Resenha: Big Big Train – The Underfall Yard

Disco: The Underfall Yard
Ano: 2009
Selo: English Electric Recordings
Tipo: Estúdio

Faixas:
1. Evening Star – 4’52
2. Master James Of St. George – 6’18
3. Victorian Brickwork – 12’32
4. Last Train – 6’27
5. Winchester Diver – 7’30
6. The Underfall Yard – 22’59

Formação:
David Longdon – voz/flauta e glockenspiel
Andy Poole – baixo e teclados
Greg Spawton – guitarras/teclados e baixo
Músicos convidados:
Nick D’Virgilio – bateria
Dave Gregory – guitarras e cítara elétrica
Francis Dunnery – guitarra
Jem Godfrey – solos de sintetizador
Rich Evans – corneta
Dave Desmond – trombone
Jon Foyle – violoncelo
Nick Stones – french horn
Jon Truscott – tuba

Ouça:

Resenha:
1. Evening Star
Estonteante início, vocais em camadas, uma cascata sonora que dá o belo início que o disco merece! Sim, porque The Underfall Yard (2009) foi disparado um dos melhores lançamentos daquele ano.
Pouco mais de 2 minutos, vocais e instrumentos fazem um casamento conciso. Os sopros na sequência dão uma sensação vitoriana, o que foi com certeza proposital, preparando a segunda faixa…

2. Master James Of St. George
… que marcada por baixo e bateria (participação mais que especial de Nick D’Virgilio do Spock’s Beard no disco todo) iniciam nossa jornada.
Não é de hoje que bandas assim me cativam, a sonoridade ao mesmo tempo intrincada e as melodias suaves fazem com que procuremos os detalhes, sejam nos vocais sobrepostos ou nas linhas instrumentais.
Vocais, que diga-se de passagem são ótimos, David Longdon é um grande vocalista.
Pouco mais de 4 minutos, guitarra sola e Dave Gregory faz bonito, então temos o último minuto de beleza com direito a assobio e mar no final, e ai de quem diga que assobio é coisa de balada de hair metal!

3. Victorian Brickwork
O mar é pra fazer com que a terceira faixa sinta-se em casa.
Como disse anteriormente, o ar vitoriano é proposital e a velha Inglaterra é a base pro trabalho da banda.
Mas não a única influência! Aos 2 minutos o Rock Progressivo mais ‘hard’, digamos assim é mostrado bem ao estilo do Spock’s Beard e consequentemente Neal Morse.
O trabalho do Big Big Train é elaborado, desde o disco anterior, o elogiado The Difference Machine (2007), a banda já nos brindava com esse grande som sinfônico, onde as camadas sonoras trabalham em prol de um bem maior: a boa composição.
Impossível narrar com palavras os mais de 12 minutos de ‘Victorian Brickwork’, mais fácil sentar e ouvir com atenção, atenção essa que nos falta em nossos dias atuais.

4. Last Train
Em ‘Last Train’ fica óbvia a influência do Genesis no trabalho da banda, tanto nos violões de 12 cordas quanto no vocal de David Longdon. Nada mais justo, o Genesis é o pai desse estilo sinfônico acústico que conta histórias incomuns.
A flauta, aqui e ali, era mesmo obrigatória, solo final arrebatador.

5. Winchester Diver
A penúltima faixa de The Underfall Yard (2009) nos brinda com pouco mais de 7 minutos bem construídos entre flautas, teclados, guitarras e bem trabalhada dupla a bateria de Nick D’Virgilio e o baixo, nessa faixa tocado por Andy Poole.
O violino acompanha o vocal enquanto apenas a atmosfera fica.
A proximidade do 5º minuto embala ‘Winchester Diver’, mas quando achamos que a atmosfera mudará… uma parada abrupta, e isso só confirma o que eu disse anteriormente, um dos melhores lançamentos de 2009, e da década!

6. The Underfall Yard
A faixa que dá nome ao disco é um épico de 23 minutos. A última música nos leva diretamente a 1973, ano da melhor safra do Rock Progressivo mundial, mas sem ranço. A música do Big Big Train não é derivativa, pelo contrário, é nova, cheia de personalidade, mas carrega em seu DNA todos os bons motivos pelos quais nos apaixonamos pelo Rock Progressivo.
Um desses motivos é o mais forte em todo bom lançamento sinfônico, a emoção. Sem que a banda consiga passar emoção em sua música ela nunca conseguirá cativar seu público, como muitas que ficaram pelo caminho. Seja pela emoção cerebral de Roger Waters (Pink Floyd), pelo coração na garganta de Jon Anderson (Yes) ou pela espontaneidade de Ian Anderson (Jethro Tull), o que conta, ao meu ver, no bom Rock Progressivo é a emoção. Mais do que o virtuosismo em si, os dois devem andar de mãos dadas, mas nunca um sobrepujando o outro!
Eis que o Big Big Train consegue trazer os dois aos nossos ouvidos, e em pleno 2009, especialmente nessa última faixa.

