The Who - Sacramento Valley Amphitheatre 2000

 

Track List:

Disc 1

01 - I Can't Explain

02 - Substitute

03 - Anyway Anyhow Anywhere

04 - I Don't Even Know Myself

05 - My Wife

06 - Baba O'Riley

07 - Bargain

08 - Getting In Tune

09 - The Kids Are Alright

10 - I'm One

11 - Pinball Wizard

12 - The Real Me

13 - Behind Blue Eyes

Disc 2

01 - You Better You Bet

02 - Who Are You

03 - 5:15

04 - Won't Get Fooled Again

05 - Naked Eye 

06 - Let's See Action 

07 - My Generation

O Who é uma banda muito apreciada por mim, eles têm álbuns fantásticos e costumam fazer ótimos shows ao vivo. 

Este show no Sacramento Valley Amphitheatre durou quase 3 horas inteiras e você pode encontrar um relato de um fã elogiando-o no The Who Concert Guide .

"...Townshend deu uma aula de como fazer coisas de guitarra e tocar como eu não via há 25 anos. Entwhistle foi sua presença habitual, tranquila e estável e absolutamente surpreendeu a multidão... A voz de Roger também estava em ótima forma.

MUSICA&SOM

Lightnin' Hopkins & Mance Lipscomb LIVE The Ash Grove Los Angeles 1967

 

 LIVE  

The Ash Grove   

Los Angeles 

1967

Grande show de dois mestres do gênero

Mance não é muito conhecido, mas foi um dos grandes do Sul

 para mais informações sobre Mance, confira

Uma vida bem gasta (1971).

 Documentário dirigido por Les Blank e Skip Gerson.

TRACKS

1. You Don't Know My Mind

2. Talk

3. A Little Boogie (not necessarily their title)

4. Talk

5 Mean  Life

6 You're Gonna Miss Me (When I'm Gone

7. Come Back Baby

8. Trouble In Mind

9. Baby's Comin' Home

MUSICA&SOM

RARIDADES

The Pandoras - It's About Time (1984)

don't hang around, enjoy good music!

Está tudo no nome ( REO Speedwagon)

Um dos aspectos fascinantes de se aprofundar no mundo da música popular (entre muitas coisas fascinantes) é examinar o significado por trás dos nomes de bandas (e às vezes os nomes de artistas individuais). Às vezes, a nomenclatura é bem direta, digamos, por exemplo, a Steve Miller Band (veja o post recente), nesse caso, a força motriz por trás da banda é o cantor/guitarrista Steve Miller. Em outras ocasiões, os significados por trás dos nomes são mais obscuros, digamos, por exemplo, A Flock of Seagulls (veja o post anterior) tirou seu nome de uma letra da música 'Toiler On The Sea' do Stranglers, ou a dupla inglesa Everything But The Girl se inspirou em uma loja de móveis no campus da Universidade Hull, na Inglaterra. De todas as centenas de nomes de grupos pop que conheci nas últimas décadas, um dos mais excêntricos, mas atraentes, pertence a um quinteto de soft rock formado em 1968 (foi um bom ano) em Champaign, Illinois, que tirou seu nome de um caminhão de bombeiros modelo 1911 (projetado por um tal de Ransom Eli Olds). O REO Speedwagon não conquistou exatamente o mundo do pop rock em tempo recorde, mas doze anos depois de saírem da linha de montagem, Kevin Cronin (vocal/guitarra base), Gary Richrath (guitarra solo), Neal Doughty (teclado), Bruce Hall (baixo) e Alan Gratzer (bateria) tomaram as paradas dos EUA de assalto com a balada poderosa "Keep On Loving You" e permaneceram estacionados nas paradas durante a maior parte dos anos 80. Mas houve um longo caminho percorrido para atingir o auge da montanha da música pop. Durante 1968, os estudantes da Universidade de Illinois Neal Doughty (teclados) e Alan Grazer (bateria), esboçaram o projeto para uma nova banda de rock, e logo depois recrutaram o guitarrista Gary Richrath, o baixista Greg Philbin e o vocalista/guitarrista Terry Luttrell. A ignição foi virada no REO Speedwagon logo depois, e

inicialmente a banda desenvolveu seu ato ao vivo na frente de plateias em e ao redor de sua cidade natal, Illinios. Em 1970, a banda havia construído um repertório de material original e estava estendendo seu itinerário de turnê nacionalmente. Com um perfil de ato ao vivo em constante crescimento, o futuro empresário do Steely Dan e Eagles, Irving Azoff, ajudou a negociar um contrato de gravação com a Epic Records. O álbum de estreia homônimo da banda foi lançado em julho de 72, mas nenhum álbum ou os três singles que o acompanham ('Prison Women'/ '157 Riverside Avenue'/'Gypsy Woman's Passion') deixaram uma marca nas paradas dos EUA. Logo depois, Terry Luttrell foi substituído no banco do motorista por Kevin Cronin, de 21 anos. Cronin respondeu a uma pergunta da banda que veio por meio de seu próprio serviço de indicação de músicos, prontamente encenou uma audição bem-sucedida com uma música de Elton John e passou a contribuir com os vocais principais (guitarra base) para o segundo álbum do REO Speedwagon, lançado em dezembro de 72, e imaginativamente intitulado 'REOTWO'. Abastecido com novo material, o REO Speedwagon pegou a estrada em turnê ao longo de 1973, apoiando nomes como Aerosmith, Kansas e Bob Seger, e aumentou ainda mais uma audiência nacional já substancial, mas nem tudo estava bem dentro da cabine deste Speedwagon em particular. O vocalista principal Kevin Cronin, que estava com a banda há pouco mais de um ano, pisou no freio e paralisou a banda temporariamente, durante a qual ele

avisou seus companheiros de equipe que devido a diferenças artísticas (o que é raro) ele desejava seguir carreira solo (o que acabou sendo pouco proveitoso). O REO Speedwagon recrutou o vocalista Mike Murphy e voltou ao estúdio de gravação para o lançamento de janeiro de 74, "Ridin' The Storm Out". Uma agenda de turnês agitada se seguiu, antes que o quinteto retornasse mais uma vez ao estúdio, resultando no lançamento do álbum "Lost In A Dream" em novembro de 74, o álbum sendo um momento marcante para o REO Speedwagon, quando ele entrou na parada de álbuns Top 100 dos EUA em 98.

