Derek and The Dominos: Como as sessões históricas de Layla deram origem a um clássico

As "Layla Sessions" deram origem ao álbum "Layla and Other Assorted Love Songs". Esta é a história de como isso aconteceu.

De The Roosters a Yardbirds, John Mayall's Bluesbreakers, Cream, Blind Faith e Delaney and Bonnie; Eric Clapton certamente se deu bem antes de formar sua nova banda no início do verão de 1970. Quando essa nova banda fez seu primeiro show no Lyceum in the Strand de Londres no domingo, 14 de junho, eles ainda não tinham conseguido se dar um nome, isto é, até pouco antes de ser apresentado no palco, Derek and The Dominos, tem uma certa origem.

Os outros três membros da banda: Bobby Whitlock nos teclados, guitarra e vocais; o baixista Carl Radle; e o baterista e pianista ocasional Jim Gordon, todos tocaram juntos na banda de Delaney and Bonnie e todos estão no álbum "Delaney and Bonnie On Tour With Eric Clapton", que foi gravado no sul de Londres em dezembro de 1969 e lançado em março de 1970.

Todos os quatro músicos também trabalharam com George Harrison em seu álbum "All Things Must Pass" e, mais cedo no dia de seu show de estreia, eles estavam no Abbey Road para uma sessão de Harrison quando gravaram “Tell The Truth”, que na verdade se tornou o 1º single do Derek and The Dominos, lançado em setembro de 1970. O lado B deste single foi "Roll It Over", outra gravada em uma sessão da ATMP e que incluía o ex-Beatle e Dave Mason do Traffic na guitarra e nos vocais.

Após sua estreia em Londres, a banda passou um tempo ensaiando antes de embarcar em uma turnê pelo Reino Unido, que abriu no clube The Village Blues em Dagenham Essex, um dos locais mais prestigiados da Grã-Bretanha. Nos 22 dias seguintes, eles cruzaram o país tocando 18 shows, variando do Speakeasy Club de Londres ao The Black Prince Pub em Bexley Kent e The Penthouse em Scarborough em Yorkshire; houve até uma viagem paralela a Biot, na França, para um show solitário em vários canais.

Durante julho e enquanto a banda estava em turnê, Robert Stigwood, o empresário da banda, estava ocupado organizando a gravação da banda para seu álbum de estreia. Ele ligou para Tom Dowd, que estava trabalhando nas sessões do Allman Brothers para o Idlewild South, e disse a ele que a banda queria vir para a Flórida para gravar no Criteria Studios em Miami.

Menos de uma semana depois de seu último show no Van Dike Club de Plymouth, Clapton, Radle, Whitlock e Gordon estavam no estúdio A do Criteria prontos para começar a trabalhar. Na noite de 26 de agosto, Clapton e os outros foram convidados para um show dos Allman Brothers no Miami Beach Convention Center. Enquanto Clapton assistia Duane tocar pela primeira vez, Clapton foi fisgado. Após o show, as duas bandas voltaram para o Criteria e tocaram por horas.

Na sexta-feira, 28 de agosto, as sessões de "Layla and Other Assorted Love Songs" começaram para valer. Juntando-se aos outros quatro músicos para a próxima semana de gravação estava Duane Allman, que estava emocionado por tocar com Clapton. A primeira música que eles gravaram foi “Tell The Truth” de Clapton e Whitlock, uma versão muito mais segura do que seu trabalho anterior.

Não houve gravação no sábado, mas no domingo e nas cinco noites seguintes, houve alguma atividade intensa, intensa porque no dia 4 de setembro Duane fez um show em Milwaukee com os Allmans. Na noite de domingo, a sessão estava em andamento e, apesar das ordens de Tom Dowd de manter as fitas sempre funcionando, alguém havia feito besteira e era apenas Dowd correndo de volta para a cabine de controle do banheiro masculino gritando: “Aumente os faders”. que preservou o brilho da capa de “Key to The Highway”, de Big Bill Broonzy.

Segunda-feira produziu “Nobody Knows When You’re Down and Out” e “Why Does Love Got To Be So Sad”. Na terça-feira, “Keep On Growing”. Quarta-feira, “I Looked Away”, “Bell Bottom Blues” e um cover de uma música de Billy Myles, que ficou famosa por Freddie King, “Have You Ever Loved A Woman”. King era um dos guitarristas de blues favoritos de Clapton.

Quinta-feira foi o último dia em que Duane Allman estava disponível e a banda acertou em cheio, “I Am Yours”, “Anyday” e “It’s Too Late”, de Chuck Wills. Na sexta e no sábado, com Duane fora, o resto dos caras se concentrou em overdubs para tudo o que tinham gravado até agora, exceto “Key to The Highway” e “Nobody Knows When You’re Down and Out”.

