Classificação de todos os álbuns de estúdio de Cher

 

Cher chamou nossa atenção pela primeira vez como metade da dupla Sonny e Cher na década de 1960. Depois de se dedicar como artista solo , ela se tornou uma das principais artistas pop femininas do início dos anos 70 , apenas para sua sorte despencar durante a segunda metade da década. Mas Cher não é nada senão uma sobrevivente, e assim que ela foi descartada como notícia de ontem, ela estava de volta ao topo. Desde então, ela passou por vários baixos, numerosos altos e incontáveis ​​reinvenções para emergir como uma das artistas mais amadas do último meio século. Veja como classificamos todos os álbuns da Cher do pior ao melhor.

26. Love Hurts

Love Hurts, o décimo segundo álbum de estúdio de Cher, foi lançado em 13 de junho de 1991 com sucesso moderado nas paradas, chegando ao 48º lugar na Billboard 200. Desde então, foi certificado como Ouro nos Estados Unidos e 3x Multi-Platinum no Reino Unido. Mas, apesar do sucesso comercial, está longe de ser seu melhor momento. Com exceção do excelente A World Without Heroes, o álbum é insípido, com vocais suaves e arranjos estereotipados.

25. Backstage

 

Em 1968, Cher encontrou seu primeiro fracasso comercial com se quinto álbum, Backstage. Consistindo principalmente de covers, falhou nas paradas. Apesar de alguns destaques, a maioria das apresentações soam enviadas pelo correio, com poucas das canções possuindo aquela faísca mágica que caracteriza seu melhor trabalho.

24. Bittersweet White Light

 

Bittersweet White Light, o nono álbum de estúdio de Cher, foi seu primeiro grande fracasso comercial. Lançado em abril de 1973, estagnou na decepcionante posição 140 na Billboard 200 e falhou nas paradas da Europa ou do Canadá. Os vocais são fortes, mas as versões suaves dos padrões pop americanos o tornam apenas para fãs obstinados.

23. Cherished

Cherished foi um fracasso comercial, falhando nas paradas nos Estados Unidos ou em qualquer outro lugar. Foi ignorado pela crítica e desprezado pela própria Cher, que mais tarde admitiu que ficou insatisfeita com o resultado final, odiou fazer o álbum, e só o fez por obrigações contratuais.

22. I’d Rather Believe In You

Após o fracasso abjeto de Stars, Cher realmente precisava de um hit. Ela não conseguiu um. I'd Rather Believe In You não teve nenhuma promoção, falhou nas paradas e foi amplamente ignorado pelos críticos e pelo mundo em geral. Apenas um single foi lançado - Long Distance Love Affair - mas falhou em fazer a menor diferença nas paradas.

21. Stars

 

Cher encontrou vários fracassos comerciais ao longo de sua carreira, mas poucos fracassaram tanto quanto seu 12º álbum de estúdio, Stars. Um álbum de covers de sucessos de rock e pop, a performance sincera de Cher estava completamente fora de contato com as tendências musicais predominantes da época. Quase inevitavelmente, não conseguiu fazer sucesso, chegando ao número 153 nas paradas da Billboard e sendo amplamente ignorado pela imprensa musical.

20. With Love, Chér

O quarto álbum de estúdio de Cher, With Love, Chér, foi lançado em novembro de 1967 para um sucesso moderado nas paradas, chegando ao 47º lugar na Billboard 200. Descrito por All Music como tendo "mais carne do que enchimento" para um álbum dos anos 60, há um muito a gostar sobre o álbum, incluindo uma capa fenomenal do tema de amor de The Umbrellas of Cherbourg, I Will Wait for You. Nem todas as músicas funcionam (seus covers de The Times They Are A-Changin' e Hey Joe são difíceis de engolir), mas no geral, é uma audição agradável.

19. Chér

Chér, o terceiro álbum de estúdio homônimo da cantora, foi lançado em 5 de setembro de 1966. Consistindo principalmente de covers (embora Sonny Bono, que também produziu o álbum, tenha contribuído com uma música original), foi um pequeno sucesso comercial, chegando ao número 59 na parada da Billboard.

18. The Sonny Side Of Cher

 

O segundo álbum de estúdio de Cher, The Sonny Side Of Cher, foi lançado em 28 de março de 1966. Como a maioria de seus primeiros álbuns, consiste em grande parte de covers de folk, rock e pop, junto com algumas novas canções contribuídas por ela então- marido Sonny Bono (que também forneceu a inspiração para o título do álbum). Impulsionado pelo sucesso do single Top 10 Bang Bang (My Baby Shot Me Down), o álbum foi um sucesso, alcançando a posição 26 na Billboard 200. As críticas foram misturadas, com a Billboard chamando-o de "bem produzido" e "bem executado". ” mas All Music ridicularizando-o como “nada mais do que uma curiosidade indutora de risadas”.

