Faixa integra “But Here We Are“, 11º álbum de estúdio da banda, que chegará neste 2 de junho próximo
O Foo Fighters lançará seu tão esperado 11º álbum, “But Here We Are“, em 2 de junho, e a banda de Dave Grohl ofereceu outra prévia do que está por vir com o lançamento de um vídeo alucinante para uma das faixas mais emocionantes do álbum, “The Teacher“.
Dedicado à memória do falecido e muito amado baterista da banda, Taylor Hawkins, e da mãe de Dave Grohl, Virginia, “But Here We Are” é descrito como “um rugido desafiador e emocional diante da perda”
Apresentando letras como “Você me mostrou como respirar, mas nunca me mostrou como dizer adeus“, “The Teacher” é indiscutivelmente o tributo mais emocionante do álbum a Virginia Grohl, e o vídeo da música oferece uma documentação impressionista do musical de seu amado filho. viagem dos centros juvenis da Virgínia e das ruas de Georgetown, Washington DC até os palcos dos maiores festivais de música do mundo.
O Foo Fighters já compartilhou vídeos para “Rescued“, “Under You” e “Show Me How“, que apresenta Violet Grohl. Eles também lançaram a nova música “Nothing At All” em seu primeiro show desde a morte de Taylor Hawkins, no Bank of New Hampshire Pavilion em Gilford, NH na semana passada, 24 de maio.
17º álbum de estúdio do músico chegou no dia 30 de maio de 1983
Poucos artistas musicais de qualquer época tiveram o tipo de passagem que Elton John teve de 1970 a 1975. As coisas pareciam parar, no entanto, depois de “Blue Moves“, de 1976, um álbum duplo sombrio que foi criticado pela crítica, comercialmente decepcionante e que enviou John em um período de silêncio.
Quando ele surgiu, seu parceiro de composição Bernie Taupin não estava em lugar nenhum, e os membros robustos de sua banda também haviam saído para outras oportunidades. “Saí da estrada em 1976 e não fiz absolutamente nada que tivesse a ver com música“, disse John a Mal Reding em 1983. “Durante dois anos não fiz nada, porque não queria. já tinha o suficiente.“.
Ele voltou ao estúdio em 1978 para gravar um single autônomo chamado “Ego“, depois um álbum, “A Single Man“. Isso deu início a um período de cinco anos de vendas decepcionantes e desempenho nas paradas, durante o qual John escreveu e tocou com vários parceiros musicais diferentes, antes de gradualmente trazer de volta Taupin (“21, 33“, de 1980) e dois membros de sua banda (que tocaram na maior parte do “The Fox“, de 1981).
Em 1983, ele estava pronto para colocar tudo de volta no lugar, reunir Taupin e a formação clássica da Elton John Band (com o baterista Nigel Olsson, o baixista Dee Murray e o guitarrista Davey Johnstone) no AIR Studios do produtor dos Beatles, George Martin, em Montserrat.
Taupin explicou em 1989:
“Nós dois sabíamos que queríamos trabalhar juntos novamente, mas tivemos que esperar até que tudo se encaixasse. Sabíamos que quando chegasse a hora certa, simplesmente aconteceria. nossas carreiras, não pressionamos. Apenas permitimos que o tempo passe até que as coisas se encaixem, e foi assim que aconteceu.“
Na verdade, houve alguma pressão sobre o grupo reunido: a pressão do tempo, exacerbada pelo atraso de seu líder.
John:
“Cheguei a Montserrat com uma semana de atraso. Todo mundo estava sentado lá, tamborilando, [enquanto] eu ficava para assistir alguns jogos [de futebol]. E quando cheguei lá, a pressão era boa, porque eu realmente tinha que escrever e gravar exatamente como antes, tipo com o álbum “Elton John” e o álbum “Tumbleweed Connection”. Em outras palavras, tivemos duas semanas para fazer o álbum e fizemos. Essa parece ser a maneira como eu prospero e trabalho melhor.“
Talvez como resultado de ter que escrever e gravar rapidamente, John abraçou totalmente a tecnologia atual pela primeira vez.
“Todas as canções foram escritas em sintetizador”, disse ele a Paul Gambaccini em 1984. “Meu maior problema tem sido escrever canções de rock ‘n’ roll; não sou muito bom nisso, porque se você é um pianista, é um conceito totalmente diferente [comparado a] tocar guitarra. É muito difícil escrever canções de três acordes em um piano.
