Classificando todos os álbuns de estúdio dos Santana

 

Santana é uma lenda do rock que tem sido uma das melhores bandas da história. A banda conta com Carlos Santana , um grande guitarrista de todos os tempos e vem de São Francisco, onde era anteriormente chamada de "The City". O influente grupo se tornou mundialmente famoso por sua apresentação em Woodstock com Soul Sacrifice, de seu álbum de estreia autointitulado "Santana" (1969). Santana lançou muitas músicas gloriosas ao longo dos anos, mas se você acha que seu álbum mais recente é tão bom (e deveria ser), você deve saber sobre o resto de sua bela compilação. A discografia de Santana inclui tudo, desde Abraxas em 1968 até Blessings and Miracles, lançado no ano passado. A seguir está a classificação de todos os álbuns de estúdio do Santana:

25. Milagro

Milagro é o único álbum de estúdio de Santana que não é propriedade da Sony Music Entertainment. O título, que significa "milagre" em espanhol, foi o primeiro álbum de Santana no selo Polydor após vinte e dois anos com a Columbia Records. O álbum atingiu o pico na posição 102 na Billboard 200 em 1992 e é seguro dizer que não é um dos melhores álbuns de Santana.

24. Spirits Dancing in the Flesh

Spirits Dancing in the Flesh alcançou a posição oitenta e cinco na lista dos 200 álbuns mais bem colocados da Billboard. O disco contém sua mistura de Reggae, Rock' n' Roll, música inspirada no Jazz Latino com artistas conhecidos como The Rolling Stones, John Lennon e Eric Clapton, para mencionar alguns. Provando que não há limites quando você está dançando espiritualmente.” O álbum é uma alegre bagunça de sons e guitarras elétricas. Os ouvintes frequentemente se veem envolvidos nas melodias cativantes, apoiadas por ritmos firmes, que criam seu groove para este disco de sete faixas.

23. Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics of All Time

O vigésimo primeiro álbum de estúdio de Santana é uma coleção de covers de rock clássico e apresenta performances de vários vocalistas populares. Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics Of All Time, conhecido como o guitarrista Carlos Santana, presta homenagem a artistas bem escolhidos como India Arie, Joe Cocker e Scott Stapp, que canta em duas músicas, incluindo seu esforço solo Fearless, que chegou ao primeiro lugar por cinco semanas seguidas em 1999. O sucesso é incomparável até agora. Também inclui vocais gravados no início deste ano, quando Chris Cornell ainda estava vivo.

22. Beyond Appearances

De acordo com Shangó, o álbum levou sete meses para ser concluído e incluiu uma lista significativamente diferente do anterior (lançado em 1982). A banda ainda estava ativa, exceto por Alex Ligertwood e os percussionistas Armando Peraza, Raul Rekow e Orestes Vilatô. Esta é a primeira excursão de estúdio de Greg Walker a Santana depois de deixar o Inner Secrets, ao qual ele voltou cerca de dois anos depois. Como você pode imaginar apenas por isso, houve muito entusiasmo em torno de seu retorno. Ele se juntou à banda nos vocais, embora não apenas porque seria muito destaque se alguém tocasse tudo perfeitamente. É também a segunda aparição de Dav Jones no programa. Musicalmente, está firmemente enraizado no estilo do final dos anos 80, com muitos sintetizadores e baterias eletrônicas descendo suavemente como seda. Ouvindo-o hoje, não parece ultrapassado depois de mais de duas décadas desde que foi lançado.

21. Shangó

O novo álbum de Santana, Shangó, é uma obra-prima. As raízes de Santana inspiraram as músicas de inspiração latina neste disco na Cidade do México e em São Francisco. Suas experiências com música tradicional dessas áreas combinadas com outras influências como soul e funk da Motown. A faixa-título “Shango”, que se traduz em 'Deus do Trovão, foi coescrita pelo guitarrista Marcus Mitty Kingdom, que também tocou para Stevie Wonder quando ele começou.

