Lançado em 26 de maio de 1967, oitavo álbum de estúdio da banda britânica inovou e estabeleceu padrões para a música pop como um todo
Não é exagero dizer que “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” é o disco mais importante da história. Inclusive, é assim que o oitavo álbum dos Beatles acaba sendo descrito por boa parte dos especialistas no assunto.
Para entender a importância deste trabalho, divulgado em 26 de maio de 1967, é necessário “voltar no tempo”. Na época em que o disco foi concebido, o rock (sem o roll) e a música pop no geral ainda estavam em desenvolvimento. O mundo havia visto o surgimento de gigantes como Elvis Presley e Frank Sinatra, mas a música popular, como um todo, era simplória.
A complexidade chegou em grande escala após o lançamento de “Pet Sounds”, dos Beach Boys, liberado em 1966. O álbum foi a grande inspiração para “Sgt. Pepper’s”, mas não obteve tanto sucesso ou reconhecimento na época.
O cenário era interessante para os Beatles. De certo modo, o grupo se propôs a ampliar o que foi feito em “Pet Sounds” – e, por não contarem com a mesma concorrência em termos de popularidade, acabariam com o título de “inovadores”.
Mesmo assim, “Sgt. Pepper’s” inovou. A aura experimental encontrada nesse disco é inédita, até mesmo, se comparada ao também influente “Pet Sounds”.
A polêmica foi somada ao cansaço gerado pela agenda puxada e falta de estrutura para turnês naqueles tempos, levando a outra controversa decisão: os Beatles pararam de fazer shows. A notícia também não foi bem recebida pelos fãs, que queriam ver a banda nos palcos.
O grupo se justificou, dizendo, também, que suas músicas estavam ficando complexas demais para serem reproduzidas por apenas quatro pessoas em apresentações ao vivo. Não deixa de ser verdade.
Fato é que tudo isso serviu como combustível para que os Beatles superassem a si próprios. E isso aconteceu.
Beatles? Não, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
Para tirar a pressão dos ombros, os Beatles trabalharam como se não fossem os Beatles. Após sugestão de Paul McCartney, o grupo adotou a alcunha que dá nome ao disco: a Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Banda de Corações Solitários do Sargento Pimenta, em tradução grosseira para o português).
Apesar de ser uma atitude simplória, a “mudança” fez com que John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr trabalhassem no novo disco sem a mentalidade de que deveriam entregar um típico disco dos Beatles. Um ambiente inventivo.
Boa parte dos experimentos de “Sgt. Pepper’s” está no uso de técnicas distintas de gravação, como o processamento de sinal, registro por meio de unidade DI, controle de diapasão, processamento digital via Ambiophonics e Automatic double tracking (ADT), técnica que realça sons por meio de delays. Alguns desses métodos soam até obsoletos hoje em dia, mas criaram camadas e texturas inéditas para a época.
Musicalmente, “Sgt. Pepper’s” ofereceu uma espécie de “guia” para trabalhos de rock e pop que viriam na sequência. A pegada teatral e a mistura de diversas influências a uma concepção psicodélica marcam o álbum, que tem pitadas de avant-garde, música clássica, blues, jazz e muito mais.
A concepção visual de “Sgt. Pepper’s” também era ousada. O trabalho gráfico, que começa na capa e atravessa todo o encarte, se tornou icônico. Foi, também, um dos primeiros álbuns conceituais – com uma temática que guia todas as letras – da música.
“Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” fez sucesso merecidamente. Em 2011, estimava-se que mais de 32 milhões de cópias do álbum haviam sido vendidas em todo o mundo. A crítica especializada ainda aplaude “Sgt. Pepper’s” e o cita como um dos discos mais influentes da história da música – se não o mais importante.
Entretanto, a importância vai além dos números e do reconhecimento da crítica. O oitavo disco de estúdio dos Beatles ditou – e ainda dita – tendências na música pop.