Então eu pego esse sintetizador, que soa como uma guitarra em algumas partes, e posso escrever músicas de três acordes de repente.“
O álbum resultante, “Too Low for Zero“, tinha muito desse material acelerado, o mais ressonante dos quais foi o primeiro single do álbum nos Estados Unidos:
‘I’m Still Standing’ soou como o cartão de visita de todo o álbum. A letra era sobre uma das ex-namoradas de Bernie, mas também achei que funcionou como uma mensagem para minha nova gravadora americana – que, francamente, estava se tornando um pé no saco terrível.“
A Geffen Records ficou desapontada com as vendas dos dois álbuns anteriores de John (“The Fox” e “Jump Up“, de 1982!) E foi muito aberta com o artista sobre essa decepção.
“Não gostei da aparência de nada disso e pensei que ‘I’m Still Standing’ soava como um tiro de advertência em seus arcos. Foi um grande, arrogante e confiante foda-se de uma canção.“
Menos dedo do meio foi “I Guess That’s Why They Call It the Blues“, uma grande balada cuja música foi confiada a Johnstone.
“[John] me mostrou a letra [de Taupin] e eu disse, ‘Oh, que letra linda’. Nós escrevemos a música ali mesmo em cerca de 20 minutos. Ele disse: ‘É isso. Vamos gravá-la.’ No dia seguinte, acho que convidamos toda a banda para a sala. Tocamos a música para eles e começamos a gravá-la e foi isso. Quer dizer, quando você começa com uma letra dessas, já está no meio do caminho.“
A música também apresenta um solo de gaita de Stevie Wonder, que deu sua contribuição durante as sessões de overdub em Hollywood. Inicialmente, John e o produtor Chris Thomas debateram se o instrumento era o certo para usar no solo.
“Chris viu um solo de gaita naquela música, o que eu não vi. De jeito nenhum. Achei que ele devia estar brincando. E então, quando o deixei para continuar com isso … eu disse: ‘Não gosto de um solo de gaita. [Talvez] um solo de sax ou algo assim.’ [Mas] ele estava absolutamente certo e pediu a Stevie para fazer isso. … Ele fez isso de maneira brilhante e funcionou.“
“Too Low for Zero” também contou com contribuições de outros colaboradores anteriores de John. James Newton Howard tocava sintetizadores e outros teclados com John desde “Rock of the Westies” de 1975, e voltou para arranjar e reger a seção de cordas para o encerramento do álbum “One More Arrow“. A harpista Skaila Kanga, que havia tocado em “Elton John e Tumbleweed Connection” desde 1970, voltou para “Cold as Christmas“. Ela foi acompanhada pela vocalista de longa data de John, Kiki Dee, que fez um dueto de sucesso com John com “Don’t Go Breaking My Heart“.
Lançado em 30 de maio de 1983, “Too Low for Zero” alcançou a 25ª posição na parada de álbuns da Billboard 200 e foi certificado como platina pelas vendas – o primeiro para John desde “A Single Man” em 1978. John diz que sabia que “Too Low for Zero” ser um sucesso, tanto que ele estava disposto a apostar seu sustento nisso.
“Eu disse ao meu gerente: ‘Se isso não acontecer, vou desistir e me tornar um verdureiro’. Significou muito para mim, porque achei as músicas fortes e [havia] um ímpeto lá … entrando com a banda.“
Antes de mais nada, dizer que este álbum do Jane's Addiction ainda é grande parte da personalidade de seu vocalista e líder Perry Farrell, que sempre amou expor sua vida em cartas, e claros exemplos disso são registrados, noites de boemia, junkie aventuras, a matéria espiritual e muito sexo recolhido em toda a sua essência, o claro ritual do que lhe era habitual, sobretudo naqueles anos de loucura.
É um disco disperso, mas que apaixona como um todo, tem essa parte lúdica, riffs, rock das primeiras faixas e tem aquele fator meio onírico, nostálgico, romântico e certeiro que compõem as baladas e o tipo da trilogia final.
Era a inauguração da banda, que já havia deixado muitas coisas interessantes em evidência com a ótima “Nothing Shocking” de 1988, mas aqui havia uma solidez que partia da arte, das intros bizarras e de uma potência nas guitarras cortesia do soberbo Dave Navarro que iam carimbá-lo como uma clara referência do rock alternativo dos anos 90, e aliás deixar o mainstream notar a capacidade furiosa de seu estilo de interpretar o grande guitarrista.
