sexta-feira, 17 de fevereiro de 2023

CRONICA - THE STOOGES | The Stooges (1969)

 

Consternação entre os hippies!

A banda de garagem proto-punk por excelência! cujo som destrutivo inspiraria o rock por décadas e estrelaria o indomável vocalista Iggy Pop.

20 de outubro de 1967, Universidade de Michigan em Ann Arbor, nos arredores de Detroit. Naquela noite, os Doors se apresentam no ginásio de esportes do campus. Mas não está indo muito bem. O tecladista Ray Manzarek, o baterista John Densmore e o guitarrista Robby Krieger sobem ao palco sem Jim Morrison. Atacam o concerto mas a ausência prolongada da cantora irrita o público que começa a vaiar. Os músicos param o set e voltam meia hora depois, desta vez acompanhados por Jim Morrison. Mas muito bêbado e incapaz de se levantar, ele não consegue fazer o show. A maior parte do público sai. No entanto, no final da noite, os Doors fizeram uma terceira tentativa, mas em meio a um grande caos, Morrison passou o tempo insultando os demais espectadores. Seguem-se lutas e uma situação incontrolável.

Nesta carnificina noturna está presente um certo James Newel Osterberg então com 20 anos, fascinado pelo comportamento escandaloso de Jim Morrison. Está decidido! A partir de agora ele será um cantor seguindo os passos de seu ídolo.

Nascido em Muskegon, Michigan, James Newel Osterberg foi baterista dos Iguanas e Prime Movers de 1963 a 1967. Enquanto isso, ele conheceu alguns membros do Chosen Few, os irmãos Asheton, Ron na guitarra e Scott na bateria, bem como o baixista Dave Alexander. Em 1967, o quarteto decidiu criar um grupo chamado Psychedelic Stooges (inspirado por um trio cômico, The Three Stooges), onde James Newel Osterberg fazia os vocais. Este último será batizado pelos restantes membros Iggy Stooges por ter sido baterista dos Iguanas. O problema é que esses fãs de blues têm um potencial limitado. Em outras palavras, eles não sabem jogar. Assim surge a ideia de fazer o blues de outra forma.

Estamos em Detroit, capital de Michigan, cidade da General Motors e Tamla Motow onde os tornados dos Beatles e dos Rolling Stones não escaparam. Entre carros velozes e sucessos em série estão as bandas de garagem ganhando tempo, prontas para a vingança, prontas para destruir tudo em uma cidade assolada por tumultos. Entre eles, o MC5, um quinteto maoísta cujos concertos apocalípticos impressionam. Os Psychedelic Stooges seguem esse caminho dividindo o palco com o MC5 que consideram seus irmãos mais velhos.

Elektra, que tinha Love, mas especialmente os Doors em seu estábulo, sentiu que a música pop estava se radicalizando e em 1968 despachou um emissário para um show em Detroit para conseguir o MC5 assinado. Mas fascinado pela banda com Iggy Pop tocando na primeira parte, ele também assinou com os Psychedelic Stooges.

Agora se autodenominando The Stooges e James Newel Osterberg agora se chamando Iggy Pop, o grupo partiu para Nova York em junho de 1969 para lançar um álbum lançado em agosto do mesmo ano com o produtor John Cale acabado de demitir do Velvet Underground. Um LP cuja capa lembra estranhamente a primeira obra dos Doors mas também o Between The Buttons dos Stones .

O álbum começa com uma guitarra psicodélica, mas acima de tudo cruel wha-wha. Então o combo sai em um ritmo tribal à la Diddley beat, cofragem crua e desconcertantemente simples. Uma coisa violenta e doentia nunca antes ouvida. Certamente em fevereiro de 1969, os ingleses do Led Zep ao balançar seu álbum homônimo, um brulot incendiário, anunciavam o hard rock mas era apenas a extensão do boom do blues britânico. Aqui é outra coisa mesmo que sintamos a influência do blues psicodélico. A guitarra ultra saturada de Ron Asheton surpreende onde a morte do lixo aguarda o ouvinte desinformado. Se este último está longe de se igualar a um Jimmy Page ou a um Eric Clapton ou mesmo a um Robby Krieger, não deixa de mostrar inventividade, sobretudo no solo (se é que se lhe pode chamar solo) com um som corrosivo a pingar como metal.em fusão. Quanto ao baixo do Dave Alexander, sem frescuras, é recheado com querosene. Quanto à bateria de Scott Asheton, primitiva está longe de ser demonstrativa. Neste título de abertura, chamado "1969", Iggy Pop empurrando suas cordas vocais para o vermelho canta sua frustração em um final de décadas sem futuro, sem prazer como se pode ouvir em "No Fun" com os comentários desiludidos. Palavras obscuras como a atmosfera negra, desencantada e niilista que emerge deste LP. Precursor do hardcore metal, esses títulos são obviamente inspirados nos Doors, mas também no Velvet Underground. Flagrante na obscura, nebulosa e desesperada balada de “Ann” com um final aterrador onde a voz de Iggy Pop se assemelha à de Lou Reed. Apresentação,