20. Freedom

A banda tinha nove membros nesta gravação e se afastou de seu som mais pop em Beyond Appearances com seu retorno original ao que os tornou famosos. Isso foi feito para se reviver e compensar a fortuna comercial perdida. Eles caíram para uma posição de noventa e cinco por terem uma melodia menor sobre a percussão durante o processo de composição. Isso causou alguma confusão entre os ouvintes que esperavam algo diferente, apesar de sempre serem conhecidos principalmente como o guitarrista, cujas habilidades brilhavam mais do que qualquer outra coisa sobre ele.

19. Abraxas

A década de 1970 foi uma época de exploração musical para muitas culturas em todo o mundo, e Abraxas, do Santana, é um excelente exemplo. O segundo álbum de estúdio lançado por esta banda de rock latino em 23 de setembro traz dez músicas. As músicas exploram vários gêneros como funk ou jazz com riffs de guitarra heavy metal em cada faixa. Eles mantêm seu som característico, melhor caracterizado como ritmos latinos melódicos, mas poderosos, combinados perfeitamente para criar uma peça coesa.

18. Shape Shifter

Shape Shifter, foi recebido por críticos e fãs como um dos melhores esforços de Santana em algum tempo. No entanto, não apresenta convidados nos vocais. Isso o tornou um projeto ainda mais pessoal porque eles costumavam gravar pela Polydor Records antes de mudar para a Star Faith Records. A música "Mr. Szabo" no álbum é uma homenagem a Gábor Szabó, um guitarrista húngaro que foi um dos primeiros ídolos e influências de Carlos Santana. Ele derivou muita musicalidade de sua forma de tocar há mais de 40 anos, quando se conheceram juntos na Impulse Records de 1966 a 1967.

17. Santana

O álbum de estreia do Santana foi lançado em 1969. A música tradicional da América Latina influenciou fortemente a banda. Suas jam sessions se desenvolveram em algo muito mais do que inicialmente, com músicas que tinham alguma forma ou estrutura, mas ainda eram predominantemente instrumentais. Dada a apresentação da banda em Woodstock no início de agosto, o disco seria um lançamento de sucesso. O primeiro single, "Jingo", teve apenas um sucesso menor nas paradas da Billboard, chegando ao 56º lugar. Seu segundo single se tornou um hit internacional no Top 10, passando treze semanas no top 100 dos EUA. A Island Records publicou esta mistura digitalmente e fisicamente.

16. Zebop!

O décimo segundo álbum de estúdio do Santana é uma excelente representação de sua musicalidade diversa. Zebop! Apresenta uma ampla gama de gêneros, do rock 'n' roll, baladas emocionantes e ritmos latinos, tudo dentro de quatro lados de cera que foi masterizada a distâncias de Gann. Somente os engenheiros mais extraordinários poderiam atingir tal maestria. É difícil escolher apenas uma faixa favorita deste lançamento de som tremendo.

15. Shaman

“Shaman é o 19º álbum de estúdio de Santana lançado em 22 de outubro de 2002 e estreou em #1. Suas vendas na primeira semana foram de 298k+ status Gold da RIAA. O novo álbum de Santana é uma mistura de tudo: rock, pop e ópera. O primeiro single, “The Game Of Love”, tem participação de Michelle Branch. A segunda música do disco reúne o guitarrista do Nipper Read, Chad Kroeger. Ele canta sobre o amor com um jurado do American Idol na Alex's Band de 'Calling'. Como os outros álbuns de Santana, ele inclui o cantor espanhol Plácido Domingo em uma faixa.

14. All That I Am

Seu vigésimo primeiro LP de estúdio, “All That I Am”, foi lançado em 2005 em 31 de outubro, seguindo o Shaman de 2002, que vendeu muito bem considerando que seu antecessor caiu significativamente após atingir o pico de #2 durante sua semana inicial de vendas. O processo criativo por trás deste projeto começou quando o produtor George Milton abordou o guitarrista Carlos Santana sobre trabalhar juntos e desenvolveu um som original fora das escalas tradicionais de blues ou arranjos de jazz fusion. Surgiu o que mais tarde seria conhecido como soul, e a saída flui bem.