Talvez o melhor de fazer esse tipo de especial seja esclarecer dúvidas eternas como de onde diabos saiu aquela introdução em espanhol " senhores e senhoras/nós temos mais influência sobre seus filhos do que vocês/mas nós os amamos... criamos e irrigado por Los Angeles: Juana's Addiction!” algo que soa incompreensivelmente legal e ainda não está totalmente claro, mas podemos decifrar que as primeiras linhas aparecem no álbum no poema "To the Mosquitoes" escrito por Farrell, talvez essa introdução tenha conquistado corações latinos apesar de sua péssima tradução e pronúncia, um curioso prelúdio de uma bomba para quebrar o recorde.
Há um desejo ritualístico no álbum, a mística de Farrell imposta e cercada de acenos a entes queridos, como Xiola Bleu, sua amiga heroína que morreu de overdose na música "... Then She Did", e sua mãe que morreu por suicídio quando Perry I era muito jovem. A razão das imagens da Santeria em torno deste trio sexual também explicam e revelam aquela que é claramente a composição mais complexa e genial deste álbum: «Three Days», onde Farrell narra muito bem o seu interminável fim de semana de sexo e drogas. , que realmente aconteceu, acentuado com viagens intermináveis em uma música progressiva, longa e estranha, que se encarnou como um gênio da banda para sempre.
É preciso dizer que a formação foi entendida como luxuosa, o baixo predominante de Eric Avery não foi ofuscado pelas tremendas guitarras de Navarro, nem a furiosa bateria de Stephen Perkins, tudo temperado na medida certa. No superhit "Been Caught Stealing" pode ser exemplificado plenamente, uma música bacana, bilheteria, funky e muito bem montada ao mesmo tempo, linhas de baixo temíveis. Além de ser uma ode ao roubo das formigas, de como pode ser adrenalina roubar qualquer besteira no supermercado.
Tem “Obvious” e “Ain’t no Right” que encarnam o melhor JA que poderíamos ter tido historicamente: inteligente, solto e descomprometido com o mundo, acenos ao reggae em ambos para plantar uma marcha que faz explodir, principalmente no em segundo lugar, pois O resto pode ser canções de peso do funk rock de primeira linha, mas o espírito hippie está em toda parte. Era um lado diferente dos americanos, e também diferente de tudo o que se ouvia até então.
Não tem um tema mau, cada uma das suas músicas apresenta coisas interessantes, foi claramente o álbum que trouxe a banda para o mainstream e que de alguma forma influenciou tudo o que os Red Hot iriam desenvolver nos anos 90 (é uma coisa para ouvir o grande "One Hot Minute" onde o próprio Navarro participou) e dar-lhes esse crédito é quase tão valioso quanto o fato de que mais de 20 anos se passaram e estamos tão emocionados quanto no primeiro dia em que o ouvimos.
Foi nos adoráveis anos 90 que Los Tres lançou seu álbum de maior sucesso até hoje. «A espada e o muro», exatamente em 1995, um ano em que muitas coisas aconteceram musicalmente, tanto no Chile como no resto do planeta. Enquanto o mundo inteiro se comovia com o suicídio de Kurt Cobain e os golpes da era grunge, aqui no Chile se eclodia um movimento que sem dúvida marcou a substituição geracional de todo um som e da identidade sonora nacional, como se tivesse caído por completo. .que os anos de ditadura militar e censura artística teriam a explosão de onda que a música no Chile merecia.
Houve coisas importantes na questão da radiodifusão: a estação Mapocho e Balmaceda 1215 tiveram um papel fundamental, ou a aparição mais que oportuna da rádio Rock & Pop que acolheu um número infindável de bandas como La Pozze Latina, Chancho en Piedra, Los Boobs e os protagonistas deste álbum, muito claramente, e por esses anos já sabíamos que o terceiro álbum viria a proclamá-los como A grande banda de rock nacional, e assim foi. As aparições na MTV, os bons amigos de pessoas como Café Tacuba e Fito Páez e o reconhecimento em toda a América Latina, não só nos fizeram perceber que era um ótimo álbum para ouvir, mas também nos deixaram orgulhosos como país, e até mesmo mais ainda, considerando que Los Tres sempre tiveram a raiz crioula, a guachaca, muito latente em suas composições.