Pérola vinda do Texas, Estados Unidos, formada na cidade que deu origem ao novo do grupo, Navasota em 1968. Gravaram um único álbum em 1972 em Los Angeles, com participação de Donald Fagen (Steely Dan), Howard Kaylan e Mark Volman (The Turtles). O disco Rootin' de 72 traz 10 curtas faixas de Southern/ Country rock, no melhor estilo "caipira", com doses de hard e blues e três covers. Riffs marcantes de guitarra, alguns corais e algumas passagens de piano marcam o som dos caras, que apesar de não ser muito original, vale a pena ser ouvido e conhecido por fãs de southern rock. Quanto as faixas, destaque para "Western Boots", "Canyon Ladies", "I'm Leavin'" e "P. Farm". Pérola recomendada para fãs de country e southern rock americano.
Steve Long (guitarra) Lindsey Minter (bateria) Paul Minter (baixo) Ray Pawlik (vocal, guitarra) Richard 'Dicky' Sony (vocal)
01 Western Boots 2:46 02 $2 Bill 2:19 03 Ballad of a Young Man 3:46 04 That's How It Is 4:17 05 Canyon Ladies 4:01 06 Old Slew Foot 2:56 07 I'm Leavin' 3:28 08 P. Farm 3:42 09 Heat of the Night 3:37 10 Spring Creek 3:25
Numerosas canções autobiográficas foram escritas desde o surgimento do rock, mas poucas contaram a história da formação de uma banda de forma tão vívida e colorida quanto “Creeque Alley” do The Mamas and the Papas . Lançado como single no final de abril de 1967, alcançou o 5º lugar na Billboard Hot 100; também apareceu no terceiro álbum do quarteto, Deliver , que subiu para o segundo lugar.
A canção, creditada aos cofundadores do grupo, marido e mulher, John e Michelle Phillips, narra os eventos que levaram à criação de 1965 do Mamas and the Papas, que também incluía Cass Elliot e Denny Doherty. As letras são repletas de nomes e lugares, alguns dos quais podem ter sido (e ainda são) desconhecidos para os fãs do grupo. Nós vamos quebrar isso.
Primeiro, há o título da música. Creeque (pronuncia-se chia) Alley é um lugar real, um de uma série de becos (na verdade chamado de Creeque's Alley e de propriedade da família Creeque) nas docas de St. Thomas, nas Ilhas Virgens. Os futuros membros do Mamas and the Papas passaram um tempo lá pouco antes de mudar sua direção musical e assumir seu novo nome. Lá eles ainda estavam tocando música folk, em um clube chamado Sparky's Waterfront Saloon, e basicamente tentando sobreviver e descobrir seu futuro.
Ouça -os cantar “Creeque Alley” no The Ed Sullivan Show em 11 de junho de 1967
O enredo da música faz apenas uma referência passageira ao tempo dos Mamas and the Papas na ilha, e nunca menciona Creeque Alley pelo nome. Começa nos anos que antecederam a coalescência aparentemente predeterminada dos quatro cantores.
A primeira linha, "John e Mitchy estavam ficando meio ansiosos só de deixar a música folk para trás", refere-se às atividades de John e Michelle como cantores folk no início dos anos 60. John Phillips, então com 26 anos, cantava com um grupo folk chamado Journeymen quando conheceu Michelle Gilliam, de 17 anos, durante uma parada da turnê em San Francisco. Eles se apaixonaram e, depois que John se divorciou de sua primeira esposa, casaram-se em 31 de dezembro de 1962, mudando-se para Nova York, onde começaram a escrever canções juntos, enquanto Michelle trabalhava como modelo para ganhar algum dinheiro. No final de 1964, com a cena do rock explodindo, John e Michelle estavam, como muitos outros, “ansiosos” para se afastar do folk. Não foi tão fácil, eles descobriram rapidamente, e o casal, junto com Doherty, formou o New Journeymen nesse meio tempo. (Nota de curiosidades: Marshall Brickman, membro do Early New Journeymen,Annie Hall .)