Após o show do Allman Brothers em Milwaukee, eles tocaram nvamente no Jolly's Place em Des Moines em 6 de setembro, após o qual Duane voou de volta para Miami para que as últimas músicas pudessem ser concluídas. Na quarta-feira. Em 9 de setembro, também havia overdubs a serem feitos e os cinco músicos, que a essa altura estavam todos na zona proverbial, construíram juntos “Little Wing” e “Layla”.

"Little Wing" é a homenagem da banda a Jimi Hendrix, que a gravou em seu álbum "Axis: Bold As Love" em 1967. A música é mais curta aqui, o que desmente o fato de que Whitlock mais tarde lembrou que nunca tinha ouvido a música antes de cortar e colocou as palavras em cima de seu órgão para que ele pudesse cantá-las. (Nove dias depois, Hendrix morreu no Samarkand Hotel, em Notting Hill, em Londres.)

E então há "Layla". Clapton foi inspirado a escrever a primeira parte da música depois de receber uma cópia de The Story of Layla and Majnun do poeta clássico persa Nizami Ganjavi. Como sabemos agora, é a canção de amor de Clapton para Pattie Boyd, que na época era casada com George Harrison. Mais tarde, ela se casou com Clapton em 1979.

É também uma canção de duas metades. A primeira metade foi gravada pela banda em 16 faixas, incluindo guitarras multi-camadas de Clapton e uma única faixa dos solos de Allman. Depois de colocar sua música, Clapton voltou ao estúdio para ouvir Jim Gordon tocando uma peça de piano que ele imediatamente adorou e decidiu que queria adicioná-la a “Layla” para completar a faixa.

Para a última sessão do álbum, parece de alguma forma apropriado que seja a delicada “Thorn Tree In The Garden”, uma música de Bobby Whitlock, que ele também canta. É uma aproximação pungente e apropriada, como na manhã seguinte à festa, quando há paz e tranquilidade imbuídas de um ar reflexivo.

Depois de encerrar as sessões, Clapton, Whitlock, Radle e Gordon voltaram para o Reino Unido para começar uma extensa turnê começando no Fairfield Halls de Croydon, no sul de Londres, em 20 de setembro. Entre então e 28 de setembro, eles tocaram oito datas no Reino Unido. e outra em Paris. No entanto, de acordo com as caixas de fita para as sessões de Layla, houve sessões em Miami no Criteria em 1º de outubro, onde eles fizeram overdubs de “Layla” e “It’s Too Late” e, no dia seguinte, Clapton, Allman e Gordon fizeram uma versão de “Mean Old World”, de Little Walter.

1º de outubro era uma quinta-feira... e naquele dia Derek e The Dominos estavam a 4.400 milhas da Flórida, no sul da Inglaterra, fazendo um show no Swindon Town Hall. Então, qual é a história aqui? Será que eles voaram para Miami durante seus dois dias de folga em 29 e 30 de setembro e as caixas foram rotuladas um ou dois dias depois? Seja qual for a resposta, o resultado é um dos álbuns mais impressionantes dos anos 70.

Morreu Gal Costa

A cantora Gal Costa, uma das maiores cantoras música popular brasileira, faleceu nesta quarta-feira (9), aos 77 anos.

A informação foi confirmada pela assessoria de imprensa da artista, ainda que sem a divulgação da causa.

De acordo com sua equipe, a artista vinha em recuperação, após uma cirurgia em setembro último, para retirar um nódulo nasal.

Há poucos dias Gal cancelou seu show no festival Primavera Sound. Ela vinha fazendo shows até setembro, pela sua turnê "As Várias Pontas de uma Estrela", revisitando clássicos oitentistas da MPB.

*Maiores informações virão neste post em suas atualizações.

Maria da Graça Costa Penna Burgos, a Gal Costa, nasceu em Salvador, na Bahia, começou na música com todo apoio de sua mãe e ainda na adolescência conheceu e se aproximou de outros 3 ilustres baianos da nossa música: Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil, com quem integraria o quarteto Doces Bárbaros.

Aos 22 anos ela fez parte do nascimento do movimento tropicalista, participando do álbum "Tropicália ou Panis et Circencis" e 3 anos depois encantou o Brasil com seu aclamado disco ao vivo "Fa-Tal".

Era a ascenção de uma das maiores e melhores cantoras do nosso país, possuínte de uma voz única, com um timbre inconfundível e reconhecível desde a primeira sílaba.

Descanse em paz, Gal.

Doyle (ex-Misfits) estreia solo em São Paulo dentro do Oxigênio Festival 2022

 

Festival em São Paulo acontece entre os dias 18 e 20 de novembro, no Aeroclube Campo de Marte; são mais de 30 atrações.