Em abril de 75, o vocalista Kevin Cronin foi recebido de volta ao grupo de braços abertos. Ele e o guitarrista Gary Richrath então iniciaram uma parceria frutífera de composição de músicas na sala de máquinas, que logo produziu potência criativa suficiente para impulsionar a marca REO Speedwagon para a posição #74 na parada de álbuns dos EUA com "This Time We Mean It" (com contribuições de Sly Stone). O set de 1976 'REO' passou despercebido, mas outro álbum ao vivo, 'You Get What You Play For', alcançou a posição #72 no final de 77, aumentando ainda mais o crescente perfil nacional da banda, embora a aclamação da crítica ainda tenha sido curta - a banda frequentemente

sendo rotulado como estereotipado por seus melódicos rockers e power ballads (mas ei, que artista não está em seu próprio caminho). Logo depois, o baixista Greg Philbin foi substituído por Bruce Hall, que estava a bordo do recorde de volta do REO Speedwagon até o momento, o álbum de 1978 'You Can Tune A Piano, But You Can't Tuna Fish' (US#29/OZ#98), sem dúvida um dos piores trocadilhos de título de álbum na história da música popular, mas um título que gerou dois singles de sucesso menores, 'Roll With The Changes' (US#58) e 'Time For Me To Fly' (US#56). Cronin e Richrath em particular estavam entrando em uma rica veia de composição de canções de sucesso de alta octanagem, e também auxiliando na produção para aprimorar ainda mais o som da banda, mas o álbum de 1979 'Nine Lives' (US#33) foi apenas uma entrada para o prato principal logo ali na esquina. O álbum ao vivo apropriadamente intitulado 'A Decade Of Rock 'N Roll: 1970 - 1980' completou dez anos de rock direto e orientado para álbuns do REO Speedwagon, mas o próximo lançamento de estúdio em abril de 1981 estaria repleto de pop rock carregado de ganchos e baladas poderosas. O single principal foi o poder cintilante

balada 'Keep On Loving You'. A instrumentação imaculada e brilhante provou ser um casamento perfeito com os vocais apaixonados de Kevin Cronin, resultando em uma música imaculada do começo ao fim. Foi o clássico pop rock carregado de ganchos que REO Speedwagon estava procurando por mais de uma década e, após entrar na Billboard Hot 100 em dezembro de 1980, ascendeu firmemente ao primeiro lugar por uma semana em março de 81 (OZ#3/UK#7 - substituído na semana seguinte por "Rapture" do Blondie - agora há um contraste), passando 20 semanas dentro da Hot 100. O álbum de origem redefiniria o perfil de REO Speedwagon e do quinteto de trabalhadores do rock dentro dele, e colocaria a banda firmemente no panteão principal do rock orientado a álbuns dos EUA, disputando a supremacia ao lado de nomes como Styx, Toto, Heart, Starship, Foreigner (veja postagens futuras), Journey, Asia e Survivor (veja postagens anteriores). O título inteligente 'Hi Infidelity' foi lançado nos EUA no final de 1980 (Grã-Bretanha/Austrália - início de 1981), em linha com 'Keep On Loving You' dominando as paradas de singles. Aliás

'Hi Infidelity' foi lançado no (então) formato de áudio de maior fidelidade - o CD - como um dos primeiros 100 álbuns a serem lançados no formato. Apresentando dez faixas de rock suave, sublime e cristalino, e um cover que dava uma indicação clara quanto ao ambiente lírico interno, 'Hi Infidelity' alcançou o primeiro lugar nas paradas dos EUA (subindo ao primeiro lugar nada menos que três vezes - OZ#6/UK#6), durante o primeiro semestre de 81, e teve mais três singles de sucesso na loja, o que faria com que o REO Speedwagon continuasse sendo um forte concorrente nas paradas durante a maior parte do ano. O single 'Take It On The Run' era menos ornamentado do que seu antecessor, mas não menos agradável ao ouvido. A balada de soft rock despojada e nua, um conto lírico de infidelidade, atingiu o pico de #5 nos EUA (UK#19/OZ#30), e continha a letra memorável “ouvi de um amigo, que ouviu de um amigo, que ouviu de outro” - neste caso, 'Take It On The Run' era uma faixa melodicamente magnífica. A fórmula de soft rock carregada de emoção não estava exatamente na moda em muitos bairros do início dos anos 80, mas os ganchos melódicos e as letras relacionáveis ​​provaram ser irresistíveis tanto para a cena de rádio FM quanto para inúmeras

ouvintes e compradores de discos. O borbulhante rocker 'Don't Let Him Go' (US#24), e as harmonias vocais puras de 'In Your Letter' (US#20/OZ#100) completaram um impressionante quarteto de singles de sucesso (dois dos quais estavam no top 30 de vendas nos EUA em 1981), de um álbum de sete milhões de vendas que se provaria um ato difícil de seguir.