Conclusão:
Não há outra maneira de terminar essa resenha a não ser dando nota máxima a The Underfall Yard (2009). E que venha o próximo disco da banda!

Robert Fripp – Exposures (2022)

 

…Esta enorme caixa de 32 discos documenta a germinação de vários projetos de Robert Fripp, longos e, em alguns casos, de curta duração. No cerne de quase tudo abordado durante esse tempo está a exploração do Frippertronics pelo guitarrista, tanto como um veículo solo quanto, como “Frippertronics aplicado, um meio de investigação de sintetizador pré-midi/pré-guitarra da guitarra como orquestra. Em “Notas de um compilador”, do diretor da Panegyric Recordings, Declan Colgan, também incluído no livreto de 50 páginas da Exposures , ele observa: “O Tape Loop é o ponto de partida. O Tape Loop é o ponto inicial. The Tape Loop…”
Apesar de muitas outras gravações em seu nome nas décadas seguintes, o apropriadamente intitulado Exposures , em sua documentação completa do trabalho inovador de Fripp entre 1977 e 1983, também…

MUSICA&SOM

…gira consideravelmente em torno da única gravação solo “adequada” de Fripp, Exposure de 1979 , e seu extenso trabalho ao vivo Frippertronics de 1978 a 1983. Incluindo um número aparentemente infinito de apresentações ao vivo incluídas, principalmente em formato de alta resolução em Blu Ray, mas com uma seleção de opções também presente em CD e DVD, Exposures também apresenta a banda dançante de Fripp, The League of Gentlemen, além de outro grupo responsável pela parte “Under Heavy Manners” de God Save the Queen/Under Heavy Manners dos anos 1980 , Eurotronics e, mais notavelmente, Discotronics, que em uma época em que os músicos mais “sérios” afirmavam, com mais veemência, que “disco é uma merda”, demonstrou um Fripp muito mais mente aberta do que qualquer pessoa familiarizada com seu trabalho anterior do Crimson poderia imaginar.

É importante notar também que, além de uma infinidade de projetos e atividades ocupando Fripp durante o período 1977-1983 coberto por Exposures , foi também nessa época que um novo King Crimson foi cunhado. Mais, talvez, do que em qualquer outro momento da carreira de Fripp até este ponto, seu desenvolvimento estava longe de ser linear. Na verdade, é difícil imaginar um artista abrangendo tantas áreas musicais, cruzando tantas fronteiras musicais e evoluindo tão rapidamente. Se Robert Fripp pode, de fato, ser considerado o Miles Davis do mundo do art rock por seu impulso incansável de reinvenção e atualização estilística, foi durante esse período-chave que essa comparação nasceu bem e verdadeiramente.

Com tanto material, incluindo seis versões do álbum Exposure e horas e horas de gravações ao vivo do Frippertronics, novas mixagens e masters originais de gravações comerciais lançadas durante o período de seis anos de 1977 a 1983, há muitas oportunidades para comparação e contraste.

CD 1
Loops principais I

CD 2
Loops principais II

CD 3
Loops principais III

CD 1 – 3 compreende alguns dos Loops principais para Frippertronics. O disco 3 também inclui os loops da faixa Breathless . Discos 1 – 3 – Material inédito

CD 4
NYC: Exposure Master Loops e Lost in the Bush of Ghosts
Os master loops para Exposure plus loops gravados para o álbum My Life in the Bush of Ghosts de David Byrne/Brian Eno

CD 4 – Inédito, exceto. Os loops de Bush of Ghosts anteriormente disponíveis para download em dgmlive.com sob um título posterior. Novo no disco

CD 5
Last of the Great New York Heartthrobs, Plus: Exposure alt takes/rough mixes

O disco 5 contém a ordem de execução do álbum original/vocalistas/letras originais em alguns casos (com o título do álbum original proposto) como masterizado em agosto de 1978, retirado da fita master e acompanhado por uma seleção de tomadas alternativas e mixagens brutas do álbum sessões.

Disco 5 – Não lançado anteriormente, exceto faixas selecionadas da seção de material adicional anteriormente disponível para download em dgmlive.com. Novo no disco

CD 6
Exposure First Edition, Plus:
O master/ordem de execução de 2006 da Primeira Edição do Exposure plus loops gravados para Here Comes the Flood.