17. Foxy Lady

 

Foxy Lady é o oitavo álbum de estúdio de Cher. Lançado em 10 de julho de 1972, teve apenas um pequeno sucesso nas paradas, mas uma recepção positiva da crítica, que elogiou o forte trabalho de produção de Sonny Bono e Snuff Garrett, bem como a rica expressão de Cher em faixas de destaque como Living in a House Divided, It Pode muito bem ficar segunda-feira (de agora em diante) e descer, descer, descer.

16. I Paralyze

 

I Paralyze , o décimo sétimo álbum de estúdio de Cher, falhou nas paradas em seu lançamento em 28 de maio de 1982. No entanto, o tempo foi bom para o álbum e sua seleção de soft rock e baladas pop está longe de ser desagradável. As faixas de destaque incluem Rudy e a balada ao piano, When the Love is Gone.

15. All I Really Want to Do

 

Em agosto de 1965, Cher provou que era mais do que apenas a ajudante de Sonny Bono com seu primeiro álbum solo, All I Realy Want to Do. Consistindo em uma forte coleção de covers de folk-pop contemporâneo, foi bem recebido por críticos e fãs, alcançando a 16ª posição na Billboard 200 dos EUA e a 7ª na UK Albums Chart.

14. 3614 Jackson Highway

 

Lançado em junho de 1969, o sexto álbum de estúdio de Cher, 3614 Jackson Highway, foi um fracasso comercial, parando em um decepcionante número 160 nas paradas de álbuns. No entanto, foi recebido calorosamente pela crítica, que elogiou os vocais maduros de Cher e os arranjos elegantes do álbum.

13. not.com.mercial

 

Cher escreveu o material para not.com.mercial em 1994, mas depois de apresentá-lo à sua gravadora, eles o recusaram por não ser comercial. Seis anos depois, Cher o lançou exclusivamente através do Cher.com, momento em que recebeu críticas positivas dos críticos por sua versatilidade e profundidade. É um pouco confuso, mas a amplitude da ambição e o material surpreendentemente sombrio o tornam essencial para os fãs.

12. Prisoner

Como grande parte da produção de Cher nos anos 1970, Prisoner foi um fracasso comercial, criticado pelos críticos e ignorado pelos fãs de música. Mas , como observa o metroweekly.com , embora tenha falhado em manter as paradas como reféns, ainda é cativante, repleto de números de rock contundentes que nunca iriam a lugar nenhum nas paradas obcecadas pelo disco de 1979, mas resistiram ao teste do tempo notavelmente Nós vamos.

11. Take Me Home

 

Cher deveria ter sido uma diva do disco muito melhor do que realmente era, mas o gênero pelo menos deu a ela um de seus maiores sucessos - algo que no final da década de 1970 ela precisava muito.Como diz thetalko.com , Take Me Home foi um avanço para o cantor após uma série de fracassos, alcançando a posição 25 na Billboard 200 e certificando ouro.

10. Half Breed

 

Half-Breed foi lançado em setembro de 1973 com sucesso moderado, alcançando o número 28 na Billboard 200. Embora a produção seja fraca, os vocais poderosos de Cher carregam o álbum, especialmente na faixa-título de destaque, que alcançou o número um no Hot 100 em seu lançar como single.

9. Dancing Queen

 

O último álbum de estúdio de Cher, Dancing Queen, foi lançado em 28 de setembro de 2018. Um grande sucesso comercial, estreou como número três na Billboard 200 dos EUA e entre os dez primeiros em outros 18 países. Também caiu bem com os críticos, com a Entertainment Weekly chamando-o de "lançamento mais significativo de Cher desde 1998, Believe".

8. Closer to the Truth

 

O vigésimo quinto álbum de estúdio de Cher foi lançado em 20 de setembro de 2013, com uma recepção calorosa. Cher descreveu Closer to the Truth como “muito eclético” e “seu melhor álbum de todos os tempos”, e embora esteja um pouco aquém disso, é um álbum extremamente divertido e bem equilibrado com uma performance vocal incrivelmente forte de Cher.

7. Living Proof

 

Embora Cher se empolgue um pouco com o Auto-Tune em Living Proof, ainda é um álbum forte, mesmo com suas faixas mais fracas ainda se destacando como baladas de alta energia. Os fãs claramente o apreciaram, levando-o ao número 6 na Billboard 200 dos EUA e ao número 46 no Reino Unido. Também teve um forte desempenho na Europa e, desde então, vendeu mais de 1 milhão de cópias em todo o mundo.

6. It’s a Man’s World

 

O vigésimo primeiro álbum de estúdio de Cher, It's a Man's World, foi lançado em 6 de novembro de 1995, com críticas positivas. De sua mistura de baladas tocantes e épicos com temas country e western, Walking in Memphis se destaca como um destaque particular. Na Europa, o álbum foi um grande sucesso, alcançando a décima posição na parada de álbuns do Reino Unido e chegando ao top 20 em vários países europeus. Ele se saiu menos bem em outros lugares, chegando ao número 64 na Billboard 200 dos EUA e ao número 46 no Canadá.

