Allekirjoittaneen valinnat vuoden 2022 parhaiksi levyiksi sijoituksilla 1-10.
1. Mary Halvorson: Amaryllis (US) *****
2. Black Midi: Hellfire (UK) ****½
3. Mary Halvorson : Belladonna (US) ****½
4. Magma: Kãrtëhl (FR) ****
5. Ilkka Arola Sound Tagine: Blue & Golden (FI) ****
6. 5uu’s : The Quiet in Your Bones (US) ****
7. Porcupine Tree: Closure / Continuation (UK) ****
8. Cheer-Accident: Here Comes The Sunset (US) ****
9. Black Flower: Magma (BE) ****
10. Caroline Shaw / Attacca Quartet : Evergreen (US) ****
1. Mary Halvorson: Amaryllis
Amaryllis é o 12º disco de Mary Halvorson como líder de banda.
Nascida em 1980, a americana Mary Halvorson começou a tocar violino ainda criança, mas aos 11 anos passou a tocar guitarra elétrica, inspirada em Jimi Hendrix . Um pouco mais tarde, Halvarson se interessou pelo jazz através da música de Ornette Coleman e Thelonious Monk . A decisão final de seguir carreira musical veio na universidade após palestra do saxofonista Anthony Braxton . Halvorson fez sua estreia em estúdio no disco Sister Phantom Owl Fish de Trevor Dunn ( Mr. Bungle ) em 2004 e criou seu primeiro disco próprio, Dragon's Head, como um trio, quatro anos depois .
Desde então, Halvorson tem sido extremamente prolífico. Além das dezenas de álbuns lançados apenas com seu próprio nome, ele tocou em dezenas de outros álbuns, como convidado ou como colaborador principal. Halvorson rapidamente se tornou um dos músicos mais respeitados do jazz contemporâneo. Em 2019, Halvorson recebeu uma doação de mais de US$ 600.000 da Fundação MacArthur. A doação deverá ser usada nos próximos cinco anos. A subvenção explica em parte o facto de o ritmo de trabalho de Halvorson parecer estar a acelerar; só em 2022, ele lançou três álbuns. Dentre estas, as publicações mais importantes são Belladonna e o tema deste texto, Amaryllis . Esses dois álbuns são como duas irmãs e foram lançados no mesmo dia. Beladonaé um jazz de câmara único com um quarteto de cordas, e Amaryllis, por outro lado, é feito principalmente com a força de um sexteto de jazz...
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2. Black Midi: Hellfire
Hellfire é o segundo álbum de estúdio do Black Mid .
Fundada em Londres em 2017, a Black Midi lançou seu segundo álbum de estúdio Cavalcade em 2021 e apenas 14 meses depois a banda encantou seus seguidores com o novo álbum Hellfire .
E porque não, porque vale a pena apoiar o ferro quando está quente. No caso do Black Mid, o ferro brilha tanto quanto possível na década de 2020 com uma banda tocando rock progressivo intransigente; Cavalcade foi elogiado pela crítica e celebrado em inúmeras listas de "melhores álbuns do ano". O álbum desafiador vendeu muito bem, subindo para a posição 16 na parada de álbuns dos EUA.
Fiquei um pouco preocupado se esses músicos de vinte e poucos anos conseguiriam manter sua visão quando as portas do sucesso se abrissem, ou se acabariam suavizando sua expressão com o sucessor de Cavalcade . Hellfire prova que minhas preocupações estão erradas porque é um disco ainda mais furioso...
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****½
3. Mary Halvorson: Belladonna
Belladonna é o 12º disco de Mary Halvorson como líder de banda.
A americana Mary Halvorson (n. 1980) é uma das mais célebres guitarristas de jazz da atualidade. Apenas uma prova disso é a doação que recebeu em 2019 de mais de US$ 600 mil da Fundação MacArthur. Graças à bolsa, Halvorson manteve-se produtivo e só em 2022 (pelo menos...) foram lançados quatro álbuns nos quais ele toca.
Destes quatro álbuns, as duas gravações irmãs Amaryllis e Belladonna são provavelmente as mais significativas . Amaryllis é um disco feito principalmente com um sexteto de jazz, onde três músicas são complementadas por um quarteto de cordas. Belladonna , por outro lado, tira a banda de jazz da equação, deixando para trás uma combinação bastante original de guitarra elétrica e quarteto de cordas (o próprio Halvorson mudou do violino para a guitarra aos 11 anos). Tal como em Amaryllis, o quarteto de cordas em Belladonna é administrado pelo habilidoso Mivos Quartet , que se dedica à execução de música contemporânea .