CD 6 – Lançado anteriormente exceto Flood Loops

CD 7
Exposure Third Edition, Plus:
O master/ordem de execução de 2006 da Third Edition of Exposure mais o material adicional desse lançamento - canções do álbum com Daryl Hall/Terre Roche vocais, mais material de Peter Gabriel II, Daryl Hall's Sacred Songs e uma mistura inédita de Here Comes the Flood from Exposure

CD 7 – Lançado anteriormente, exceto o mix Here Comes the Flood.

CD 8
Exposure Fourth Edition, 2021 Stereo Mix, Plus:
Álbum completo recém-mixado a partir das fitas originais de várias faixas por Steven Wilson seguindo a ordem de execução da Primeira Edição e todas as apresentações vocais alternativas também recém-misturadas e incluídas.

CD 8 – Novas mixagens/

CD 9
inéditos Breathless or How I Gradualy Internalized The Social Reality Of Manhattan Até que Parecesse
Ser Um Modo de Vida Muito Razoável, Mais:
Usando outro título abandonado para o álbum (assim como o disco 5) e seguintes , aproximadamente, a ordem de execução do álbum usando mixagens de Steven Wilson 2021 e, principalmente, performances vocais de Daryl Hall. Também inclui uma sequência de loops inéditos.

Disco 9 – Novas mixagens/Inéditas

CD 10 Frippertronics: The Kitchen, NYC, 5/2/78, Disco Um
CD 11 Frippertronics: The Kitchen, NYC, 5/2/78, Disco Dois
CD 12 Frippertronics: Wintergarden, Copenhagen, 18/5/79 e Polydor, Paris 23/5/79
CD 13 Frippertronics: Le Pretzel Enchainé, Montreal 19/8/79 Novos mestres dos shows da Frippertronics, incluindo os lendários primeiros shows de Nova York no The Kitchen e dois shows da turnê para apoiar o lançamento do álbum Exposure que incluiu apresentações em restaurantes, galerias de arte, escritórios de gravadoras, estações de rádio e lojas de discos.

CDs 10 – 13 – Anteriormente disponíveis para download em dgmlive.com. Novo no disco
Disco 14 God Save the Queen/Under Heavy Manners 2021 remasterizado, Plus:
GSTQ/UHM recém-masterizado a partir das fitas master originais de David Singleton. Material lançado em disco pela primeira vez em muitos anos, além de uma faixa inédita das mesmas sessões, uma única edição de UHM e God Save the King da compilação Fripp/LOG CD de 1985.

CD 14
Material lançado anteriormente em diferentes masters/formatos.

CD 15
Discotronics/UHM 2021:
UHM e faixas de sessão, versões estendidas e faixas recém-misturadas das fitas multipistas originais de Steven Wilson.

CD 15 – Novas mixagens/ Inéditas

CD 16
Under Heavy Management/Eurotronics
Faixas inéditas de sessões de gravação da época recém-mixadas por Steven Wilson e compiladas no equivalente a dois álbuns de vinil imaginários.

Disco 16 – Novas mixagens/Inéditas

CD 17
The League of Gentlemen – Paradise Club, Boston, 26/06/80 (2º show), Plus:
Gravado apenas uma semana na única turnê americana da banda. Também estão incluídas duas apresentações de ensaio, incluindo a versão LOG de Disengage.

CD 17 – Anteriormente disponível para download em dgmlive.com. Novo no disco.

CD 18
Thrang Thrang Gozinbulx e The League of Gentlemen (mixes de CD de 1985)
DGM lançou a compilação de LOG ao vivo mais as faixas do álbum original da compilação de CD de 1985 GSTK

CD 18 – Material lançado anteriormente em diferentes masters/formatos.

CD 19
The League of Gentlemen – 2021 mixagens estéreo, Plus:
Nova mixagem das fitas multipista originais de Steven Wilson, incluindo várias gravações de estúdio ouvidas anteriormente apenas em lançamentos ao vivo e mixagens alternativas de cinco faixas.

CD 19 – Novas mixagens/Inéditas

CD 20
Let The Power Fall, 2021, Plus:
Recém-masterizado a partir das fitas master originais de David Singleton e no disco pela primeira vez em muitos anos, mais uma edição única e duas mixagens anteriores de outra faixa intitulada 1984 no momento da mixagem.

CD 20 – Material lançado anteriormente em diferentes masters/formatos e/ou inédito.

CD 21
Washington Square Church, agosto de 1981, 2021 mixagens
Gravações extraídas de uma série de shows no local da cidade de Nova York (a série completa aparece em Blu-Ray, disco 27). Recentemente mixado e masterizado a partir das fitas originais de David Singleton para produzir o melhor exemplo de Frippertronics em performance.