5. Dark Lady

Dark Lady, o 11º álbum de estúdio de Cher, foi o último de seus lançamentos a receber o benefício da promoção em “The Sonny and Cher Comedy Hour Show”. Apesar de gerar um hit número um na forma da faixa titular, o álbum em si foi apenas um sucesso moderado, alcançando um decepcionante número 69 na Billboard 200. Mas, apesar de sua posição inferior nas paradas, ainda é um bom álbum, com um setlist divertida, vocais fortes e produção soberba.

4. Believe

 

Após a decepção comercial de It's a Man's Word de 1995, a gravadora de Cher começou a pressioná-la a lançar um álbum mais mainstream e voltado para a dança. O resultado foi Believe, um álbum que se conectou com uma nova geração de ouvintes e impulsionou Cher de volta aos holofotes. Além de chegar ao número quatro na Billboard 200 e certificar 4x multi-platina nos Estados Unidos, o álbum alcançou o top 10 na França, Espanha, Reino Unido e vários outros países, e alcançou o primeiro lugar em vários mais.

3. Cher

Cinco anos depois que Cher deu um hiato auto-imposto nas gravações para se concentrar em sua carreira no cinema, ela voltou às paradas com seu décimo oitavo álbum de estúdio autointitulado. Lançado em novembro de 1987, tornou-se seu maior sucesso em anos, alcançando o número 26 no Reino Unido e o número 32 na Billboard 200 dos EUA. Os principais destaques incluem Skin Deep no estilo Madonna e a bela balada Main Man.

2. Gypsys, Tramps and Thieves

 

Lançado em setembro de 1971, após vários álbuns comercialmente decepcionantes, Gypsys, Tramps and Thieves deu a Cher seu primeiro de muitos retornos. Elogiada por suas exuberantes estruturas orquestrais e vocais sensacionais, tornou-se um de seus maiores sucessos até hoje, alcançando a posição 16 na Billboard 200 dos EUA e ganhando um Grammy de Melhor Vocalista Pop Feminina.

1. Heart of Stone

Embora Cher tenha desfrutado de alguns de seus maiores sucessos com álbuns voltados para a dança, ela sempre foi capaz de arrasar com os melhores deles – como demonstrado pelo soberbo Heart of Stone. Os arranjos podem ser pop, mas o tom corajoso e a honestidade crua de sua entrega elevam o material do pop padrão para algo muito mais difícil, pesado e totalmente mais atraente. Lançado em junho de 1989, foi um sucesso comercial e de crítica, alcançando o top 10 nos Estados Unidos, Reino Unido, Canadá e vários outros países. Até o momento, vendeu mais de 4 milhões de discos em todo o mundo.

Crítica ao disco de Pat Metheny - 'From This Place' (2020)

 Pat Metheny - 'From This Place'

(17 de julho de 2020, InsideOut Music)

Hoje temos uma ocasião muito especial para os amantes da música porque é a vez do último álbum do mestre PAT METHENY, que se intitula “From This Place”, que foi editado, tanto em CD como em vinil duplo pela editora Nonesuch Records, a 21 de fevereiro. Nascido em Lee's Summit, Missouri, em 12 de agosto de 1954, este mestre incombustível do jazz contemporâneo e eclético continua a explorar, remodelar e revitalizar suas visões e percepções estéticas. METHENY assume todas as guitarras e alguns teclados, deixando o piano para Gwilym Simcock. Com a dupla rítmica formada pelo baterista Antonio Sanchez e pela contrabaixista Linda May Han Oh, o grupo de apoio se completa. Mas é que além disso, o METHENY tem um conjunto orquestral dentro da estrutura sonora desenhada para “From This Place”: um grande coletivo a cargo de cordas, madeiras e metais. Colaboradores ocasionais são Meshell Ndegeocello (cantando), Gregoire Maret (gaita) e Luis Conte (percussão), e para acrescentar mais imponência à matéria, a Hollywood Studio Symphony também marca presença várias vezes, sob a direção de Joel McNeely. Como METHENY confessa nos créditos do álbum, a ideia central do conceito orientado para a gestação desta bela e ambiciosa obra era criar ideias melódicas e atmosferas que permitissem ao ouvinte evocar as luxuosas atmosferas tão típicas da música para filmes, e isso exigia, pelo menos na maioria das vezes, a participação de um conjunto orquestral. Para o mestre PAT, este álbum é a manifestação de um culminar dos seus principais caminhos criativos: o espírito magicamente viajante do lendário PAT METHENY GROUP e as experiências mais vanguardistas dos últimos anos (por exemplo, UNITY BAND), além de homenagear alguns de seus heróis atemporais, como Don Sebesky, Herbie Hancock e Ron Carter.* Assim, um horário de trabalho bombástico e ricamente estilizado tornou-se obrigatório; Vejamos agora os detalhes específicos deste disco.

