos mais conhecidos são 'Respect' (isso é RESPECT para você e para mim), 'Chain Of Fools', 'A Natural Woman (You Make Me Feel Like)', 'Think', 'Say A Little Prayer' e 'Spanish Harlem'. Não se pode exagerar a influência que Franklin teve na formação da música soul e R&B durante este período. Seu último hit no top quarenta do selo Atlantic veio em 1976, com 'Something He Can Feel'. Aretha Franklin resistiu à tentação de mergulhar na discoteca durante a segunda metade dos anos 70, preferindo fazer uma pausa nas gravações.

Após um longo hiato nas gravações, Aretha Franklin fez uma aparição memorável no clássico cult de 1980, 'The Blues Brothers', onde cantou uma versão brilhante de 'Think'. Logo depois ela assinou com o selo Arista e retomou seu lugar nas paradas com 'Jump To It' de 1982 (US#24), mas seria 1985 que marcaria o retorno da 'Rainha do Soul' aos altos escalões do nas paradas convencionais.

Em julho de 1985, Aretha Franklin lançou o single ‘Freeway Of Love’. A faixa serviu para apresentar o prodigioso talento vocal de Aretha Franklin a toda uma nova geração de amantes da música. 'Freeway Of Love' foi acompanhada por um videoclipe divertido, com participações do saxofonista Clarence Clemons e do baterista/produtor Narada Michael Walden. 'Freeway Of Love' percorreu o tráfego das paradas para encontrar uma vaga de estacionamento em #3 no US Hot 100 (OZ#6/UK#51). A 'Rainha do Soul' estava de volta - não posso deixar de pensar que há uma linha de comparação a ser traçada entre o retorno de Franklin e o de outra diva dos anos 60, Tina Turner.

Em outubro de 1985, os Eurythmics lançaram o single 'Sisters Are Doin' It For Themselves' do álbum 'Be Yourself Tonight'. A música foi um dueto divertido com ninguém menos que Aretha Franklin, e subiu nas paradas mundiais (US#18/OZ#15/UK#9).

Logo depois Franklin lançou seu próximo set solo, 'Who's Zoomin' Who' (US#13/ OZ#15/UK#49). O álbum, produzido por Narada Michael Walden, contou com participações especiais de Clarence Clemons (ver postagem anterior), Dizzy Gillespie, Carlos Santana, Peter Wolf (ver postagem da J. Geils Band) e vários Heartbreakers de Tom Petty. Foi o álbum mais vendido de Franklin desde 'Young, Gifted and Black', de 1972. Também rendeu um hit entre os dez primeiros com a faixa-título (US#7/ OZ#38/UK#11).

1986 viu o álbum 'Aretha' ser lançado, gerando o hit 'Jumpin' Jack Flash' (US#21/ OZ#36/UK#58), um cover do hit dos Stones, produzido pelo pai do Capitão Jack, Keith Richards. O álbum também continha a música 'I Knew You Were Waiting (For Me). Foi um dueto que Franklin gravou com o ex-Wham! membro que se tornou superstar solo George Michael. Produzida por Narada Michael Walden (e co-escrita por Simon Climie - veja a postagem de Climie Fisher), a música foi lançada como single no início de 1987 e disparou nas paradas em todo o mundo. Em fevereiro, George e Aretha estavam no topo das paradas britânicas e mantiveram a posição por 2 semanas - foi o primeiro lugar no topo das paradas britânicas para a 'Rainha do Soul'. A música foi gravada na cidade natal de Franklin, Detroit, e o vídeo promocional que a acompanha foi filmado em parte com Michael e Franklin em lados separados do Atlântico - Franklin já havia se recusado a voar. Mas ela conseguiu voar nas paradas australianas, com 'I Knew You Were Waiting (For Me)' permanecendo em primeiro lugar por quatro semanas em março. A faixa também liderou o US Hot 100 por duas semanas em abril. Para Aretha Franklin e George Michael foi um triunfo, inclusive ganhando um Grammy de melhor dueto vocal de R&B.

Aretha Franklin continuou a lançar álbuns e singles até os anos 90, e às vezes além, com sucesso comercial moderado, e não exatamente o nível de admiração crítica que lhe foi proporcionado no auge de seus poderes.

Nos últimos 15 anos, Aretha Franklin tem evitado os holofotes, exceto por ocasionais aparições ao vivo em shows com amigos e, ocasionalmente, em cerimônias de premiação. Incluídos entre esses prêmios estão 15 prêmios Grammy, entrada no Hall da Fama do Rock and Roll (a primeira mulher a fazê-lo) e, em 1990, o prêmio Grammy Living Legends.