Foram muitos hits, um álbum bem diversificado também, onde boleros, jazz rock fusion e até punk puderam coexistir em perfeita sincronia, o cover de Buddy Richard mais uma vez marcou o interesse da banda pela cultura pop nacional, uma tremenda, riffera, versão estridente, que foi a grande e surpreendente carta de apresentação de "A espada e a parede"
Mas foi uma pitada do talento em abundância que surgiu neste álbum, onde o seu próprio brilhou mais do que nunca, “Let yourself fall” e a ambiguidade da sua letra é um mistério até hoje, uma balada que penetra nos ossos, sem dúvida associada com a morte e que ficou ainda mais embebido nela quando apareceu seu triste vídeo. Ouvi-lo depois que um ente querido foi perdido pode ter um efeito muito chocante. Aquela entrada improvisada com as guitarras e o Álvaro cantando para abrir o disco foi simplesmente genial. Um trunfo, um dos vídeos mais rodados da MTV na época, aliás, uma joia de música. 'Tirate', outra demonstração deprimente de talento e abertura para outros espectros não tão populares para o público jovem que naqueles anos abraçava coisas de Pearl Jam e Alice in Chains, mas não, isso era algo próprio, diferente,
Henríquez mais do que nunca neste disco formou-se poeta, era incrível como dificultava a todos os amantes da música e jornalistas musicais que apertavam a cabeça tentando decifrar suas letras. Ele era o nosso próprio Cerati e também sempre teve aquele fator sombrio e sombrio, o dos trocadilhos, mas com uma coisa um tanto macabra escondida no meio. Existencialismo e loucura, situações à beira, caos.
Tem temas mais previsíveis que de tanto ouvi-los e cantá-los nos fizeram aprender a letra de cor, 'Hojas de té' virou um hino reivindicando a mosca crioula, com essa coisa de blues com slide guitar do grande Angelito Parra, uma parte essencial junto ao sólido Titae para que todo esse conceito fluísse naturalmente. O Funky teve grande presença em temas como 'Dos en uno' ou o mesmo 'La espada y la pared', este último com nuances country, um maravilhoso break de guitarra acústica e onde mais uma vez Henríquez brilha com as suas letras
A onírica e pseudo-romântica 'Moizefala' separa-se um pouco das demais, move-se com muita suavidade, chega em bom momento ao disco, enquanto 'Te desheredo' é mais uma vez daquelas que dilacera, os versos dolorosos de Henríquez só consegue chegar melhor tão fundo com a estrutura melancólica, e aqueles momentos épicos, aqueles da parte de "Vou fazer uma viagem pelo inferno", onde ele sonda a tua alma enchendo-a de escuridão, numa canção que mais uma vez mostra como o bolero foi um estilo que ele se apropriou do quarteto com tanta maestria.
No final das contas, as capas não são raras, além do já citado Buddy Richard, fica claro o tributo ao Velvet Underground, “All Tomorrow Parties”, quase como um sinal de agradecimento àquelas incursões teatrais que fizeram muitos olhares prestarem atenção. a banda, quando Henríquez interpretou músicas para o trabalho dedicado ao artista por trás da banda de Lou Reed, o grande Andy Warhol e uma marca constante na música de Los Tres desde seu início.
É sem dúvida o maior sucesso, muitos singles, Los Tres sempre continuaram inovando e por mais que esse álbum tenha sido ótimo, não é para muitos sua grande obra prima, "Fome" para muitos foi, tem até gente que prefere o debut . Em suma, o que está claro é que este álbum não só marcou um marco na carreira dos penquistas, mas também em toda a história do rock chileno.
Era uma vez uma espinha de peixe, tão afiada que deu cérebro a um macaco e acreditava-se ser o centro do universo, isso mesmo, não é uma história de Lewis Carroll, é Fishbone e seu grande álbum «Give a Monkey Brain e He 'll Swear He's the Center of the Universe', que, além disso, deve ser um dos álbuns mais bizarros e com nomes mais longos da história do rock.