Com duração de pouco mais de 13 ¼ minutos, 'America Undefined' abre o álbum, em grande estilo, começando com ares contemplativos e etéreos, para depois desenvolver passagens marcadas por uma eloquência cristalina ao longo do caminho. A complexidade do groove geral da peça sendo tão imponente, é manuseada com um nervo delicado, já que a bateria sabe em quais passagens estratégicas recuar, e os vibrantes floreios do contrabaixo no meio das músicas também são muito importantes. que se espera que o violão e o piano façam enquanto a peça estabelece com exuberante galanteria sua magnificência essencial. Pouco antes de atingir a fronteira do oitavo minuto, o limão torna-se introvertido com certas nuances crepusculares; é assim que o lirismo reinante adquire tonalidades acinzentadas meticulosamente realçadas pelos arranjos de cordas impressionistas. Um momento de mistério em meio à luz dominante, a mesma luz que voltou nos últimos minutos com uma aura magnificamente cerimoniosa; estes últimos seis minutos da peça exalam um espírito cinematográfico tremendamente envolvente. Como dissemos antes, o álbum começa em grande com uma atitude tão confortável e confiante que quase parece mais mágica do que arte musical propriamente dita. A seguir vem 'Wide And Far', uma peça determinada a pintar um retrato caloroso de extroversão refinada. O fraseado da guitarra é enérgico em espírito, mas sua concretude é deliberadamente delicada, fluindo como um riacho lento através de sua musicalidade comovente. A bateria, Definitivamente, faz-se sentir enormemente no bloco sonoro global. 'You Are' ostenta um moto perpetuo (guiado pelo piano) bastante parcimonioso na sua estrutura, mas nas mãos do conjunto torna-se um sublime exercício de subtilezas a meio caminho entre o minimalismo e o impressionismo. Uma peça que exibe sua beleza esplendorosa, mostrando sua luz inerente aos poucos até chegar o momento da última nota do piano. Por sua vez, 'Same River' segue largamente o caminho traçado pela segunda faixa do álbum, mas com um tom mais melancólico, enquanto os arranjos de cordas e a elegante exuberância da bateria funcionam como um contrapeso vivo aos ares de saudade que brotam inequivocamente da guitarra e do piano. faz-se sentir enormemente no bloco sonoro global. 'You Are' ostenta um moto perpetuo (guiado pelo piano) bastante parcimonioso na sua estrutura, mas nas mãos do conjunto torna-se um sublime exercício de subtilezas a meio caminho entre o minimalismo e o impressionismo. Uma peça que exibe sua beleza esplendorosa, mostrando sua luz inerente aos poucos até chegar o momento da última nota do piano. Por sua vez, 'Same River' segue largamente o caminho traçado pela segunda faixa do álbum, mas com um tom mais melancólico, enquanto os arranjos de cordas e a elegante exuberância da bateria funcionam como um contrapeso vivo aos ares de saudade que brotam inequivocamente da guitarra e do piano. faz-se sentir enormemente no bloco sonoro global. 'You Are' ostenta um moto perpetuo (guiado pelo piano) bastante parcimonioso na sua estrutura, mas nas mãos do conjunto torna-se um sublime exercício de subtilezas a meio caminho entre o minimalismo e o impressionismo. Uma peça que exibe sua beleza esplendorosa, mostrando sua luz inerente aos poucos até chegar o momento da última nota do piano. Por sua vez, 'Same River' segue largamente o caminho traçado pela segunda faixa do álbum, mas com um tom mais melancólico, enquanto os arranjos de cordas e a elegante exuberância da bateria funcionam como um contrapeso vivo aos ares de saudade que brotam inequivocamente da guitarra e do piano. 'You Are' ostenta um moto perpetuo (guiado pelo piano) bastante parcimonioso na sua estrutura, mas nas mãos do conjunto torna-se um sublime exercício de subtilezas a meio caminho entre o minimalismo e o impressionismo. Uma peça que exibe sua beleza esplendorosa, mostrando sua luz inerente aos poucos até chegar o momento da última nota do piano. Por sua vez, 'Same River' segue largamente o caminho traçado pela segunda faixa do álbum, mas com um tom mais melancólico, enquanto os arranjos de cordas e a elegante exuberância da bateria funcionam como um contrapeso vivo aos ares de saudade que brotam inequivocamente da guitarra e do piano. 'You Are' ostenta um moto perpetuo (guiado pelo piano) bastante parcimonioso na sua estrutura, mas nas mãos do conjunto torna-se um sublime exercício de subtilezas a meio caminho entre o minimalismo e o impressionismo. Uma peça que exibe sua beleza esplendorosa, mostrando sua luz inerente aos poucos até chegar o momento da última nota do piano. Por sua vez, 'Same River' segue largamente o caminho traçado pela segunda faixa do álbum, mas com um tom mais melancólico, enquanto os arranjos de cordas e a elegante exuberância da bateria funcionam como um contrapeso vivo aos ares de saudade que brotam inequivocamente da guitarra e do piano. mas nas mãos do conjunto torna-se um sublime exercício de subtilezas que se situa a meio caminho entre o minimalismo e o impressionismo. Uma peça que exibe sua beleza esplendorosa, mostrando sua luz inerente aos poucos até chegar o momento da última nota do piano. Por sua vez, 'Same River' segue largamente o caminho traçado pela segunda faixa do álbum, mas com um tom mais melancólico, enquanto os arranjos de cordas e a elegante exuberância da bateria funcionam como um contrapeso vivo aos ares de saudade que brotam inequivocamente da guitarra e do piano. mas nas mãos do conjunto torna-se um sublime exercício de subtilezas que se situa a meio caminho entre o minimalismo e o impressionismo. Uma peça que exibe sua beleza esplendorosa, mostrando sua luz inerente aos poucos até chegar o momento da última nota do piano. Por sua vez, 'Same River' segue largamente o caminho traçado pela segunda faixa do álbum, mas com um tom mais melancólico, enquanto os arranjos de cordas e a elegante exuberância da bateria funcionam como um contrapeso vivo aos ares de saudade que brotam inequivocamente da guitarra e do piano.