Smokey Robinson - Snapshot - 'Being With You'

Em 1981, lembro-me de ouvir uma música suave com revestimento de R&B chamada 'Being With You'. O artista era Smokey Robinson, alguém que na época eu conhecia pouco, exceto que ele já havia se apresentado com um grupo de apoio chamado Miracles, e sua voz era sublime. 'Being With You' me impressionou, mas causou uma impressão maior nas paradas. Então, quem é Smokey Robinson e qual é a história em torno de 'Being With You'? Continue lendo para descobrir mais, não, sério... é uma história emocionante!

O ano - 1955. O lugar - Northern High School em Detroit. O grupo vocal - The Miracles. Composto por William 'Smokey' Robinson (vocalista principal), Emerson e Bobby Rogers (tenores), Ronnie White (barítono) e Warren 'Pete' Moore (baixo). Emerson Rogers foi substituído por Claudette Rogers em 1956. Em 1958, o quinteto havia gravado para a gravadora End, mas foi contratado logo depois por uma das principais gravadoras de Detroit, a Tamla-Motown.

A estreia dos Miracles nas paradas veio com o US#2 de 1960, "Shop Around". Treze (azar para alguns) outras incursões no top quarenta ocorreram nos cinco anos seguintes, incluindo "You've Really Got A Hold On Me" (US#8) e "The Tracks Of My Tears" (US#16). Como Smokey Robinson havia lidado com todos os vocais principais e escrito um bom número de músicas (incluindo para muitos outros artistas importantes da Motown), foi decidido em 1967 que ele deveria (oficialmente) se tornar o ponto focal. E então os Miracles se tornaram Smokey Robinson & The Miracles. A nova formação conseguiu seu primeiro hit no top 10 no final de 1967 com "Second That Emotion", e mais oito hits no top 40 seguiram até o final de 1969.

Com o amanhecer de uma nova década, Smokey Robinson & The Miracles finalmente chegou ao zênite das paradas dos EUA com uma música que havia sido originalmente gravada e incluída em seu álbum de 1967 'Make It Happen'. 'The Tears Of A Clown' ganhou uma nova vida no final de 1970, chorando até o primeiro lugar nos EUA e no Reino Unido (OZ#7). Estranho foi então que logo após marcar seu maior sucesso como Smokey Robinson & The Miracles, Smokey Robinson decidiu perseguir alguns milagres como artista solo. The Miracles decidiu continuar como um quarteto com Billy Griffin nos vocais principais. O grupo teve sucesso limitado ao longo dos anos 70, mas marcou muito com o primeiro lugar nos EUA de 1976 'Love Machine (Part 1)' (UK#3/OZ#89). Eles se separaram no final da década.

Enquanto isso, Smokey Robinson continuou a produzir os créditos de composição de músicas para a Tamla-Motown, bem como a exercer suas funções oficiais como vice-presidente da Motown (um título que ele ocupava desde 1961 - tamanha era sua importância para a sorte da gravadora). Ele lançou seu primeiro álbum solo em 1973, imaginativamente intitulado 'Smokey' e seguiu no ano seguinte com 'Pure Smokey' (uma nota mais fina de Smokey). Alguns sucessos menores foram gerados, mas não foi até seu álbum de 1979, 'Where There's Smoke' (US#17), que Robinson disparou mais uma vez nas paradas, com o hit US#4 'Cruising' (OZ#70).

Smokey Robinson encontraria seu maior sucesso solo em 1981, na forma do single 'Being With You'. Foi a faixa-título retirada do décimo primeiro set de estúdio de Robinson (US#10/ UK#17/OZ#71). A música surgiu como consequência de outra música que Robinson havia escrito mais de uma década antes. A música "More Love" foi um hit no top quarenta (US#23) em 1967, e acabou sendo oferecida a Kim Carnes (veja o post anterior) para gravar em 1980. A versão de Kim Carnes, que subiu para o #10, foi produzida por George Tobin. Robinson ficou impressionado com a versão de Carnes e, como fazia com frequência, enviou um lote de outras músicas para o produtor Tobin com a visão de Carnes gravá-las. Naquela época, o produtor e o artista haviam se separado, então, em vez disso, Tobin sugeriu que o próprio Smokey Robinson gravasse uma das músicas oferecidas - "Being With You".

'Being With You' entrou nas paradas dos EUA e do Reino Unido em março de 81. A música atingiu o pico na pole position nas paradas britânicas no meio do ano (por duas semanas/ OZ#14), mas foi impedida de chegar ao topo nas paradas dos EUA por ninguém menos que Kim Carnes com 'Bette Davis Eyes' - um toque de ironia nisso.