Um disco selvagem, portanto, de uma violência imparável mas que contém canções com lacunas como "Real Cool Time", "Not Right" e "Little Doll". Feito de riffs sangrentos e revigorantes, essas peças mostram Ron Asheton lutando para improvisar nesses solos. Na verdade, os Patetas quando vêm para o estúdio têm poucas canções e têm de compor novos títulos às pressas. Alguns, ao que parece, foram gravados no antigo disco no quarto do hotel.

Duas faixas se destacam, "We Will Fall" e "I Wanna Be Your Dog". Com 10 minutos de duração, “We Will Fall” é uma reminiscência de “The End” do The Doors. Mergulhados em coma profundo, somos convidados a uma viagem alucinatória com sabor oriental que conduz a uma perturbadora Kathmandu tendo como pano de fundo uma vaporosa guitarra wah-wah e um violino enferrujado tocado por John Cale.

Com "I Wanna Be Your Dog" com letras explicitamente sexuais, Ron Asheton oferece um riff histórico em três acordes, repetitivo e agradável à beira do transe, mas acima de tudo terrivelmente eficaz. Acompanhado por um piano tenaz, "I Wanna Be Your Dog" é um hino punk antes do tempo em que os futuros Ramones, Sex Pistols, Offspring, Nirvana, Soundgarden, Sum 41 se revelarão...

Ao transmitir o single "1969" no rádio, a Elektra esperava vender mais de 100.000 cópias deste disco homônimo. Apenas 36.000 cópias serão vendidas. Quanto aos críticos, eles não são muito elogiosos para um vinil que atinge a 106ª posição da Billboard 200. Os Stooges ainda não sabem, mas revolucionaram o mundo da música. A lenda está lançada.

Títulos:
1. 1969
2. I Wanna Be Your Dog
3. We Will Fall
4. No Fun
5. Real Cool Time
6. Ann
7. Not Right
8. Little Doll

Músicos:
Iggy Pop: Vocal
Ron Asheton: Guitarra
Scott Asheton: Bateria
Dave Alexander: Baixo
+
John Cale, Violino, Piano

Produção: John Cale, Jac Holzman


CRONICA - THE BABYS | Broken Heart (1977)

 

Se o primeiro álbum dos Babys prenunciava coisas bonitas, ainda era inconsistente demais para conseguir se impor contra o Foreigner, ainda mais em um contexto desfavorável à época por causa da moda punk. Chrysalis não é muito severo, no entanto, e os faz trabalhar em seu segundo álbum com Ron Nevison, que acabou de terminar Lights Out do UFO . A missão do produtor: conseguir um álbum e sobretudo um título de sucesso. Para atingir seus objetivos, ele fará com que o grupo grave um título composto por compositores de fora, "Isn't It Time", que faria girar a roda da fortuna.

No entanto , Broken Heart não deve ser resumidoem "Isn't It Time", felizmente. Sob a égide de Nevison, que gosta de arranjos, os Babys desenvolvem ainda mais seu aspecto melódico que acerta em cheio com “Wrong Or Right” cujo primeiro verso de voz de guitarra mostra todo o talento de John Waite. Pode-se dizer que os cordéis não eram necessários (Nevison não tem a sutileza de George Martin no assunto), mas eles não enredam o título até aqui. Após esta introdução tão bela quanto delicada, a banda continua com a excelente "Give Me Your Love", entre o Pop (o piano elétrico de Michael Corby, a voz suave de Waite) e o Rock (a bateria de Tony Brock e os ocasionais ataques da guitarra de Wally Stocker). Na minha opinião, o grande título do álbum é este, e não “Isn't It Time” que o segue. Alguns serão sensíveis a esta melodia pop,