Corria o ano de 1993 e a Fishbone lançou um dos seus melhores discos, a febre do rock alternativo dos anos 90 estava em voga e a Fishbone não ficou muito atrás, muito pelo contrário, atacaram com um álbum cheio de rock e funk metal, talvez um pouco longe de seus parâmetros normais de funk e ska, mas muito superados por cortes mais rock e progressivo, canções como 'Swim', 'Servitude', 'Black Flowers', 'Warmth of Your Breath' e 'Drunk Skitzo' (esta última uma esquizofrênica e bêbado como o próprio nome diz, bizarro, eclético e muito notável) destacam a tendência do rock alternativo da época, também misturado com músicas muito Fishbones com muitos sopros como 'Properties of Propaganda', excelente funk dos anos setenta de George Clinton e onde o baixista John Norwood Fisher brilha com perfeição,e também 'Lemon Meringue' (bom funkeke), 'They All Have Abandoned Their Hopes' alimentada por um reggae/dub mostrando que influências musicais e misturas de estilos é uma grande virtude desses caras.
Porém, nem tudo está ótimo, já que foi o último grande álbum do Fishbone, já que sua formação original se desfez após esse grande álbum, seu guitarrista e compositor mais fervoroso Kendall Jones deixou a banda por problemas psicológicos ou saiu por justa causa. cara estava pirando, e o tecladista Christopher Dowd também estaria saindo, deixando um vazio enorme para o grupo.
É um disco divertido acima de tudo, um disco que surpreende pelo seu grunge, tem algumas power ballads chocantes e o ritmo, a onda, o sangue negro a correr por todos os seus circuitos. Fishbone subiu ao patamar de grandes nomes do rock do momento como Alice in Chains, Faith No More e Jane's Addiction e não abandonou radicalmente toda a sua potência ska, reggae, jazz e a fusão de tudo que ele cataloga hoje como sua grande obra professor.
Gold Standard Laboratories/Universal/Strummer, 2005
Se estamos a falar de discos "teimosos", Frances the Mute deverá ocupar lugares bastante avançados na história da música, e não estamos a falar apenas da novela sórdida e macabra em que se insere, mas também pela sua música que mergulha em labirintos nunca antes justapostos, onde rock clássico, fusão experimental, ritmos progressivos e latinos abrigam uma das obras mais celebradas dos gênios de El Paso, Texas.
Não é possível comentar este álbum sem aprofundar nem um pouco no seu conceito, a verdade é que esta história não tem finais explicáveis, o mistério que a envolve é tal que não se sabe o quão verdadeiro há na história por detrás deste livro, inspirado no diário de vida de um personagem totalmente estranho e macabro como Cygnus, que era um assassino com um passado terrível (sua mãe que ele nunca conheceu foi estuprada e assassinada), prostituta, drogado e portador de AIDS que decidiu espalhar sua doença a um número infindável de pessoas, vítimas que se contam na história. Esse fato por si só dá margem a uma análise conscienciosa, mas aqui o que também importa em linhas gerais é a música.
O álbum de alguma forma presta homenagem a Jeremy Ward, o engenheiro e músico que morreu de overdose de heroína na turnê "Deloused in the Comatorium", que trabalhava para uma empresa como restaurador de carros e encontrou este estranho diário de vida no fundo de um veículo com essas histórias e resolveu fazer algo com ele até falecer, foi aí que surgiu a adaptação de Cedric Bixler-Zavala, que é inspirada nos personagens, cada tema levando o nome de um desses descendentes do mal, onde estupros, assassinatos e traições estão envolvidos.
O rock acústico zeppeliano dá-nos o primeiro indício das influências icónicas que se juntam a esta fusão inédita, que, mais a loucura de um espanhol mal falado como de propósito, e as notas a mil por minuto influenciadas por coisas como Frank Zappa ou King Crimson, já nos dá o padrão de uma joia que não chega a combinar com ninguém, pois tem uma identidade matemática e um jeito visceral de soar novo. Isso é 'Cygnus', apenas a abertura e a introdução do personagem principal falando na primeira pessoa.
No entanto, este álbum tem uma das poucas canções de "ouvido" que os Volta têm historicamente, um blues primoroso temperado por noise, psicodelia e arranjos marcantes, neste ponto a guitarra de Omar Rodriguez-López deslumbrou pelo fato de já dominar tanto música em sua cabeça, que ele poderia tocar o estilo que foi colocado diante dele e fazê-lo com maestria. 'A Viúva' é a sórdida história de uma mulher que quer se 'suicidar' ao se infectar com a AIDS do protagonista desta história após ficar submersa em depressão devido à morte de seu companheiro (não está claro se ela é homossexual ou se o gênero for homem ou mulher), ficando presos no enigma do disco.
