Há 53 anos, em dezembro de 1971, Roberto Carlos lançava o auto-intitulado Roberto Carlos, 11°. álbum de estúdio

Há 53 anos, em dezembro de 1971, Roberto Carlos lançava o auto-intitulado Roberto Carlos, 11°. álbum de estúdio do artista capixaba.

Com produção de Evandro Ribeiro, a obra configura-se como um disco de transição, no qual Roberto Carlos, tendo completado 30 anos, assume cada vez mais sua veia romântica em meio às influências de rock, soul e funk do trabalho. Já consagrado pelo público como o maior ídolo do cancioneiro nacional, Roberto conquista definitivamente o reconhecimento da crítica como um dos maiores criadores (em parceria com Erasmo Carlos) da nossa música com a canção "Detalhes", marco zero de sua consagração como o maior cantor romântico do país e que, ao contrário do convencional destilar de ressentimento e dor-de-cotovelo das canções de desamor, apresenta o eu lírico provocando o objeto de seu sentimento com a lembrança de momentos marcantes da relação que terminou.

Essa faceta do letrista preciso -- uma das muitas no álbum -- se repetirá em "Debaixo Dos Caracóis Dos Seus Cabelos" e "Amada Amante": a primeira foi cantada pelo público nada menos que 21 anos como uma balada romântica, até que em 1992 Caetano Veloso revelou publicamente que Roberto e Erasmo a compuseram para ele quando exilado em Londres; já "Amada Amante", além da letra, revela um Roberto sedutor e ousado para quem o verdadeiro amor faz as sua próprias leis. Além das baladas, a soul music e o funk da fase anterior ainda se acham presentes no arranjo blues de "Como Dois e Dois" (Caetano Veloso), na levada soul-gospel de "Eu Só Tenho Um Caminho" (Getúlio Cortes) e no funk "Todos Estão Surdos".

Roberto Carlos, o álbum, foi lançado pela CBS em 1971 e rapidamente tornou-se um grande sucesso popular, responsável pela consagração de Roberto como maior ídolo romântico da música brasileira -- algo que se manteve até os dias de hoje. Na época de seu lançamento, a crítica do jornal O Estado de S. Paulo havia afirmado que Roberto "pode ser colocado, sem favor, entre os melhores intérpretes da música brasileira", enquanto em 2007 foi considerado pela revista Rolling Stone Brasil como o 28° maior disco brasileiro.

Klotet "Det Har Aldrig Hänt Och Kommer Aldrig Hända Igen" (2010)

 

Se você focar apenas na imagem, este quarteto sueco é tentador de ser classificado como anarquistas punk. Jovens alegres, vestidos de preto, ridicularizando tudo indiscriminadamente... Onde, pergunta-se, está o prog? E principalmente a arte? Mas basta olhar por trás da fachada, lavar a máscara estúpida da farsa e muita coisa será revelada... A lealdade às tradições está no sangue de Klotet . Em primeiro lugar, reverência aos colegas veteranos de Samla Mammas Manna . Lars Hollmer é uma autoridade absoluta para intelectuais escandinavos pouco sérios. Na verdade, isso já ficou claro no trabalho de estreia do conjunto - o disco "En Rak Höger" (2008). Embora a gama de humores parecesse bastante variada, a gama de estilos ainda buscava uniformidade condicional. Desta perspectiva, o disco "Det Har Aldrig Hänt Och Kommer Aldrig Hända Igen" pode ter mais chances de dar a impressão de uma estrutura coerente. Trilhas curtas fluem umas nas outras sem interferência visível. E embora os ingredientes composicionais carreguem a marca da contradição, é impossível não notar o seu carácter apetitoso. Sim, o quarteto de Uppsala conhece perfeitamente o seu negócio. “Para o inferno com o blues!”, dizem os nortistas amantes da vida. “Você pode engasgar com a melancolia sem fim, já que é tão querido para você, não vamos acendê-lo como uma criança!” E aqui está, a celebração da existência. Não muito longo (apenas trinta e sete minutos), mas ensurdecedor.