Você poderia esperar que um disco feito com um quarteto de cordas servisse a gestos tranquilos e mínimos e até mesmo a uma música apaixonada (esses momentos também estão incluídos!), mas na verdade Belladonna é quase a mais ousada das irmãs. A música de Belladonna muitas vezes oscila entre tonal e atonal e é um pouco mais desafiadora de ouvir do que Amaryllis . A música é geralmente definida por cordas sombrias e ásperas e pela guitarra elétrica frequentemente dedilhada de Halvorson.
No álbum Amaryllis , a guitarra elétrica de Halvorson muitas vezes desempenhou um papel secundário, mas em Belladonnamuitas vezes serpenteia descontroladamente na parte principal entre os arcos. Na sua forma mais feroz, a guitarra de Halvorson toca na faixa-título, onde parece que está cuspindo raios laser estourando a música entre riffs corajosos. A música de Belladonna é principalmente bastante alta, mas também contém canções mais calmas e, por exemplo, a melodia de cordas de "Moonburn" é dolorosamente bela. Halvorson às vezes também pode deixar a guitarra elétrica (ou pelo menos desconectar a energia do violão eletroacústico com o qual toca) no canto, como na atmosférica "Haunted Head", onde na primeira metade ele dedilha o violão como se ele era a quinta roda do quarteto, até que no meio da música ele assume o papel de solista, tocando com um som elétrico sibilante.
Uma das coisas interessantes sobre o álbum é o equilíbrio entre jazz e música artística arranjada para um pequeno conjunto. Eu diria que as partes tocadas pelo quarteto de cordas são completamente compostas, mas a música ainda tem um toque espontâneo de jazz, se nada mais, com a guitarra do próprio Halvorson, que é parcialmente muito espontânea. Pelo menos eu próprio nunca ouvi outro disco de música de câmara como este.
Assim como Amaryllis, Belladonna também é um disco muito compacto. Contém apenas 5 músicas que duram um total de 37 minutos. Belladonna e Amaryllis funcionam perfeitamente como se fossem duas metades diferentes de um álbum duplo. E de fato, em formato vinil, os discos são vendidos aos pares.
Para mim, a magistral Amaryllis é a minha favorita deste par de discos, pelo menos no momento, mas sua fofa irmã Belladonna não fica atrás.
Melhores músicas: “Nodding Yellow”, “Moonburn”, “Haunted Head”
****½
4. Magma: Kartëhl
Kãrtëhl é o 15º álbum de estúdio do Magma .
Fundado em 1969, o mito do pioneiro da vanguarda Magma faz parte da crença desde os anos 70 de que a trajetória da banda terminará com o lançamento da obra-prima Zëss . Por trás do mito estava o próprio califa principal da banda, o baterista/vocalista/compositor Christian Vander . Zëss, que havia rumores há décadas , finalmente apareceu em 2019, e mesmo que o tema do álbum tenha mudado conforme o esperado no final, Magma continuou a fazer turnês pelo mundo mesmo após o lançamento do álbum, apresentando-se em salas lotadas. E Zëss nem foi o último álbum da banda.
Kãrtëhl é um daqueles discos cuja existência devemos agradecer pelo coronavírus. Assim como tantas outras bandas, o Magma teve que parar de tocar por causa da pandemia por quase dois anos. Durante este tempo, Vander lançou a "Operação Kãrtëhl ". Na prática, isso significou que Vander informou aos atuais integrantes da banda que iriam compor um novo material para o Magma. Isto é excepcional porque eu estimaria que pelo menos 90% de todas as músicas do Magma foram compostas por Vander. A música anterior não composta por Vander pode ser pesquisada desde o álbum Merci de 1984 ...
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5. Ilkka Arola Sound Tagine: Blue & Golden
Blue & Golden é o segundo álbum de estúdio de Ilkka Arola Sound Tagine .
Liderado pelo trompetista Ilkka Arola (n.1988), Sound Tagine ("tagine" refere-se a uma comida norte-africana preparada em uma panela de barro) mistura mais do que um pouco de tempero da música do Oriente Médio e dos Bálcãs em sua tela larga jazz.