13. Marathon

O décimo primeiro álbum de estúdio da banda, Marathon, foi o primeiro lançamento de 1986. Marcou uma queda comercial para Santana, apesar de ter hits no top 40 "You Know That I Love You", com Alex Ligertwood se juntando a eles nos vocais durante a maioria dos lançamentos dos anos 80. Este álbum tem mais a ver com o que veio antes do que qualquer outra coisa, pois eles sempre foram músicos talentosos. Ainda assim, eles começaram a fazer discos menos atraentes, deixando muitos fãs querendo algo diferente depois de dez anos sem inovação.

12. Moonflower

O álbum duplo de Santana, Moonflower, é uma mistura eclética. O CD apresenta gravações de estúdio e ao vivo, que são intercaladas por toda parte. Pode ser seu lançamento ao vivo mais popular porque inclui música do Lotus, mas não tem um lançamento doméstico nos EUA até 1991. Isso torna a coleção mais procurada do que nunca. A mistura de fusão de rock latino do final dos anos 60 e início dos anos 70 misturada com jazz espiritual mais experimental fará você querer subir no palco com esses caras.

11. Amigos

O sétimo álbum de estúdio do Santana, Amigos, foi lançado em 1976. Ele produziu um single de sucesso menor nos Estados Unidos com "Let It Shine". Foi seu primeiro álbum certificado top 10 desde Caravanserai em 1972. Amigos foi lançado como single oficial na Europa, tornando-se um dos muitos lançamentos de sucesso desta banda amada durante sua gestão juntos até que Greg Walker se juntou mais tarde na produção. Também vale a pena notar que seu último esforço contou com o baixista original David Brown — tão triste que ele teve que deixar a banda antes que soubéssemos o que poderia ter sido.

10. Festival

O oitavo álbum de estúdio de Santana, Festivál, é um jazz rocker excêntrico e politicamente carregado que foi comparado ao Bitches Brew de Miles Davis. As letras exploram a cultura das drogas da década de 1970 em São Francisco e outras questões sociais como monogamia em relacionamentos ou conversão religiosa do catolicismo. Em 2016, foi classificado como número 249 na lista da revista Rolling Stone que classifica os “500 Maiores Álbuns de Todos os Tempos”.

9. Borboletta

Borboletta combina jazz-funk com rock latino. Pode ser visto como seu disco mais experimental até hoje. Algumas músicas apresentam longos solos do próprio guitarrista Carlos Santana. O resto envolve percussão e teclados proeminentes, além de saxofone ou vocais em cima deles. Tudo isso com riffs de guitarra muito cativantes. Um exemplo seria "Promise Of A Fisherman", que abre pacificamente antes de dar lugar a uma longa seção de solo com duração de quase 8 minutos. Não tem bateria além daquelas tocadas apenas durante o fade-out. O álbum Borboletta é uma colaboração entre músicos brasileiros e pensadores sonoros. Borboletta se traduz em borboleta em português, o que tem profundo significado cultural para esse tipo de música.

8. Caravanserai

Caravanserai, abre com um instrumental latino intitulado “Spanish Guitar”. A música cria uma atmosfera para os ouvintes se perderem em outras músicas cativantes de Santana, como o queimador uptempo deste lançamento. Na superfície, Caravanserai é um afastamento do trabalho anterior de Carlos Santana. Seus métodos e estilo divergiram significativamente desde os álbuns um a três. Desta vez, ele explorou o jazz mais do que qualquer outra coisa. No entanto, existem algumas semelhanças importantes entre ele e seus lançamentos anteriores.

7. Inner Secrets

O álbum de Santana de 1978, Inner Secrets, é visto por muitos fãs e críticos como um dos lançamentos mais subestimados de sua discografia. O décimo lançamento de estúdio foi um ponto de virada para Santana. Ele começou a se afastar do fusion Jazz/Rock em direção a uma direção de Album Oriented Rock. Este disco marcaria outra era na história da música graças a ser rotulado como "o melhor até agora" ao discutir Stormy Weather anteriormente nas sessões de gravação por volta de 1976. A terceira faixa de Inner Secrets, One Chain (Don't Make No Prison), tem uma versão diferente da lançada inicialmente.