Para overclock - uma miniatura "Gastronomiska Proportioner". A semente aqui é um conflito típico da cultura do riso: o rigor estético (a atmosfera de um banquete “alto” com um ambiente sonoro apropriado para a ocasião) depois de um tempo é recebido com brincadeiras francas no estilo da palhaçada do rock (olá para Frank Zappa !). Para Klotet , gradações, limites e os conceitos de “luxuoso” e “vulgar” não são essenciais. Sem a menor dúvida, os caras usam refrões pop empolados em versão instrumental, por considerarem as técnicas eficazes. Dessas diversões de “brinquedo” emergem passagens como “Sket Man Väl I”, onde as camadas de órgão vintage de Milvesophia Rydahl são justapostas à caligrafia moderna de David Hallberg (baixo) e Mikal Stürke (bateria), bem como as partes multifacetadas de guitarra de Pel Sandstrom . Groove e drive, juntamente com contornos melodicamente proeminentes, desenvolvem-se de uma maneira muito eficaz (ouça “Dödad av Döden”), especialmente quando heróis arrogantes se comprometem a dissecar elementos do folclore, a fim de preparar a partir deles algo oposto em significado (“Falska Pengar” ). A fusão sombria (“Hjärnsubstans”), graças à intervenção ativa do baterista e do baixista, adquire traços de imprudência, porém, sua raiz infernal não desaparece sem deixar vestígios. Os ataques duros de ataque são filtrados através de uma peneira de retro-progressivo (“Hållplats Hades”), o salto caricatural (“Oj!”) é apresentado quase no espírito de Tonbruket , e a pretensão decadente do pós-punk (“Ekot Från Avgrunden” ) não é tão simples quanto parece. Mesmo enredos dramáticos ("Atomvinter", "Kapten Sjöbjörn"), a mando dos suecos malucos, se transformam em farsas, e coisas deliberadamente paródicas ("Brakander Boogie") atingem o grau extremo de zombaria. A quintessência de uma atração desenfreada é o título da peça de 7 minutos de qualidade cinematográfica, temperada com pausas psicodélicas, monólogos de narração e outros recursos não convencionais.

Resumindo: um panorama sonoro inteligente, irônico e totalmente descontraído, pensado para os amantes do humor musical maluco com o prefixo “prog”.     

MUSICA&SOM

Tudor Lodge "Tudor Lodge" (1971)

 

Alguns comparam sua música à pastoral do décimo primeiro mês da era vitoriana. Outros imaginam cenas requintadas de painéis decorativos com vitrais. Em qualquer caso, a criatividade da Tudor Lodge é inseparável do espírito nobre da “boa e velha Inglaterra”. Isso significa que as referências ao passado menestrel-bardo não podem ser evitadas. No entanto, antes de mergulhar de cabeça no conjunto de músicas, deixe-me dizer algumas palavras diretamente sobre os membros do conjunto.

São três: Lyndon Green (guitarra solo, voz), John Stannard (guitarra base, voz) e Anne Stewart (voz, flauta, guitarra, piano). No início, Tudor Lodge (aliás, o nome foi emprestado de uma cervejaria em Reading) funcionava como uma dupla - Stannard + o guitarrista Roger Strevens . Isso aconteceu em 1968. Tudo estava indo bem para os caras. Mas Roger foi atraído por ex-colegas, prometendo lucros decentes, e John ficou sem nada. É verdade, não por muito tempo. Em janeiro de 1969, conheceu um jovem australiano, Lyndon (grande fã dos Beatles e de Peter, Paul & Mary ). Um ano depois, a formação foi reabastecida com um membro muito significativo - a americana Anne, que chegou a Foggy Albion com a mãe e o padrasto britânico. Quando era estudante do ensino médio, Miss Stewart teve aulas de flauta e até foi membro de algumas bandas de Nova York. No entanto, seu sonho acalentado era cantar na ópera. Os novos conhecidos conseguiram convencer a garota de maneira astuta, após o que os três começaram a administrar ativamente o palco do clube provincial. O que acontece a seguir é como um conto de fadas. Os estreantes foram notados por um empresário da gravadora Vertigo. Assim, o contrato foi cancelado. E já em fevereiro de 1971, Tudor Lodge, sob a supervisão do produtor Terry Brown, estava a todo vapor gravando seu primeiro longa-metragem no estúdio Lansdowne. E então chegou o verão... E um memorável festival folclórico em Cambridge, onde foram aplaudidos por uma multidão de milhares... E um êxtase insano de glória de curta duração... E - dissolução no esquecimento, de onde só existem dois caminhos – para o esquecimento total ou para lendas eternas. Então eles tiveram sorte, afinal...