As rodas continuam girando para REO Speedwagon

 Tendo sido lançado na estratosfera pop através do foguete gravado que era "Hi Infidelity", REO Speedwagon se tornou o queridinho do conjunto de FM "AOR" (rock adulto/orientado para arena), graças à sua produção brilhante e rock suave e baladas poderosas carregadas de ganchos, que povoavam as listas de reprodução de rádio FM de costa a costa. Claro que até certo ponto era estereotipado, mas era de alta qualidade e milhões gostaram, então por que mudar uma fórmula vencedora? Claro que provou ser uma pergunta retórica, pois REO Speedwagon começou a reproduzir o relâmpago em uma garrafa que era "Hi Infidelity" - não é uma pergunta fácil, mas eles tinham a mesma equipe de composição, a mesma equipe de produção, os mesmos músicos, então as esperanças estavam altas. O primeiro táxi da classificação na nova era do supergrupo REO Speedwagon foi o álbum de 1982 "Good Trouble" (existe algum outro tipo?). O próprio vocalista Kevin Cronin descreveu o álbum como "malfeito", então parecia que mesmo internamente havia dúvidas sobre igualar a aclamação crítica e comercial de seu antecessor. O single principal 'Keep The Fire Burnin' foi um rock de alta intensidade que possuía calor suficiente para alcançar a posição #7 na US Hot 100. Os cilindros de composição de músicas principais foram unidos nas apostas de composição de músicas pelo baixista Bruce Hall, mas foi a faixa alegre e cheia de harmonia 'Sweet Time' (US#26) que ajudou

impulsionar as vendas do álbum (EUA#7/Reino Unido#29), embora no geral 'Good Trouble' tenha experimentado alguns problemas mecânicos musicais em comparação com a performance de alta octanagem de 'Hi Infidelity'. Após quase quinze anos de turnês implacáveis ​​e lançamentos de álbuns ano após ano, o REO Speedwagon decidiu parar por um tempo e acabou tirando um ano sabático de dois anos. Com instrumentos lavados e polidos, e cada sino e apito testados, o REO Speedwagon saiu do quartel no final de 84 para testar as águas, por assim dizer, em um público comprador de discos que não via nada de novo emergir do quinteto em mais de dois anos. A banda inicialmente passou dois meses trabalhando no estúdio na preparação e na definição das faixas base. A dupla principal de compositores Richrath e Cronin havia escrito 25 músicas, além do material de Hall e Doughty, mas o grupo só conseguiu concordar com algumas que eles achavam dignas de inclusão no novo álbum. Então as sessões de estúdio foram canceladas enquanto a banda foi embora em busca de inspiração artística suficiente para alimentar um novo álbum do REO Speedwagon. A banda se reuniu novamente no estúdio durante a última parte de 84, e o primeiro resultado de seus esforços criativos surgiu na forma do single cativante e com influências de rockabilly 'I Do'Wanna Know' (US#29), mas isso foi apenas um aperitivo para o que viria a ser o maior sucesso da carreira da banda. O vocalista Kevin Cronin tinha uma música que ele começou a escrever uma década antes, mas nunca conseguiu juntar os pontos criativos para terminá-la. Em essência, era uma balada, cujo assunto abordava o enfrentamento de uma

mudança que era assustadora, mas uma mudança que, no entanto, era necessária. O boato é que Cronin tentou introduzir esta balada em particular tantas vezes ao longo dos anos que os outros membros do REO Speedwagon apenas se referiram a ela como "aquela balada estúpida". No entanto, durante as sessões para o álbum "Wheels Are Turnin", Cronin encontrou a inspiração necessária para terminar sua longa balada ridicularizada que assumiu a forma de "Can't Fight This Feeling". Os outros membros da banda, que inicialmente estavam menos do que apaixonados pela música, reconheceram o produto de estúdio finalizado como outra potencial bonança de baladas poderosas. Logo após seu lançamento, "Can't Fight This Feeling" foi colocada em rotação pesada em estações de FM nos EUA, e o vídeo era regular na MTV e similares. As preocupações anteriores da banda sobre a balada poderosa foram relegadas à história antiga, pois os compradores de discos não conseguiam lutar contra o sentimento de que deveriam comprar este single. A poderosa balada envolvente e emotiva de Cronin entrou na Billboard Hot 100 na posição #46 em janeiro de 85, e apenas sete semanas depois ficou no topo (OZ#2/UK#16), de onde analisou a concorrência por três semanas em março. "Can't Fight This Feeling" suplantou a balada "Careless Whisper" de George Michael, e por sua vez foi substituída por outra balada (menos o poder potente produzido por REO Speedwagon) na forma de "One More Night" de Phil Collins. 

O single alcançou status de platina dupla nos Estados Unidos e se tornou o 12º single mais vendido nos EUA em 1985. Nada mal para uma "balada idiota" que estava inacabada há uma década. O álbum de origem, "Wheels Are Turnin" (US#7/OZ#54) estava provando ter quase tanta energia cinética quanto "Hi Fidelity" de 1981 e rendeu mais dois singles no Top 40 dos EUA. Valores de produção imaculados e arranjos vocais brilharam na qualidade ao longo do álbum, incluindo a balada taciturna "One Lonely Night" (US#19) e o pop vibrante de "Live Every Moment" (US#34). Um álbum de grandes sucessos logo se seguiu, "Best Foot Forward", antes que REO Speedwagon mais uma vez estacionasse na garagem e esperasse acumular combustível criativo suficiente para lançar mais uma vez nas paradas. No início de 87, um REO Speedwagon decididamente desgrenhado saiu da garagem do estúdio e entrou cautelosamente no fluxo principal do tráfego de música popular. O single principal de um novo álbum foi o pouco inspirador 'That Ain't Love' (US#16), que embora tenha encontrado um espaço dentro do Top 20, tinha o ar de uma releitura cansada