6. Corazón

Lester Mendez produziu o álbum com várias colaborações, incluindo Gloria Estefan e Ziggy Marley, entre outros. “La Flaca” com Juanes foi a primeira faixa a ser ouvida desta tão aguardada continuação de Supernatural Deluxe Edition de 2012. Eles venderam 60 mil cópias em sua semana de lançamento inicial a uma taxa de mais de 100 mil por cópia, tornando-o platina quase instantaneamente. Corazon prova ser ainda mais bem-sucedido, pois muitos fãs têm esperado pacientemente por notícias sobre seu próximo projeto desde o excelente Super Natural de 2009, incorporando Reggaeton, entre outros estilos.

5. Welcome

Welcome continuou a fórmula jazz-fusion estabelecida pelo último Caravanserai, mas com uma lista mais extensa e diversa dessa vez. Depois que Gregg Rolie e Neal Schon saíram para montar o Journey, eles foram substituídos por Tom Coster, Richard Kermode, Leon Thomas e o convidado especial John McLaughlin. Eles trabalharam com Carlos Santana em Love Devotion Surrender. Welcome também incluiu Alice Coltrane, a viúva de John Coltrane, como pianista na música de abertura do álbum, "Going Home", e Flora Purim (esposa de Airto Moreira) nos vocais. Este álbum foi significativamente mais experimental do que os quatro anteriores, e Welcome não rendeu nenhum hit.

4. Santana III

Muitas vezes é chamado de III ou Santana III para distinguir seu lançamento do álbum de estreia autointitulado de 1969. Ele apresentou diferentes formações que compuseram sua mais recente adição ao seu catálogo de lançamentos musicais até que se reuniram novamente para uma turnê de grande sucesso no final daquele ano. A contribuição de Santana para o rock and roll é inegável. Santana III também foi o último álbum até Supernatural em 1999, alcançando o primeiro lugar nas paradas da Billboard 200 após seu lançamento, sem que nenhum álbum anterior o tivesse feito antes dele. O Guinness World Records lista este como um de seus "Gaps Between Number One Plates" que inclui artistas como Paul McCartney. Ele teve um intervalo de 17 anos entre os lançamentos de estúdio.

3. Africa Speaks

Africa Speaks é seu primeiro disco com Rick Rubin como produtor e apresenta 49 músicas gravadas em 10 dias. O processo de produção foi conduzido a uma banda de oito integrantes que incluía a esposa de Carlos, Cindy Blackman, tocando bateria durante essas sessões no Shangri La Studios Malibu, Califórnia. Eles também foram capturados por meio de 16 canais conectados diretamente em cada instrumento, sem pré-amplificadores ou compressores adicionados posteriormente, como muitos outros discos fazem hoje em dia porque soa artificial.

2. Blessings and Miracles

Santana e seus companheiros de banda gravaram “Blessings and Miracles” ao longo de dois anos. Eles tiveram a ajuda de músicos convidados, incluindo Chris Stapleton , Ally Brooke e Corey Glover Kirk Hammett. Há também uma aparição de Chick Corea na bateria — ele colaborou remotamente por meio de software de bate-papo por vídeo como FaceTime ou Skype. O resultado não parece nada com o que você poderia esperar. A coleção eclética ostenta influências que remontam aos primórdios de Santana como parte da seção rítmica em São Francisco durante 1970, mas nunca parece muito sobrecarregada pela história.”

1. Supernatural

Supernatural foi um sucesso financeiro significativo em todo o mundo, reacendendo o interesse pela música de Santana. Chegou ao primeiro lugar em onze países, incluindo os Estados Unidos, por 12 semanas consecutivas, onde foi certificado como 15 platina . O álbum teve seis singles, incluindo "Smooth" de Rob Thomas, que chegou ao primeiro lugar em toda a América. Também inclui alguns créditos de composição dele por causa dessa colaboração entre dois artistas eminentes. Seus esforços podem de fato ser ouvidos quando você ouve atentamente essas letras, sua favorita dos fãs, "Maria Maria".