Assista a um clipe de New Journeymen, com John e Michelle Phillips e Denny Doherty
Nesse ínterim, outros artistas populares com inclinações semelhantes estavam entrando nas órbitas uns dos outros. Primeiro, havia “Zal e Denny, trabalhando por um centavo, tentando pegar um peixe na linha”, que se refere a Zal Yanovsky e Dennis (conhecido como Denny) Doherty. Ambos canadenses, eles trabalharam juntos em um trio folk chamado Halifax Three em seu país natal. “In a coffeehouse Sebastian sat” traz à tona John Sebastian, o cantor e compositor nascido em Nova York que na época fazia parte da Even Dozen Jug Band e logo formaria uma das bandas de rock americanas mais amadas da época . E então havia “McGuinn e McGuire, apenas ficando mais altos em LA, você sabe onde fica”. McGuinn, é claro, era Jim (mais tarde Roger) McGuinn, cujo grupo, os Byrds, saltaria para o topo das paradas com seu cover de “Mr.
Ouça Halifax Three com Denny Doherty
O primeiro verso termina com o nome do quarto membro do Mamas and the Papas: "E ninguém está engordando, exceto Mama Cass." Cass Elliot (nascida Ellen Naomi Cohen), originalmente de Baltimore, ela também tinha formação em música folk quando chamou a atenção dos outros folkies na música. Ela cantou em um trio chamado Big 3 com Tim Rose e o marido de Cass, James Hendricks (não confundir com Jimi Hendrix, regular da cena nova-iorquina), mas, como os outros, ela viu o proverbial escrito na parede e quis expandir sua gama de música. A observação de “engordar” tem um duplo significado, no entanto: Elliot não era apenas fisicamente grande, mas ela era a única futura integrante do M&P que ganhava a vida decentemente com sua música, cantando jazz na área de Washington, DC.
O segundo verso começa com alguns elogios mútuos: “Zally disse: 'Denny, você sabe que não há muitos que cantem uma música do jeito que você canta, vamos para o sul.' Denny disse: 'Zally, caramba, você não acha que eu gostaria de tocar guitarra como você?'” E então eles partiram do Canadá para o sul, logo se encontrando em um clube popular em Greenwich Village, em Nova York: “Zal, Denny e Sebastian sentava (no Night Owl), e depois de cada número eles passavam o chapéu.” (Mais curiosidades: The Night Owl se tornaria a base do Lovin 'Spoonful, grupo de Sebastian e Yanovsky, e muito mais tarde seria o site da famosa loja de discos de Nova York Bleecker Bob's.)
Enquanto isso, McGuinn e McGuire estavam “ainda ficando chapados em LA” e Mama Cass ainda estava “engordando”, mas ninguém ainda havia encontrado seus destinos.
O versículo três nos dá mais informações sobre a preparação de Cass para se juntar ao grupo. Ela estava planejando fazer faculdade em Swarthmore, diz a música, mas, em vez disso, pegou carona para Nova York para ver se conseguiria entrar no mundo da música. (Nota trivial: Cass nunca planejou ir para Swarthmore - ela queria frequentar o Goucher College perto de sua cidade natal, Baltimore. Mas John Phillips precisava de uma rima, então ele usou o segundo ano e Swarthmore.) Ao chegar em Nova York, ela conheceu Denny Doherty e se apaixonou. apaixonada por ele.
“Chamado John e Zal e eram os Mugwumps” acrescenta a próxima peça ao quebra-cabeça: Os Mugwumps eram um quinteto folk formado em 1964 com Elliot, Doherty, Sebastian, Yanovsky e Hendricks. (O John aqui se refere a Sebastian, não a Phillips.)
Os Mugwumps gravaram material suficiente para ser compilado em um álbum em 1967, que não apresentava Sebastian, mas o grupo teve vida curta, pois seus membros também estavam "ansiosos para deixar a música folk para trás". O próximo verso amarra as pontas soltas e nos leva ao ponto em que todos estão à beira da fama: “Sebastião e Zal formaram a Colher; Michelle, John e Denny ficando muito melodiosos; McGuinn e McGuire apenas pegando fogo em LA, você sabe onde é isso.