Disco 21 – Novas mixagens/Inéditas

Disco 22 – 28 – DVDs e Blu-rays NÃO INCLUSOS

CD 29 Resplendent in Divergence
Uma coleção de Frippertronics que apareceu como faixas individuais em compilações, outros álbuns e no site do DGM reunidos e masterizados por Alex R. Mundy no DGM.
CD 29 – Lançado anteriormente, algum material inédito no disco

CD 30  Blasts and Blasms – Sessions, Jams and Rehearsals
CD 31  More Blasts, More Blasms – Sessions, Jams and Rehearsals
Dois discos de gravações e elementos de gravações de vários pontos durante as sessões de exposição dando uma visão do processo que levou ao álbum . Montado e masterizado por Alex R. Mundy no DGM.

Discos 30/31 – Algum material anteriormente disponível para download em dgmlive.com, a maioria novo em disco.

CD 32  The League of Gentlemen – Royal Exeter, Bournemouth, 21/9/80, transmissão de John Peel, 17/11/80
A turnê de outono da League of Gentlemen no Reino Unido incluiu algumas das apresentações mais energizadas da banda de curta duração. Esta gravação de público recém-masterizada é um dos poucos exemplos gravados dessa turnê. Também estão incluídas as gravações das fitas de ensaio do LOG feitas pela banda e a primeira transmissão no John Peel Show na BBC em novembro de 1980.

Dwight Twilley – Wild Dogs (1986, Remastered 2022)

 

Quarto álbum solo de Dwight Twilley e sexto lançamento no geral, Wild Dogs é um brilhante álbum pop/rock que nunca teve uma chance justa - até agora.
…O cantor e compositor alcançou dois sucessos no top 20 da Billboard 200 com quase uma década de diferença: “I'm on Fire” (1975) com The Dwight Twilley Band e “Girls” (1984). "Girls" foi retirado do álbum Jungle da EMI America do artista , mas o single seguinte do álbum, "Little Bit of Love", alcançou a decepcionante posição 77. Quando chegou a hora de gravar outro longa, Twilley optou por uma mudança para o selo independente do promotor Joe Isgro, Private I. Com o produtor Val Garay (Linda Ronstadt, Kim Carnes, James Taylor) a bordo e Twilley armado com outro lote de vermes cativantes, Wild Dogstinha todos os ingredientes do sucesso.

MUSICA&SOM

Os velhos amigos do artista Susan Cowsill, Bill Pitcock IV e Noah Shark se juntaram às sessões, assim como o parceiro de Dwight na Dwight Twilley Band, Phil Seymour. O comovente "Shooting Stars" apresentou Seymour, então lutando contra o câncer terminal que tiraria sua vida. Kim Carnes parou para adicionar vocais de fundo em “Hold On”, enquanto outros ilustres funcionários incluíram Jerry Scheff no baixo, Waddy Wachtel na guitarra e o venerável arranjador-maestro Jimmie Haskell para adicionar cordas a “Sexual”, a faixa marcada para lançamento em single. .

A produção limpa e descomplicada de Garay concentrou-se no poder das canções de Twilley e no poder da seção rítmica, e Wild Dogs parecia ser o álbum que poderia ter cimentado o lugar de Twilley no panteão pop. Mas as coisas pioraram rapidamente para o soldado I. Joe Isgro estava sob investigação por suborno; ele foi processado em 1990 por 57 acusações de crimes relacionados e, embora essas acusações tenham sido rejeitadas por um juiz, ele foi condenado por extorsão uma década depois e sentenciado a 50 meses de prisão. Com Isgro indisposto, Twilley foi transferido para o selo CBS Associated. (A CBS distribuiu os lançamentos de Private I.) Com pouco apoio dos chefes desse selo, Wild Dogsfoi deixado definhar. O LP foi lançado em maio de 1986 com pouca promoção e a nuvem de Private I pairando sobre ele. Continua sendo o último álbum de uma grande gravadora de Dwight até agora.

Mais de 35 anos depois, chegou a hora dos Wild Dogs . A reedição expandida de luxo da Iconoclassic adiciona a versão single de 7 polegadas de “Sexual” junto com oito demos direto dos arquivos de Twilley. Vic Anesini remasterizou Wild Dogs das fitas originais para a estreia deste CD.