Blue & Golden é feito com uma composição de quinteto. O próprio Arola toca trompete de quarto de tom (com o qual é possível tocar notas microtonais), saz alaúde e bouzoki. O grupo rítmico de três membros é composto pelo baixista Esko Grundström , o percussionista Juuso Hannukainen e o baterista Okko Saastamoien . O quinteto é completado por Topi Korhonen , que, além da guitarra elétrica, também toca alaúde árabe oud com bom gosto.
A faixa de abertura do álbum, "Lokki", começa meditativamente e, finalmente, após vários minutos de divagação, a melodia de trompete de Arola que soa vagamente leva ao groove polirrítmico energético da música. A bateria de som massivo de Saastomainen e a percussão rápida de Hannukainen se complementam perfeitamente, o baixo de Grundström ressoa extremamente baixo e a guitarra elétrica de Korhonen lança um padrão cíclico repetitivo que lembra um pouco o King Crimson dos anos 80 . Os últimos minutos da música de nove minutos tornam-se mais etéreos e a execução torna-se mais livre até que no final voltamos à melodia inicial do trompete, que soa ainda mais melancólica.
Na primeira música, as especiarias étnicas ainda desempenham um papel menor, mas a segunda música do álbum "Sky Mountains" traz seriamente as escalas e a instrumentação do Oriente Médio em jogo. Saz e Oud são elevados a um papel central. Especialmente o solo sinuoso de oud aparentemente amplificado eletricamente de Korhonen é maravilhoso de ouvir, especialmente quando o grupo rítmico faz o seu melhor no fundo.
Muitas das canções também canalizam fortemente a música dançante do Norte de África e do Médio Oriente. No entanto, sempre há tons de jazz sutis suficientes para que o ouvinte possa encontrar uma superfície e detalhes envolventes, mesmo ao ouvir o disco no sofá de casa. Dançar não é obrigatório! E como as melodias do álbum costumam ter um certo espírito pop, acho que pode funcionar bem mesmo para muitos ouvintes que não estão acostumados com jazz.
Algumas reclamações vêm à mente do álbum. Parece um pouco estranho que músicos finlandeses façam este tipo de música. É certo, em geral, que os músicos finlandeses façam música que empresta tão diretamente a sua tonalidade (e instrumentação) de culturas estrangeiras? Há algo um pouco perturbador nisso, mas por outro lado, acredito fortemente que a música mais interessante muitas vezes vem do encontro de diferentes gêneros e culturas. Talvez a proporção de mistura de Blue & Golden se incline um pouco demais para os importados, mas independentemente disso, não posso deixar de gostar.
Além disso, às vezes todas as influências externas parecem fundir-se perfeitamente, como na canção agridoce "Child Within" que encerra o álbum, onde ritmos étnicos tocam em uma harmonia fundente com uma melodia que lembra a música folclórica finlandesa. Aliás, a música me lembra um pouco a música do excelente álbum Juniper de Linda Fredriksson , que recebeu muita atenção em 2021 . É uma pena que pareça que Blue & Golden não tenha encontrado um público na mesma escala.
Há um erro claro nas músicas individuais. "Truth Boxing", que faz uso intenso de eletrônicos, continua sendo um choque elétrico que lembra os Tentáculos de Ozric . Talvez na música você possa até ouvir ecos do lado mais eletrônico da antiga banda finlandesa XL . Talvez seja um pouco irônico depois do meu discurso anterior que entre as músicas do Blue & Golden , aquela que claramente tem seus próprios exemplos do lado da música ocidental é a que funciona mais fraca para mim! Na verdade, não é que “Truth Boxing” seja uma música ruim, de forma alguma, mas seu som mecânico simplesmente não combina com o som geral do álbum.
Apesar de seus poucos problemas, Blue & Golden é, em sua maioria, um etno-jazz charmoso, ensolarado e bem-humorado. Aguardo com grande interesse as próximas aventuras de Sound Tagine.
Melhores músicas: "Lokki", "Sky Mountains", "Jasmiini kukka", "Return"
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6. 5uu’s : The Quiet in Your Bones
The Quiet In Your Bones é o sétimo álbum de estúdio de 5uu .
O multi-instrumentista e virtuoso baterista David Kerman (n.1959), mais conhecido como Dave Kerman , é uma das figuras mais proeminentes no campo do avant-prog americano. Ele tocou como baterista, por ex. Em Peste do Pensamento , Ahvak e Presente . No entanto, a banda mais central na carreira de Kerman é a 5uu's, que ele fundou em 1994.