As 12 faixas do LP são arranjadas nas melhores tradições dos anos setenta, ou seja, com o apoio de intérpretes clássicos. A direção da editora não economizou na atração de quartetos de cordas e sopros, liderados pelo maestro e fagotista/clarinetista Graham Lyons . E isso acabou sendo muito, muito útil. Os motivos ensolarados do Tudor Lodge foram coloridos com tons de câmara e ganharam volume adicional. O baixista Danny Thompson e o baterista Terry Cox (ambos do Pentangle ) também fizeram uma apresentação maravilhosa para a companhia, e na peça "Recollection" Sonny Condell da equipe Tir Na Nog tocou os tim-toms de forma colorida. Se não entrarmos em detalhes, temos diante de nós um ato artístico de estilo folk-rock não muito profundo, mas bastante agradável, temperado com harmonias vocais impecáveis ​​​​e desenhado em um tom instrumental pacificamente harmonioso. Não espere muita progressividade do lançamento, apenas aproveite as passagens líricas comoventes de Tudor Lodge . Eles realmente merecem sua atenção.   

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Aquarelle "Sous Un Arbre" (1978)

 

Na segunda metade dos anos setenta, a província canadense de Quebec experimentou novamente um aumento na popularidade do jazz rock. Para os conjuntos veteranos, isso foi muito benéfico: afinal, poucos dos profissionais que se estabeleceram no cenário local não passaram pelo batismo de fogo do fusion-prog. E os grupos recém-formados tentaram captar com sensibilidade o humor do público. Outra questão é que nem todos conseguiram. A equipe Aquarelle tem sorte nesse aspecto. O líder do septeto instrumental, o jovem compositor e tecladista Pierre Lescaut , preocupou-se em compor um material excepcionalmente forte. E para incorporá-lo, junto com o idealizador (piano, sintetizador, piano elétrico, cravo), os alunos do conservatório de ontem se comprometeram: Pierre Bournaki (violinos elétricos e acústicos), Michel de Lisle (baixo, percussão), Jean-Philippe Gelinez (saxofone, flauta), André Leclerc (bateria, percussão), Stéphane Morency (guitarra) e Anne-Marie Courtemanche (vocalizar). No Montreal Studio Six, onde nossos sete corajosos chegaram no final do outono de 1977, assistentes experientes trabalharam com o violoncelista Mario Giraud e a corista Hélène Martin . Os músicos atuaram com inspiração, mas ao mesmo tempo mantiveram um cálculo sóbrio, demonstrando uma compreensão absoluta dos planos do Maestro Lesko. Daí o resultado digno de elogio.

O número de abertura “La Magie Des Sons” se encaixa perfeitamente na linha de estilo tradicional da escola progressista de Quebec. A combinação de um mastro de câmara com uma pulsação de rocha energeticamente poderosa traz à mente os lendários antecessores do Aquarelle - o magnífico Maneige . No entanto, não se pode deixar de notar o estilo autoral individual de Pierre - uma clara base lírico-dramática, revelada através de partes pianísticas reflexivas, ocasionalmente sombreadas por cordas. Vamos somar às brincadeiras rítmicas acima interessantes com a participação do animado entrechat de saxofone na fase final da faixa. Como resultado, obtemos uma passagem forte, atestando as ambições saudáveis ​​dos estreantes. O encanto lúdico do esboço de "Françoise" é baseado na melodia de flauta cinematograficamente despreocupada e em uma cascata de faíscas virtuosas de jazz voando em todas as direções a partir do conjunto incendiário de teclas + sax. O single "Bridge", com seu poderoso início de metais, é executado no estilo funk da época, o que não anula o toque de inteligência acadêmica. A união do terreno e do celestial, dos sonhos e da realidade é claramente apresentada na peça do título, que é apoiada tanto por leves reviravoltas pastorais de câmara quanto por flashes rochosos curtos e densos. A construção de 8 minutos "Aquarelle" é praticamente um exemplo padrão de arte de fusão, agora praticada pelos japoneses KBB , Fantasmagoria e outros semelhantes. O lugar para aspirações românticas está no contexto da posição “Volupté”. Pois bem, o programa termina com a estonteante excursão funk arco-íris “Espéranto” - não desprovida de graça, mas ainda assim um pouco irritante devido à sua natureza monotemática (no entanto, esta é a opinião pessoal do revisor).