1. Sexual
2. Wild Dogs
3. You Don’t Care
4. Hold On
5. Shooting Stars
6. Baby Girl
7. Ticket to My Dream
8. Secret Place
9. Radio
10. Spider & The Fly
11. Sexual (‘New Edit’ 7″ version) (CBS Associated single ZS4 06050, 1986)
12. You Don’t Care (Demo)
13. Wild Dogs (Demo)
14. Ticket to My Dream (Demo)
15. Baby Girl (Demo)
16. Radio (Demo)
17. Secret Place (Demo)
18. Spider & the Fly (Demo)
19. Sexual (Demo)

David Bowie - Low (1977)

Low (1977)

David Bowie

Os dois melhores álbuns de David Bowie ocorreriam em dois momentos cruciais de sua vida: o ápice de seu ego e a efêmera dissolução dele. O primeiro, refletido em The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars, foi uma obra-prima gótica extravagante que ousou o ouvinte a imaginar que sua premissa ridícula e seu personagem principal igualmente ridículo realmente existiam, uma autoimagem que Bowie passou os próximos 5 anos enterrando completamente. Até hoje, a iconografia "Ziggy" é a imagem dele que persiste. A maioria das pessoas provavelmente pensa que "Space Oddity", "Ziggy Stardust" e "Let's Dance" estão todas no mesmo álbum. O que tornou essa era de sua carreira tão frustrante foi que, em vez de construir essa persona e provar que ela tinha algum valor musical e artístico, Bowie parecia contente em navegar nessa corrente até que, presumivelmente, o mundo estivesse completamente cansado do ato. Seguindo "Ziggy",Aladdin Sane foi um álbum decentemente competente que viu Bowie tentando "americanizar" a personalidade de Ziggy, o que consistiu principalmente em dar um tapa em algumas texturas de hard rock e encerrar o dia. Pin Ups foi uma vitrine patética de covers de músicas que muitos de seus detratores ainda defendem como evidência da falta de originalidade no cerne da produção criativa de Bowie. Diamond Dogs foi um retorno à forma para um artista que precisava desesperadamente de um novo ângulo. Isso deu início a um período intermediário estranho, em que Bowie lutou para sair totalmente da cena Glam Rock, que, em grande parte por suas próprias mãos, havia perdido completamente seu brilho proto-punk e underground em favor do sucesso mainstream. Dito isto, seu próximo álbum, Young Americans, foi ainda mais popular do que o que o precedeu. A maior faixa do álbum, "Fame", revela isso - Bowie agora estava abraçando seu status de celebridade, e com isso vieram certos excessos que corroeriam sua alma e diminuiriam sua capacidade de abraçar o romântico.

Muitos diriam que Station to Station foi o segundo e último álbum dessa fase, mas eu diria que a era dos Young Americans dificilmente foi uma fase, um falso começo que precedeu a verdadeira próxima fascinação de Bowie - a New Wave. Através de nomes como Brian Eno e Iggy Pop, Bowie encontrou um novo campo no qual ele poderia projetar sua personalidade e ajudar a dar vida a ele, que começou com o já mencionado Station to Station, um álbum muito complexo, psicodélico, estranho e autodidata. -contido para eu entrar nesta revisão,O Idiota . Alguém gosta de imaginar que foi por meio dessa reinvenção artística que Bowie finalmente conseguiu dar uma olhada ao seu redor: uma terra arrasada pela atenção da mídia, vício em cocaína e, no centro de tudo, uma mente deprimida e confusa que havia perdido as esperanças. Com tudo isso em mente, ele fez as malas para a então fragmentada e sombria Berlim para clarear a cabeça e começar a trabalhar, finalmente, em seu outro melhor álbum, que eu provoquei no início desta crítica cada vez mais inchada e exagerada.

Low é quase a antítese direta de "Ziggy", que marcou o quão cansado Bowie deve ter crescido de si mesmo. Em contraste com as ondas eróticas e sensuais desse álbum, riffs compactos e produção ousada e glamorosa, este álbum é frio, mecânico, estranho e triste. Este álbum ainda foi escrito em um pré-Prazeres Desconhecidosmundo, então nunca somos empurrados contra o abismo e esmagados; em vez disso, obtemos um registro com um efeito mais suave. Nós claramente captamos a mente dispersa e torturada de Bowie sem que a música nos indique diretamente sua psique. Adequado, considerando como a maioria de nós, Bowie também não tinha muita ideia do que estava ocupando e pesando em sua mente. Se este fosse o seu primeiro disco de Bowie (o que, no meu caso, foi), você seria perdoado por não entender o porquê de todo o hype. Este álbum é desolado e não dá nenhuma indicação do ego maior que a vida do artista. Mesmo assim, é um disco incrivelmente auto-absorvido, apenas um divorciado das pretensões que atormentaram a maior parte de uma década de produção musical. Em vez disso, Bowie medita sobre suas falhas pessoais, vendo-se mais como um covarde, inamável corno em faixas como "What in the World" e "Breaking Glass". A sombria "Always Crashing in the Same Car" é uma das poucas faixas verdadeiramente identificáveis ​​de Bowie, o que parece que ele finalmente confessa o quão mal ele tem administrado sua vida e o círculo plano de arrependimentos nietzschiano que ele parece continuar encontrando até os joelhos. "Be My Wife" e "A New Career in a New Town" abrangem notas mais otimistas e esperançosas. Digno de nota é como Bowie eventualmente experimentaria o último em sua faixa final "I Can't Give Everything Away", que da mesma forma pinta uma ideia de que mesmo após a morte, há esperança para o que vier a seguir. Devo mencionar que "Be My Wife", que chega aos 16 minutos do álbum, é a última faixa que tem alguma letra. eu estava Estou brincando sobre como este álbum parece solitário e esparso, e grande parte disso se deve à total falta de lirismo neste álbum. Notavelmente ausente está o enceramento poético existencial tipicamente absurdo de Bowie, de fato, muitas das letras nem mesmo rimam. Este é um álbum de paisagem mental que prioriza o sentimento e a atmosfera sobre a teatralidade barroca.

