Houve a apresentação ao vivo no Carnegie Hall em 1971, e agora haverá a gravada no mesmo ano no John F. Kennedy Center, em Washington. A diferença entre as duas? A primeira é a soma do melhor de uma semana de concertos, enquanto a segunda é a totalidade de um único concerto. Um único concerto realizado em 16 de setembro de 1971, apresentando o que o septeto de Chicago podia então oferecer no palco . Uma apresentação sem rede, sem overdubs, se não um trabalho razoável de restauração e mixagem das fitas. O resultado correspondeu às expectativas. O suficiente para ameaçar enterrar o " Live at Carnegie Hall - ( Chicago IV) ", cuja qualidade sonora alguns músicos da trupe deploraram, acreditando que o Carnegie era inadequado para música amplificada. " O som dos instrumentos de sopro, depois de "microfonados", soava como kazoos ", disse o trombonista ( e percussionista e backing vocal ) James Pankow .
O segundo álbum ao vivo, " Live in Japan ", de 1975 , também está ameaçado. Uma coletânea de três concertos realizados em Osaka em junho de 1972, e um álbum (duplo) que foi, de modo geral, mais apreciado por se beneficiar de uma gravação ( de duas faixas de oito faixas interligadas ) de melhor qualidade.
Mais uma vez, os Angelins do Rhino ( uma subsidiária da Warner ) não ficaram de braços cruzados e partiram para uma apresentação única. A totalidade de um excelente concerto demonstrando que Chicago era então uma grande banda ao vivo. E não uma grande máquina de marshmallows e outros doces, como se tornaria mais tarde, no estúdio. Provavelmente uma das melhores bandas com uma divisão de metais, porque ao contrário da maioria, não é uma seção reportada - com membros intercambiáveis -, mas uma parte integrante do grupo. Especialmente porque Lee Loughnane , trompetista, backing vocal, percussionista e, incidentalmente, guitarrista, é um membro fundador do grupo. Enquanto James Pankow , trombonista, percussionista e backing vocal, tem uma parte ativa na composição. Este trio inabalável é um dos raros grupos de metais a estar tão envolvido e unido na música do seu grupo. Ele fornece com rara elegância, corpo e ardor, com um senso de harmonia que às vezes o leva a se misturar com as vozes, quase como mais um cantor. Longe de se limitar a um simples papel de acompanhador e embelezador, esse comando de metais e madeiras às vezes se apresenta como a espinha dorsal das peças.
Esta gravação é o primeiro programa com temática "rock" no John F. Kennedy Center. Aberto ao público por apenas oito dias, foi inicialmente inaugurado pela peça de teatro musical " Mass " , de Leonard Bernstein , depois por concertos de música clássica e pela alma suave ( com qualidades soporíferas ) de The Fifth Dimension . E se o septeto já iniciou a transformação que o levará gradualmente a sufocar suas inclinações para o rock — as coisas realmente começam a escorregar a partir de "Chicago VI" —, ainda é algo diferente em concerto, onde o grupo assume entonações francamente robustas, mais em sintonia com um tom "rock", ou mesmo com o dos grupos pesados — progressivos ou de rock — da época.
A guitarra incendiária do excelente e falecido Terry Kath é a principal responsável por isso. Kath também é o elemento fundamentalmente rock do grupo. Mesmo mais tarde, quando Chicago se entrega a uma música mais ou menos enjoativa, Kath fará questão de inserir uma ou duas peças realmente rock, às vezes com entonações "pesadas". Provavelmente sem ele, o grupo teria se afogado em um melaço de doces cantigas de ninar pop-jazz. E se os metais são um elemento essencial e distintivo de Chicago , a guitarra áspera, sem adornos e enérgica de Kath é então a base monumental – um monólito fabuloso – sobre a qual repousam os alicerces do grupo, conferindo-lhe sua coloração "rock" – às vezes quase "pesada". Mesmo em peças mais notavelmente jazzísticas, como " A Hit by Varèse ", seu ataque franco, sua tonalidade, mantêm o grupo solidamente em uma atmosfera resolutamente rock (1). E mesmo quando a trupe embarca em peças mais pop/soul, Kath, como um elfo travesso, traz algumas gárgulas. Assim, na alegre " Lowdown ", ele acaba soltando um wah-wah denso, mergulhando a trupe em uma viagem cremosa por um momento. Esta não é uma regra absoluta; com " Goodbye " ou " Beginnings ", ele se contenta em seguir humildemente as linhas do órgão de Robert Lamm . Na verdade, Kath só intervém, só perfura a mixagem quando apropriado. É isso que o distingue dos "heróis da guitarra" corrompidos por seu ego. Esquecida, subestimada, a morte de Terry Kath será uma dor intensa para Chicago – que, aliás, profundamente ferida pela tragédia – quase desligou.
Por outro lado, seu canto pode carecer de potência diante dos ataques vigorosos dos metais. Ele se sente mais à vontade em peças mais sóbrias, como " Color My World ", onde uma fragilidade penetra sob a carapaça de um velho urso. No entanto, ele se mostra um belo contraponto ao dividir os vocais com os vocais muito mais controlados de Peter Cetera e/ou Robert Lamm . De qualquer forma, as músicas contam com uma pluralidade de cantores. Dos sete, apenas Danny Seraphine , o baterista, não canta. Kath, Lamm e Cetera dividem os vocais principais, às vezes se alternando – em duas ou três vozes ( como nesta primeira versão de "Dialogue" ) – na mesma música. E se às vezes os tons de "soul de olhos azuis" de Lamm e Cetera podem ser bastante semelhantes, Kath geralmente se distingue por um aspecto relativamente mais selvagem, frustrante e falível. Enquanto atrás, os metais, Loughnane , Pankow e Parazaider , também formam uma sólida seção de backing vocals, que dão uma coloração entre o soul e o jazz.
