Depeche Mode - Playing the Angel

A cada álbum do Depeche Mode, uma história pessoal, coletiva e musical distinta é impressa. Cada álbum do Depeche Mode define tão bem uma era que ressoa através de gerações, de "Black Celebration" a "Exciter" ou "Violator", a obra-prima da banda britânica. Eles soam tão diferentes, mas ao mesmo tempo tão familiares, empregando as técnicas cativantes que nos envolveram repetidamente ao longo da carreira deste fabuloso trio, mas criando paisagens e sensações de matizes completamente diferentes. "Playing the Angel" é um álbum consistente, completo, poderoso e encantador — em suma, como qualquer um dos adjetivos que evocam o Depeche Mode. Estes não são apenas elogios; eles realmente refletem o espírito que a banda demonstra em suas doze faixas. Visto de outra forma, o novo lançamento deles manifesta claramente a essência desses três homens na virada do milênio, que envolve não apenas o uso de tecnologias atuais, mas também suas histórias recentes: você ouvirá samples estridentes e saturados, discos crepitantes e zumbidos elétricos, drones de amplificadores e lamentos ambientais analógicos em abundância. No futuro, tudo será muito não convencional na música pop, e com este álbum, podemos estar lá desde o início. A porta está aberta: entre! Em primeiro lugar, David Gahan, cuja voz era frequentemente usada apenas como um instrumento adicional, agora pode finalmente trabalhar como compositor. A ditadura do Sr. Gore acabou. As três músicas de Gahan, "Suffer Well", "I Want It All" e "Nothing's Impossible", não brilham por méritos individuais; elas brilham dentro do contexto geral do álbum. Ao ouvi-las individualmente, você não pode deixar de sentir o impacto, mas "Playing the Angel" é tão bem construído que elas constituem um universo completo. Musicalmente, o elemento mais utilizado é o sintetizador analógico; em outros momentos, há riffs muito poderosos e, claro, belos coros femininos e a voz terna de Gore também se destacam.

 “Playing the Angel” abre com “A Pain That I’m Used To ”, apresentando um riff de guitarra inquietante que dá lugar a batidas mais suaves e, em seguida, aos vocais intensos de Gahan, criando a atmosfera de um filme policial sombrio, onde um assassino é caçado com uma urgência implacável. Ao fundo, o zumbido de uma serra circular eletrônica ressoa por alguns segundos, preparando-nos para o que está por vir. A música é construída sobre uma base eletrônica pulsante e dinâmica, que é então substituída por riffs agressivos que fazem você balançar a cabeça durante o refrão; é garantia de sucesso, até mesmo na pista de dança. Foi lançada como o segundo single por um bom motivo. Em “John the Revelator”, Gore continua sua predileção por usar referências apostólicas. A música em si é um exercício de simplicidade, mas tem um impacto poderoso: as batidas são muito diretas, Gahan canta como se estivesse se apresentando em um estádio e, para completar, há um magnífico coral feminino que repete “John the Revelator” várias vezes. É uma daquelas músicas que você espera ouvir em um grande show. O título religioso e o coral gospel já indicam o quanto Gore precisa recorrer a temas existenciais para expressar adequadamente seu universo emocional. "Suffer Well" é uma das três músicas compostas por Gahan. No início, ela crepita, ressoa, brilha e emite um bipe muito agradável, como nos velhos tempos. Duane Eddie também está de volta. 

"The Sinner in Me" é mais triste, mas ao mesmo tempo sensual — é uma daquelas coisas que só o Depeche Mode sabe fazer. Há muito mais destaque para a música eletrônica, embora haja um riff perto do final. O single "Precious" é uma obra-prima, muito sofisticado, envolvente, à altura de qualquer outro single do trio, e é aí que reside a magia da sua música. Ao longo da carreira, eles usaram exatamente as mesmas ferramentas, mas sempre souberam experimentar sem cair em clichês ou autoplágio, e é assim que nos encantam aparentemente do nada. Como eles fazem isso? Infelizmente, não conseguiram atingir o nível de dançabilidade absoluta. Uma bela e melancólica canção pop, também ótima para tocar com um violão ao redor de uma fogueira, se os acordes não fossem sempre tão difíceis. Os hits de rádio e as músicas que chegaram ao topo das paradas que conhecemos do Depeche Mode raramente estavam entre as melhores dos seus álbuns. O sopro dos velhos tempos industriais envolve Macro , cantada por Gore, quando, após três minutos, os tambores a vapor irrompem subitamente numa elegia suicida e trêmula.

"I Want It All", de Bei Gahan, tem uma composição sonora semelhante à do The Cure. Heer não precisa de cascatas de ruído excessivamente ambiciosas para criar atmosfera. "I Want It All" é uma produção pop hipnótica com uma vibe dos anos 90, e Ben Hillier é um dos melhores compositores ingleses. Eu gostaria de ouvir como soavam as primeiras demos de Gahan e Gore. "Nothing's Impossible ", a última faixa escrita por Gahan, é provavelmente a mais direta do álbum; é apenas a voz dele sobre uma base instrumental relativamente estática e um violão eletroacústico que aparece brevemente. Mesmo assim, cada uma dessas faixas soa ótima. Gahan já está totalmente imerso na dinâmica da banda e compôs sem tentar ofuscar ou igualar Gore, pois esse não era o objetivo. Ele participou como apenas mais um membro, trabalhando para o bem da banda, não para si mesmo. Com sua segunda balada, " Damaged People ", cujo som definitivamente remete ao álbum "Construction Time Again", Gore encapsula toda a sua arte: "Quando estou do meu lado / Não tenho medo / Tenho medo de sentir / Já estou morrendo". A melancolia e a tragédia sobre as quais toda a carreira da banda se constrói parecem emergir dessa simples frase, e a melodia, sim, realmente soa um pouco como os bons e velhos tempos de "Black Celebration". Não poderia ser melhor. Talvez um pouco teatral demais? Ah, não sei. Às vezes acho que os caras nunca poderiam ter ficado realmente satisfeitos com títulos assim. Quase no final, encontramos a instrumental " Introspectre ", a dançante "Lillian", que soa ao mesmo tempo primitiva e mais moderna que Depeche Mode; os teclados soam antigos, e a batida tem um som como "Kid A" do Radiohead — no geral, uma faixa com muita força. Finalmente chega "The Darkest Star ", a música que deu título ao álbum. O Depeche Mode emerge das profundezas de uma angústia pungente, acompanhado por vocais de apoio e um piano sinistro e staccato. "Eu não quero que você mude / Seja o que for que você faça / Eu não quero que você seja / Outra pessoa para mim", canta Gahan. Primeiro, na última música, o Depeche Mode afrouxa um pouco os parafusos antes de nos libertar de seu majestoso e singular universo sonoro.

 Não espere um novo "Violator", muito menos um novo "Songs of Faith and Devotion", ou um "Ultra", ou um "Exciter". Não é necessário. Cada um é tão importante quanto qualquer outro, pois cada um possui uma identidade específica e seu próprio fio condutor. Você precisa encarar este álbum como "Playing the Angel", assim como os álbuns anteriores do Depeche Mode. É único, um marco na trajetória da banda, e possui uma personalidade inconfundível. É uma experiência magnífica e revolucionária. Este álbum marcará, mais uma vez, uma nova geração de música influente, mas isso só ficará claro com o tempo.