Ouça os Mugwumps cantando “Você não pode julgar um livro pela capa”
E aí está: as várias figuras se distanciam do folk e se movem para o que era então chamado de folk-rock: Sebastian e Yanovsky se uniram ao baixista Steve Boone e ao baterista Joe Butler no Lovin' Spoonful; os Phillips, Cass Elliot e Denny Doherty tornaram-se os Mamas and the Papas; McGuinn liderou os Byrds por vários anos; e McGuire teve um sucesso no topo das paradas como artista solo. Na verdade, diz um verso anterior, “McGuinn e McGuire não podiam ir mais alto e era isso que eles pretendiam”.)
“E todo mundo está engordando, exceto Mama Cass”, diz a linha final desse verso, inferindo que o sucesso havia chegado. Mas há alguns negócios inacabados, a questão do tempo gasto em Creeque Alley.
O último refrão / verso nos informa que não foi um sucesso instantâneo para os Mamas and the Papas de forma alguma. É aqui, no final da música, que a cena muda para as Ilhas Virgens. Os cantores, ainda chamados de New Journeymen e sem Cass no início (como diz a música, eles “sabia que ela viria eventualmente”) estão com pouco dinheiro e fazendo empréstimos em seus cartões American Express. Eles estão “falidos, falidos, enojados”, mas graças à ajuda de um sujeito chamado Hugh Duffy, dono de uma pensão em Creeque's Alley, os quatro jovens cantores que logo seriam conhecidos mundialmente puderam começar a pensar em seu futuro. : “As boas vibrações de Duffy e nossa imaginação não podem continuar indefinidamente”, eles cantam no final de “Creeque Alley”. Assim, os quatro retornaram brevemente a Nova York, depois todos partiram para o sul da Califórnia para ver se podiam fazer uma pausa.
"E o California Dreaming está se tornando realidade" é a linha final da música. Todos nós sabemos o que isso significa.
Fleetwood Mac em meados dos anos 70 (da esquerda para a direita): John McVie, Christine McVie, Stevie Nicks, Mick Fleetwood, Lindsey Buckingham
Para a edição de 12 de junho de 1976 do agora extinto semanário de música do Reino Unido Melody Maker , o jornalista americano Harvey Kubernik entrevistou os cofundadores do Fleetwood Mac, Mick Fleetwood e John McVie, para uma reportagem. Ele também participou de várias sessões de gravação quando a banda estava gravando Rumours in West Hollywood nos estúdios Larrabee. Olhando para a história agora, ela revela uma banda ainda se acostumando com a ideia de que - com suas últimas mudanças de pessoal - a fama finalmente chegou, depois de uma década juntos.
Apresentamos aqui a entrevista de 1976 pela primeira vez desde que foi originalmente publicada. [Algumas edições foram feitas para estilo e para refletir as décadas passadas.]
O álbum de 1975 que fez da antiga banda de blues-rock uma superpotência pop-rock
O ano passado trouxe ao Fleetwood Mac um LP de platina, simplesmente intitulado Fleetwood Mac , seu oitavo álbum pela Reprise Records, do qual dois singles no top 10, "Over My Head" e "Rhiannon", foram selecionados.
Na semana passada, meses após seu lançamento, o Fleetwood Mac ainda ocupava o 5º lugar na parada americana. Fleetwood Mac (a banda) exemplifica a noção de que, se você ficar por perto e trabalhar duro o suficiente, o sucesso acontecerá.
Inicialmente um subproduto da John Mayall School of Blues, por volta de 1967, a ênfase do Fleetwood Mac mudou, devido a mudanças de pessoal, juntamente com a crescente sofisticação do público dos anos 70. A música do grupo mudou de um som de rock britânico baseado no blues para um estilo mais suave, baseado em canções, refletindo a vida lânguida do sul da Califórnia, onde eles agora residem.