Felizmente, o grupo está de volta com força com o Hard Rock "And If You Could See Me Fly", que permite a Stocker rugir sua guitarra, em algum lugar entre Jimmy Page e Mick Ralphs. Sem ser uma obrigação de seu tipo, é inegavelmente bem-sucedido. As cordas trazem uma intensidade dramática à belíssima balada "The Golden Mile" cujo grande vencedor continua a ser, mais uma vez, a voz de Waite, ainda que isso não impeça que a guitarra de Stocker nos dê um soberbo solo de mais (há alguns neste Coração partido). Apesar de agradável, o melódico Rock “Broken Heart” é menos marcante mas permite fazer uma pausa antes de outra balada, “I’m Falling”, mais melancólica mas não menos bonita. A guitarra é suficiente para expressar coisas bonitas em "Rescue Me" mesmo que o título não seja o mais cativante do álbum. Apreciaremos, no entanto, esta aceleração a médio prazo que nos surpreende. Terceira balada do álbum, "Silver Dreams" é a de menos sucesso. Muito meloso em sua melodia e arranjos. Tem a particularidade de ser cantada pelo baterista Tony Brock, que está indo bem, mas parece um pouco demais com estar em um musical sentimental. Há também um lado da Broadway na mid-tempo "A Piece Of The Action" (a outra faixa não composta pela banda), mas em um estilo mais épico que combina bem com a voz de Waite. Lamentamos mesmo assim que o violão tenha sido deixado de lado em favor dos violinos com exceção dos solos.

Bom álbum na ausência de um grande álbum, Broken Heart mostra, portanto, uma clara progressão para The Babys, tanto musicalmente (o álbum é mais sólido no geral) quanto comercialmente (se sairá bastante bem nos EUA e foi um grande sucesso na Austrália) . Em suma, para o grupo o futuro parecia brilhante.

Títulos:
1. Wrong Or Right
2. Give Me Your Love
3. Isn’t It Time?
4. And If You Could See Me Fly
5. The Golden Mile
6. Broken Heart
7. I’m Falling
8. Rescue Me
9. Silver Dreams
10. A Piece Of The Action

Músicos:
John Waite: Vocais, baixo
Wally Stocker: Guitarra
Michael Corby: Teclados, guitarra
Tony Brock: Bateria, piano e vocais (9)

Produtor: Ron Nevison


THE WATCH - LIVE (2008)

 



THE WATCH
''LIVE''
2008
50:22     MUSICA&SOM
**********
01 - Sound Of Sirens 08:55
02 - Shining Bald Heads 07:05
03 - The Fisherman 05:50
04 - Goddess 06:02
05 - Riding The Elephant 04:56
06 - Twilight Alehouse (Genesis); Another Life 08:11
07 - Berlin 1936 09:20
Tracks By The Watch, Except As Indicated (06a)
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Chapman Stick, Bass [Bass Pedals], Acoustic Guitar [12 String] – Cristiano Roversi
Drums, Percussion, Vocals – Marco Fabbri
Electric Guitar, Acoustic Guitar [12 String] – Giorgio Gabriel
Lead Vocals, Flute, Tambourine – Simone Rossetti
Organ [Hammond Organ], Mellotron, Piano, Synth – Fabio Mancini


BIOGRAFIA
THE WATCH é uma banda de 5 integrantes de Milão, Itália. A sua música é inspirada no clássico estilo prog dos anos 70 e em particular na música do Genesis. O primeiro álbum da banda, Ghost, foi lançado em 2001, seguido em 2004 por Vacuum e em 2007 por Primitive. Em 2009 a banda lançou seu primeiro álbum ao vivo, chamado The Watch live. Melodia e energia são as principais características da música do The Watch e a performance ao vivo é um de seus pontos fortes. Toda a sua energia e inspiração surgem em palco como uma confirmação do quanto acreditam no que fazem. A formação da banda mudou várias vezes ao longo dos anos. Simone Rossetti, fundadora e principal compositora é a vocalista da banda desde o início. Desde o final de 2008, segundo Simone Rossetti, a banda está com a melhor formação de todos os tempos e a atividade não para de crescer.

Desde 2009 eles estão envolvidos em longas turnês, passando pela Europa, Canadá e EUA e fazendo shows inspirados nos álbuns do Genesis e na própria música do The Watch.