Então, o que torna este álbum bom? Afinal, até agora eu pareço cobrir apenas o que falta neste álbumde seus trabalhos anteriores. Eu provavelmente pintei a imagem de um álbum tão minimalista que é absolutamente intercambiável com praticamente qualquer álbum de qualquer outro artista. No entanto, é aqui que a beleza do álbum se torna aparente. Ao negligenciar o lado de si mesmo que "deveríamos" ver, o ato de desempenho do deus do sexo alienígena principalmente falso, vemos outro lado do homem, o inefável funcionamento mental interno que nos informa que o tempo todo, o homem realmente via o mundo dessa maneira. Este álbum não está apenas muito longe da persona Ziggy, ele existe em uma galáxia que ainda nem captou esses sinais de rádio e, ainda assim, o álbum aparece com sintetizadores alegres e cintilantes e texturas musicais peculiares que pintam um mundo isso é rico, complicado e completamente maravilhoso do mesmo jeito.

Este primeiro lado peculiar, adorável e artístico, que dificilmente poderia ser chamado de música pop, rapidamente se dissolve em seu B-Side. Uma das vantagens de ouvir este álbum em vinil é que você teria que trocar um disco por outro, dando-lhe tempo para absorver o que acabou de ouvir e se preparar para o que está por vir. Ao ouvir este álbum no serviço de streaming de sua escolha, a forte mudança tonal entre "A New Career" e "Warszawa" acontece tão rapidamente que você não é apenas pego de surpresa, você mal percebe o que está acontecendo. Portanto, antes de ouvir este álbum, sugiro humildemente que você se dê um minuto ou dois entre o lado A e o lado B, a fim de apreciar plenamente o que está acontecendo entre eles. E ainda, tudo o que foi dito, há ', que é completamente diferente de tudo que Bowie havia feito até aquele ponto (e nem tanto como sua interpretação do mesmo conceito em "Heroes" ). Anteriormente, eu disse que terminamos com as letras, o que na verdade é apenas tecnicamente verdade. Há letras em "Warszawa" e "Subterraneans", mais ou menos . Eles são apresentados nessa linguagem inventada, linguagem de sonoridade arcaica que comunica apenas o que parece comunicar. O conceito e efeito prevê Sigur Rósimpressionantes 22 anos de antecedência. Quanto à música em si, a influência de Brian Eno (que, para constar, co-produziu o álbum) é tão aparente que alguns acusaram Bowie de apenas deixar o homem assumir o controle a partir deste ponto. Isso não poderia estar mais longe da verdade, no entanto, a música parece quase uma continuação de Before and After Science . A contribuição de Bowie para esse som foi um senso elevado de emoção e escala. Isso parece Koyaanisqatsi se fosse filmado na porra de Marte. "Warszawa" é um hino coral que soa como se estivesse em um estado de colapso lento e permanente. "Art Decade" é uma viagem misteriosa através de uma caverna subaquática. "Weeping Wall", que ecoa algumas das composições minimalistas de Steve Reich ,A proto-eletrônica de Terry Riley . É uma peça puramente emocional que, combinando com seu nome, soa como uma parede de lágrimas espalhadas. Por fim, "Subterraneans" é uma partida lenta e sobressalente do mundo deste álbum, que é triste no som e na reflexão de que o álbum jogou sua última mão e agora, infelizmente, acabou, destinado a ser tocado novamente em alguns outro dia solitário.