O primeiro dia do Vans Apresenta: Oxigênio Festival 2022, dia 18 de novembro, uma sexta-feira, já terá uma atração internacional e de peso: será a estreia solo na capital paulista do Doyle, o lendário ex-guitarrista da banda de horror punk Misfits. O fest acontece no Hangar do Aeroclube Campo de Marte e se estende até o dia 20/11, com mais de 30 atrações.

Além de Doyle, o primeiro dia do Oxigênio Festival 2022 terá Zumbis do Espaço, Carbona, Excluídos e Corazones Muertos, além da discotecagem de Thiago DJ (apresentador do programa Heavy Pero no Mucho, da Rádio 89 FM).

Ainda tem ingresso para todos os dias do Oxigênio Festival, garanta a entrada aqui: www.oxigeniofestival.com.br

Doyle, ou Wolfgang von Frankenstein, como também é conhecido, é uma personalidade do punk mundial e traz pela primeira vez ao Brasil a turnê The World As We Die World.

Doyle é um guitarrista de riffs implacáveis, como pode se conferir em hits como “Headhunter” e “Land of the Dead”. Já “Dreamingdeadgirls” traz um swing de blues enegrecido, e “Love Like Murder”, carregada de desgraça, mostra uma apreciação saudável por todas as coisas do Black Sabbath. “Blood Stains” se move do lodo primitivo para o thrash fora do tempo com facilidade.

Além de São Paulo, com show exclusivo no Oxigênio Festival, ele e sua banda ainda tocam em São Luís, no Maranhão (dia 12/11, no Maranhão Open Air, MOA), e em Belo Horizonte, em Minas Gerais (dia 12, no Mister Rock).

O inédito giro também passará por outras partes da América Latina, como Buenos Aires (Argentina, 8/11), Montevidéu (Uruguai, 9/11), Santiago (Chile, 20/11), Bogotá (Colômbia, 23/11), San José (Costa Rica, 25/11), Cidade do México (México, 27/11) e Monterrey (México, 29/11).

Vans Apresenta: Oxigênio Festival 2022

O Oxigênio Festival, um dos mais queridos e concorridos eventos da música independente de São Paulo, acontece já nos próximos dias 18, 19 e 20 de novembro no Hangar do Aeroclube Campo de Marte. O evento terá dois palcos ao ar livre para receber mais de 30 artistas, entre nomes nacionais e dois internacionais: Doyle (Misfits) e Helmet.

Assim como nas últimas edições, o Oxigênio Festival 2022 terá estrutura semelhante aos grandes festivais gringos, com ampla área externa para receber o público e dispostos um de frente para o outro, mas distantes o suficiente para que tudo aconteça de forma independente e em horários alternados.

Na sexta-feira (18/11), o Oxigênio Festival 2022 terá Doyle, Zumbis do Espaço, Carbona, Excluídos e Corazones Muertos, além da discotecagem de Thiago DJ.

Contando com 14 shows, o segundo dia de festival começa às 12h e terá Di Ferrero, Supercombo, Kamaitachi, Glória, Menores Atos, Pe Lanza, Cefa, Axty, Odeon, Meu Funeral, Ravel, Impavid Colossus e Fake Honey. A noite também contemplará o já tradicional karaokê do Oxigênio, com a banda Karaokillers.

O terceiro e último dia, domingo (20/11), também abrirá às 12h e será a vez de mais 14 bandas se apresentarem no Aeroclube – com mais um nome internacional de peso: Helmet, ícone do rock alternativo formado em 1989 na cidade de Nova Iorque (EUA) e com um estrondoso sucesso na década de 1990, além de ter sido e ainda ser influência para novas bandas de indie, punk e até metal.

Junto ao Helmet, CPM 22 na turnê dos 27 vitoriosos anos de carreira, Pense com nova formação, Garage Fuzz, Gritando HC, DFC, Colligere, The Mönic, Flicts, Forgotten Boys, Abraskadabra, Der Baum, Tara Bipolar e mais uma edição do Karaokillers.

A realização é da GIG Music com o Hangar 110. O Oxigênio Festival 2022 ainda conta com patrocínio da Monster Energy, Instax Fuji Film e Xeque Mate.

