Meus amigos me colocaram à prova com o Mês do Depeche Mode. Adolescente com um irmão adolescente, rivalidade musical e uma disputa pelo som. Enquanto eu o bombardeava com Michael Jackson e Sting, ele me bombardeava com Guns N' Roses e Depeche Mode. Era preciso odiar essas bandas porque, aos 14 anos, a rivalidade entre irmãos é o que mais se vê. Mas Depeche Mode era importante para mim e até para nossos amigos em comum, incluindo Nevermind e Jorky. Só que eu tinha que bancar o durão e ouvir escondido, dizendo que o que meu irmão ouvia era um lixo. Mais tarde, entrei no ensino médio e me vi cercado por pessoas usando camisetas do Depeche Mode, e me rendi ao meu irmão. E também amadureci.
Em 1989, eles lançaram o álbum 101, mas o que não sabíamos na época era que 101 era mais do que apenas um álbum ao vivo; era também um documentário que acompanhava a banda enquanto conquistavam os EUA com a turnê Music for the Masses, culminando nesta apresentação no Rose Bowl, seu 101º show. Seguir os passos do U2 pode ser (artisticamente) perigoso, e é por isso que alguns criticam o Depeche Mode com este projeto, que (aparentemente) copia o conceito de Rattle & Hum (1988) da banda irlandesa. De fato, há um pouco disso, e se tornaria um tema recorrente em seus trabalhos futuros, como Songs of Faith and Devotion (1993) em relação a Achtung Baby (1991) e sua subsequente turnê mundial. Este álbum compartilha com o projeto multimídia do U2 (filme, disco e livro) tanto sua natureza multiformato quanto uma qualidade assustadoramente monumental, embora, para ser honesto, devamos fazer uma distinção. Enquanto os irlandeses se refugiavam num duvidoso retorno às suas raízes e ao conceito frequentemente batido e superestimado de autenticidade, a banda de Basildon mergulhava num retrato ao vivo do (doce) momento que vivenciavam. Um reflexo fiel dos concertos que davam naquela época, rituais de massa autênticos que os impulsionaram daquele momento para o estrelato em estádios gigantescos. O aspecto documental, em essência, ajudou a inventar o mundo dos reality shows. A questão do formato documental, o acesso permitido ou não, e o que pode não ser refletido no resultado final, especialmente se for uma produção oficial, são pontos axiomáticos que não precisam de maiores explicações. O filme parece cru, um pouco improvisado, porque Pennebaker (que já havia filmado documentários de rock sobre Dylan e Bowie) já havia ajudado a codificar essa abordagem. Compará-lo ao mundo agora refinado dos reality shows como o conhecemos, de programas de jogos a dramas da vida real, pode parecer um exagero. Mas o ponto de conexão não é o estilo, são os fãs. Quando, nas notas do encarte do primeiro lançamento em DVD do filme, em 2003, Pennebaker escreveu: "Dizem que esta foi a primeira das histórias do mundo real ao estilo da MTV", referindo-se à série que começou logo após o lançamento do filme, ele pode ter sido presunçoso ou talvez até mesmo errado, mas ainda assim estava absolutamente certo.
O filme 101 foi uma emocionante viagem de carro, enriquecida pela participação de um grupo eclético de fãs que acompanhavam a banda em seu próprio ônibus de turnê. Precursor dos reality shows de viagem, 101 (o documentário) provou ser cativante e divertido, combinando diversas performances ao vivo com os "caras do ônibus" da turnê. Então, se o filme é uma experiência totalmente imersiva e visceral, como se compara o álbum ao vivo? Afinal, álbuns ao vivo só conseguem capturar metade da experiência de ir a um show; a ausência da interpretação visual da apresentação pode mascarar uma série de deficiências sonoras. E para o Depeche Mode, seus shows ao vivo eram caracterizados por iluminação baixa e um pião girando, representando o vocalista Dave Gahan. Apesar da maestria musical de Martin Gore, Alan Wilder e do gestual Andy Fletcher, Gahan era o centro das atenções. Sua energia, seus giros, seus gritos estridentes, cativavam o público noite após noite. O que 101 faz bem é capitalizar nisso, apesar do que vemos nos vários vídeos da imprensa local e entrevistas com a banda, onde os jornalistas perguntam o que está acontecendo. Naquela época, lotar o Rose Bowl era, de fato, um evento raríssimo para qualquer coisa que não fosse esporte: eles ainda não eram realmente famosos, estavam subindo na carreira; dava para ver um pouco de ambição nos olhos deles. Ao mesmo tempo, havia um cansaço palpável, mais evidente nas cenas em que David Gahan parecia estar à beira de um colapso. Não era tão ruim quanto nos anos 90, e não era só desgraça e tristeza, mas ainda assim era perturbador de assistir.
Com pouca variação na produção das músicas, extraídas de gravações de estúdio ou versões estendidas de 12 polegadas, os elementos ao vivo dos vocais de Gahan, os ocasionais floreios de guitarra de Gore e a empolgação do público são o que impulsionam 101 e o tornam uma audição divertida e agradável. O álbum também funciona como um gatilho sonoro para seus momentos favoritos do filme 101. A expectativa no prólogo musical de "Pimpf" e o rugido ensurdecedor que acolhe a música de abertura, "Behind the Wheel", com Gore na guitarra, permanecem com você ao longo de todo o álbum. Ao ouvir "Never Let Me Down", você imagina um estádio de braços balançando para frente e para trás. Ao ouvir "Somebody" ou "The Things You Said", você imagina um Martin L. Gore dócil saindo da segurança de seus sintetizadores para o centro das atenções, e você não apenas ouve, mas vê sua vulnerabilidade. A setlist está repleta de favoritas do público, de "Stripped" a "Everything Counts" e "People are People", a música escolhida pela plateia. A euforia aumenta a cada nova música. A empolgação do público com a estreia de uma nova faixa é contagiante, vibrando das caixas de som até o âmago de cada um. São seus gritos e explosões de alegria que dão ao 101 sua energia ao vivo.
Após essa turnê, o Depeche Mode experimentou incorporar mais instrumentos ao vivo em suas gravações de estúdio e apresentações ao vivo e, como resultado, os lançamentos ao vivo subsequentes oferecem uma experiência auditiva superior. Mas 101 sempre será um sucesso deliciosamente nostálgico de uma banda que ascendeu à fama em uma cena musical que era tudo menos receptiva a projetos baseados em sintetizadores. Canções hieráticas cujos personagens são estátuas de mármore com coração e alma; sonhos frios e úmidos em edifícios de vidro e aço; o Kraftwerk comprando flores para o cadáver de Marlene Dietrich... A vida e sua casca metálica vistas em uma obra faraônica, porém essencial. Ou pelo menos necessária.
Sem comentários:
Enviar um comentário