Os próximos 14 ¾ minutos do álbum são ocupados pela dupla de 'Pathmaker' e 'The Past In Us', duas faixas que estão em total contraste entre si no que diz respeito aos seus espíritos expressivos. O primeiro desses temas exala frontalmente um espírito alegre, muitas vezes permeado por uma jovialidade saltitante. Os diálogos entre guitarra e bateria constituem um clímax bastante dinâmico para esta peça em questão, mas os momentos centrados no casamento da guitarra e da orquestra são os mais emblemáticos da sua estrutura temática. A segunda delas, como o próprio título escapa, é voltada para um temperamento mais sereno, até mesmo nostálgico, exposto a um paraíso contemplativo cujas bases são estabelecidas pela fusão de piano e conjunto de cordas. A gaita, quase protagonista, ele começa a esculpir e coloca suas cores sóbrias à disposição da construção de um diálogo refinado com o violão quando o corpo central já instalou um padrão melódico reconhecível. As notas e bases harmônicas flutuam lentamente pelo céu que coroa o pensamento do ouvinte empático. 'Everything Explained' revela-se uma peça muito bem estruturada, sustentada pela estrutura razoavelmente rigorosa do seu esquema melódico. As vibrações joviais emanadas do andamento e materializadas pelo duo rítmico com exuberância diáfana são relevantes para que o vitalismo reinante se mova livremente por cada nota e cada passo. A oitava música do álbum é justamente a que lhe dá o título; é também o mais curto de todos, com pouco menos de 4 ¾ minutos de cura. Basicamente, é uma balada que exibe um clima crepuscular com delicadeza requintada, outro momento de introspecção lúcida que é uma das muitas virtudes deste mestre. 'Sixty-Six' é um título muito bonito para o nono item do álbum, pois faz alusão em seu título à idade que o mestre METHENY completou este ano. É uma música razoavelmente colorida sem ser realmente esbanjadora: as camadas orquestrais parecem bastante imponentes ao longo do desenvolvimento temático simples, e também vale a pena notar um belo e imponente solo de contrabaixo que surge a meio caminho para se posicionar como legítimo interlocutor da guitarra no que resta para ser feito. Aqui a ideia é expressar uma atitude comemorativa com uma atitude brilhantemente cerimoniosa. outro momento de introspecção lúcida que é um dos muitos pontos fortes deste professor. 'Sixty-Six' é um título muito bonito para o nono item do álbum, pois faz alusão em seu título à idade que o mestre METHENY completou este ano. É uma música razoavelmente colorida sem ser realmente esbanjadora: as camadas orquestrais parecem bastante imponentes ao longo do desenvolvimento temático simples, e também vale a pena notar um belo e imponente solo de contrabaixo que surge a meio caminho para se posicionar como legítimo interlocutor da guitarra no que resta para ser feito. Aqui a ideia é expressar uma atitude comemorativa com uma atitude brilhantemente cerimoniosa. outro momento de introspecção lúcida que é um dos muitos pontos fortes deste professor. 'Sixty-Six' é um título muito bonito para o nono item do álbum, pois faz alusão em seu título à idade que o mestre METHENY completou este ano. É uma música razoavelmente colorida sem ser realmente esbanjadora: as camadas orquestrais parecem bastante imponentes ao longo do desenvolvimento temático simples, e também vale a pena notar um belo e imponente solo de contrabaixo que surge a meio caminho para se posicionar como legítimo interlocutor da guitarra no que resta para ser feito. Aqui a ideia é expressar uma atitude comemorativa com uma atitude brilhantemente cerimoniosa. 'Sixty-Six' é um título muito bonito para o nono item do álbum, pois faz alusão em seu título à idade que o mestre METHENY completou este ano. É uma música razoavelmente colorida sem ser realmente esbanjadora: as camadas orquestrais parecem bastante imponentes ao longo do desenvolvimento temático simples, e também vale a pena notar um belo e imponente solo de contrabaixo que surge a meio caminho para se posicionar como legítimo interlocutor da guitarra no que resta para ser feito. Aqui a ideia é expressar uma atitude comemorativa com uma atitude brilhantemente cerimoniosa. 'Sixty-Six' é um título muito bonito para o nono item do álbum, pois faz alusão em seu título à idade que o mestre METHENY completou este ano. É uma música razoavelmente colorida sem ser realmente esbanjadora: as camadas orquestrais parecem bastante imponentes ao longo do desenvolvimento temático simples, e também vale a pena notar um belo e imponente solo de contrabaixo que surge a meio caminho para se posicionar como legítimo interlocutor da guitarra no que resta para ser feito. Aqui a ideia é expressar uma atitude comemorativa com uma atitude brilhantemente cerimoniosa. e também vale destacar um belo e imponente solo de contrabaixo que surge no meio do caminho para se posicionar como o legítimo interlocutor da guitarra no que resta fazer. Aqui a ideia é expressar uma atitude comemorativa com uma atitude brilhantemente cerimoniosa. e também vale destacar um belo e imponente solo de contrabaixo que surge no meio do caminho para se posicionar como o legítimo interlocutor da guitarra no que resta fazer. Aqui a ideia é expressar uma atitude comemorativa com uma atitude brilhantemente cerimoniosa.