DISCO PERDIDO

COMUS - "First Utterance"- (uk 1971)

Em 1967 os guitarristas Roger Wootton e Glenn Gloring e aos 17 anos já tocavam em clubes folk; Eles tocaram músicas do Velvet Underground principalmente entre outros grupos. Do seu público um amigo-admirador destes: David Bowie, que viria a emprestar-lhes seus estúdios de gravação mais tarde. O casal passa a recrutar componentes até o número de seis, destacando também a incorporação de Bobbye Watson como esplêndido cantor e percussionista aos 16 anos.
A música de Comus estava cheia de instrumentação com violinos, violas, flautas, violões... mas o que os fez se destacar principalmente foram suas vozes emocionantes chegando ao extremo do transe e da loucura controlada, semelhante à de Roger Chapman do Family em seu show concertos. Embora fosse algo diferente, os críticos não foram muito bons com eles, então a banda se separou em 1972; no entanto, dois anos depois, em 1974, eles se reuniram novamente para gravar seu segundo e último álbum "To Keep From Crying" mas os objetivos desejados não foram alcançados e este seria o fim da banda mesmo que nos anos noventa eles fizessem alguns aparição em público.


                                   ROGER WOOTTON..guitarra e vocal - ANDY HELAVY.. baixo - GLENN GLORING..guitarra e vocal
                              COLIN PEARSON..violino, viola - BOBBYE WATSON..percussão e voz- ROB YOUNG..percussão., flauta

                                                             
                                                                               Diana

                                                                 

                                                                          gotejamento gotejamento

 Canção para Commus

 

* *

Edição Maxi Single com três músicas

Nos olhos da rainha perdida

Segundo álbum de Comus

POEMAS CANTADOS DE SÉRGIO GODINHO

O Carteiro

Sérgio Godinho

 

Manhã cedo segue a marcha

Sempre na mesma cadência

E lá vai de caixa em caixa

Metendo a correspondência

Para uns são alegrias

Para outros tristezas são

O carteiro não tem culpa

É a sua profissão

Chegou o carteiro

Das nove p'ras dez

A vizinha do lado

De roupão enfiado

Chegou-se à janela

Em bicos de pés

E logo gritou

Traz carta p'ra mim?

E o carteiro que é gago

Espera um bocado

E responde-lhe assim

Não não não não não

Não não não trago nada

Só só só só só

Só trago o pacote

Da sua criada

E o sr. Roque desespera

Pelo vale que nunca vem

Vai sentindo infelizmente

Como faz falta o vintém

Para uns são alegrias

Para outros tristezas são

O carteiro não tem culpa

É a sua profissão

Chegou o carteiro

Quando o carteiro se atrasa

Os protestos são em coro

As garotas ansiosas

Por notícias do namoro

Para umas são alegrias

Para outras tristezas são

O carteiro não tem culpa

É a sua profissão

Chegou o carteiro

O Charlatão

Sérgio Godinho

 

Numa ruela de má fama

faz negócio um charlatão

vende perfumes de lama

anéis de ouro a um tostão

enriquece o charlatão

No beco mal afamado

as mulheres não têm marido

um está preso, outro é soldado

um está morto e outro f´rido

e outro em França anda perdido

É entrar, senhorias

a ver o que cá se lavra

sete ratos, três enguias

uma cabra abracadabra

Na ruela de má fama

o charlatão vive à larga

chegam-lhe toda a semana

em camionetas de carga

rezas doces, paga amarga

No beco dos mal-fadados

os catraios passam fome

têm os dentes enterrados

no pão que ninguém mais come

os catraios passam fome

É entrar, senhorias

a ver o que cá se lavra

sete ratos, três enguias

uma cabra abracadabra

Na travessa dos defuntos

charlatões e charlatonas

discutem dos seus assuntos

repartem-se em quatro zonas

instalados em poltronas

P´rá rua saem toupeiras

entra o frio nos buracos

dorme a gente nas soleiras

das casas feitas em cacos

em troca de alguns patacos

É entrar, senhorias

a ver o que cá se lavra

sete ratos, três enguias

uma cabra abracadabra

Entre a rua e o país

vai o passo de um anão

vai o rei que ninguém quis

vai o tiro dum canhão

e o trono é do charlatão

Entre a rua e o país

vai o passo de um anão

vai o rei que ninguém quis

vai o tiro dum canhão

e o trono é do charlatão

É entrar, senhorias

a ver o que cá se lavra

sete ratos, três enguias

uma cabra abracadabra

BIOGRAFIA DOS Blackjack

 

Blackjack

O sucesso é um negócio traiçoeiro e interessante. Muitas vezes, talentos natos acabam não o alcançando juntos. Mas ao se distanciarem, aparentemente perdendo força, é justamente quando a coisa começa a acontecer como era esperado. Foi assim que o destino atuou nas carreiras de Michael Bolton (aqui ainda usando seu sobrenome de batismo, Bolotin) e Bruce Kulick, que antes de conquistarem a fama, fizeram dois grandes discos – que passaram despercebidos pelo grande público – com o Blackjack. Uma pena, pois o som da banda tem tudo para agradar os fãs de um Hard/Classic Rock setentista, remetendo a nomes como o Whitesnake da primeira fase, a sem laquê (risos). 