O segundo álbum da banda, Elements ( 1988), nasceu em colaboração com outra banda da área, Motor Totemist Guild . Depois do Elements, o 5uu se fundiu com o Motor Totemis Guild para formar uma banda chamada U Totem . Essa banda fez dois ótimos álbuns entre 1990-1994. Depois que o U Totem se separou, Kerman reviveu o 5uu's novamente com o multi-instrumentista Bob Drake (Thinking Plague). Desde 2000, 5uu tem sido principalmente o projeto solo de Kerman, com participações ocasionais de outros músicos. Sexto álbum do 5uu, lançado em 2002, Abandonship parecia ser o último álbum do projeto. Agora, 20 anos depois, Kerman está de volta, porém, de volta ao 5uu's...
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7. Porcupine Tree: Closure / Continuation
Closure/Continuation é o 12º álbum de estúdio do Porcupine Tree .
As raízes do Porcupine Tree remontam ao final dos anos 80, quando ainda era o projeto solo do vocalista/guitarrista Steven Wilson disfarçado de banda. No disco Up The Downstair de 1993, o baixista Colin Edwin e o tecladista Richard Barbieri (ex- Japão ) tocaram como convidados , que se juntaram à banda no ano seguinte com o baterista Chris Maitland . Porcupine Tree se tornou uma verdadeira banda com The Sky Moves Sideway (1995). No entanto, as rédeas da banda estavam firmemente nas mãos de Wilson, que compôs e escreveu quase todas as músicas da banda.
Os primeiros discos do Porcupine Tree foram rock progressivo temperado com psicodelia, que deveu muito ao Pink Floyd em particular . No final dos anos 90, Stupid Dream (1999) e o seguinte (2000) Lightbulb Sun limparam para sempre a psicodelia do som da banda e substituíram-na por influências mais óbvias de pop e rock alternativo...
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8. Cheer-Accident: Here Comes The Sunset
A eclética banda progressiva Cheer-Accident, fundada pelo baterista Thymme Jones no início dos anos 80, lançou rapidamente mais de 20 álbuns de estúdio. Nos últimos anos, a banda parece lançar dois tipos de discos; discos muito experimentais contendo principalmente música improvisada e discos um pouco mais convencionais que às vezes até remetem à música pop. Os primeiros geralmente não recebem lançamento físico, enquanto os últimos costumam ser lançados pelo menos em CD e possivelmente também em vinil.
Here Comes The Sunset pertence ao continuum dos discos "mais convencionais" do Cheer-Accident, mas ainda assim é muito relativo de uma banda cuja principal influência ainda hoje é o nebuloso This Heat . Estilisticamente, Here Comes The Sunset é uma continuação bastante natural de Chicago XX de 2019 e do magistral Fades lançado um ano antes . Como esses discos, Here Comes The Sunsetcombina com sucesso paisagens sonoras muito experimentais com canções pop bonitas e simples, que naturalmente (e às vezes intencionalmente não tão naturalmente) se movem para kimurant progeos. Desta vez também, a banda apimenta deliciosamente a instrumentação de rock mais tradicional no papel principal, por ex. com violino, trombone. com flauta e saxofones.
Here Comes The Sunset é um álbum lamentavelmente curto; suas seis faixas duram pouco mais de 29 minutos. Embora oficialmente, pelo que entendi, seja um álbum de estúdio completo, mas aqui avançamos nas dimensões do EP. Como tal, não me incomoda tanto porque sou fã de CDs, mas gostaria de ter ouvido um pouco mais de material de tão alta qualidade.
'Star Vehicle (4 Flats)' que inicia o disco faz barulho e avança com os solavancos de ritmos completamente loucos e excêntricos, como um caminhão com apenas três pneus intactos cheios de sucata e palhaços psicodélicos furiosos. Na parte intermediária, o andamento se torna um pouco mais simples e agitado, um pouco parecido com o krautrock, e uma dolorosa voz masculina canta sem palavras sobre a música. Junnavus é interrompido por um momento em uma meca absolutamente diabólica quando o ritmo de repente aumenta e os fãs se ativam como policiais de choque. Uma música completamente maluca, mas fascinante!
"Maison de Velours Écureuil" também se move em um andamento sinuoso e irregular, mas tem um som bastante amigável e soa quase eletrônico até que o misterioso solo de violino de Julie Pomerleau traz tons mais dignos.