Quando ouvi este álbum pela primeira vez, tive a impressão de que era intrigante, mas desequilibrado. Ainda não estou convencido de que o último não seja verdadeiro até certo ponto, mas tendo vivido e crescido ao lado deste álbum, cheguei a ver onde as extremidades entre seus dois lados se encontram: ambos com o esforço do álbum, sendo a ablução do ego de Bowie e com a sensação do álbum, com seu mundo solitário, mas belo, rico e estranho. Você pode ouvir este álbum e esquecer que outras pessoas existem. Mais notavelmente, você pode esquecer que David Bowie existe, e é por isso que, o que quer que eu tenha dito sobre sua música, é o que torna este álbum uma declaração tão significativa. É uma jornada na mente de alguém mais mito do que homem, da mesma forma que os grandes compositores antigos provavelmente tentaram realizar com suas peças mais reflexivas. E assim como os velhos mestres, este álbum também está destinado a ser visto algum dia como apenas mais um capítulo do David Bowie Mythos, supondo que ainda não tenha sido. No entanto, mesmo observando além da pompa narrativa que o cerca, uma inspeção cuidadosa deLow o revela como o momento pessoal mais tocante de Bowie, algo que deve ser preservado e lembrado, desde que o artista que o criou seja igualmente preservado e lembrado. Se "Ziggy Stardust" é o álbum que explica por que Bowie se tornou um ícone em primeiro lugar, Low é o álbum que devemos usar para explicar por que ainda estamos falando e pensando nele depois de todos esses anos.

YMO - Technodelic (1981)

Technodelic (1981)

YMO

Que ano é esse mesmo? O segundo esforço de 1981 da YMO é tão voltado para o futuro quanto o primeiro, com inovações - ou seja, o uso de samples e loops digitais que às vezes o aproximam do techno moderno. "Seoul Music" ainda tem um ritmo beatbox complexo que está milhas à frente de "Boing Boom Tschak" do Kraftwerk, que saiu cinco anos depois! Isso é quase tão sombrio quanto BGM, mas com alguns pontos positivos - "Pure Jam" e "Taiso" são incrivelmente viciantes; o primeiro é implacavelmente melódico (e de alguma forma hilário), enquanto o último apresenta Sakamoto gritando instruções de dança por meio de um megafone. Caso contrário, muito disso é incrivelmente melancólico ("Light in Darkness") ou desesperado ("Stairs", que se concentra em um riff de piano sombrio). Muito longe das brilhantes visões futuristas de Solid State Survivor, mas esta música é tão contagiante como sempre, apenas mais alucinante. As melodias em "Key" são do mesmo tipo que sempre fizeram, mas com novas camadas de abstração, como sintetizadores metálicos de ping rápido e uma linha vocal mutilada. Talvez o melhor exemplo seja "Gradated Gray", uma música atmosférica e emocional com um refrão perversamente cativante, e talvez a melhor coisa que YMO já fez. É o tipo de música que te mantém acordado à noite e que aparece na sua cabeça quando você acorda. E o final ("Prólogo/Epílogo") intercala batidas mecânicas assíncronas com uma melodia que é assustadora ou calmante. Mais uma vez, a força de ter três compositores diferentes é realmente o que faz esse álbum funcionar. Takahashi' O estilo pop de Sakamoto é diferente do de Sakamoto, e o de Hosono é algo totalmente diferente. A combinação de grooves excelentes e um trabalho de sintetizador mais experimental é semelhante ao de Tubeway Army's Replicas, mas mais diversificada. Qualquer um que goste de New Wave precisa deste álbum, pois ainda parece moderno e relevante hoje.

Sony relança o walkman, agora com Android 12 e reproduzindo streaming

 

Equipamento entrega som em alta qualidade.

A Sony lançou um par de novos Walkmans Android, o NW-A300 e o NW-ZX700. Sim, isso mesmo, Walkmans, a lendária marca de players de música da Sony dos anos 80. A Apple pode ter desistido da ideia de um reprodutor de música adjacente ao smartphone quando acabou com a linha iPod Touch recentemente, mas a Sony ainda fabrica Walkmans com Android e o faz por um tempo. O primeiro foi em 2012 com o NWZ-Z1000, com Android 2.3 Gingerbread, que parecia que a Sony havia acabado de retirar o modem de um telefone Xperia e colocá-lo no mercado como um reprodutor de música. Desde então, a Sony fez designs com hardware mais específico, e hoje existe toda uma série de tocadores de música Walkman com Android por aí. Infelizmente, esses novos parecem estar à venda apenas no Japão, Reino Unido e Europa, por enquanto.

Começaremos com o mais amigável ao consumidor dos dois, o NW-A300. Este design básico estreou em 2019 com o NW-A105, mas foi enviado com o Android 9. Esta é uma versão atualizada desse dispositivo com uma versão menos antiga do Android, um novo SoC e um design traseiro recortado. Na casa da Sony no Japão, a versão de 32 GB custa 46.000 ienes (cerca de US$ 360), enquanto na Europa custa 399 euros (cerca de US$ 430).