São canções avassaladoras e devastadoras, quando se trata de outra das personagens principais 'L'Via L' Viaquez' (a suposta tia de Cygnus e que testemunhou o estupro de Frances), as guitarras de Rodríguez-López e John Frusciante explodem de repente e exalam intensidade, como se emaranhado com o macabro por trás das histórias. Essa tia, apesar de contar a ela sobre sua presença no estupro, esconde informações relevantes para chegar aos assassinos por medo dos Corujas ('As Corujas) que aparentemente ameaçaram matá-la. (“Sem olhos você quer me dar uma história sem minha mãe”), como Bixler-Zavala canta em espanhol. São mais de dez minutos de loucura que chegam a um aglomerado de percussões latinas ao estilo Santana que o vão deixar sem palavras.
E sim, este é o álbum de The Mars Volta que vem para reivindicar suas raízes latinas, as histórias dos acontecimentos e assassinatos se movem geograficamente por Porto Rico (país natal de Omar Rodriguez-López) e Ciudad Juárez, México. Quando se trata de 'Miranda aquele fantasma simplesmente não é mais santo', por exemplo, que é quando Cygnus descobre sua avó em busca da verdade sobre o desfecho brutal de sua mãe; Miranda, retratado como um “fantasma” e com sons atmosféricos assustadores e bastante misteriosos em sua entrada, então se volta para um progressivo, revelando linhas de baixo clássicas (sim, soa como um King Crimson estilizado dos anos 2000 novamente). Por aqui e sobretudo no crepúsculo do disco é onde surge o mais vanguardista, o matematicamente insano, este disco veio com um número infindável de músicos para o seu fim senão, As incursões de Juan Alderete no baixo foram muito importantes. Flea reaparece desta vez com o trompete em “The Widow” e uma equipa bastante numerosa participou nos violinos e nas percussões latinas, The Mars Volta soube obter enormes conselhos a este respeito.
O final da trama é o mais complicado, onde aparece Cassandra, uma suposta irmã gêmea de Cygnus que vem tentar encaixar a peça que faltava no quebra-cabeça para chegar na verdade, mas não, não se revela muita coisa, deixando você realmente intrigado. sobre o fim da história. De qualquer forma, houve várias interpretações, como a de que é o alter-ego de sua avó Miranda ou a parte mais distorcida que o próprio Cygnus se torna. A verdade é que a música fecha um álbum à altura das circunstâncias, com subdivisões que vão da psicodelia clássica ao indie rock e uma fúria e complexidade que podem até soar como momentos do mais genial Tool em “Aenima”. Sua poesia perturbadora e o surrealismo de suas letras é o que há de mais complexo para conseguir chegar a uma conclusão saudável para toda essa história, para dizer a verdade.
O disco deixa-nos muito, algo mais que história, isso é o melhor de tudo, um disco que podemos ir ouvindo ao longo dos anos e do qual podemos descobrir cada vez mais coisas. O Mars Volta insistiu na complexidade a níveis avassaladores a partir de então e antes de sua estréia eles contaram outra história conceitual dos poucos vistos, mas não há dúvida de que Frances the Mute é único.
Canto da Boca encerra uma das mais frutíferas trilogias da canção nacional e permitiu a Sérgio Godinho desbravar caminho para uma nova fase da sua carreira.
Há um refrão em Canto da Boca que oiço em repeat uma e outra vez para as delícias da minha cachopa. Sérgio Godinho canta uma métrica que mais ninguém conseguiria cumprir – como é seu apanágio – e a resposta vem de um coro feminino que lhe responde: “Sei lá”, ”Sei lá, sei lá” e “Ahahah”. A canção é “Caramba” e apesar da sua enorme qualidade perde-se no alinhamento estonteante que constitui esta obra.
Canto da Boca, editado em 1981, é o final de uma trilogia de discos excepcionais e marca aquilo que podemos apelidar de uma terceira fase godinheira. A primeira fase engloba os discos à guitarra Os Sobreviventes e Pré-Histórias. Da segunda brotaram À Queima-Roupa e De Pequenino Se Torce o Destino, os discos de refluxo da ditadura. Mas esta terceira fase, que começa com Pano-cru, marca um distanciamento do antigo Sérgio. As músicas de cariz político vão à vida delas, entrando em primeiro plano as canções das emoções, que nos mostram um país em mudança sem nunca fugir da tradição e um conjunto de personagens cativantes. São as canções de amor, de interrogação e de vidas, que não tornam difícil não traçar um paralelo entre o percurso escolhido pelo miúdo imberbe do Porto e aquele que Bob Dylan traçou para si do outro lado do Atlântico.