Paolo Ferrara: Profondità (1978)

 

Até cerca de cinco anos atrás, ninguém sabia quase nada sobre o álbum “ Profondità ” de Paolo Ferrara : do que se tratava, que capa tinha e onde diabos. de onde veio. Augusto Croce
foi provavelmente o primeiro a falar sobre issoe em seu site italiano Prog mencionou esta biblioteca dupla de 19 músicas gravadas para " Horse shoe records " (hoje extinta) , relatada a ele por um amigo seu que de boa fé havia namorado isto 1972 , mesmo que na realidade o disco não apresentasse nenhuma datação.Por um tempo o fato passou despercebido, mas depois de alguns meses alguém notou que aquele LP duplo de música eletrônica instrumental continha uma infinidade de referências a “ Meddle ” (1971), “ Dark Side of the moon ” (1973)doe “ Wish you were here ” (1975) e naquele momento havia algo que não estava certo: ou Ferrara era um gênio ou aquele álbum não poderia ser de 1972. Então debates acalorados começaram a florescer, muitos os colecionadores perderam o sono e “ Profundidade ” começou a virar matéria de primeira página.Na verdade, ouvindo o álbum percebe-se que muitos fragmentos da obra são xerox de alguns dos hinos mais famososdo Floyd e não só: alguns sons são até idênticos como no caso da famosa inicial " s i" de " Echoes ”(1972), obtido de um piano Steinway & Sons e filtrado por um Leslie , que Ferrara interpreta de forma idêntica ao original em sua “ Profecia ”.“ The long run ” então, além de ter um título que inevitavelmente lembra “ On the run ”, tem intencionalmente um conceito tímbrica próprio , exceto pela ausência do sintetizador EMS Synthi A , produzido em 1971, o que evidentemente Ferrara não fez. cidade.“ Embriane ” e especialmente “ Sintesi ” deixam-nos então maravilhados com a sua assonância com “ Shine on your crazy diamante ” (1975). “ Alchimia ” é mais ou menos “ O grande show no céu ” (1973) e, deixando de lado os

Pink Floyd , “ And the light was ” tem uma sonoridade tão moderna que nem Cerrone ou Giorgio Moroder poderiam imaginar em 1972. Hoje, no final de setembro de 2011, depois de mais um alvoroço levantado por Maurizio Blatto na revista Itálica , Resolvi ouvir novamente seu amigo Augusto para perguntar se ele tinha certeza daquela data, recebendo uma resposta “ ni ”, seguida de um sábio: “ de qualquer forma, é melhor que eu retire do site ”. Portanto, a verdadeira identidade de Paolo Ferrara permanece sem solução, pelo menos para o escritor , se ele era ou não o cantor popular dos anos 60 ou como muitos se aventuraram, se o seu era apenas um pseudônimo para combinar com as iniciais PF com Pink Floyd . Esta última hipótese, no entanto, pareceria definitivamente um exagero, já que são conhecidos pelo menos outros cinco álbuns de Paolo Ferrara , todos à prova de som e todos ainda sob seu nome: “ Sound ” e “ Moderno ” publicados respectivamente nas revistas “ Canopo ” e “ Etiquetas Nuova Idea ” mas sem data (e que deveriam ter sido lançadas a uma distância muito próxima dada a semelhança das capas) , “ Ritmico ” de 1975 impressa em apenas 300 exemplares pela “ Flower Records ” e por último “ La vita e l”. 'amore " e " L'Uomo and the War " publicados em 1976 para AA de Abramo Allione . Certamente também participou da trilha sonora do filme " Il corsaro nero " (1970, estrelado por Terence Hill ) escrito por Gino Peguri com quem Ferrara assinou . e cantou a única música " Orza aqui, chuva lá " que se tornou o tema principal da trilha sonora , posteriormente publicada pela RCA.



Talvez tenha sido "aquele" Paolo Ferrara quem compôs a música " Amore amor " que Iva Zanicchi trouxe para o ". Disco per l'Estate ” de 1968 e um punhado de 45 para os selos Equipe, Rifi e Variety nesse mesmo período (“ St a te”, “Viva l’estate” e “Nel cuore” ), este não é conhecido por nós. Passando a ouvir “Profundidade ” no entanto, como acontece com todas as bibliotecas de sons , esta também se mostra funcional ao seu tema principal . Aí encontramos atmosferas espaciais, subaquáticas, íntimas e rarefeitas : uma compilação que, como todas as suas congéneres, será parcialmente utilizada para alguns comentários ou ficará para sempre estacionada numa pista secundária à espera da descolagem.