Ouça “Monday Morning”, a faixa de abertura do LP autointitulado de 1975
Entra o baterista alto e esguio Mick Fleetwood. Dezesseis meses atrás, quando Bob Welch, após um período de quatro anos com o Mac, estava saindo para formar outro grupo (mais tarde chamado de Paris), Fleetwood encontrou um cara em um supermercado.
“Ele me contou sobre um estúdio, Sound City em Van Nuys”, lembra Fleetwood em uma entrevista. “Eu fui lá, já que estava procurando um estúdio para fazer nosso próximo álbum, e eles me tocaram uma fita de Stevie Nicks (vocalista) e Lindsey Buckingham (guitarras, vocais), que eles haviam feito alguns anos atrás. .
“Na época, fiz uma anotação mental sobre eles e, logo depois, liguei para eles perguntando se queriam participar.”
Os dois recrutas trouxeram novas influências e direção estilística, Buckingham contribuindo com um som de rock mais pesado e Nicks fornecendo uma segunda voz feminina (aumentando a tecladista / vocalista de longa data Christine McVie), o que permitiu maior escopo para harmonias.
“Eles ligaram e disseram: 'Você quer fazer um álbum juntos? lembra-se de Stevie Nicks, que na época trabalhava como garçonete no Clementine's, um bar para solteiros em Beverly Hills. “Lindsey e eu dissemos: 'Você está brincando?' e aderiram.” Buckingham estava batendo o relógio no mundo da publicidade após o fracasso de seu álbum de estreia conjunto da Polydor, Buckingham-Nicks .
Uma das razões para o sucesso atual do Fleetwood Mac é que eles sempre foram um grupo de trabalho, mas tiveram que fazer grandes esforços para se restabelecer após o episódio “falso” do Fleetwood Mac. [O ex-empresário da banda, Clifford Davis, colocou uma ersatz da banda Fleetwood Mac na estrada e marcou uma série de apresentações. Mas, depois de muita disputa, o verdadeiro Fleetwood Mac, ou seja, aquele que continha os integrantes originais, ganhou uma liminar proibindo o ex-empresário de usar o nome do grupo. As ações e contra-ações ainda estão pendentes.]
Fleetwood Mac em 1977 (da esquerda para a direita): Lindsey Buckingham, Christine McVie, Mick Fleetwood, Stevie Nicks e John McVie
“Tivemos que continuar trabalhando e fazendo turnês para estabelecer nossa credibilidade. Musicalmente, a banda na gravação e ao vivo sempre foi bastante eficaz”, diz o baixista John McVie.
“Há mais espaço para se esticar e é mais divertido jogar agora”, acrescenta. “Existem tantas maneiras de tocar blues de 12 compassos, mas nunca me senti restrito e nunca houve uma mudança consciente na direção musical. O último álbum foi mais melódico, porém, e fomos capazes de combinar estruturas e ideias de harmonia.”
"Over My Head" foi um sucesso monstruoso na América. “Nós nunca teríamos escolhido 'Over My Head' como single,” Christine McVie disse recentemente. Mas as estações de rádio o fizeram, e “Rhiannon”, o próximo 45, consolidou um relacionamento com o importante público AM que o Fleetwood Mac vem buscando nos Estados Unidos há anos.
“As pessoas vêm até mim em todos os lugares em que tocamos e me contam o efeito que 'Rhiannon' teve em suas vidas, como se tivesse algum poder espiritual sobre eles”, oferece Nicks, cuja música sobre uma bruxa galesa, escrita dois anos antes , nunca está fora das rádios dos Estados Unidos. No palco, ela é um ponto focal e anima as apresentações discretas anteriores de Mac.
“O sucesso do último álbum foi além das minhas expectativas mais loucas”, admite Fleetwood. “Quero dizer, estávamos confiantes de que tínhamos feito uma gravação dinamite e sentimos muita energia nova e dimensão de Stevie e Lindsey.