de uma fórmula antiga. Quando começou sua queda na grade, ou nas paradas (escolha o que quiser), o 12º álbum de estúdio do REO chegou às prateleiras (sim, novos álbuns chegaram às prateleiras das lojas de discos). 'Life As We Know It' pelo menos teve um pulso e conseguiu algumas vendas modestas (US#28), em termos relativos. Mas o álbum no geral não tinha o entusiasmo e a centelha dos sets anteriores. Os críticos foram universalmente mornos em relação à última oferta, citando uma repetição de ideias antigas, com pouca consideração em adicionar uma abordagem nova. O single mais vendido do álbum, 'In My Dreams' (US#19), foi, na melhor das hipóteses, comum e pouco inspirador, embora 'Variety Tonight' (US#60) escrito por Neal Doughty se destaque em uma lista de faixas sem brilho. A melhor compilação de 1988, 'The Hits', conseguiu apenas a posição #56 nas paradas de álbuns dos EUA, refletindo o crescente desinteresse pela música do REO Speedwagon. No mesmo ano, o single independente 'Here With Me'

tocou no limitador de rotações no número 20 nos EUA, e foi um single que eu comprei na época (o que claramente indica que era de qualidade inquestionável). No geral, conforme os anos 80 chegavam ao fim, havia uma apatia geral até mesmo entre os fãs de longa data pelo último trabalho do REO Speedwagon. E como acontece com tanta frequência, rumores internos sob o capô sinalizavam desarmonia com a equipe do REO Speedwagon. O baterista de longa data Alan Gratzer deixou o grupo em 1988 e foi substituído inicialmente pelo ex-baterista do Santana, Graham Lear. Durante a primeira metade de 1990, o guitarrista original e principal compositor Gary Richrath saiu em circunstâncias amargas para ser substituído inicialmente por Miles Joseph (ex-Player - veja o post anterior), mas logo depois o REO Speedwagon passou por uma grande reformulação de pessoal. O trio de longa data Kevin Cronin, Neal Doughty e Bruce Hall foi acompanhado por Dave Amato (ex Ted Nugent Band) no lugar de Joseph, Bryan Hitt (ex Wang Chung - veja o post anterior) no lugar de Lear, e o quinteto se ampliou para um sexteto com a inclusão de Jesse Harms (teclados/vocais). E foi assim que um REO renovado

Speedwagon gravou o álbum excentricamente intitulado 'The Earth, A Small Man, His Dog, And A Chicken', lançado durante a segunda metade de 1990. Embora o single 'Love Is A Rock' (US#65) flertasse com os confins da galáxia Billboard, o álbum permaneceu pouco mais do que uma curiosidade no songbook do REO Speedwagon. Um segundo set ao vivo de 'celebração de uma década' foi lançado em 1991 - 'The Second Decade Of Rock 'N Roll 1981-1991', mas logo depois a banda decidiu fazer uma estadia indefinida. Com o ressurgimento do interesse pelos bons e velhos anos 1980, uma infinidade de antigos artistas de arena tiraram o pó do equipamento e zarparam para um show nostálgico perto de você. O REO Speedwagon logo se viu mais uma vez dividindo o palco com alguns dos maiores artistas de rock de arena de todos os tempos; Styx, Foreigner, Journey, Fleetwood Mac, Bad Company et al. Era uma chance de entregar a mesma balada poderosa que eles haviam lançado aos fãs todos aqueles anos antes, embora em locais menores. 

Infelizmente, ao longo dos anos 90 e 00, o riff criativo contínuo entre os companheiros de banda de longa data Cronin e Richrath não pôde ser superado, embora uma mensagem clara tenha sido evidente no título do álbum de 1996 'Building A Bridge'. No entanto, Cronin mais uma vez assumiu o volante do REO Speedwagon no final dos anos 00, ao lado dos companheiros de longa data Neal Doughty e Bruce Hall, e dos recrutas dos anos 90 Dave Amato e Bryan Hitt, com o lançamento do álbum 'Find Your Own Way Home' e ainda mais turnês.

A Ascensão de Pat Benatar

 Durante as férias de verão de 1983, ganhei a propriedade do meu primeiro toca-discos. Antes disso, eu tinha acesso a um toca-discos, mas era mais fácil usar meu próprio toca-fitas, então os primeiros anos de compra de álbuns de compilação foram quase exclusivamente o meio do cassete. Ter um toca-discos significava comprar álbuns com todas as artes incluídas e material da capa interna. Também significava obter um som melhor, pois as fitas, apesar de todos os seus pontos positivos, ainda tinham aquele som sibilante, enquanto os discos tinham apenas melhor alcance dinâmico - eu não sabia disso na época, tudo o que eu sabia era que os discos soavam melhor. Um dos meus primeiros álbuns comprados no formato LP foi 'Live From Earth' de Pat Benatar. Eu já estava viciado no lançamento do single 'Love As A Battlefield', mas eu queria mais Pat, então um álbum com duas faixas de estúdio, incluindo 'Love Is A Battlefield', e uma pilha de sucessos 'ao vivo' parecia uma maneira bem inteligente de obter uma visão sobre uma das garotas do rock mais legais do planeta. Basta dizer que fiquei viciado na Sra. Benatar e, pelos próximos anos, continuei comprando seus LPs, até... até que comprei meu primeiro CD player. Mas, em vez de focar a atenção na evolução da minha coleção de discos, vamos dar uma olhada mais de perto na progressão da carreira musical de Pat Benatar, desde seus sucessos inovadores do final dos anos 70, passando por seu domínio nas paradas de pop-rock dos anos 80, até um estilo mais amplo nos anos 90 e além. Dizer que a música estava no sangue de Pat Benatar seria um eufemismo. Nascida Patricia Andrzejewski, ela