O NW-A300 é um pequeno dispositivo que mede 56,6 × 98,5 × 12 mm, muito próximo de um baralho de cartas. E realmente, basta olhar para essas fotos. A Sony pode não ser o rolo compressor de eletrônicos de consumo que costumava ser, mas ainda tem um departamento de design de produto incrível. Não tenho utilidade para um reprodutor de música autônomo, mas esses dois Walkmans são tão bonitos que você quererá segurar um.

A frente é dominada por um LCD touchscreen de 3,6 polegadas, 60 Hz e 1280 × 720. Há 32 GB de armazenamento e o dispositivo suporta Wi-Fi 802.11AC e Bluetooth 5. Isso é tudo o que a Sony quer falar sobre as especificações oficiais. Ele anuncia "maior duração da bateria", mas não diz o tamanho da bateria, prometendo apenas "36 horas * de reprodução FLAC de 44,1 KHz, até 32 horas * de reprodução de áudio de alta resolução FLAC de 96 KHz". Presumivelmente, isso é tudo com a tela desligada.

Para mais especificações, podemos visitar o The Walkman Blog, um site maravilhoso que leva muito a sério esses pequenos tocadores de música. Em outubro, o site encontrou documentação para o A300 listando uma bateria de 1500 mAh. O system-on-a-chip no modelo NW-A100 mais antigo era o NXP i.MX8M-Mini, um SoC extremamente lento de 28 nm com apenas quatro CPUs Arm Cortex-A53 e 4 GB de RAM. Você pode dizer: "Este é apenas um reprodutor de música", mas isso não é verdade, pois ainda roda o Android completo com uma loja de aplicativos e tudo mais. As pontuações do Geekbench mostram que ele possui um novo chip Qualcomm quad-core de algum tipo com 4 GB de RAM, mas não podemos ter certeza do número do modelo. Um chip mais novo com transistores menores provavelmente representaria muito dessa promessa de "melhor duração da bateria".

Este é um tocador de música, então é claro que há um fone de ouvido na parte inferior da unidade. Você também encontrará um local para um cordão, uma porta USB-C 3.2 Gen1 rápida para transferências rápidas de música e um slot MicroSD para armazenar todas as suas músicas. Os botões na lateral do dispositivo também oferecem todos os controles de música que você deseja, como um botão de espera, anterior, reproduzir/pausar, próximo, controles de volume e energia.

Há outro novo Sony Walkman, o NW-ZX700. Custa 104.500 ienes (US$ 818) no Japão e, embora pareça muito para um tocador de música portátil, na verdade é uma pechincha relativa em comparação com a "Signature Series" NW-WM1ZM2, que sai por impressionantes US$ 3.700 graças ao truque dos audiófilos -pocus como um "corpo de cobre banhado a ouro, livre de oxigênio".

De qualquer forma, de volta a este modelo de $ 800. Ao contrário do equipamento telefônico comum, este possui um amplificador de áudio adequado com capacitores grandes e robustos para alimentar a saída de áudio analógica. Isso o torna muito maior que o A300, com 72,6 × 132 mm e impressionantes 17 mm de espessura. Ele também possui duas saídas de áudio: um conector de fone de ouvido padrão de 3,5 mm e um conector de áudio "balanceado" de 4,4 mm, que é usado por alguns equipamentos de áudio de última geração. Tenho certeza de que a Sony tem uma coleção maravilhosa de fones de ouvido para combinar.

O Walkman Blog tem o SoC fixado em um Qualcomm QCS4290. Os números do modelo Qualcomm não telefônico não são tão familiares, mas com um chip de 11 nm com oito CPUs Kryo 260 e uma GPU Adreno 610, isso é muito próximo de um Snapdragon 662 sem o modem. O corpo maior significa que o ZX700 possui uma tela maior de 5 polegadas, 1280 × 720 e 64 GB de armazenamento. A Sony está prometendo cerca de 23 horas de reprodução de áudio, portanto, alimentar todo esse equipamento de amplificador está consumindo a bateria.

Tanto este quanto o A300 usam o chip amplificador digital S-Master HX, que suporta o formato de áudio "NativeDSD" de alta resolução da Sony, que também é usado em Super Audio CDs. Se você é algum tipo de pagão que está apenas transmitindo 128kb do Spotify, o recurso "DSEE Ultimate" da Sony afirma duvidosamente ser capaz de "aumentar" sua música com IA. Há também um "processador de vinil" que adicionará ruídos de toca-discos ao seu áudio para uma "experiência de audição autêntica".

Ambos os dispositivos serão lançados em fevereiro no Japão.