'Love May Take A While', com quase 6 minutos de duração, é a faixa bônus da edição especial: seu clima é reflexivo e introspectivo, enquanto o núcleo temático conduzido pelo violão é devidamente coberto pelos arranjos orquestrais. Tudo isso nos foi dado em “From This Place”, 76 minutos e meio de refinada e meticulosa beleza musical em seu estado mais transcendental. Com este álbum, o maestro PAT METHENY estabeleceu o estabelecimento de um novo território dentro de seu cosmos musical muito experiente. Ao que tudo indica, em breve lançará um novo álbum, que já tem antecipadamente o título de “Road To The Sun”, pelo que podemos continuar a sentir-nos sortudos por o seu estado de graça criativa continuar a dar frutos a um ritmo tão irreprimível. Pelo pronto,

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- Amostras de 'From This Place':

America Undefined:

Wide And Far:

Sixty-Six:

Crítica ao disco de Soft Machine - 'Live At The Baked Potato' (2020)

 Soft Machine - 'Live At The Baked Potato'

(3 de julho de 2020, Dyad Records)

Hoje temos a honra de apresentar – um pouco atrasados ​​– o álbum ao vivo da lendária SOFT MACHINE“Live At The Baked Potato”, lançado pela MoonJune Records em 10 de junho de 2020. O quarteto aristocrático de John Etheridge [guitarra], Theo Travis [saxofone tenor, flauta e piano elétrico Fender Rhodes], Roy Babbington [baixo] e John Marshall [bateria] deu um recital altamente inspirado no Baked Potato em Los Angeles em 1º de fevereiro de 2019: este disco foi lançado em CD após uma prensagem limitada de vinil duplo (nos formatos transparente, branco e azul). O referido show fez parte da turnê que a banda fez para comemorar suas bodas de ouro ... embora nenhum de seus membros atuais tenha feito parte de nenhum dos primeiros quatro álbuns da banda. Este disco que agora temos em mãos foi gravado por Guillermo Berrino no referido local, sendo posteriormente mixado e masterizado por Andrew Tulloch no Blue Studio em Londres. Parece que Travis, o mais jovem da atual formação do SOFT MACHINE, exerce alguma forma de liderança porque, além de escrever grande parte do novo material desde que assumiu o lugar de Elton Dean após sua morte em 2006, ele assumiu o trabalho principal de produção. deste item fonográfico. Claro, os outros três grandes mestres que aqui tocam são figuras genuínas dentro do legado da SOFT MACHINE que vem acontecendo desde os anos 70. Bom, agora vamos ver os detalhes do repertório contido no “Live At The Baked Potato”. Além de compor boa parte do novo material desde que substituiu Elton Dean após sua morte em 2006, assumiu as principais tarefas de produção desta obra fonográfica. Claro, os outros três grandes mestres que aqui tocam são figuras genuínas dentro do legado da SOFT MACHINE que vem acontecendo desde os anos 70. Bom, agora vamos ver os detalhes do repertório contido no “Live At The Baked Potato”. Além de compor boa parte do novo material desde que substituiu Elton Dean após sua morte em 2006, assumiu as principais tarefas de produção desta obra fonográfica. Claro que os outros três grandes mestres que aqui tocam são figuras genuínas dentro do legado da SOFT MACHINE que se arrasta desde os anos 70. Bom, agora vamos ver os detalhes do repertório contido no “Live At The Baked Potato”.