cresceu em Long Island, Nova York, e aos dezessete anos tinha seus olhos firmemente fixados em uma temporada na famosa Juilliard School of Music, para promover seus talentos como mezzo-soprano. Mas aos dezoito anos, a Srta. Andrzejewski se cansou do ambiente formal e optou por buscar sua própria versão de "fama" por um caminho diferente. Aos 20 anos, Patricia Andrzejewski se casou e, após uma breve mudança para a Virgínia, voltou para casa em Nova York para seguir sua carreira de cantora mais uma vez. Ela logo começou a se apresentar em clubes sob o novo apelido de Pat Benatar - sem dúvida, uma mudança bem-vinda para DJs e escritores de outdoors em todos os lugares. Foi durante esse período (em 1977) que o single "Day Gig" (creditado a Pat Benetar) surgiu e no mesmo fôlego desapareceu sem deixar vestígios na discografia oficial de Benatar.

Enquanto se apresentava regularmente no circuito de cabaré de Manhattan, Benatar foi notado pelo empresário do artista Rick Newman durante um show no clube Catch a Rising Star. Benatar assinou com Newman, que

encorajou a diminuta Benatar a abandonar seu estilo de cabaré de cantora, em favor de soltar a diva do rock interior. Logo depois, a talentosa e cheia de energia cantora foi contratada pela Chrysalis Records, em uma associação que marcaria a carreira de Benatar por mais de uma década. Benatar e sua administração também tomaram uma decisão importante no final dos anos 70, que era formar uma banda de apoio estável e carismática para trabalhos ao vivo e em estúdio - outra associação que renderia dividendos para a cantora. O baterista Myron Grombacher, o baixista Roger Capps, o tecladista Charlie Giordano e o guitarrista/tecladista Neil Geraldo (ex-Derringer) foram os principais backing players nos primeiros seis álbuns de Benatar, que formaram uma plataforma instrumental talentosa e carismática da qual Benatar poderia projetar seus poderosos vocais de rock para o mundo. Giraldo em particular desempenharia um papel fundamental e duradouro tanto na vida quanto na carreira da Sra. Benatar (o casal se casou em 1982, e Giraldo coescreveu muito do material de Benatar e assumiu o papel de produtor). Durante a primeira metade de 1979, o produtor de armas Mike Chapman (trabalhou com Blondie, The Knack, Racey - veja posts anteriores - para citar alguns), gostou do que ouviu da fita demo de Pat Benatar para o selo Chrysalis. 

Chapman tirou um tempo de uma agenda de produção agitada para supervisionar o trabalho no set de estreia de Benatar (incluindo a produção pessoal e a coautoria de várias faixas). "In The Heat Of The Night" foi lançado em outubro de 79, mas foi precedido pelo single principal "I Need A Lover" (um cover da música de John Cougar, mais tarde da variedade Mellencamp). "If You Think You Know How To Love Me" escrita por Mike Chapman/Nicky Chinn veio em seguida, mas foi o terceiro single do álbum que chamaria a atenção de Benatar para o mundo do rock. "Heartbreaker" anunciou Pat Benatar como uma vocalista de rock feminina de rara distinção e subiu firmemente na US Hot 100 (US#23/OZ#95) no início de 1980. Acho difícil ouvir "Heartbreaker" sem pensar na referência hilária de Seinfeld à música durante um dos episódios da temporada posterior. A canção ajudou a impulsionar o álbum 'In The Heat Of The Night' nas paradas (EUA#12/Oz#25/Reino Unido#98/CA#3), vendendo mais de um milhão de cópias no processo, e foi seguida pelo apaixonado deleite do rock 'We Live For Love' (escrito por Neil Giraldo - EUA#27/Oz#28), uma canção que é uma das favoritas deste autor, e

fortemente sugerido no coro do treinamento clássico de Benatar. Essa mesma destreza vocal veio à tona em outro cover, o assombroso 'Wuthering Heights' de Kate Bush. O segundo álbum de Pat Benatar surgiu em agosto de 1980, logo após o single principal 'You Better Run' (US#42/OZ#31) chegar às ondas do rádio. O single era um rock clássico ousado com atitude, com o vídeo que o acompanhava gravado na área das docas da cidade de Nova York. O vídeo tem a honra de ser o segundo videoclipe a ser exibido na então nova rede MTV (exibido em agosto de 81, após 'Video Killed The Radio Star' dos Buggles) - e Pat Benatar foi o primeiro artista solo tocado na rede icônica. 'Crimes Of Passion' ofereceu mais dez faixas de uma cantora que estava rapidamente se estabelecendo como uma das 'garotas do rock' preeminentes na cena musical popular. O segundo single 'I'm Gonna Follow You' não conseguiu atrair seguidores nas paradas, mas apresentou outro videoclipe forte, novamente filmado nas ruas da cidade de Nova York. Enquanto filmava o vídeo, a Sra. Benatar recebeu uma pancada feia no