A terceira música “Dream Police” leva a atmosfera em uma direção completamente diferente. É uma surpreendente versão cover do hit "Dream Police" da banda power pop Cheap Trick . Na primeira metade, Cheer-Accident interpreta o original com bastante fidelidade, embora um pouco mais irregular que o original, mas no final você pode ouvir uma ótima seção progressiva. Os sintetizadores estão sendo serrados e a bateria de Jones está batendo furiosamente até que tudo quase desmorona com aplausos em um caos eletrônico, do qual voltamos para o refrão de Cheap Trick. Os vocais da música são divididos em um dueto de uma vocalista feminina e um vocalista masculino. "Dream Police" caminha no meio-termo entre o pós-punk ousado e o progressivo complexo de uma forma muito interessante. Agradecimentos especiais também ao saboroso som do baixo de Dante Kester .
A canção-título "Here Comes The Sunset" é um pesadelo abstrato improvisado de cinco minutos cuja primeira metade caberia em um filme de David Lynch . No final, entra uma trombeta de som surpreendentemente solene e uma voz masculina cantante melancólica, com uma flauta atonal tocando ao fundo. No final, você também pode ouvir um “solo de sopro”, que aparentemente é executado com a boca, até que a música termina com uma batida um tanto distraída. Uma combinação muito emocionante de experimentalismo abstrato e a estranha estética pop da banda. Não é a melhor faixa do álbum, mas resume exatamente o que é Cheer-Accident.
A penúltima música "Les Vandales de Paris" é um instrumental muito próximo, quase industrial, que traz a percussão de Thymme e os dedilhados densos dos fãs para o papel principal.
O álbum termina com sua música mais longa, "Then Again", com pouco mais de seis minutos. É tingido com sintetizadores enferrujados, bateria forte e a guitarra elétrica cautelosamente lamentada de Jeff Libersher . Mais ou menos na metade, Jones começa a cantar, mas desta vez a música não se inclina em nada para o pop com os vocais, mas a música permanece vanguardista até o final. Acordes ferozes de guitarra e sintetizador entram em cena até que a banda retorna brevemente a um groove um pouco mais suave, mas ainda mecânico. O oboé toca um breve solo e os vocais retornam e a música toma uma nova direção. "Then Again" é uma música tão torta quanto um saca-rolhas.
Os últimos cinco anos foram uma das temporadas mais produtivas e de alta qualidade para a banda, e não há fim à vista para essa grande sequência se Here Comes The Sunset for alguma referência. Here Comes The Sunset não chega ao topo mais brilhante do Cheer-Accident (essa honra vai para Fades e Fear Draws Misfortune ), mas não fica muito atrás.
Melhores músicas: "Star Vehicle (4 Flats)", "Maison de Velours Écureuil", "Dream Police", "Then Again"
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9. Black Flower: Magma
Magma é o quinto álbum de estúdio do Black Flower .
Fundado em 2012 pelo tocador de sopro de formação clássica Nathan Daems na Bélgica, Black Flower é um quinteto que combina influências do jazz etíope, Afrobeat e dub em sua música. A música da banda, muitas vezes silenciosa, mas proposital, também tem influências do rock psicodélico e do krautrock. e música étnica da região dos Balcãs. Em outras palavras, há uma oferta bastante diversificada, que, no entanto, sempre parece natural.
A produção e os sons das bandas com tendência ao jazz são, em sua maioria, muito simplificados e naturais. Quanto aos sons, Black Flower soa um pouco como nu-jazz porque a produção é cuidadosamente pensada e moderna. Absolutamente luxuoso. Meio que se referindo à música pop. As paisagens sonoras criadas pela banda são cinematograficamente completas e pensativas, mas nunca soam estéreis.
Os ritmos do álbum se combinam na direção da África, mas por outro lado, os instrumentos de sopro e principalmente as diferentes flautas étnicas de Daems criam impressões asiáticas. O tecladista Karel Cuelenaeren
O órgão Farfisa surge retrofuturisticamente em algum lugar da terra de ninguém. Entre os ritmos motores constantes e às vezes francos, aqui e ali também se ouvem ritmos irregulares. A corneta de Jon Birdsong traz tons de jazz mais convencionais. O baixista Filip Vandebril ruge desordenadamente, geralmente com frequências muito baixas, criando uma base suculenta para o estilo de tocar ágil e muitas vezes bastante animado dos solistas e do baterista Simon Segers .