Michael já possuía experiência profissional, tendo gravado dois trabalhos solo para a RCA Records. Ambos contavam com repertório mais voltado para o R&B. Já Bruce tinha participado – junto a seu irmão, Bob – da banda de apoio de Meat Loaf durante a tour do clássico Bat Out of Hell. Completam o grupo o baixista Jimmy Haslip (Tommy Bolin, Allan Holdsworth, Al Jarreau) e o baterista Sandy Gennaro (Joan Jett, Pat Travers Band). Os teclados foram gravados pelo músico contratado Jan Mullaney. A Polydor, gravadora do quarteto, deu grande suporte, divulgando-os como a próxima grande banda da cena. Não vingaram, mas incentivo não faltou. 

O disco de estreia é uma verdadeira aula no estilo, com dez ótimas faixas, feitas sob medida para agradar os rockers de todas as gerações. A empolgante “Love Me Tonight” já dá uma mostra do que espera o ouvinte. Em “Heart of Stone”, Michael parece incorporar o David Coverdale do começo de carreira, assim como em “Southern Ballad”, música de título auto - explicativo, capaz de emocionar até mesmo o mais troo dos troos. A pegada Hard volta a tomar conta em “Fallin’”, que assim como “I’m Aware of Your Love” (com seu refrão simples e cativante) conta com backing vocals femininos que se encaixam de maneira perfeita. 

Apesar da recepção morna, o grupo voltou para o estúdio e registrou aquele que seria seu derradeiro álbum. Apesar do desempenho nas paradas ter sido ainda mais fraco, Worlds Apart não deixa de trazer momentos memoráveis. A abertura com “My World is Empty Without You” traz um Bolton ainda mais inspirado, cantando com a alma. “Love is Hard to Find” já indicava a aproximação ao AOR que o cantor faria no começo de sua carreira - solo. Já “Welcome to the World” é a mais pesada que o Blackjack fez em sua curta existência, lembrando Uriah Heep e com Bruce mostrando toda sua desenvoltura nas seis cordas. “Really Wanna Know” também merece ser citada, com uma levada irresistível. Mas nem isso foi o suficiente para evitar o fracasso comercial. 

Após a dissolução da banda, Michael Bolton partiu para uma bem - sucedida empreitada própria, especialmente quando resolveu aderir à música romântica para tiozões e tiazonas que gostam de dançar de rosto colado em um salão à meia-luz fedendo a cigarro. Bruce Kulick o acompanhou no início, mas logo se juntaria ao KISS, onde encontraria glória e grana. Jimmy Haslip entrou para a história ao fundar o Yellowjackets, grupo considerado um dos pioneiros do Fusion. Sandy Genaro seguiu sua carreira como músico de apoio. Atualmente, os discos estão fora de catálogo, mas já foram lançados juntos em edição única em duas oportunidades diferentes, uma pela própria Polygram em 1990 e outra em 2006 pela Lemon Records. Texto: Combe do Iommi. 

Integrantes.

Michael Bolton (Vocais)
Bruce Kulick (Guitarra)
Jimmy Haslip (Baixo)
Sandy Gennaro (Bateria)

Worlds Apart (1980)

MUSICA&SOM - senha muro

01. My World Is Empty Without You (3:09)

02. Love Is Hard To Find (3:18)
03. Stay (4:37)
04. Airwaves (3:43)
05. Maybe It's The Power Of Love (3:48)
06. Welcome To The World (4:33)
07. Breakaway (4:16)
08. Really Wanna Know (3:47)
09. Sooner Or Later (3:39)
10. She Wants You Back (2:53)

Crítica do disco de Sendelica - 'And Man Created God' (2021)

 Sendelica - "And Man Created God"

(14 de agosto de 2021, auto-produzido)

Hoje é a vez de apresentar o mais recente álbum do grupo galês SENDELICA , que se intitula "And Man Created God" e foi publicado em 14 de agosto de 2021. O ensemble atualmente é formado por Pete Bingham [guitarras e efeitos], Colin Consterdine [bateria, teclados e aparelhos eletrônicos], Lee Relfe [sax] e Glenda Pescado[bass] se mostrou em grande estilo com esta nova exposição de psicodelia progressiva com foco no space-rock, sempre aberta a flertar com krautrock, acid-folk, fusion contemporâneo e cyber avant-garde. Na penúltima faixa deste álbum, Elfin Bow colabora na música. Este grupo iniciado como trio em 2005 dá claros sinais da validade da sua energia criativa neste, o seu vigésimo álbum de estúdio, dentro de uma vasta discografia que inclui ainda vários EPs e álbuns ao vivo. Este grupo já tem seguidores cult nos circuitos underground britânicos e europeus continentais de rock psicodélico e experimental. “And Man Created God” foi lançado em CD e vinil duplo, pela FRG Records e Fruits De Mer Records, respectivamente; há também uma edição especial em vinil duplo (nas versões preta, transparente e multicolorida) e CD que foi feito em conjunto pelas gravadoras Fruits De Mer e Cramobophone Records. Agora vamos ver os detalhes do amplo e ambicioso repertório deste álbum em questão, ok?