Falemos então de Canto da Boca aquele que, a par de Os Sobreviventes, é o melhor disco de Sérgio Godinho. O álbum de 1981 arranca com um motivo de piano tocado por João Paulo Esteves da Silva – um dos maiores tesouros da música portuguesa – ao qual se junta o resto da banda que conta com um compasso quaternário bem marcado pela bateria e repleto de fills sublimes de António José Martins (também ele uma relíquia). Dizer que “Antes o Poço da Morte” marca o nível do disco é redutor. Apesar de estabelecer logo ao início uma bitola bastante alta, é uma das canções mais fracas deste álbum, o que só abona a favor do sétimo volume gravado por Godinho.
Com uma excelente banda a acompanhá-lo, incluindo Lia Gama e Shila (a então mulher de Sérgio Godinho) nos coros, ou Pedro Caldeira Cabral na flauta, Canto da Boca quase parece uma colectânea das melhores canções da carreira do músico. E não estamos a falar de um daqueles best of ranhosos que trazem uma boa canção e depois restos de catálogo sem qualquer qualidade ou interesse. Aqui é tudo (ou quase tudo) material de primeira linha.
“Já Joguei ao Boxe, Já Toquei Bateria” é uma canção de fincar o pé e não permitir que outros decidam o nosso próprio destino e tem um belo solo de piano de João Paulo Esteves da Silva. “O Porto Aqui Tão Perto” traz-nos um ensaio à moda tradicional, que vai buscar tantas influências a José Mário Branco como a Fausto Bordalo Dias. “Eu Contigo” tem um tom algo infantil, mas certeiro. Já “O Rei Vai Nú” é uma canção nada original no cancioneiro godinheiro, mas mesmo assim inesquecível e que soa às canções que Chico Buarque faria se tivesse nascido a norte do Douro e não em Catete.
A canção mais conhecida do disco é “Com um Brilhozinho Nos Olhos” e é, claramente, a canção com mais potencial comercial devido ao seu refrão repetitivo, soalheiro e certeiro (“Hoje soube-me a tanto, portanto/ Hoje soube-me a pouco”). É uma canção que remete para amizades duradouras e que levam amigos a abraçarem-se depois de muito tempo sem se verem por um deles estar (sei lá) na Suécia ou noutro país longínquo.
E se a sexta-feira ficou indissociável dos Cure, os sábados de porrada do Elton John, a terça-feira merecia ser conhecida em português como “o dia do Sérgio Godinho” pela autoria da lindíssima “É Terça-Feira”. Uma canção sobre uma outra Etelvina que ganha a vida na feira da Ladra e que nos faz apaixonar por ela enquanto desce a “escada quatro a quatro”, esperando sempre pela quarta-feira, onde tudo será melhor.
De destacar ainda duas canções das quais gosto particularmente: “Espalhem a Notícia” e “Sempre Foi Assim”. Embora muitos olhem para a primeira como uma canção sobre o nascimento de um filho devido aos versos “Sãos e salvos, felizmente/ E como o riso vem ao ventre / Assim veio de repente / Uma criança”, não a consigo dissociar de uma das canções mais sensuais que a música portuguesa já deu à luz. A forma como Godinho declama “eu fui ao fim do mundo / Eu vou ao fundo do mim / Vou ao fundo do mar / No corpo de uma mulher bonita” não deixa de me arrepiar os pêlos dos braços e da nuca, colocando-me com um sorriso parvo e infantil de quem vê uma mulher nua.
Por fim, “Sempre Foi Assim” é a verdadeira canção de paternidade deste disco. Além de empregar uma das expressões mais engraçadas que conheço para se referir a cachopos franzinos (“meu dez-reizinhos de gente”), sintetiza aquilo que me mostraram empiricamente ser a melhor forma de educar: dar as armas para nos podermos lançar ao mundo e trilhar o nosso caminho sozinhos, mas sempre com um apoio nas nossas costas. Canto da Boca encerra uma das mais frutíferas trilogias da canção nacional e permitiu a Sérgio Godinho desbravar caminho para uma nova fase da sua carreira, mas isso já é uma história de outras Coincidências.