Quanto à sua datação , reiteramos novamente que, além da polêmica sobre o " Pink Floyd ", não acreditamos ser possível que tenha sido publicado em 1972 , nem que seja pela modernidade dos sons que pertencem a pelo menos três anos depois e de fato, talvez até por um período de cinco anos, dada a presença no vinil de um selo Siae de 3º tipo, em uso apenas a partir de 1978 .

Qualquer pessoa com informações adicionais a revelar sobre o álbum em questão é fortemente solicitada a se apresentar.

COLECIONÁVEIS : Embora o inalcançável “Profondità” tenha voltado recentemente à tona, prevendo preços estelares, deve-se admitir que nos últimos três anos nenhum dos outros álbuns originais de Paolo Ferrara jamais ultrapassou os 65 euros, pelo menos até 29 de agosto de 2011, quando uma cópia de “Ritmico” EX/EX foi vendida por 100 euros no Ebay.
Além disso, dos sete LPs citados por Popsike e Ebay, apenas os dois com classificação mais baixa da AA tinham origem italiana. De resto, a maioria dos espécimes veio da Bélgica e de França, onde não é por acaso que a polémica sobre o caso Floyd foi mais intensa.
Um sinal tangível de que na Itália possuímos inteiras heranças musicais e artísticas que todos nos invejam, que deveríamos valorizar, mas que só nós conseguimos esquecer ou jogar fora.
Uma verdadeira vergonha.

Planetarium: Infinity (1971)

 

Durante um certo período, tudo o que se sabia sobre este álbum era que ele era tocado pelo grupo Planetarium , lançado em dezembro de 71 pela Victory de Alfredo Rossi (irmão de Carlo Alberto Rossi , dono da Car Juke Box ) , que foi publicado pela Ariston e foi o único LP pop italiano produzido por esta gravadora.

Na verdade, Victory teve apenas quatro trinta e três voltas em seu catálogo entre 1968 e 1971: duas dos Scooters (o famoso grupo Beat de " La motoritta " e " Le pigne in testa ") , a primeira obra de Simon Luca e, de fato, aquele do Planetário que, segundo rumores, eram músicos famosos, mas ninguém sabia quem eram.
Na verdade, como a formação não foi mostrada em nenhum lado da capa, mas apenas algumas notas genéricas nas oito faixas do álbum, nunca se soube quem eram os verdadeiros intérpretes do álbum. A única certeza é que o único compositor de todas as peças foi A. Ferrari que, segundo a minha interpretação, poderia ter sido Alfredo Ferrari , tecladista histórico dos Scooters .
Isso porque em 1970 os Scooters gravaram pela mesma gravadora do Planetarium , eles haviam se desfeito no ano anterior e três deles, incluindo a Ferrari , continuariam suas carreiras musicais.
Eu estava certo.

Na verdade, hoje sabemos que quem interpretou o misterioso álbum foram Mirko Mazza (guitarra) , Alfredo Ferrari (teclados) e Franco Sorrenti (guitarra solo) dos "Scooters ", e os dois ex- "Miguel " do Ovada, Giampaolo Pesce na bateria e Piero Repetto no baixo.