Com sua duração de 8 minutos, 'Aeolian Sunrise' dá o pontapé inicial exibindo um imponente halo etéreo cheio de cores e nuances flutuantes, criando com elas um amálgama sonoro que se localiza na encruzilhada entre o TANGERINE DREAM do palco 78-80, HARMONIA e a faceta prog-eletrônica de alguns DJAM KARET. O desenvolvimento temático explora de forma confiável o potencial evocativo do motivo central, que se concentra principalmente na interação entre as espessas camadas do sintetizador e as escalas do violão. A percussão programada guarda uma cadência tribal que permite ao grupo elaborar algumas peças fusionais. Na última instância desse desenvolvimento, a densidade do esquema sonoro é ligeiramente aumentada com a irrupção do fraseado cósmico da guitarra elétrica, embora seja bastante claro que o halo etéreo permanece incólume com esta ligeira variação. Segue-se 'Exodus From Ur', uma peça que não estabelece muitas distâncias daquela que abriu o álbum em termos de criação e manipulação de climas cósmicos, mas que se distingue por utilizar em várias ocasiões um groove mais intenso à época para estabelecer a engenharia básica que sustentará a jornada musical do conjunto. Isso funciona com especial prazer nos últimos minutos com vista ao clímax final. Considerando o refinamento furtivo dos arranjos, as confluências com DIAGONAL e OZRIC TENTACLES são claras (talvez um pouco com DJAM KARET também) para este zênite do álbum. Quando chega a vez de 'Deuterosophia', o grupo muda de registro e é transportado para sua faceta mais introspectiva, tocando sabiamente com uma batida parcimoniosa enquanto constrói vários recursos orquestrais de teclado ao longo do caminho, algo que é totalmente útil para a guitarra deixar sua imparável e inerente majestade carregar os 9 minutos e meio que a música dura. Sonicamente, uma estrutura Floydiana opera aqui e o ensemble a filtra através do parâmetro de alguns STICK MEN. 'MMT' se encarrega de receber os ecos das duas primeiras músicas e remodelá-los em um frescor e ágil. A ocasião genuinamente se presta ao grupo desenvolver recursos de lirismo sólido dentro do atual fluxo de rocha espacial. algo que é totalmente útil para a guitarra deixar de lado sua imparável e inerente majestade ao longo dos 9 minutos e meio que a música dura. Sonicamente, uma estrutura Floydiana opera aqui e o ensemble a filtra através do parâmetro de alguns STICK MEN. 'MMT' se encarrega de receber os ecos das duas primeiras músicas e remodelá-los em um frescor e ágil. A ocasião genuinamente se presta ao grupo desenvolver recursos de lirismo sólido dentro do atual fluxo de rocha espacial. algo que é totalmente útil para a guitarra deixar de lado sua imparável e inerente majestade ao longo dos 9 minutos e meio que a música dura. Sonicamente, uma estrutura Floydiana opera aqui e o ensemble a filtra através do parâmetro de alguns STICK MEN. 'MMT' se encarrega de receber os ecos das duas primeiras músicas e remodelá-los em um frescor e ágil. A ocasião genuinamente se presta ao grupo desenvolver recursos de lirismo sólido dentro do atual fluxo de rocha espacial.