Resumindo: um excelente lançamento, sinceramente recomendado a todos os fãs do jazz-rock progressivo com um toque de câmara.       

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The Flock "The Flock / Dinosaur Swamps" (1969/1970; 2 CD)

 

Um dos pioneiros cronológicos do rock progressivo norte-americano. As raízes do Flock remontam a 1965. Em seguida, os músicos de Chicago Rick Kanoff e Fred Glickstein formaram a dupla de garagem Exclusives . Logo a formação aumentou sensivelmente, o nome do grupo mudou, mas isso teve pouco efeito na essência do que estava acontecendo: os caras continuaram a produzir singles, promovidos periodicamente por rádios locais. Mas, por alguma razão, as gravadoras não tinham pressa em receber jovens promissores. A situação deprimiu enormemente os pais fundadores, e Rick e Fred não sabiam como avançar nas “esferas da mídia de montanha”. Tudo foi decidido por acaso. De repente, descobriu-se que Jerry Goodman, amigo íntimo da banda, era um violinista virtuoso. Depois de pensar um pouco, seus amigos o recrutaram para o time. Um pouco mais tarde, dois tocadores de metais se juntaram. E em 1969, The Flock era assim: Rick Kanoff (vocal, saxofone tenor), Fred Glickstein (guitarra, vocal), Jerry Smith (baixo, vocal), Ron Karpman (bateria), Jerry Goodman (violino, guitarra, vocal) , Tom Webb (saxofone tenor, flauta, gaita), Frank Rosa (trompete). O som original do conjunto atraiu a atenção dos dirigentes da mais antiga (fundada em 1889) gravadora Columbia. E então os meninos começaram sua ascensão às alturas do sucesso...

A estreia sem título do Flock foi uma impressionante vitrine de espetaculares pirotecnias instrumentais, bem como das brilhantes habilidades composicionais dos participantes. A partir da "Introdução" sem palavras, com suas inspiradas passagens de cordas e uma pronunciada base pró-clássica, os fios artísticos se estendem para uma área estilística radicalmente diferente - bluesy brass-rock da marca mais poderosa sob o rótulo "Clown". O pastoralismo sonhador de "I Am the Tall Tree", intercalado com explosões de fusão de bravura, irá sem dúvida agradar aos fãs de números combo originais. Um belo esboço de Ray Davies ( The Kinks ) "Tired of Waiting" nas mãos habilidosas de experimentalistas norte-americanos assume características do cintilante art-funk. "Store Bought - Store Thought" de 7 minutos pega você com riffs de guitarra pesados, multiplicados pela presença total de apoio da seção de metais e digressões líricas na forma de inserções acústicas pseudo-folk e funk rock vigoroso e fascinante. A jam estendida de encerramento, "Truth", é uma ilustração vívida de como construir um épico matador recheado com todos os tipos de coisas a partir de um blues simples e padrão.

O álbum seguinte, "Dinosaur Swamps" (1970), embora tenha sido dado vida pelas mesmas pessoas, do ponto de vista da composição era completamente inferior ao primogênito. Vamos pular a introdução astral de “Green Slice” e abordar as tramas principais. A obra principal "Big Bird" é uma tentativa de combinar country com jazz-rock; não é ruim, mas um pouco chato. "Hornschmeyer's Island" começa com uma plataforma de balada, depois finge ser um segmento de um musical desconhecido e, no final, é totalmente deprimente com um pathos injustificado. "Lighthouse" - um híbrido de fusion-prog com estilo pop-dance à la James Brown , deixa uma sensação de sincera perplexidade; Não está claro o que os autores queriam dizer com isso. A ação subsequente é colorida nos ritmos do brass-funk (“Crabfoot”), ou disfarçada como um conto de fadas neoclássico teatral (“Sereia”), ou mesmo sai completamente dos trilhos sob o molho de uma quase-ópera ácida ( “Sircus uraniano”). 