Ao longo dos anos 80, Smokey Robinson continuou a lançar um fluxo constante de novos materiais com sucesso variado. 'Touch The Sky' de 1982 (EUA#50) rendeu o hit menor do Reino Unido 'Tell Me Tomorrow' (#51), e uma série de álbuns de vendas moderadas se seguiram. Mas foi o álbum 'One Heartbeat' de 1987 (EUA#26, #1R&B), que serviu um par de hits top dez no estilo Smokey Robinson. "Just To See Her" foi um lançamento de single lógico e de destaque (US#8/ UK#52/OZ#99), e foi seguido pela faixa-título (US#10). Em 1989, Robinson contribuiu com os vocais para a música "Indestructible", um hit do Reino Unido (#30) para o Four Tops (veja o post separado). Robinson teve um último lançamento de álbum pela gravadora Motown, com "Love, Smokey" de 1990, efetivamente assinando após trinta anos de gravação na lista Tamla-Motown.

Um artista e escritor prolífico e altamente influente, Smokey Robinson recebeu a devida recompensa por suas realizações ao ser introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll em 1987. Isso foi seguido por seu recebimento do Grammy Living Legends Award em 1989.

Ao longo dos vinte anos seguintes, Smokey Robinson continuou a escrever e gravar música de forma constante, embora sem as recompensas comerciais de tempos passados. Independentemente disso, seu legado no reino da música popular está garantido para sempre.

The Moody Blues - 'Days Of Future Passed' Revisited

Os anos civis de 1987 e 1988 foram incomuns no que diz respeito aos meus padrões de compra de música. Comprei meu primeiro CD player no final de 1987 (com o terceiro salário do meu primeiro emprego em tempo integral) e assim, pela primeira vez, mergulhei no mundo digital. 'Brothers In Arms' do Dire Straits foi meu primeiro CD (duvido que estaria sozinho nisso). Mas havia um problema - na verdade, dois problemas em ficar louco em uma onda de gastos com CDs. O primeiro problema foi a limitação do material disponível no formato (ainda relativamente novo) - alguns títulos eu apenas teria que esperar o lançamento da respectiva gravadora. O segundo problema era o custo de compra de um CD. Na maioria dos casos, era uma proposta proibitivamente cara. Em média, os CDs custavam mais de US$ 30 – o que no final dos anos 80 ainda representava uma quantia razoável de renda disponível. Então eu tive que escolher cuidadosamente quais títulos eu iria desembolsar. Por cerca de 18 meses comprei um mix de CDs, discos de vinil e fitas cassete. Com o tempo, o equilíbrio mudou em favor do formato digital à medida que mais títulos foram lançados e os preços caíram lentamente. Um dos álbuns que me lembro de ter comprado em 1988 foi um dos maiores sucessos do Moody Blues. Eu estava muito interessado em obter uma série de músicas em particular - mas na época não consegui encontrar a 'melhor' do Moody Blues em CD - isso foi antes da era da internet e de poder simplesmente baixar músicas quando quisesse não era uma opção. Então, em vez de comprar um CD, investi cerca de US$ 12 em um álbum de vinil. A compilação em CD entrou na minha coleção alguns anos depois.

Uma das faixas de destaque do Moody Blues que eu tocava repetidamente era 'Gemini Dream' de 1981. Vale a pena mergulhar no mundo do Moody Blues para apresentar uma visão geral de sua carreira estelar e uma avaliação mais detalhada de 'Gemini Dream' e seu álbum de origem de 1981 'Long Distance Voyager'.

Os anos 60 testemunharam uma explosão sem precedentes de novas bandas e artistas, e a pressão sobre cada um para disputar uma posição de notoriedade deve ter sido imensa. Nesse caldeirão musical surgiu um ingrediente chamado Moody Blues. As raízes da banda estavam na cena de blues e R&B de Birmingham do início a meados dos anos 60. O quinteto original era Denny Laine (guitarra/vocal), Mike Pinder (teclado/vocal), Ray Thomas (flauta, harmônicos, vocais), Graeme Edge (bateria) e Clint Warwick (baixo/vocal), todos os quais trouxeram considerável habilidade e experiência de bandas anteriores. O nome da banda é uma combinação de blues (como no estilo de música que eles amavam) e Moody, tirado da música favorita de Mike Pinder - 'Mood Indigo' de Duke Ellington.