'Tainted Goat' e 'Seren Golawr' são as peças mais longas do repertório, cada uma com mais de 11 ½ minutos. A primeira dessas canções mencionadas explora um groove marcado por um certo espírito de fusão para dar uma graça peculiar à robusta engenharia rítmica, que permite ao grupo dar asas à sua dimensão mais musculada, embora sem chegar ao verdadeiro crush. As confluências com SUPERFJORD e SONIC DEBRIS são, no mínimo, fáceis de notar no desenvolvimento desta viagem musical temperada que afirma o seu magnetismo essencial. Por sua vez, 'Seren Golawr' se concentra em recuperar e capitalizar a aura mística das duas primeiras peças do álbum para impulsioná-las para uma expressividade épica cuja natureza nebulosa aproxima a banda um pouco do padrão pós-rock. Há uma mistura de brilhos do último crepúsculo e vibrações da noite escura na maneira como os instrumentos se entrelaçam para definir o corpo central simples junto com as atmosferas circundantes. Estes vêm à tona com solvência, preenchendo espaços enquanto os solilóquios de Elfin Bow aumentam a sensação mágica que emana da própria peça. No meio deles está o fio de 'The Seekers' e 'Illuminated Skies', enquanto 'The Seekers' recupera o vitalismo lírico do tema #4 e o eleva a um nível mais alto de expressionismo onírico. A chave para esta explicação bem conseguida está na maneira altamente articulada em que o toque de guitarra e a estrutura fornecida nos teclados estão conectados: daí se projeta um brilho sonoro muito eloquente que se encaixa em um diagrama muito poderoso em relação à preciosidade progressiva. Quanto a 'Illuminated Skies', esta também é uma faixa bastante animada, mas seu nível de sofisticação é um pouco menor do que a peça anterior. Sua força está em seu gancho. O álbum termina com 'Epilogue Sunset', um exercício de minimalismo no estilo BRIAN ENO combinado com uma guitarra psicodélica que fica a meio caminho entre os paradigmas de ASH RA TEMPEL e KING CRIMSON. Uma coabitação eficaz de ar e fogo. um exercício de minimalismo no estilo BRIAN ENO combinado com tocar guitarra psicodélica que fica a meio caminho entre os paradigmas de ASH RA TEMPEL e KING CRIMSON. Uma coabitação eficaz de ar e fogo. um exercício de minimalismo no estilo BRIAN ENO combinado com tocar guitarra psicodélica que fica a meio caminho entre os paradigmas de ASH RA TEMPEL e KING CRIMSON. Uma coabitação eficaz de ar e fogo.

Tudo isso é o que o grupo SENDELICA nos deu com este trabalho ambicioso que é "E o Homem Criou Deus", uma grande contribuição para o avanço progressivo do ano de 2021 do lado do rock espacial. Um álbum forte e emocionante que recomendamos genuinamente como um item em qualquer boa biblioteca de música de rock experimental.

- Amostras do álbum 'And Man Created God':

Revisão do álbum Jethro Tull - 'The Zealot Gene' (2021)

 

Os britânicos Jethro Tull continuam a contar com a criatividade de Ian Anderson

Jethro Tull - 'The Zealot Gene'
(28 de janeiro de 2022, InsideOut Music)

1. Mrs. Tibbets 5:54
2. Jacob's Tales 2:13
3. Mine Is The Mountain 5:40
4. The Zealot Gene 3:54
5. Shoshana Sleeping 3:41
6. Sad City Sisters 3:40
7. Barren Beth, Wild Desert John 3:37
8. The Betrayal Of Joshua Kynde 4:06
9. Where Did Saturday Go? 3:53
10. Three Loves, Three 3:30
11. In Brief Visitation 3:00
12. The Fisherman of Ephesus 3:41

Depois de mais de 20 anos, o lendário Jethro Tull lançou um novo álbum de estúdio, ' The Zealot Gene '. Das músicas que compõem este novo álbum, algumas foram gravadas com toda a banda em estúdio, enquanto outras foram compostas por eles. Anderson fazia o que fazia em casa, mandava para os colegas que estavam somando suas contribuições e lapidando os temas.

Da mesma forma, o grupo que foi apresentado em 2007 passou por mudanças para 2022. Obviamente, o líder, membro fundador e gênio criativo do grupo, Ian Anderson (vocal, flauta, violão e gaita), Florian Opahle , deixou o grupo recentemente, mas ele aparece nos créditos porque gravou várias das guitarras ouvidas no álbum. David Goodier (baixo) chegou em 2007, assim como John O'Hara (teclados, backing vocals e acordeão). Enquanto Scott Hammond (bateria) entrou em 2017 e Joe Parrish (guitarra) substituiu Opahle em 2020.

E embora o Jethro Tull não tenha lançado material como um grupo há anos, os lançamentos solo anteriores de Anderson incluíam os nomes que participaram desse novo trabalho da lendária banda, então essas novas músicas contêm aspectos e sons ouvidos em ' Thick as a Brick 2 ' ( 2012) e ' Homo Erraticus ' (2014)

'The Zealot Gene' é inspirado em histórias bíblicas para o conteúdo de suas letras, passando pela traição de Judas a Jesus, fazendo uma reinterpretação da história de Moisés e sua relação com Deus, mas sempre fazendo paralelos, nunca sendo direto, explorando diferentes aspectos dessas histórias bíblicas.

O álbum abre com 'Mrs Tibbets' (5:54) tem uma sonoridade amalgamada onde cada elemento faz sentido na grande massa sonora que tem a identidade e marca registrada do Jethro Tull com um piano bem presente e a flauta de Anderson como sempre esvoaçando, adornando e sendo fundamental em vários pontos da composição. Destaca-se o sólido solo de guitarra de Florian Opahle.