O resto é natural. O Maestro Goodman aceitou a oferta de John McLaughlin com o coração leve e acabou se tornando famoso como membro da lendária Orquestra Mahavisnu . Com sua saída, The Flock também se desfez . É verdade que em 1973 o trio Glickstein, Karpman, Smith reabilitou a ideia. E o projeto, pelo menos, durou até meados dos anos 2000. Mas essa é uma história completamente diferente...

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Wally "Valley Gardens" [plus 2 bonus tracks] (1975)

 

O álbum de estreia do conjunto britânico Wally não causou barulho. No entanto, graças aos esforços dos produtores - o popular apresentador de TV Bob Harris e o lendário roqueiro artístico Rick Wakeman - recebeu críticas positivas da imprensa. “O som deles é semelhante ao estrangeiro”, lemos na coluna de um crítico do jornal Melody Maker “Algo entre Crosby, Stills, Nash & Young e América com um toque de folk inglês e rock americano de novo estilo <. ..> Definitivamente, o lançamento não é para todos, mas ainda assim vale a pena ouvir.” Bem, foi realmente um bom começo. E, sentindo o entusiasmo inescapável de seus pupilos, o Sr. Harris (tanto quanto seu horário de trabalho permitia) ajudou os rapazes a organizar as composições para o próximo programa. Naquela época, Wakeman estava promovendo intensamente sua carreira solo, então todos os encargos da produção recaíram inteiramente sobre os ombros de Bob. No início de 1975, os integrantes do sexteto, apoiados por vocalistas e instrumentistas convidados, abriram amigavelmente sessões conjuntas no estúdio Morgan, em Londres. E depois de alguns meses, o público em geral pôde apreciar o novo longa-metragem Wally . O interesse pelo álbum foi alimentado pela promoção competente da equipe. Em fevereiro de 1975, os seis apareceram em um programa regional de TV noturno, onde cantaram várias músicas de "Valley Gardens". Assim, o espectador interessado tinha que aguardar o lançamento iminente do disco para adquirir o vinil desejado...  

Quatro peças, incluindo um final épico de 19 minutos. Cada um com sua cara e cor. O ponto de partida é o número do título extremamente atraente. A introdução estendida combina maravilhosamente as harmonias de synth-moog de Nick Glennie-Smith , os loops de guitarra de Paul Middleton e as guitarras elétricas de Roy Webber . Sem exagerar no som sinfônico-prog, Wally, no contexto da mesma obra, produz livremente cosmismos oníricos à la Nektar , após os quais eles ciclicamente (de acordo com o cânone da forma sonata) completam a ação com teclado brilhante e passagens de cordas . Para os amantes de baladas pop românticas, "Nez Percé" é para você, com seus acordes melódicos de piano, a presença do backing vocal da diva afro-americana Madeline Bell e as expressivas passagens de violino de Pete Sage . "The Mood I'm In" brilha com chamadas cristalinas de piano elétrico, acústica gotejante, reflexão lírica do cantor ( Ian Glennie-Smith , irmão de Nick), linhas de slide quentes, a voz lânguida de um saxofone soprano ( Ray Verstein ) e apropriada harmonia rítmica. A colagem em três partes "The Reason Why" demonstra as ambições despertadas dos meninos. É verdade que nunca conseguem livrar-se completamente da influência “transatlântica” (na estrutura da fase “Nolan” isso é sentido de forma extremamente clara), mas neste caso é bastante pertinente. Mas ao incorporar o segmento puramente lúdico “The Charge”, Wally levanta-se abruptamente do chão e até se permite acenos ousados ​​para os camaradas mais velhos do Yes , exibindo casualmente episódios astral-dissonantes. A seção final "Disillusion" tem qualidade mais próxima do Pink Floyd ; Acontece que o violino brincalhão de Sage, com sua essência cativante, derruba o grau de pathos e impede que seus companheiros de tribo voltem o olhar para o lado brilhante da Lua...

Resumindo: um ato artístico sólido, preparado com bom gosto, habilidade, sem pompas e arrogâncias desnecessárias. Eu recomendo. 

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Caetano Veloso - "Caetano Veloso" (1971)

"Esse [disco] é deprimidérrimo. É o primeiro do exílio em Londres e o primeiro disco em que toco violão. Os ingleses me liberaram para o violão. Achavam lindo o meu jeito de tocar e os brasileiros achavam horrível. Se eu não tivesse sido preso e exilado, talvez nunca tocasse violão num disco." 