cabeça de uma armação de iluminação perdida. Felizmente, não houve efeitos colaterais da batida, e Benatar logo reagiu com o corte power pop sem sentido 'Hit Me With Your Best Shot', que atingiu o alvo dentro do Top 10 dos EUA (US#9/OZ#33) no final de 1980. O single subsequente, 'Treat Me Right', provou ser um forte esforço de acompanhamento (US#18). Com uma série de singles de sucesso e uma agenda de turnês implacável, o álbum 'Crimes Of Passion' (US#2/OZ#16), bateu à porta do endereço US#1 no início de 81, e só foi recusado a entrada pelo conjunto John Lennon/Yoko Ono 'Double Fantasy'. Em meados de 81, Pat Benatar retornou com outro conjunto de faixas power pop imaculadas no álbum 'Precious Time' (US#1/UK#30/OZ#8). O single principal 'Fire And Ice' (US#17/OZ#30) conseguiu estourar nas paradas. A música era um rock pulsante com guitarra no seu melhor, e bastante cheia de uma emocionalidade tumultuada graças a uma performance vocal alucinante de Benatar (uma performance que mais tarde ganharia o prêmio

cantora seu segundo prêmio Grammy de 'Melhor Performance Vocal Feminina de Rock'). O single seguinte 'Promises In The Dark' (US#38) demonstrou um lado mais contido do estilo vocal de Benatar, com a balada de rock (escrita por Benatar e Giraldo), oferecendo uma sensação mais suave e suave. A faixa-título do álbum, 'Precious Time', não conseguiu entrar nas paradas, mas foi promovida por um vídeo que estava em alta rotação na MTV. Ele apresentava Pat Benatar no melhor modo Olivia Newton-John, com o visual de faixa na cabeça 'Physical' e, para economizar um pouco nos custos de produção, o vídeo foi filmado na casa do presidente da Chrysalis Records. Após uma presença constante nas paradas e nas ondas de rádio (sem mencionar as turnês implacáveis), Pat Benatar foi recompensada no final de 81, quando 'Precious Time' atingiu o zênite das paradas de álbuns dos EUA (OZ#8/UK#30). No verso de um álbum no topo das paradas, você pensaria que Pat Benatar estaria relaxado e

confiante antes do lançamento de seu próximo set. Bem, há todas as chances de que ela fosse exatamente isso (quero dizer, eu não estava lá na época), mas o título do quarto álbum de Benatar de 1982, 'Get Nervous', provavelmente não refletia o estado de espírito da cantora na época. Até este ponto, Benatar havia resistido amplamente à atração do som new wave mais melódico e com estilo de sintetizador. Este álbum viu algum flerte com o gênero new wave, em faixas como 'Silent Partner' e 'I'll Do It', mas o rock movido a guitarra injetado com combustível não está longe, como mostrado por 'I Want Out', 'The Victim' e a balada rock taciturna 'Fight It Out'. A faixa-título 'Anxiety (Get Nervous)' pode não ter entrado nas paradas, mas foi acompanhada por um videoclipe inteligente. Benatar se encontra na sala de espera de uma ala psiquiátrica, com cabelo e maquiagem refletindo uma aparente descida à loucura. A sensação 'maníaca' da música e do vídeo não estava a um milhão de milhas de distância do conceito de 'Pressure' de Billy Joel.

O single principal, 'Shadows Of The Night', reforçou ainda mais a reputação de Pat Benatar como um tour de force vocal. O valor de produção imaculado da música (graças a Neil Giraldo), foi compensado por um trabalho de guitarra habilidoso

e os vocais apaixonados de Benatar, para entregar uma faixa de rock hino da mais alta ordem. Não havia como se esconder nas sombras dessa música pop-rock clássica, pois ela subiu firmemente como um avião de caça nas paradas (US#13/OZ#19/UK#50). E falando em aviões de caça, o videoclipe que a acompanha ilustrou tudo o que havia de bom nos videoclipes durante a era dourada dos anos 80. Trabalhando em uma fábrica, Pat sonha acordado em se juntar à luta no ar, através do caça mustang 'Midnight Angel' em uma missão vital. As participações especiais do Juiz Reinhold e Bill Paxton (pré-estrelato) aumentam os encantos do vídeo. Embora não tenha chegado ao top 10, 'Shadows Of The Night' se destaca como uma das performances mais refinadas de Pat Benatar, e lhe rendeu um terceiro prêmio Grammy, desta vez por 'Melhor Performance Vocal Feminina de Rock' em 1982. O single seguinte, 'Little Too Late', chegou ao top 20 da US Hot 100 (#20), mas um favorito pessoal desta autora foi o terceiro single 'Looking For A Stranger' (US#39), uma fusão nítida e vibrante de pop com sintetizador e guitarra. O álbum de origem, 'Get Nervous', teve outro desempenho forte nas paradas (US#4/UK#73/OZ#15), rendendo a Benatar o quarto álbum consecutivo de platina. Dada a implacável agenda de turnês de Benatar nos últimos cinco anos, não foi nenhuma surpresa que seu próximo

o lançamento do álbum foi um set ao vivo, exibindo seus poderosos vocais ao vivo em oito faixas, com duas novas faixas de estúdio para completar o álbum de 1983 'Live From Earth' (US#13/UK#60/OZ#2). Os suspeitos de sempre apareceram na programação de faixas ao vivo, incluindo 'Fire And Ice', 'We Live For Love' e 'Hit Me With Your Best Shot'. Mas foi a primeira de duas faixas de estúdio que causariam um rebuliço nas paradas durante o final de 83 e início de 84. 'Love Is A Battlefield chegou às prateleiras em outubro de 83 e chegou ao meu toca-discos logo depois. O número pop-rock melancólico e atmosférico parecia perfeito para um verão australiano, embora tenha se mostrado mais em casa em um inverno do norte. 'Love Is A Battlefield' (escrito por Mike Chapman e Holly Knight) também foi apoiado por um dos melhores videoclipes a surgir em meados dos anos 80. O enredo do vídeo não precisava ter correspondido à narrativa lírica, mas era convincente por si só. Pat Benatar e Neil Giraldo declararam em comentários para o vídeo (do DVD 'Choice Cuts') que ele não representava o que eles tinham imaginado para a música, mas (como é tão frequentemente o caso) uma falta de controle artístico sobre a gravadora significava