Depois de construir uma sólida sequência ao vivo com uma combinação de padrões de blues, covers da Motown e algum material original, o Moody Blues chamou a atenção de olheiros e logo foi contratado pelo selo Decca. Eles lançaram o single 'Go Now!' no final de 64, e a música disparou para o primeiro lugar no Reino Unido (US#10/OZ#14). A banda finalmente lançou um álbum em julho de 65, modestamente intitulado 'The Magnificent Moodies'. Mas a sorte da banda diminuiu nos 18 meses seguintes e, no final de 66, tanto Warwick quanto Laine deixaram a cena. Denny Laine se tornou um membro central da poderosa banda de Paul McCartney dos anos 70, Wings (e ocasionalmente cantava 'Go Now! Durante os shows).

A maioria dos grupos teria se encerrado completamente com a perda de dois membros-chave, mas os Moody Blues restantes optaram por recrutar alguns substitutos. No final de 66, Justin Hayward (guitarra/vocal) e John Lodge (baixo/vocal) foram contratados. A presença deles no Moody Blues não mudaria apenas radicalmente a direção estilística da banda, mas também sua sorte comercial. A banda assinou um novo contrato de gravação com a Deram e começou a reconstruir sua marca.

Em 1967, o Moody Blues se juntou à onda de bandas que se apaixonaram pelo Mellotron (um teclado capaz de recriar flauta/violino e outros instrumentos - pense em "Strawberry Fields" dos Beatles). Isso abriu um novo conjunto de possibilidades para a banda, e logo eles se afastaram do blues e do rock direto para um amálgama mais psicodélico e clássico. Eles lançaram o álbum marcante 'Days Of Future Passed' (Reino Unido #27/ EUA #3/Oz #18) em 1967, apresentando o que seria sem dúvida sua canção característica, 'Nights In White Satin' (Reino Unido #19/Oz #8), uma das canções mais emocionantes de sua época, ou de qualquer época.

Eles seguiram com uma série de três álbuns em rápida sucessão; 'Em Busca do Acorde Perdido' (Reino Unido#5/EUA#23); 'On The Threshold Of A Dream' (UK#1/US#20 - agora no selo Threshold da própria banda); e 'To Our Children's Children's Children' (UK#2/US#14) - todos servindo para melhorar ainda mais a sorte comercial da banda e solidificar seu lugar entre as bandas britânicas preeminentes da época (a menos de um milhão de milhas de distância da evolução do Pink Floyd). Seu trabalho durante esse período evoluiu para um híbrido de rock e pop orquestral - eles foram, em essência, uma das primeiras bandas de rock progressivo (pense no Genesis - embora sem dúvida mais no segmento pop comercial da escala). Em entrevista, Justin Hayward explicou que em vez dos videoclipes (que ainda não evoluíram para o que são hoje), a banda colocou muita ênfase na arte da capa do álbum para evocar um senso de temática.

Os anos 70 começaram para o Moody Blues onde os anos 60 pararam, lançando o álbum 'A Question Of Balance' (UK#1/ US#3/OZ#4), com o single épico 'Question' (UK#2/ US# 21/OZ#36). As seções orquestrais da música sempre me fizeram lembrar da música-título que poderia ser usada para um faroeste - em escala grandiosa. A essa altura, os críticos da banda estavam acusando sua música de ser bombástica e pretensiosa, com seções orquestrais excessivamente elaboradas e letras excessivamente verbosas e obtusas. Mas a minha opinião é que os Moody Blues estavam longe de ser pretensiosos na sua música - eles eram ambiciosos e inovadores em grande parte do que faziam. Eles foram um dos primeiros grupos de 'pompa clássica', que passou de tocar em clubes para lotar arenas e lançar álbuns quase por capricho.

Seria errado categorizar o Moody Blues simplesmente como uma 'banda de álbum conceitual', restrita a gravar músicas musicalmente elaboradas e liricamente pesadas. Eles tinham a habilidade igualmente adequada de escrever produtos mais acessíveis comercialmente, sem comprometer a integridade de seu trabalho. O início dos anos 70 viu o lançamento de mais dois álbuns; 'Every Good Boy Deserves Favour' de 1971 (UK#1/ US#2/OZ#5 - que gerou o single de sucesso 'The Story In Your Eyes' - US#23), e 'Seventh Sojourn' de 1972 (UK#5/ US#1/OZ#5) que rendeu os sucessos 'Isn't Life Strange' (UK#12/ US#29/OZ#39 - que é tão introspectivo quanto parece), e o público agradou 'I'm Just A Singer (In A Rock And Roll Band' (US#12/ UK#26/OZ#39 - talvez uma zombaria dos críticos, como se dissesse “podemos tocar pop-rock comercial atraente tão bem quanto qualquer um). ”).