A ideia era fazer de Coincidências um disco de parcerias luso-brasileiras. Acabou por não ser exatamente assim, mas isso pouco importa, quando passados quase trinta anos, continua a ser um disco de referência na carreira de Sérgio Godinho.
Coincidências pretendia ser um grande abraço transatlântico, uma aproximação definitiva ao país irmão. Só que, por vezes, a intenção de quem abraça não se cumpre inteiramente em quem se pretende ver abraçado. Ou, dito maneira mais direta, o longo oceano que existe entre Portugal e Brasil segue ditando, desde há muito, marés que mais separam do que unem esses dois territórios culturais. E as ondas, essas tendem a ser de lá para cá, em quase sentido único. É difícil chegar a esse grande país continental, e são raros os casos em que essa aproximação resultou, de facto. O álbum Coincidências é mais uma história (algo frustrada, diga-se) dessa nobre tentativa.
Havia, depois da boa aceitação do Canto da Boca, uma grande vontade de se fazer um disco de parcerias com músicos brasileiros. A editora PolyGram e o músico portuense estavam definitivamente para aí virados, mas esse desejo cumpriu-se apenas parcialmente. Milton Nascimento, João Bosco, Novelli, Chico Buarque e Ivan Lins foram os que disseram sim e marcaram presença, mas as desejadas participações de Caetano Veloso e Paulinho da Viola, por exemplo, acabaram por ser apenas ideias não concretizadas. Mesmo assim, de todos os irmãos de sotaque que entraram no álbum, só Ivan Lins registou nele a sua presença vocal, vindo a Lisboa de propósito para gravar. A ideia original pressupunha, essencialmente, letras feitas por esses craques da música popular brasileira, cabendo ao nosso Sérgio a feitura da música. Curiosamente, com Chico Buarque a coisa resultou ao contrário. No entanto, dessa sopa de letras alheias e de melodias próprias, resultaram alguns excelentes temas, como “A Barca dos Amantes” (que mais tarde acabou por ser título de um álbum ao vivo do próprio Milton), “Que Há-de Ser de Nós?” (a tal com participação do autor de “Começar de Novo”, eterno tema de Ivan Lins) e, naturalmente, “Um Tempo que Passou”, a canção com letra de Chico Buarque. Como teriam ficado os temas de Milton e Chico com as suas próprias vozes? Nunca saberemos, mas suspeitamos que muito bem. Pena não ter acontecido.
Das composições de safra inteiramente lusa, há também muito bons momentos em Coincidências. Sérgio Godinho continuava a fazer pérolas afinadíssimas com o seu passado de excelência. Exemplos? Estas, pois claro: “Tantas Vezes Fui à Guerra” e “Não Te Deixes Assim Vestir” (ambas na vertente mais popular que Godinho tantas vezes contemplou na sua obra, especialmente a primeira, que lembra o Fausto do tempo de Por Este Rio Acima, disco saído um ano antes), as elegantes e sóbrias Coisas do Amor I e II (duas letras para uma mesma canção – “As Certezas do Mau Mais Brilhante Amor” e “Não Vás Contar que Mudei a Fechadura”), mas sobretudo “As Horas Extraordinárias”, momento de inequívoca e sublime inspiração. O álbum, aliás, abre com uma espécie de vinheta de quase um minuto de duração deste mesmo tema, apenas com o lindíssimo som do piano de João Paulo, terminando igualmente com a mesma canção, aí já com múltiplos instrumentos e voz. Por falar em voz, em Coincidências o canto de Sérgio Godinho está mais bonito e conseguido do que alguma vez havia estado. É sempre essa a impressão que nos fica a cada audição do álbum.
Por tudo isto, olhar agora para Coincidências faz-nos perceber duas coisas: se é verdade que a intenção inicial do álbum não terá vingado da forma pretendida, por outro lado o disco é um dos mais conseguidos trabalhos de Sérgio Godinho. Letras de excelência, bonitas e eternas melodias, a voz afinadíssima, o que mais se poderá desejar? Mesmo havendo coincidências que não coincidiram como se desejava inicialmente, o álbum aí está, perdurando de forma viva e resplandecente, e com lugar cativo na eternidade dos nossos pequenos-grandes prazeres.
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