alguns aspectos de sua visão criativa foram comprometidos. Independentemente disso, 'Love Is A Battlefield' se destaca como um videoclipe essencialmente dos anos 80. A música chegou ao top cinco nos EUA (Reino Unido # 17), mas foi na Austrália que as forças da oposição capitularam quando 'Love Is A Battlefield' obteve uma vitória importante sobre todos os concorrentes, passando 5 semanas no topo das paradas australianas. A música também rendeu a Benatar seu quinto prêmio Grammy de 'Melhor Performance Vocal Feminina de Rock' em 1983. A outra faixa de estúdio apresentada em 'Live For Earth', 'Lipstick Lies', era uma faixa de estilo mais new wave, muito conduzida por guitarra e sintetizador melodicamente, e também foi acompanhada por um atraente videoclipe de peça de época, completo com violinos elétricos neon legais.

O show continua para Pat Benatar

Após uma vitória indiscutível no campo de batalha do amor, e um tempo livre para ter seu segundo filho, Pat Benatar ressurgiu dos bastidores para mais uma vez ficar no centro do palco no final de 84. A música que trouxe Benatar de volta à vanguarda da cena musical foi o hino "We Belong". A música lindamente elaborada foi sedutora e atraente desde a primeira audição, e o refrão não conseguiu deixar de capturar a atenção dos ouvintes com seus encantos melódicos. "We Belong" foi apoiada por um vídeo de estilo de performance simples, mas eficaz, com Pat e sua banda - esse era o estilo de vídeo preferido por Benatar e seu marido/produtor Neil Giraldo, e era algo que capturava o espírito e a essência da música. Durante grande parte do vídeo, Pat Benatar, então grávida (o vídeo foi filmado antes do lançamento do álbum/single), está de pé na frente de um coral infantil completo. "We Belong" se tornou o segundo single consecutivo a levar Benatar ao Top 5 dos EUA (OZ#7/UK#22) e aumentou consideravelmente seu perfil na Grã-Bretanha.

'We Belong' foi o single principal do sexto álbum de Benatar, 'Tropico' (US#14/ UK#34/OZ#9/ CA#21), e o segundo de seus álbuns que comprei. O álbum de platina, que apresenta uma capa frontal fascinante, sinalizou uma espécie de afastamento da abordagem mais direta de garota do rock de Benatar cantando hinos guiados pela guitarra, para uma paleta de estilos musicais moderadamente temperada. Isso foi evidenciado pelo segundo single, 'Ooh Ooh Song' (US#36/OZ#78), escrito por Benatar e Giraldo. A faixa, lançada no início de 85, é uma das favoritas pessoais deste autor e apresentava letras sem sentido cobertas por camadas de rockabilly e pop chiclete. O videoclipe que o acompanhava era adequadamente eclético, alguns podem dizer excêntrico, mas no geral um caso irônico que capturou a essência do sabor divertido da música. O terceiro single, 'Painted Desert', foi um caso de ritmo lento, de queima lenta, apoiado por um vídeo de filmagem de locação completo com acidentes de carro no deserto, mas não conseguiu entrar nas paradas, enquanto o quarto single 'Diamond Field' não entrou na Hot 100, mas alcançou um respeitável #20 na parada de rock mainstream dos EUA. Pat Benatar ressurgiu disfarçada de garota do rock para o lançamento em junho de 85 do single 'Invincible (Theme From

The Legend Of Billie Jean)' (US#10/ OZ#23/ UK#53), a música escrita por Holly Knight e Simon Climie (veja o post anterior de Climie & Fisher), e apresentada no fracasso de bilheteria de mesmo nome. A faixa era um power-pop/guitar rock mais direto e foi acompanhada por um videoclipe com Pat e sua banda vagando por túneis de metrô, intercalados por um palco de apresentação de grande orçamento e clipes do filme. O refrão da música é tão melodicamente fascinante quanto 'Shadows Of The Knight'. 'Invincible (Theme From The Legend Of Billie Jean)' foi lançado antes do sétimo álbum de Benatar, o apropriadamente intitulado 'Seven The Hard Way', mas foi incluído para acompanhar outras oito faixas gravadas especificamente para o álbum.

Em agosto de 85, Pat Benatar contribuiu com os vocais para o single de protesto 'Sun City' (OZ#4/ UK#21/ US#33) do Artists United Against Apartheid, um projeto organizado pelo guitarrista Little Stevie e que também conta com a participação vocal.

talentos de Bruce Springsteen, Jimmy Cliff, Jackson Browne, Clarence Clemons e Bono. O primeiro single lançado especificamente do set 'Seven The Hard Way' (US#26/ OZ#19/ UK#69) foi o rock com atitude 'Sex As A Weapon' (US#28/ OZ#33/ UK#67) lançado no final de 85, e não estava a um milhão de milhas de distância de um som 'Simply Irresistible-esque' de Robert Palmer, e foi acompanhado por um videoclipe inteligente e tecnológico. O terceiro single, 'Le Bel Age' (OZ#86/US#54), foi um caso mais descontraído e sensual e foi acompanhado por um videoclipe adequadamente estilizado com a Sra. Benatar no modo cantora de lounge, remontando ao início de sua carreira pré-gravação. Pat Benatar então fez um hiato prolongado nas gravações e turnês para se concentrar em seus deveres como mãe. No final de 87, o álbum de compilação 'Best Shots' colocou o apelido Benatar na frente e no centro das paradas (OZ#19/UK#6/US#67). Em meados de 88, Benatar estava pronto para retomar as paradas de assalto, e o fez com o lançamento do rock