Tendo dominado as paradas de álbuns e estabelecido um grande número de seguidores ao vivo nos seis anos anteriores, o Moody Blues tomou a decisão no início de 73 de colocar a banda em espera por um período sabático indefinido. Todos os cinco membros buscaram ativamente vários e diversos projetos solo. , embora Hayward e Lodge passassem parte do tempo trabalhando como uma dupla chamada Blue Jays. Durante sua ausência, sua gravadora lançou uma compilação de best e um set ao vivo para apaziguar os fãs famintos.

The Moody Blues - A 'Gemini Dream' & Beyond

Os cinco membros do Moody Blues se reuniram novamente para negócios em 1978 e gravaram o álbum de platina 'Octave' (UK#6/ US#13/ OZ#16), que rendeu o single de sucesso 'Steppin' In A Slide Zone' ( EUA#39). Mas a banda ressurgiu no turbilhão que era a música disco, sem mencionar o fim do punk e o florescente movimento new wave. Seriam capazes de recuperar a prosperidade comercial do início dos anos 70?

O tecladista Mike Pinder não ficou por aqui para descobrir quando deixou a banda durante a turnê pós-'Octave', substituído pelo ex-tecladista do Yes, Patrick Moraz. Os Moody Blues mantiveram a cabeça baixa mais uma vez durante 1979 e 1980, talvez aguardando sabiamente a saída da discoteca da concorrida cena estilística. Em 1981, eles apareceram mais uma vez com o álbum 'Long Distance Voyager' (US#1/ UK#7/OZ#7) que liderou as paradas dos EUA e viajou para o top ten em todo o mundo. Em termos críticos, o álbum foi criticado por alguns como sendo desatualizado e sem qualquer impulso real de originalidade. Na minha opinião, o álbum funcionou muito bem. Foi gravado no próprio Threshold Studios da banda e encontrou a banda em ótima forma. 'The Voice' foi uma peça inspiradora (US#15/OZ#91), enquanto Hayward, Lodge, Thomas e Edge contribuíram com faixas valiosas para o álbum. Para mim, porém, a faixa que se destaca no álbum, e sem dúvida minha música favorita do Moody Blues, é 'Gemini Dream' (US#12/OZ#36). Tem um toque de ELOs, o que certamente só pode ser uma coisa boa, mas suas harmonias e ganchos melódicos são o que funcionam para mim.

O álbum de 1983, 'The Present' (OZ#16/ UK#15/US#26), foi um lançamento menos bem-sucedido. Além de 'Sitting At The Wheel' (US#27), seu único single nas paradas foi 'Blue World' (US#62), que merecia um desempenho consideravelmente melhor. Alguns estavam se perguntando naquela época se o Moody Blues poderia redescobrir um público mainstream na era dos shows chamativos no estilo MTV.

A resposta veio afirmativamente com o hit de 1986, 'Your Wildest Dreams' (US#9/OZ#20), uma canção escrita por Hayward que apresentou o Moody Blues a toda uma nova geração. A música em si era uma fatia de pop-rock melódico soberbamente elaborada, com tom nostálgico, e foi acompanhada por um dos melhores vídeos promocionais do ano, dirigido por Brian Grant. Apresentava o fictício Mood Six, tocando Moody Blues ainda mais jovem nos anos 60 (com foco em Justin Hayward como personagem principal), contando a história de um amor jovem, um primeiro amor e o lamento desse mesmo amor. perdido, depois encontrado novamente por cerca de dez segundos, depois perdido novamente, com uma sugestão de 'continua'. O álbum original, 'The Other Side Of Life' (US#9/ UK#24/OZ#34) reviveu em parte a forma de vendas da banda no início dos anos 70.

Mas o prolífico álbum de um ano se foi, em vez disso o Moody Blues se concentrou em uma longa turnê seguida por um longo período de escrita e gravação para seu próximo álbum. Eles retornaram ao mundo dos lançamentos de álbuns com 'Sur La Mer' de 1988 (UK#21/ OZ#35/US#38 - comprei o álbum em CD alguns anos depois). O álbum trazia o single principal, 'I Know You're Out There Somewhere' (US#30/ OZ#38/UK#52), que comprei em CD single. A música foi uma peça elegantemente produzida que acompanha 'Your Wildest Dreams', com o vídeo promocional continuando de novo, de novo e, eventualmente, de novo, o caso de amor entre Hayward e sua musa ao longo do tempo. A nostalgia e os ganchos melódicos atraem o ouvinte para a história lindamente e entregam um dos sucessos mais memoráveis do Moody Blues. Comprei o single seguinte, 'Here Comes The Weekend', em vinil 45, completando um trio de compras de formato de apenas um álbum.