De qualquer forma, considerando o ano de lançamento, “Infinity” é realmente um álbum bem feito, elegantemente embalado e também produzido com um cuidado surpreendente .
Musicalmente, o álbum é um “ conceito ” em que se traça uma espécie de “ parábola emocional ” do homem “do nascimento ao infinito ” passando por diversas percepções intermediárias.
O trovão que abre o órgão crescendo da primeira música"No início " (que também fecha o álbum) é uma espécie de " big bang " a partir do qual se gera toda uma série de panoramas acústicos, alguns dos quais de grande impacto e modernidade : o nascimento da vida na terra, o da raça a natureza humana, a descoberta do amor, a guerra, até a conquista da lua e do infinito .
O " groove ", ainda imaturo em relação ao Progressivo, pode ser melhor incluído naquela tendência de " insonorização instrumental suave " típica dos primeiros anos. Anos 70: um gênero muito popular que uniu produções como Ping Pong , Blue Phantom , Braens Machine ou Chimenti e que alguns colegas mais exigentes dividiram em " feedback ", " psychoground" e "overground" (?!)
Para dar uma ideia ideia da situação, a segunda música " Life ", pelo menos nos primeiros três minutos, parece o bisneto de " Moments in love " de Art of Noise , enriquecida no entanto por um crescendo instrumental a meio caminho entre Santana e Osanna .
" Man ", dividido em dois andamentos, inicia-se com um delicado arpejo de guitarra clássica ao estilo de " Giochi proibido ", conduzindo gradualmente a um pianismo de grande encanto evocativo que também se mantém no subsequente " Love " e, até aqui, devo admitir que " Infinito" acaba sendo uma obra agradavelmente orgânica.
O lado B é mais dinâmico.
O curta " War " (2'40") alterna sirenes antiaéreas com detonações de guerra em um obsessivo riff de baixo monocórdio que, à distância, assume um aspecto indutor de ansiedade que reflete perfeitamente a intenção da música.
A segunda parte do seguinte " The Moon " (tocado nos moldes do Pop Sinfônico Inglês), e da esplêndida suíte " Infinity " (11 minutos) nos deixam alguns tímidos fragmentos de Prog , razão pela qual este álbum é lembrado e procurado. . “Infinity” em suma, é um disco que surpreende tanto pela modernidade quanto pela aura de mistério dada por não se saber quem foram os criadores de uma joia tão preciosa.mesmo que o mistério tenha sido revelado, sempre lembramos que na hora de seu lançamento

ninguém sabia nada sobre isso. O álbum não teve promoção e permaneceu essencialmente não vendido. Tornou-se imediatamente muito raro e hoje o seu preço ronda os 400 euros.
Resumindo, o álbum fantasma de um grupo que permaneceu fantasma por muito tempo até que Classic Rock e Alessio Marino falaram sobre ele .

Porém, como fantasmas, o “ Planetário ” de 71 logo desapareceu do panorama do pop italiano .

Lúcia Moniz “O Meu Coração Não tem Cor” (1996)

 

A edição de 1996 do Festival da Canção teve lugar a 7 de março no Teatro Politeama, em Lisboa. Os ‘postcards’ de apresentação das canções e as atuações extra-concurso na segunda parte desenharam uma homenagem a grandes nomes e momentos do cinema português. O desfile das canções ficou entregue às vozes de Vânia Maroti, Tó Leal, Patrícia Antunes, Bárbara Reis, Elaisa, Somseis, Cristina Castro Pereira, Pedro Miguéis, João Portugal e Lúcia Moniz, esta última apresentando O Meu Coração Não Tem Cor, canção com música de Pedro Osório e letra de José Fanha.

              Ao vencer o Festival da Canção O Meu Coração Não Tem Cor ganhou um passaporte para representar Portugal no Festival da Eurovisão que, nesse ano, se realizou em Oslo, na Noruega. E aí a presença da canção fez-se notar, terminando a noite com um sexto lugar o que, até 2017, representou a melhor classificação de uma canção portuguesa na Eurovisão. A presença de elementos da música tradicional portuguesa, incluindo um cavaquinho que a própria cantora levava nas mãos para o palco, inscreveu esta canção numa das tendências mais marcantes do que foi a canção eurovisiva dos anos 90. Alargavam-se então as fronteiras do concurso a Leste, mantinham-se as línguas oficias de cada país e expressava-se unidade através das diferenças de identidades de cada um.

              O tema teve apenas uma edição em disco num CD Single promocional que a RTP criou para apresentar a canção em Oslo. Apesar da magnífica classificação obtida, O Meu Coração Não Tem Cor foi a primeira canção portuguesa na Eurovisão a não ter uma edição comercial em single. É um disco difícil de encontrar e, por isso, disputado entre colecionadores.