uma música explosiva, 'All Fired Up' (OZ#6/UK#19/US#19), um cover da música de 1985 da banda australiana Rattling Sabres. O videoclipe que a acompanhava era uma performance direta com preto e branco intercalado com efeitos de câmera lenta típicos dos videoclipes do final dos anos 80/início dos anos 90. A música foi apresentada no 8º álbum de estúdio de Pat Benatar, o peculiarmente intitulado 'Wide Awake In Dreamland' (OZ#10/UK#11/US#28), o primeiro álbum de Benatar a alcançar posições mais altas no Reino Unido do que nos EUA. O ritmo lento 'One Love (Song For The Lion)' (UK#59), uma homenagem a Bob Marley, veio em seguida e foi apoiado por um videoclipe que, refletindo, nem Pat Benatar nem Neil Giraldo acharam adequado ao ambiente da música. O single 'Don't Walk Away' (UK#42/OZ#62 - co-escrito por Nick Gilder - veja o post anterior) por alguma razão estranha foi filmado no mesmo local onde o programa de TV 'Bonanza' foi filmado. Comprei o 45 do single, com base no estilo vocal cristalino e de chamada às armas de Benatar no refrão. Um quarto single, 'Let's Stay Together', foi lançado, mas a faixa de percussão acelerada não conseguiu entrar nas paradas. Comentários na faixa sobre

no DVD 'Choice Cuts', Pat Benatar é ouvida comentando sobre a semelhança de seu penteado com a personagem Elaine de 'Seinfeld' no videoclipe que o acompanha. Benatar então se manteve discreta pelos próximos dois anos antes de emergir no início de 91 com um álbum que representava um afastamento radical de seu trabalho anterior. 'True Love' (US#37/UK#40/OZ#42) apresentou uma coleção de músicas firmemente plantadas no mundo do blues/R&B/soul. A ausência de riffs de guitarra elétrica e ganchos de teclado dominantes foi suplantada por um som de combo de blues mais cru. Pat Benatar, o guitarrista Neil Giraldo e o baterista Myron Grombacher foram apoiados pelo combo de blues Roomful Of Blues. A faixa-título (escrita por Benatar e Giraldo) apresentou os estilos vocais sedutores de Benatar sobrepostos a um fundo instrumental de cozimento lento e foi

acompanhado por um videoclipe altamente estilizado. O álbum pode ter sido desprovido de sucessos nas paradas de sucesso, mas lembrou ao mundo o quão maleável e diversa uma cantora Pat Benatar pode ser. O cover de BB King 'Payin' The Cost To Be Boss' encontrou público suficiente para alcançar a posição #17 na parada de rock mainstream dos EUA, mas a lindamente brilhante e sensual 'So Long' perdeu um único público comprador, apesar do videoclipe de memórias à beira-mar. Após a mudança radical de estilo que foi 'True Love', Pat Benatar retornou às suas raízes power-pop/rock para 'Gravity's Rainbow' de 1993 (US#85), com todas as doze faixas escritas internamente. O single principal, 'Somebody's Baby' (UK#48), foi um caso de rock direto e despojado e foi apoiado por outro vídeo em estilo preto e branco (eles realmente estavam na moda naquela época), embora Benatar e Giraldo estivessem felizes com a abordagem direta do vídeo em relação à música (ou seja, a mensagem da música não se perdeu na tradução). O 'Everybody Lay Down' no estilo Lenny Kravitz encontrou

uma casa em #3 na parada de rock mainstream dos EUA. Outros destaques do álbum incluem o intimista 'You & I', e o rock borbulhante da superfície de 'Disconnected'. Nesta fase, o selo Chrysalis não estava dando muito suporte promocional ao material de Benatar, o que em parte poderia explicar a falta de sucesso comercial. Na década seguinte, Pat Benatar continuou a fazer turnês ano após ano, mas lançou apenas três álbuns de estúdio de material novo, 'Innamorata' de 1997 (US#171), um caso amplamente acústico, apresentando a faixa muito saborosa 'Strawberry Wine', 'Christmas In America' de 2001 apresentando o single de mesmo nome (US#22 - parada adulta contemporânea), e 'Go' de 2003 (US#187 - US#9 álbuns independentes), cuja faixa-título prova que Benatar não perdeu nenhuma de suas cordas vocais escaldantes. Esses últimos lançamentos encontraram Benatar lançando seu trabalho em selos independentes, mas apenas os fãs mais fervorosos de Pat Benatar estavam procurando seu novo material naquela época. Embora os lançamentos de estúdio tenham sido poucos e distantes entre si para Benatar nos últimos vinte anos, ela tem

manteve uma forte presença no circuito de turnês ao vivo, resultando em vários lançamentos de álbuns ao vivo, incluindo 'Summer Vacation Tour Live' de 2005. Em outubro de 2010, Pat Benatar encantou os fãs australianos com uma turnê esgotada acompanhada pelos Bangles (veja o post futuro), e fez uma turnê pela Nova Zelândia e pelos EUA com o Cheap Trick (veja os posts anteriores). Em uma carreira que agora abrange mais de 35 anos, Pat Benatar provou ser uma potência duradoura no panteão de vocalistas pop/rock, e embora os sucessos possam agora ser relegados a coleções 'Best Of' e listas de rádio retrô, ela estabeleceu um legado considerável na música popular, um a ser celebrado no futuro.