No início dos anos 90, Moraz deixou a banda, deixando a dupla principal formada por Hayward, Lodge, Thomas e Edge, para tentar levar adiante a história do Moody Blues. O álbum de 1991, 'Keys To The Kingdom', provou ser o álbum mais vendido da banda até o momento (UK#54/US#94), mas um impulso em suas fortunas em turnês chegou no ano seguinte com uma turnê esgotada para o 25º aniversário. do álbum 'Days Of Future Passed'. A banda foi apoiada por uma orquestra completa, e a turnê foi capturada e lançada como 'A Night At Red Rocks (Live)' em 1993.

Embora seu catálogo de álbuns anteriores continuasse a vender em números muito respeitáveis, os Moody Blues não o fizeram. lançar outro álbum com material novo até 'Strange Times' (US#93), de 1999, época em que o cenário musical deve ter parecido realmente estranho para um quarteto de músicos que surfou a onda do sucesso por mais de trinta anos. Thomas se aposentou das funções da banda em 2003, mas Hayward, Lodge e Edge continuaram a fazer turnês até a década de 2000 como um trio, com mãos contratadas para apoiá-los. Mas para os Moody Blues, o vôo atemporal dos dias passados limitou-se a pensamentos de nostalgia.

Doobie Brothers - Snapshot - 'What A Fool Believes'

Em 1978, Loggins lançou seu segundo álbum solo, intitulado 'Nightwatch'. Dentro dos sulcos do referido álbum estava uma faixa que Loggins compôs com o bom amigo Michael McDonald. Era uma história de amor perdido, ou melhor, de amor que nunca existiu. Loggins incluiu a versão original de 'What A Fool Believes' em seu álbum de platina, mas não a lançou como single. McDonald levou a música de volta para sua banda, os Doobie Brothers, com a intenção de gravá-la para seu próximo álbum no final de 78. Mas McDonald viu a música como tendo maior potencial comercial do que ser apenas mais uma faixa do álbum. Como se veria, 'What A Fool Believes realizaria esse potencial e muito, muito mais.

Os Doobie Brothers se formaram como um quarteto em San Jose durante 1970 (inspirando-se para seu nome na gíria para um baseado). A formação original era composta por Tom Johnston (vocal/guitarra), Pat Simmons (guitarra/vocal), Dave Shogren (baixo) e John Hartman (bateria). Eles começaram tocando um tipo de boogie de bar que atraía um bom público. Em 1971, eles assinaram com a Warner Brothers e lançaram um álbum de estreia homônimo, produzido por Ted Templeman, que não entrou nas paradas. O baixista Tiran Porter então entrou no lugar de Shogren, e um segundo baterista foi adicionado à mistura na forma de Michael Hossack.

Os Doobie Brothers mudaram o estilo para incorporar uma guitarra da Costa Oeste/harmonias impulsionadas pelo rock ao seu som. Isso foi evidenciado em seu segundo álbum, 'Toulouse Street' (US#21/ OZ#57), que foi ouro e produziu os sucessos 'Listen To The Music' (US#11/ OZ#50) e 'Jesus Is Just Alright' (US#35). A banda atingiu a platina com seu álbum de 1973, 'The Captain And Me' (US#7), que gerou o hit top dez 'Long Train Runnin' (US#8/ OZ#58) e 'China Grove' (US#15/ OZ#61). Keith Knudson então se juntou à bateria (no lugar de Hossack), e um quinto membro foi adicionado na forma do tecladista Bill Payne.

'What Were Vices Are Now Habits' (US#4/ UK#19/OZ#24) de 1974 rendeu o primeiro single dos Doobie Brothers a chegar ao topo das paradas. 'Black Water' (OZ#22) estreou nas paradas dos EUA em dezembro de 74 e chegou ao topo da Hot 100 em março de 75. Os guitarristas Tom Johnston e Pat Simmons lidaram com a maioria das tarefas de composição das músicas durante essa parte da gestão da banda. No que foi a continuação de uma política de porta giratória virtual com relação ao pessoal, o ex-guitarrista do Steely Dan Jeff 'Skunk' Baxter entrou a bordo no lugar de Payne (ele se juntou ao Little Feat).

Abril de 75 marcou o lançamento do quinto álbum de estúdio dos Doobie Brothers, e o último por algum tempo com Tom Johnston na mistura. "Stampede" não causou exatamente um sucesso entre os fãs de discos, mas vendeu em bons números e chegou ao 4º lugar nos Estados Unidos (UK#14/OZ#6). Rendeu a animada "Take Me In Your Arms" como um single top 30 (US#29/OZ#94).