Frazier Chorus “Cloud 8” (1990)

 

Era uma vez uma banda… diferente. Diferente porque no lugar do quadro “tradicional” da instrumentação em clima pop (guitarras, baixos, baterias, eventualmente os teclados) os Frazier Chorus apresentavam na linha da frente das atenções uma flauta, um clarinete e percussões… Foi pelo menos assim que a história começou, com um single de estreia lançado pela 4AD ainda em finais dos anos 80, chegando a estreia em álbum já no catálogo da Virgin Records, em 1989, com Sue. A alvorada dos anos 90 expôs a música dos Frazier Chorus a um contexto pop visivelmente entusiasmado pelas boas novas que chegavam dos mundos da música de dança e pelas ferramentas que entretanto entravam ao serviço da criação pop.

E assim, contando com a presença do produtot Ian Broudie (figura central dos Lightning Seeds) o segundo álbum dos Frazier Chorus mostrou-nos, em 1991, uma banda reinventada em clima eletrónico, na verdade não muito distante do que então se escutava nuns Beloved, embora sem a mesma carga dançável que marcavam mais insistentemente os ritmos no seu álbum Happiness.

Os primeiros sinais da mudança que se escutariam em Ray chegam, contudo, ainda em 1990 através de singles, um deles este Cloud 8, que sugeria já rumos de reorientação para a música dos Frazier Chorus. A voz suave de Tim Freeman, as arestas polidas e uma produção acolchoada faziam desta canção um perfeito cartão de visita para um álbum que fará 20 anos no próximo dia 4.

Duran Duran “Is There Something I Should Know?” (1983)

 

Em janeiro de 1983 era lançado um primeiro single de uma nova banda. Tinha por título Too Shy, lançava os Kajagoogoo e semanas depois ocupava o primeiro lugar da tabela de singles do Reino Unido e atingia o número 5 nos Estados Unidos. O que havia de particularmente curioso neste episódio de sucesso partia de uma leitura da ficha técnica, mais concretamente entre os produtores. E eles eram nada mais nada menos do que Colin Thurston, que trabalhara nos dois primeiros álbuns dos Duran Duran, e Nick Rhodes, o teclista do grupo. E o que havia de especial era o facto de, apesar de dois anos de sucesso planetário, os Duran Duran não terem ainda somado ao seu currículo um número um no seu país… Através dos Kajagoogoo, e como produtor, Nick Rhodes era assim o primeiro elemento do grupo a fazê-lo.

Por essa altura os Duran Duran olhavam já adiante rumo a um terceiro álbum que imaginavam mais elaborado, complexo e exigente, não deixando, contudo, de nele depositar esperanças de que continuasse a ajudá-los a manter o estatuto entretanto conquistado, senão mesmo a alargá-lo. O disco, que surgiria na reta final do ano com o título Seven and The Ragged Tiger, teria uma génese longa e tão complexa quanto as camadas de acontecimentos sonoros envolvidas em torno de cada canção do seu alinhamento. Mas antes mesmo de o gravarem, entraram em estúdio para criar um momento que servisse como episódio pontual entre o anterior Rio e o novo álbum que assim tinham pela frente.

Chamaram inicialmente a estúdio o produtor Ian Little, e logo nessas sessões ficou clara uma vontade de apostar num novo patamar de perfecionismo. Conta-se, por exemplo, do moroso processo de mistura dos elementos da secção rítmica e de como, mesmo depois do esforço, o teclista Nick Rhodes (talvez então o mais focado nos detalhes do trabalho em estúdio) ter considerado a necessidade de melhorar o trabalho, chamando então Alex Sadkin para sessões adicionais. Do intenso labor emergiu uma canção pop apelativa e luminosa, conquistando assim Is There Something I Should Know? o desejado primeiro número um no Reino Unido.  No lado B surgia o instrumental Faith in This Colour.

O single chegou num tempo de consagração de dois anos de trabalho de intensa criação de canções, de viagens e datas ao vivo pelo mundo (Portugal inclusive) e de uma aposta firme no vídeo como expressão complementar do discurso de comunicação do grupo. Estava na hora de celebrar, sobretudo, estes feitos de música e imagem. E uma vez mais em colaboração com o realizador Russel Mulcahy, criaram um teledisco que tanto apostou na criação de uma nova iconografia como mostrou vontade em revisitar imagens de criações anteriores.

12″ internacional

7″ US