“Nos concentramos nos EUA. Nos Estados Unidos, nossos álbuns venderam praticamente na faixa de 200 a 250.000. Sempre fomos apreciados e nunca perdemos ninguém. O culto continuou crescendo. A aceitação em larga escala sempre esteve ao virar da esquina. Começamos aqui no nível do clube e trabalhamos em pequenos salões, segundo e terceiro faturamentos, status de manchete e algumas coisas ao ar livre.
“Sempre nos mantivemos discretos e longe do exagero”, explica John McVie. “É assim que somos como pessoas. Esse foi o único pensamento consciente sobre a banda. Nunca quisemos ser vistos ou relatados como a maior coisa desde o pão fatiado.
“Eu, Chris [McVie] e Mick trabalhamos há muito tempo. Comemos todos os dias e tínhamos dinheiro para fumar. Estou orgulhoso de termos avançado. O sucesso agora justifica o esforço do passado.”
Mas há uma dicotomia incrível entre seu status na América e na Inglaterra.
Fleetwood Mac com Peter Green (2º da esquerda)
“O que aconteceu,” sugere Fleetwood “é que a banda era muito grande na Inglaterra quando Peter [Green] estava na banda. Tínhamos rebatidas, e todos no grupo eram educados, e as pessoas se tornavam possessivas com os jogadores.
“Começamos a trabalhar menos lá e mais aqui, mesmo quando o Peter estava no grupo. As pessoas perderam o controle sobre algo que tinha sido muito intenso. Começamos a ganhar seguidores por aqui, e a banda vem evoluindo desde então. Esperançosamente, no final do ano, se fizermos uma turnê européia/inglesa, eles terão um gostinho da banda e acho que vão gostar muito.”
Em 1975, a formação era tão nova que nem mesmo sua gravadora americana sabia quem era quem!
John McVie: “Nos mudamos para cá há dois anos e meio. Nos mudamos depois de passar nove meses em um escritório de advocacia, fazendo todas as viagens legais. Obviamente, Los Angeles era o lugar certo. A gravadora estava aqui e a comunicação é mais fácil na América. Tínhamos que sair da Inglaterra porque estávamos ficando loucos. Nós íamos a Londres todos os dias e passávamos o tempo todo em um escritório.
“Acho que um dia John e eu escreveremos um livro sobre o que aconteceu”, diz Fleetwood.
“O único problema é que ninguém vai acreditar em nós”, acrescenta McVie.
“John e eu passamos por algumas decisões morais/mentais inacreditáveis”, diz Fleetwood. “Mas nós nunca quisemos chutá-lo. A perseverança e o trabalho mantiveram o Fleetwood Mac unido e muitas pessoas antes de nós desistiram, dizendo que não valia a pena.”
Christine McVie, que faleceu em 2022 (Foto via página dela no Facebook)
“Fizemos entrevistas para a revista Newsweek e People recentemente”, diz John McVie. “É engraçado estar na mesma página ao lado de um grande artigo sobre Jimmy Carter. Estamos alcançando audiências que nunca ouviram falar do Fleetwood Mac, e é bom finalmente ter nos livrado de perguntas como, 'O que aconteceu com Peter Green ou Jeremy Spencer?' Se Mick e eu escrevêssemos o livro, a maioria das pessoas pensaria que é uma história de ficção científica.”
“As pessoas me dizem o tempo todo que ouvem nossas músicas e LPs antigos no rádio. É um burburinho e uma sensação linda ser descoberto e redescoberto”, diz Fleetwood. De fato, o título muito provisório para o próximo álbum é Yesterday's Gone , também o título de uma das canções. [Nota do editor: esse álbum acabou sendo lançado como Rumors , e a música foi renomeada como "Don't Stop". Ambos se saíram muito bem.]
“Este álbum reflete cada viagem e separação”, diz Fleetwood. “Não é uma coisa conceitual, mas quando nos sentamos para ouvir o que tínhamos, percebemos que cada faixa foi escrita sobre alguém da banda. Introspectivo e interessante, como uma novela. O álbum mostrará lados das pessoas desse grupo que nunca foram expostos antes.”
Assista ao vídeo de “Landslide”, gravado ao vivo em 1975
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