A banda pegou a estrada durante o verão de 75 para promover o álbum, mas em apenas algumas datas o vocalista e guitarrista Tom Johnston adoeceu com uma doença estomacal e teve que sair da banda indefinidamente. Por recomendação de Jeff Baxter, o músico de estúdio do Steely Dan, Michael McDonald, foi convocado em cima da hora para continuar os compromissos da turnê. As raízes R&B/funk de McDonald, os poderosos vocais de barítono em falsete e a hábil execução de teclado com alma teriam um efeito marcante na direção musical dos Doobie Brothers.

O primeiro álbum da 'era McDonald' chegou às ruas em março de 76, na forma de 'Takin' It To The Streets' (US#8/ UK#42/OZ#7), apoiado pelo single da faixa-título (US#13/OZ#94). Além de ter uma contribuição substancial na composição de novos materiais, McDonald também supervisionou a reformulação de antigas canções dos Doobie Brothers para se adequarem ao seu estilo vocal, e um som R&B/funk mais polido com AOR (rock adulto). Em essência, ele era a figura-chave no controle criativo. Uma coleção de "melhores" foi lançada no final de 76, e Johnston tentou retornar à banda, mas quando ficou claro que McDonald estava agora no controle firme, ele optou por sair novamente.

Uma formação de banda relativamente estável estava em evidência durante este período, liderada por McDonald (vocais/teclados), Baxter (guitarra), Simmons (guitarra/vocais), Porter (baixo), Hartman (bateria), Knudsen (percussão). 'Livin' On The Fault Line' de 1977 (US#10/OZ#16/UK#25), rendeu o single de sucesso 'Little Darling (I Need You)' (US#48/OZ#55), mas seria o lançamento do álbum da banda no final de 1978 que renderia o maior sucesso da carreira dos Doobie Brothers.

O produtor de longa data Ted Templeman estava presente para supervisionar os procedimentos do álbum 'Minute By Minute' (US#1/OZ#6), lançado no final de 1978. O álbum continha dez faixas, das quais McDonald participou da composição de sete, com o guitarrista Pat Simmons assumindo a liderança. Aparentemente, houve muitas conjecturas sobre o lançamento do single da banda, 'Black Water', que ficou no topo das paradas de 1975, como single, com ele originalmente sendo relegado como lado B do single 'Another Park, Another Sunday'. Depois que o lado B foi adicionado a todas as listas de reprodução de rádios FM do país, 'Black Water' foi lançado como single. O produtor Ted Templeman lembrou à revista Billboard que não existia essa dúvida inicial sobre 'What A Fool Believes'. No momento em que McDonald tocou a demo em estúdio, foi unânime que eles tinham um sucesso em mãos. Co-escrito por McDonald e Kenny Loggins (veja posts anteriores), 'What A Fool Believes' combinava perfeitamente com o barítono rico e comovente do McDonald's. A canção estreou no US Hot 100 em fevereiro de 1979, e em 14 de abril havia suplantado 'Tragedy' dos Bee Gees em #1 (OZ#12/UK#31), sendo substituída uma semana depois por Amii Stewart's 'Knock On Wood' (ver post anterior) - o disco ainda dominava as ondas de rádio na época. A ênfase na mixagem de 'What A Fool Believes' foi diretamente no teclado e na harmonização vocal do McDonald's, com os guitarristas Pat Simmons e Jeff 'Skunk' Baxter deixados com pouco o que fazer - em um dos clipes da música, Baxter parece positivo entediado nos bastidores (talvez um dos motivos pelos quais ele deixou o grupo logo depois). Independentemente disso, a música conquistou o Grammy Awards de 79 - Gravação do Ano; Canção do Ano; enquanto McDonald ganhou o prêmio de Melhor Vocalista Acompanhante de Arranjo; e o álbum 'Minute By Minute' foi premiado como Melhor Performance Vocal Pop por Duo, Grupo ou Coro. O álbum, 'Minute By Minute', vendeu mais de três milhões de cópias e também gerou outro single no top vinte com a faixa-título (US # 14). O estilo e o som dos Doobie Brothers por volta de 1979 eram quase irreconhecíveis em comparação com seu começo humilde como uma banda country-boogie, mas os números de vendas não mentiam e a evolução pagou suas dívidas.

Post 'What A Fool Believes' testemunhou a primeira mudança de pessoal em algum tempo, com as saídas de Baxter e Hartman para o guitarrista John McFee e Chet McCracken (bateria), respectivamente, e a adição de Cornelius Bumpus no saxofone. 'One Step Closer' de 1980 (US#3/ OZ#18/UK#53) gerou o hit top cinco 'Real Love' (US#5/OZ#53), mas provaria ser o último álbum dos Doobie Brothers sob a administração de Michael McDonald's.