A dupla de 'Out-Bloody-Intro' e 'Out-Bloody-Rageous, Part 1' (uma referência a esse crucial terceiro álbum da banda) ocupa um espaço de quase 8 minutos e se encarrega de aquecer o ambiente desde o ponto de partida. Tudo começa com algumas ligeiras atmosferas oníricas gestadas pelo piano elétrico, que com suavidade cristalina constroem as bases para o exagero do corpo central, sempre caracterizado por uma mistura equilibrada de vigor e requinte. O groove complexo é tratado com fluidez cristalina enquanto os mestres avançam com seu dinamismo arquetípico. 'Sideburn' é um solo de bateria sublime que possui a dose certa de sofisticação energética para inaugurar um clássico absoluto do vasto cânone do SOFT MACHINE: 'Hazard Profile, Part 1', algo anunciado pelos efeitos do sino. Com a atual logística do grupo, a peça ganha uma musculatura renovadora, que naturalmente repousa sobre os ombros de Etheridge. A seguir, outros grandes clássicos: 'Kings And Queens' e 'The Tale Of Taliesin', um dos últimos discos da banda com oA adesão de Robert Wyatt, a outra, desde os dias do apogeu de Karl Jenkins como uma importante figura criativa. O primeiro destes temas transporta-nos para uma dimensão lírica alimentada por uma certa aura de mistério, que obriga o conjunto a explorar a sua faceta mais delicada: com a flauta à frente e o duo rítmico a velar para que o groove se mantenha subtil. , a guitarra elabora frases adicionais em torno da flauta. Para a segunda peça mencionada, o lirismo coletivo torna-se contemplativo sob a capa de uma atmosfera crepuscular durante o primeiro tempo. O delicado enquadramento das escalas do piano eléctrico assentam o espectro cromático sobre o qual as linhas sóbrias da guitarra terão de captar uma espiritualidade abstracta. A segunda metade torna-se agitada e retumbante, exibindo uma agilidade muito viva para finalmente pousar em uma reprise da primeira seção. Essa peça está cada vez mais linda!

'Heart Off Guard' oferece um momento de relaxamento simples em um diálogo maravilhoso entre guitarra e sax, após o qual 'Broken Hill' estabelece um exercício majestoso de jazz-fusion em tom melancólico. A guitarra elabora um de seus solos mais notáveis ​​da atualidade. 'Fourteen Hour Dream' muda para uma atmosfera de extroversão assertivamente colorida construída em um swing inebriante e otimista. Uma das peças mais encantadoras e vibrantes que o grupo compôs desde os tempos de SOFT MACHINE LEGACY. 'The Man Who Waved At Trains' exibe uma maestria graciosa e cintilante que faz justiça à sua versão original dos anos 70 enquanto se expande além de sua arquitetura primitiva: ecoando as vibrações vivazes da peça anterior enquanto as traduz em um lugar mais sóbrio 'Life On Bridges', enquanto isso, ele perpetua essa abordagem sóbria e a remodela com uma aura séria, às vezes taciturna, pontuada por explorações abstratas que o conjunto reúne ao longo do caminho. O disco termina com a faixa-título do último álbum de estúdio da banda até hoje: 'Hidden Details'. O conjunto retoma os recursos de vigor que já apreciamos em outras partes do repertório e os reveste de uma elegância serena que impulsiona o potencial marcante do groove atual; observe a exibição especial da bateria. Como balanço final, “Live At The Baked Potato” é, acima de tudo, um álbum repleto de classe e distinção desta associação de veteranos de Canterbury e mestres contemporâneos do jazz-rock que ainda têm muita energia para dar à cena musical. dos nossos dias. Nada mal quando se trata de um quarteto que inclui um homem que acaba de completar 73 anos (Etheridge) e outros dois de 79 e 80 anos (Marshall e Babbington, respectivamente). No fim das contas, é a idade do espírito que conta na hora de criar e interpretar peças musicais, e nesse quesito o pessoal da SOFT MACHINE ainda sabe brilhar no palco, o que mantém o grupo em um lugar muito alto dentro da elite da música contemporânea mais de meio século depois de sua estreia fonográfica. E continue!! o pessoal da SOFT MACHINE ainda sabe como agitar o palco, mantendo o grupo em um lugar muito alto entre a elite da música contemporânea mais de meio século após sua estreia fonográfica. E continue!! o pessoal da SOFT MACHINE ainda sabe como agitar o palco, mantendo o grupo em um lugar muito alto entre a elite da música contemporânea mais de meio século após sua estreia fonográfica. E continue!!

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- Amostras de 'Live At The Baked Potato':

Fourteen Hour Dream:

Outras músicas:

CRONICA - THE BLUES PROJECT | Live At The Cafe Au Go Go (1966)

Em 1964, a gravadora Elektra lançou uma compilação intitulada The Blues Project feita de covers de blues acústicos executados por músicos brancos de Greenwich Village. Entre esses músicos está o guitarrista Danny Kalb que no caminho vai do acústico ao elétrico.