Magma é principalmente um álbum instrumental, mas "Morning In The Jungle" conta com a participação do vocalista Meskerem Mees , que canta com uma voz adorável e levemente infantil. Eventualmente, a música se transforma em um monólogo falado com uma parte etérea e pulsante do teclado ao fundo. O experimento vocal foi um sucesso e eu adoraria ouvir mais deles nas músicas do Black Flower no futuro.
Magma é a fusão mais gratificante e satisfatória das muitas influências diferentes da banda nos álbuns do Black Flower até agora.
Melhores músicas: “Magma”, “Deep Dive Down”, “Morning In The Jungle”
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10. Caroline Shaw / Attacca Quartet : Evergreen
Evergreen é a segunda colaboração entre a compositora Caroline Shaw e o quarteto de cordas Attacca Quartet .
Olhando para o currículo da americana Caroline Shaw (n.1982), de apenas quarenta anos, uma palavra vem à mente; superdotados. Shaw começou a tocar violino aos dois anos (!). Aos 22 anos formou-se violinista pela Rice University em música, no dia 25
-anos de Yale para fazer mestrado e aos 28 anos iniciou um programa de doutorado em Princeton. Acho que ele ainda não terminou o doutorado, porque senão está ocupado com a carreira de compositor. Shaw compôs mais de uma centena de obras e em 2013 ganhou o Prêmio Pulitzer pela composição a cappella "Partita for 8 Voices". Shaw, então com 30 anos, tornou-se assim o compositor mais jovem a ganhar o Prêmio Pulitzer de música. Shaw também colaborou com Kanye West , mas não vamos usar isso contra ele. Ele era jovem e precisava de dinheiro (talvez?).
Fundado em 2003 em Nova York, o Attacca Quartet é um quarteto de cordas com foco na música moderna, que gravou, por ex. todas as composições de John Adams para quarteto de cordas. A primeira gravação conjunta de Caroline Shaw e Attacca foi Orange , ganhadora do Grammy de 2019 . Tive o prazer de ouvir a composição central "Entr'acte" desse álbum em Porvoo no verão de 2022 interpretada pela Avanti! e foi, sem mentira, uma das experiências de concerto mais maravilhosas que tive.
Evergreen continua parcialmente nos moldes de Orange , mas também inclui uma jogabilidade completamente nova de Shaw. Assim como Orange, Evergreen se move de maneira interessante entre o antigo e o novo. As composições de Shaw estão claramente parcialmente presas à tradição do quarteto de cordas do período clássico, mas ao mesmo tempo as peças também têm um andamento moderno contra as tradições. O ritmo e a harmonia são muitas vezes completamente diferentes dos do século XIX.
O álbum é construído em três suítes de aproximadamente 20 minutos e termina com uma música que pode ser ouvida como coda.
Com duração de 20 minutos, a primeira suíte de três músicas "Three Essays" é a música mais versátil e complexa do álbum. Shaw usa habilmente o potencial de todo o quarteto de cordas, desde corridas rápidas e glissandos até deliciosos pizzicatos e até os rapinos e zumbidos de técnicas estendidas. "Three Essays" lembra um pouco "Entr'acte" no sentido de que sua linguagem de harmonia muitas vezes parece ser tonal e atonal ao mesmo tempo, ou pelo menos desliza excitantemente até mesmo entre eles. Ao mesmo tempo naturalmente e por outro perturbador.
Na suíte do meio "Is A Rose" você pode ouvir a nova aquisição da Evergreen. Shaw fez sua estreia como vocalista solo em duas canções um pouco menos musicais. Shaw prova ser um vocalista sensível, habilidoso e bonito, cuja voz também tem força suficiente quando necessário. A parte intermediária "Blueprint" é um instrumental mais multitonal que remete à versátil quartetização de "Three Essays".
A terceira suíte “The Evergreen” consegue descrever a natureza de forma muito expressiva em suas quatro partes. Especialmente o toque das cordas do violino na parte “Água” consegue evocar a atmosfera de chuva de forma realmente impressionante.
O disco de mais de 60 minutos termina com a bela canção "Can't voi l'aube" onde Shaw interpreta um antigo poema francês balançando em 5/4.
Evergreen fortalece a posição de Caroline Shaw como uma das compositoras mais interessantes da música de arte moderna, e pelo menos estou aguardando ansiosamente seus próximos movimentos.
"Nimrod", "Ruby", "And So", "Blue Print", "Can't voi l'aube"
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