Caetano Veloso, em 1991

"Um santo francês disse uma vez que é tão perigoso para um escritor experimentar um novo idioma quanto é para um crente experimentar uma nova religião: ele pode perder a alma.Caetano adotou o inglês para as letras deste álbum para converter suas primeiras impressões de viver em um país estrangeiro."

Texto de apresentação na contracapa do disco

Ausência, isolamento, solidão. Exílio. Esta foi a condição de Caetano Veloso ao gravar o álbum de 1971. Em tempos de coronavírus, onde o isolamento nos fez reféns, este álbum nos serve como um bálsamo para abrandar e até compartilhar dos sentimentos de falta, ao menos refletirmos sobre.

“Caetano Veloso”, o álbum, é um disco triste, porém lindo. Muito lindo. E me fez pensar no dito de que “é no desespero que parimos nossas obras mais lindas”. Caetano estava depressivo, ao encararmos sua feição na capa do disco, envolto em um casaco de pele ele nos fere com seu olhar cansado, triste, longínquo.

“A Liitle More Blue”abre o álbum, melancólica, uma carta de saudades do Brasil. O Brasil do “ame-o ou deixe-o”, corrompido por uma falsa promessa de crescimento. Caetano foi vítima do nacionalismo e conservadorismo que, juntos, ceifam o pensamento crítico e a liberdade de expressão. O álbum segue com “London, London”. Linda, uma bela melodia que canta a liberdade numa terra estranha. Porém, não é a casa, não é a Bahia: é o exílio.

“Maria Bethânia”, a terceira música, uma carta para sua irmã que está no Brasil. Aqui Caetano brinca com o diminutivo de Bethânia (Beta) com a palavra em inglês “better”. “Melhorando, Melhorando, Beta, Beta, Bethânia”. No que antecedeu a gravação do disco, Bethânia havia solicitado aos órgãos de repressão brasileiros a possibilidade de Caetano vir ao Brasil para o aniversário de casamento dos pais, o que foi liberado. A música mantém um clima de repente nordestino, que se encaixou perfeitamente na levada samba hipnótica. Sendo que, neste álbum, Caetano tocou violão em todas as músicas a pedido dos produtores ingleses, que adoravam seu estilo de tocar.

“If You Hold A Stone”: Caetano Veloso criou esta música a partir da obra “Nostalgia do Corpo”, de Lygia Clark, realizada na II Bienal da Bahia, em 1968, onde uma pessoa segura uma pedra e outra pessoa faz um abrigo, sem se tocarem. Pode ser bom então tentar resgatar algumas lições deixadas por Lygia Clark: a casa é o corpo, existe cuidado sem contato, é possível exercer o sensível como uma expansão compartilhada da duração e da presença.

“In the Hot Sun of Christhmas Day”, é a história da prisão de Caetano e Gil em 1968, no advento do AI-5. “Asa Branca” fecha o disco, na minha opinião é um lapso do interior nordestino conectado ao cosmos. Caetano universal. Sideral.

Uma curiosidade: no aniversário de 70 anos de Caetano, um esforço foi feito pelas redes sociais para descobrir quem no mundo tinha a edição inglesa deste disco gravado em Londres. Porque a edição brasileira tem um corte em “A Little More Blue” feito pela censura. Caetano fazia uma menção à (atriz argentina) Libertade Lamarque e a censura pensou ser que Caetano estava pedindo liberdade para Lamarca.

Se para preservar a saúde de si e dos outros será necessário mantermos distância, pode ser também propício criar novas formas de contato entre nós – ainda que de longe. Em termos de distância, Caetano Veloso canta sua saudade do Brasil e, obviamente, da Bahia, estando exilado em Londres quando ao lançamento deste disco, que é o meu favorito na discografia dele.

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FAIXAS:

1. "A Little More Blue"

2. "London, London"

3. "Maria Bethânia" 

4. "If You Hold A Stone"

5. "Shoot Me Dead"

6. "In The Hot Sun Ff A Christmas Day" (Gilberto Gil/Caetano Veloso)

7. "Asa Branca" (Luiz Gonzaga/Humberto Teixeira)

Todas as composições de autoria de Caetano Veloso, exceto indicadas