Um ano depois, Dany Kalb decidiu montar uma banda em Nova York com a cumplicidade do guitarrista/gaitista Steve Katz, do baixista Andy Kulberg, do baterista Roy Blumenfeld e do cantor Tommy Flanders. O combo decide se chamar The Blues Project e após uma sessão catastrófica na gravadora Columbia, os membros se juntam a Al Kooper, que acaba de começar a tocar órgão. Este último, então guitarrista de estúdio, havia acabado de gravar a música "Like A Rolling Stone" de Bob Dylan, do álbum Highway 61 Revisited .. The Blues Project assina com a Verve Records que se propõe a publicar um primeiro álbum ao vivo gravado no Cafe Au Go Go localizado em Greenwich Village no bairro de Manhattan e onde a formação tem seus hábitos. As gravações duram uma semana em novembro de 1965, mas também uma noite em janeiro de 1966. Enquanto isso, Tommy Flanders deixa o navio. Ele, portanto, canta apenas em quatro títulos do lado B do LP sobriamente intitulado Live At The Cafe Au Go Go e publicado em março de 1966 (as outras peças são cantadas por Al Kooper, Steve Katz mas especialmente Dany Kalb).

Composto por 11 faixas, a maioria covers (Muddy Water, Willie Dixon, Lead Belly, Earl Hines, Chuck Berry, Bo Diddley) este 33-rpm surgiu em uma época em que o público americano branco se interessava muito pelo blues, Música americana no auge do segregacionismo. Deve-se dizer que esse jovem branco foi rapidamente ultrapassado pelos Rolling Stones ingleses que popularizaram esse gênero iniciando o boom do blues britânico. A reação não demorou a chegar com a publicação de The Blues Project , é claro, mas acima de tudo com o lançamento em setembro de 1965 do disco homônimo da Paul Butterfield Blues Band. No entanto, ao contrário do último, Live At The Cafe Au Go Goé mais aberto com canções no registro folk/pop (Greenwich Village obriga) com títulos como o sonhador "Catch The Wind" de Donovan e o despreocupado "Violets Of Dawn" de Eric Andersen. Quanto às peças de blues, muitas vezes acompanhadas de gaita, o sexteto que virou quinteto explora todas as possibilidades do gênero: o rhythm & blues muitas vezes cru ("Goin' Down Louisiana", "You Go, I'll Go with You ", " Who Do You Love?"), o groove ("I Want to Be Your Driver"), a balada ("Alberta"), o boogie ("Back Door Man"), o maconheiro às vezes pesado ("Jelly Jelly Blues" , "Colher"). Note-se que Andy Kulberg nos oferece uma composição, a instrumental "The Way My Baby Walks", no estilo rhythm & blues.

Em suma, um vinil fácil de ouvir com artistas que parecem dominar o assunto. Danny Kalb nos oferece alguns bons solos com toques de acid rock. As intervenções de Tommy Flanders às vezes são nervosas. Mas é o órgão de Al Kooper que chama em alguns lugares, não seria surpreendente se inspirasse um certo Ray Manzarek.

Essa primeira tentativa teve relativo sucesso permitindo que o Blues Project saísse em turnê pelos Estados Unidos, incluindo o famoso desvio para o Fillmore Auditorium em San Francisco em abril de 1966. Passagem onde a crítica se entusiasmou, não hesitando em comparar o combo New Yorker no Grateful Dead. É verdade que a banda de Jerry Garcia está impressionada com a capacidade de improvisação do Blues Project.

Entusiasmo, que inspira Blues Project a um segundo esforço com uma rápida projeção em estúdio.

Títulos:
1. Goin’ Down Louisiana
2. You Go And I’ll Go With You
3. Catch The Wind
4. I Want To Be Your Driver
5. Alberta
6. The Way My Baby Walks
7. Violets Of Dawn
8. Back Door Man
9. Jelly Jelly Blues
10. Spoonful
11. Who Do You Love?

Músicos:
Andy Kulberg: baixo, flauta
Roy Blumenfeld: bateria
Danny Kalb: guitarra, voz
Al Kooper: órgão, voz
Steve Katz: guitarra, voz
Tommy Flanders: voz

Produção  : Jerry Schoenbaum

PEROLAS DO ROCK N`ROLL

 

SOUTHERN ROCK - DA KINGFISH BAND - Tennessee Feelin' - 1975

Pérola obscura formada nos Estados Unidos, que não tem quase nenhuma informação sobre esses caras na internet. O quarteto Da Kingfish Band lançou um único e muito raro álbum em 1975, que até hoje não foi relançado.
O disco Tennessee Feelin' combina típico southern rock feito nos EUA naquela época, com boa guitarra e vocal rasgado. Já a forte presença e solos de teclados, órgão e sintetizador, dão um certo toque prog/ psych para as músicas. Destaque para as faixas "Fall Off My Wall", "It Must Be Jelly", "Surprise, Surprise" e "Tennessee Feelin".
Nada extraordinário, mas recomendado para fãs de southern e country rock.

MUSICA&SOM

Brian mcMahan (baixo)
Kenny Kuhn (guitarra, vocal)
Phillip Nivens (teclado, órgão)
Terry Manners (bateria)

01 Wasting My Time
02 Fall Off My Wall
03 It's Alright with Me
04 No Good Woman
05 It must be jelly (Cause Jam Don't Shake That way)
06 Surprise Surprise
07 Hillbilly Woman
08 Tennessee Feelin'