Em seguida, vem 'Contos de Jacó' (2:13). Composição que soa mais como o rim de Anderson do que o grupo como um todo onde se alternam e se juntam: 1 violão, bandolim, gaita, enquanto a voz de Ian acompanha esses instrumentos. Um tema simples, mas cativante e bem-humorado.

Com 'Mine Is The Mountain' (5:40) entramos em uma faixa mais misteriosa, mais dinâmica e, portanto, muito mais próxima dos maiores sucessos do Jethro Tull. Um piano sombrio e a flauta de Anderson novamente sendo o principal aditivo mas aqui sendo mais sombrio e contribuindo para o visual sombrio da faixa, atuando quase como um duo.

Na quarta faixa encontramos 'The Zealot Gene' (3:54) uma reivindicação desesperada contra este mundo polarizado com a voz de Anderson com os outros instrumentos apoiando sua diatribe contra o mundo dividido.

Passamos então para 'Shoshana Sleeping' (3:41) com a melhor interpretação de flauta de Anderson neste álbum que é sinuoso e sinuoso, sendo o protagonista total da quinta faixa que é ousada e implacável. Por outro lado temos a voz do líder do Jethro Tull que está passando por algum efeito que dá um caráter diferente à música. Isso não é algo que só se ouve aqui, mas se repete do início ao fim neste novo trabalho da banda onde a voz de Ian tem efeitos de reverb e delay.

Em 'Sad City Sisters' (3:40) bandolim, acordeão e flauta se unem para criar uma música acústica de caráter plácido onde os três instrumentos estão imersos em uma bela interpretação que mostra toda a habilidade como compositor.

Já neste ponto já se percebe como o contraste entre canções mais acústicas e outras canções mais rock conferem ao álbum uma solidez em que ambas as linhas sonoras se apoiam para criar um trabalho atractivo.

Como acontece depois com 'Barren Beth, Wild Desert John' (3:37) música poderosa com uma boa interpretação que brilha ainda mais com 'Sad City Sisters' na faixa anterior. 'Barren Beth…' com uma guitarra que faz um bom par com a bateria, assim como a flauta e a voz de Anderson, mais uma vez roubando o filme.

Continuamos com 'The Betrayal of Joshua Kynde' (4:06) uma composição emocionante e motivadora baseada no piano e na flauta com espaços marcantes para a guitarra com solos e riffs memoráveis ​​que vão direto para sua memória.

Um violão e a voz de Anderson são mais do que suficientes para conquistá-lo e deixá-lo preso em uma música como em 'Where Did Saturday Go?' (3:53) que brilha ainda mais com o solo de flauta que cria um momento mágico.

'Three Loves, Three' (3:30) tem a sensibilidade e ternura que só o gênio criativo de Anderson poderia lhe dar com seu violão, flauta e seu canto, provando que às vezes menos é mais na música. Este tema está ligado à penúltima canção, 'In Brief Visitation' (3:00) com uma união marcante de flauta e violão com um ritmo repetitivo, mas engenhoso e eficaz, mas ao mesmo tempo emocional e avassalador.

Fechamos com 'O Pescador de Éfeso' (3:41) é um maravilhoso fechamento com uma das composições mais bem conseguidas com todos os instrumentos misturados e ajustados para conseguir um fechamento muito bom onde a bateria aparece com força e precisão, o teclado e o violão dando a sensibilidade, enquanto Anderson mais uma vez coloca a barra e a cereja em uma faixa tão bonita com suas intervenções na flauta cantando com grande ardor.

Para encerrar, tiro várias conclusões: Anderson é um homem que faz da flauta outra parte de seu corpo. Ele a manipula e a controla apenas como sabe. Cada nota, cada solo, cada riff é medido e ajustado para a composição onde se desenrola, nunca sendo desarticulado ou deslocado.

Gostei mais das músicas em que a banda estava mais envolvida em que Anderson não era ouvido apenas como 'Mrs Tibbets', 'Mine Is The Mountain' ou 'The Zealot Gene' ao contrário de 'Where Did Saturday Go?' ou 'Contos de Jacob'. Cuidado, não estou dizendo que são músicas ruins, só que acho que as que são ouvidas com mais intervenções e participação dos outros membros parecem melhores. Ainda daquelas faixas que o Anderson está sozinho eu gostei muito de 'In Brief Visitation'.

Quanto à voz de Anderson, está claramente diminuída e nem tem a capacidade de décadas passadas, mas mesmo assim, o vocalista do Jethro Tull consegue transmitir e as diferentes emoções necessárias a cada faixa.

Este é um bom álbum do Jethro Tull com um Anderson que continua a mostrar porque ele é o gênio criativo da lendária banda e que é muito difícil imaginar um futuro sem ele.