A apresentação abrange os três primeiros álbuns do grupo. Isso poderia parecer relativamente limitado para alimentar uma apresentação que facilmente ultrapassa duas horas, se, de fato, não fossem álbuns duplos. A isso se somam três faixas inéditas, " Dialogue ", " A Hit by Varèse " e " Saturday in the Park " , que serão incluídas em uma versão mais ou menos diferente no álbum " Chicago V ". Isso resulta em vinte e seis faixas generosas, onde os chicagoenses dão tudo de si. Embora comecem de forma relativamente tímida, ou cautelosa, apoiando-se em alguns (já) clássicos do repertório ( também primeiros sucessos ), com algumas apresentações intercaladas entre cada peça, imediatamente, a partir de " Dialogue ", um calor comunicativo permeia essas peças luminosas. Há algo verdadeiramente positivo, alegre, otimista, despreocupado, que emana desse repertório. E ele vai crescendo, fundindo soberbamente a leveza do Pop com a ênfase do soul e a aspereza de um rock forte; tudo às vezes colorido com explosões vívidas de Jazz. O grupo, afiado como um só, conecta as peças sem hesitar. Kath às vezes pontua o tema com solos corrosivos, salpicados de wah-wah confusos, com os metais proclamando sua alegria de viver. É um verdadeiro festival. O grupo parece inatingível. Já foi escrito que, em seus primórdios, Chicago era um grupo de rock progressivo inspirado no jazz. Não é errado nos referirmos a uma peça como " West Virginia Fantaisies ", mas continua sendo uma minoria — no entanto, é verdade que, no estúdio, o elemento progressivo é (era) atual . E, em concerto, o entusiasmo dos músicos os leva a desenvolver os ingredientes do rock e do soul.
" Fancy Colours " ( que dá início ao segundo CD ) parece estar sofrendo um golpe, arrastando-se; mas isso é apenas um chamariz, a trupe subitamente se movendo para uma atmosfera festiva de uma noite quente de verão em Nova Orleans - com uma flauta travessa de um elfo brincalhão e um wah-wah saltitante. E então vem a peça de bravura: " It Better End Soon ". Uma peça de dezoito minutos , um pouco trabalhada no disco, que, com a efervescência da cena, assume uma dimensão mais próxima do estilo de Rare Earth . Ainda dividida em cinco movimentos, ela alterna entre episódios incandescentes e outros mais calmos, de meditação, com destaque para um solo de flauta transversal, ligado a um voo de saxofone desenfreado.
No entanto, infelizmente, a última parte sofre um golpe. Até " In The Country ", um encontro improvável entre Delaney & Bonnie (com Clapton) e os Beatles, os Chicagoans estão próximos da excelência, mas depois parecem esgotados, esgotados. Em particular, com a insuportável " A Song for Richard and His Friends ", uma repreensão ao governo Nixon, suficiente para afastar até os mais tolerantes, e a continuação dolorosa da longa e tediosa introdução de " Does Anybody Really Know What Time It Is ?" com seu piano pesado e martelado, não ajuda em nada. E se eles se recompõem maravilhosamente, é preciso admitir que o cover de " I'm A Man " , do Spencer Davis Group , outro momento de bravura no palco, há muito inseparável de seus shows, não se compara ao de " Live In Japan ". Mesmo a gravação então parece mais densa. Já em " Free ", sentimos que eles dão tudo de si, usando suas últimas forças, lutando para manter a coesão — o sax se lança em um solo livre final , enquanto a seção rítmica luta para manter o ritmo frenético. E então, finalmente, para fechar o set, como se fosse um confronto, a banda assume o controle e manda um " 25 or 6 to 4 " em modo bombástico.
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| O grupo em 1971 |
Assim, os editores poderiam ter pulado boa parte desta última seção — que é tema de um terceiro CD . Limitando-se aos dois primeiros discos, teria sido uma das melhores exposições ao vivo de 1971 — e mais. Mas essa é a decisão, a de apresentar um relato sem retoques de um concerto completo em Chicago . Não deixa de ser uma agradável surpresa. Quando, atualmente, tantas gravações ao vivo de qualidade duvidosa e medíocre são lançadas e mancham a imagem de grupos e artistas, é muito agradável encontrar um documento dessa qualidade. Suficiente para ser incluído entre as melhores peças do septeto.
(1) Terry Kath é um dos guitarristas inseparáveis da Fender Telecaster ( a sua é modificada) . No entanto, no início, sucumbindo à influência de Jimi Hendrix, ele adotou uma Stratocaster. Guitarra que ele tiraria por um longo tempo em algumas ocasiões, notavelmente para o instrumental "Free for Guitar". Também o vemos no início do grupo com uma Gibson SG custom 63 ( com três microfones ). Mas no início da década, ele fez seu nome com uma guitarra incomum: uma Gibson Les Paul Recording. Uma Les Paul inicialmente projetada para o estúdio, equipada com dois microfones de baixa impedância colocados diagonalmente. Além do seletor de três vias usual, a guitarra é equipada com uma chave seletora (estilo Fender Mustang) para ajustar os captadores em fase ou defasagem, um seletor rotativo "decade" que supostamente permite emular os modelos Les Paul anteriores, um potenciômetro de volume, um para os graves e outro para os agudos, e um seletor de impedância dos captadores. O próprio Lester W. Polsfuss, também conhecido como Les Paul, usaria esta guitarra por muito tempo.
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