Em 2010 eles lançaram outro álbum chamado "Planet Earth", que ganhou uma reputação muito boa em todo o mundo do rock progressivo. em 2011 eles lançaram "Timeless" uma espécie de experimento, onde a banda revisitou alguns temas do álbum From Genesis to revelação e adicionando algumas músicas originais a ele. Outra recepção muito calorosa dos apoiadores do The Watch. A banda está atualmente muito ocupada com seu novo show ao vivo, chamado Yellow show, e principalmente dedicado ao Genesis Nursery Cryme 1971 e algumas produções musicais do Genesis de 1976... além, é claro, da própria música do The Watch... uma longa turnê novamente tocando todas as partes da Europa.


GRAVETOS & BERLOQUES (LAKIN POE (& THE NU DECO ENSEMBLE)-PAINT THE ROSES (2021)

 





Mas estas meninas são mesmo incansáveis...afinal, como explicar tanta produtividade ao longo de um período tão sombrio? Só em 2020Becca e Megan Lovell, lançaram 2 excelentes álbuns, ambos já disponibilizados aqui. E, como se não bastassem os inúmeros vídeos domésticos (uma marca destas belezinhas) por todo este ano, recentemente deram corpo a um projeto acalentado por anos e que apenas pouquíssimos têm cacife artístico para levar adiante: a gravação de uma apresentação acompanhadas por uma orquestra, a Nu Deco Ensemble. O resultado foi este belo trabalho, 'Paint The Roses'.
Cai muito bem, principalmente quando acompanhado por algumas doses de Jim Beam...







Hermon Mehari – ASMARA (2022)

 

Hermon MehariO trompetista eritreu Hermon Mehari mistura jazz e folclore local em seu terceiro álbum solo Asmara , uma homenagem nostálgica à pátria.
Asmara é sem dúvida o álbum mais intimista do trompetista eritreu-americano. Batizada com o nome da capital da Eritreia - um pequeno país na costa do Mar Vermelho, esta obra permitiu ao jazzman mergulhar completamente nos sons familiares de sua infância. Nascido nos Estados Unidos, Mehari estudou jazz americano e ganhou força com a banda Diverse. Em 2017, seu primeiro projeto solo Bleu foi bem recebido e mostrou seu inegável dom para o gênero. Ele então levou o jazz para outras dimensões com A Change for the DreamlikeGravado na França durante a quarentena de 2020, ainda assim contou com uma formação internacional e contrastada,…

MUSICA&SOM

…com nomes como o pianista francês Tony Tixier e o produtor de electro Hugo LX. Essas colaborações levaram o som de Mehari ao território do hip-hop downtempo e lo-fi, e canções como “A Conversation With My Uncle” abriram uma janela para as origens do músico. E agora, depois de Arc Fiction , um álbum conjunto com o pianista italiano Alessandro Lanzoni, Hermon Mehari entrega Asmara .

As suas anteriores canções de homenagem à sua terra natal e a “ sensibilidade introspectiva ” do momento levaram o jazzman a dedicar um álbum inteiro às suas origens. Por fim, ele explorou os vibrantes sons tradicionais da Eritreia com os quais cresceu em 8 canções pessoais. Orgulhoso de suas raízes abissínias em “Call Me Habesha”, Mehari lembra de seu falecido pai na dinâmica “Who Dared It”, o significado em inglês do nome da cidade natal de seu pai, Mendefera. Ele também relembra sua viagem à pátria aos 5 anos em “I Remember Eritrea”: “são imagens na minha cabeça e histórias que me foram transmitidas ao longo dos anos ” lembra Mehari nesta dupla com o vibrafonista nova-iorquino Peter Schlamb.

O trompetista apresenta o único vocalista de Asmara como “uma lenda viva da música eritreia ”. Faytinga, uma cantora e ativista nativa de Asmara, abençoa o álbum com “Tanafaqit”, uma música cheia de nostalgia. Como explica Mehari, a cantora está exilada de seu país e, assim como ele, adoraria voltar para casa um dia. Mas “ A Eritreia está em uma situação difícil, sob ditadura há mais de 30 anos [...] As pessoas não podem falar livremente, e é um dos países mais pobres do mundo. Portanto, esta é também uma mensagem de esperança ”. Diante da guerra em curso, especialmente na região de Tigray, o álbum Asmara é uma carta de amor à Eritreia, aspirando a um futuro melhor.