Nenhum material novo surgiu nos dezoito meses seguintes e em março de 1982 foi anunciado que os Doobie Brothers haviam se dissolvido. Um álbum ao vivo (US#79) foi gravado no final daquele ano e lançado em junho de 83. A essa altura, Michael McDonald já estava avançando em sua carreira solo.

Os Doobie Brothers, com os membros originais Tom Johnston, Pat Simmons e John Hartman, se reformaram em meados de 88 junto com o percussionista Bobby LaKind e o baixista Tiran Porter, e lançaram um álbum com material totalmente novo um ano depois. O álbum 'Cycles' (US#17/OZ#45), mostrou que a banda não havia perdido nada de sua verve vintage dos anos 70, e gerou um single no top dez com 'The Doctor' (US#9/ UK#73/OZ#32), embora o álbum seguinte de 1991 'Brotherhood' não tenha conseguido possuir a mesma receita para o sucesso e errou o alvo. Sem se deixar abater, o modelo Johnston Doobie Brothers pegou a estrada mais uma vez em 1994 para uma grande turnê de verão. Em 1995, McDonald havia se juntado novamente às fileiras da banda e estava em estúdio com Johnston pela primeira vez com o lançamento do álbum, 'Rockin' Down The Highway'. Em 2000, McDonald havia partido mais uma vez, deixando Johnston, Hossack, Knudsen, McFee e Simmons para lançar o álbum 'Sibling Rivalry'. A última oferta dos Doobie Brothers foi o set de 2010 'World Gone Crazy', com Johnston, Simmons, Hossack e McFee com Michael McDonald como convidado na faixa 'Don't Say Goodbye'.

Não demorou muito para Michael McDonald se tornar um artista solo. Ele lançou seu set de estreia, 'If That's What It Takes' (US#6/OZ#41), no final de 82, gerando o single de sucesso 'I Keep Forgettin' (Every Time You're Near)' (US#4/ OZ#64/UK#43). Em 1983, McDonald se juntou a James Ingram no dueto 'Yah Mo B There' (US#19/UK#12). Seu álbum de 1985 apresentava um som mais pesado, mas "No Lookin' Back" parecia estar na posição #45 nas paradas, com seu single-título chegando na posição #34.

1986 testemunhou o retorno de McDonald ao topo da US Hot 100, desta vez em parceria com o ícone do soul Patti LaBelle. Escrita e produzida pelos lendários Burt Bacharach e Carole Bayer Sager, 'On My Own'. A faixa foi originalmente planejada para LaBelle cantar sozinha, mas ao ouvir a reprodução, Bacharach e Bayer Sager sentiram que deveria ser um dueto, com um vocal masculino necessário. Michael McDonald teve a chance de fazer alguns vocais. Originalmente, 'On My Own' não estava programado para ser um lançamento single, permitindo assim que McDonald gravasse além dos limites de seu contrato com a Warner Brothers. Os dois vocalistas gravaram suas faixas em duas cidades diferentes, mas quando o produto final foi alimentado pela mesa de mixagem, todos os envolvidos sabiam que tinham um grande sucesso. 'On My Own' atingiu o pico de #1 em junho de 86 (UK#2/OZ#12), substituindo 'Live To Tell' de Madonna, e mantendo sua solidão no topo por três semanas, antes de 'There'll Be Sad Songs' de Billy Ocean (veja o post anterior) assumir. Foi somente depois que a música atingiu o #1 que LaBelle e McDonald se encontraram cara a cara pela primeira vez, cantando a música no 'The Tonight Show'.

McDonald chegou ao top 10 dos EUA alguns meses depois com o single 'Sweet Freedom' (US#7/UK#12), tirado da trilha sonora para a comédia de ação de Gregory Hines e Billy Crystal 'Running Scared'. McDonald não lançou outro álbum de material solo até 'Take It To Heart' (US#110) de 1990, mas voltou ao top 20 mais uma vez com o dueto de sucesso de 1992 'Ever Changing Times' com Aretha Franklin (veja o post anterior). Seu quarto álbum solo, 'Blink Of An Eye' de 1993, provou ser um esforço perdido em um piscar de olhos. Após períodos de volta em turnê com os Doobie Brothers e envolvimento com o 'New York Rock and Soul Revue' do ex-aluno do Steely Dan, Donald Fagen, McDonald lançou seu primeiro álbum em três anos com 'Blue Obession' de 1997. Na década seguinte, McDonald lançou uma série de álbuns relacionados à Motown e ao Natal, antes de retornar às suas raízes soul no álbum de covers de 2008 'Soul