Kerala Dust – Violet Drive (2023)

 

vm_111Os três músicos britânicos Edmund Kenny nos vocais e eletrônica, Harvey Grant nas teclas e Lawrence Howarth na guitarra compõem o Kerala Dust , banda que foi fundada em Londres em 2016 e atualmente está dividida entre Berlim e Zurique.
Com seu novo álbum Violet Drive , Kerala Dust criou um som distintamente europeu que está dividido entre o passado e o presente.
Sua música inclui blues e cultura americana entrelaçados de forma emocionante com batidas eletrônicas não tradicionais. A banda foi formada a partir de uma paixão crescente pela música eletrônica combinada com uma história em bandas independentes.
Três anos após a sua formação, eles tocaram em clubes de todo o mundo e aprimoraram um show um tanto improvisado, mas sempre fluido…

MUSICA&SOM

performance que libertou suas músicas dos limites de suas formas gravadas e preparou o terreno para uma banda determinada a quebrar convenções e continuar reescrevendo sua própria história.


Bruce Springsteen & The E Street Band – American Airlines Center, Dallas, TX, February 10, 2023

 

DallasQuinta noite com 27 músicas. Estréia da turnê de “Detroit Medley”. Quatro músicas de Letter To You de 2020: "Ghosts", "Letter To You", "Last Man Standing" e "I'll See You In My Dreams". “Last Man Standing” apresenta um novo arranjo. "I'll See You In My Dreams" é tocada solo acústico para encerrar o show. Duas músicas de Only the Strong Survive de 2022: “Nightshift” (escrita por Franne Golde, Dennis Lambert e Walter Orange, popularizada por The Commodores) e “Don't Play That Song” (escrita por Ahmet Ertegun e Betty Nelson, popularizada por Ben E. Rei). "Johnny 99" é tocada no arranjo da turnê Wrecking Ball. Os baluartes do show como "Porque a noite", "Dancing in the Dark" e "Tenth Avenue Freeze-Out" são executados em versões mais compactas e curtas.

MUSICA&SOM





Bandas Raras de um só Disco

 

                                              Edge (1970)


Edge foi uma banda americana que gravou somente este álbum em 1970 que foi lançado em 2009.

O som da banda é uma mistura de hard rock com toques de progressivo, ótimo instrumental e tudo regado com um poderoso órgão hammond.

Quem gosta de Iron Butterfly e Steppenwolf vai se identificar com o som dessa banda, pois eles seguem uma forte influencia das duas.
Pérola rara, vale apena conferir.

Integrantes.

Richard Barcellona (Guitarra, Vocal)
John Keith (Baixo, Guitarra, Teclados)
Gallen Murphy (Baixo, Guitarra, Vocais)
David Novogorski (Bateria, Vocais)
 
01. Callin' Out (2:30)
02. Sing Your Song (3:04)
03. A New Breed Of Man (3:10)
04. Lady Of Darkness (3:59)
05. Movin' On (2:33)
06. The Story of Angelique (3:46)
07. Starvin' Man (3:50)
08. Ribbon And Bow (2:35)
09. Money Slave (3:11)
10. Movin On (3:24)



DE RECORTES & RETALHOS

 

Jornal Blitz Nº 93 - Dream Syndicate "Out of Grey" / Luis Peixoto 1986


Black Sabbath: the deluxe editions – Parte III

Em 1982, Tony Iommi, guitarrista – e a essa altura chefão inconteste – do Black Sabbath, encontrava-se em uma encruzilhada. Depois de demitir Ronnie James Dio (segundo a versão do bigodudo), Iommi precisava recrutar alguém de peso para o posto de vocalista. A escolha recaiu sobre o londrino Ian Gillan, que havia gravado seu último disco de estúdio como vocalista do Deep Purple em 1973. O guitarrista chegou a cogitar nomes como Robert Plant (Led Zeppelin) e David Coverdale (outro ex-Deep Purle). Menos mal, no final das contas. Apesar de não ser tão influente quanto os seminais discos da fase Ozzy e Dio, Born Again não é de todo ruim, e, se até pouco tempo atrás era considerado um álbum menor na discografia da banda, hoje muitos o têm como um álbum cult (terminho idiota, esse).
Além da escolha de Gillan para os vocais, pelo menos mais dois fatores foram motivos de polêmica: a arte da capa e a produção. Criada por Steve “Krusher” Joule, a ideia original para a capa de Born Again, com a famosa criança-demônio, poderia até ter sido boa, mas foi executada “nas coxas”, resultando em uma arte primária e feia. Bill Ward, por exemplo, de volta à bateria nessa época, por várias vezes disse que adorou fazer o disco, mas achou a capa ridícula. Já no que tange à produção do álbum, rondam algumas lendas. Há quem diga que o som abafado é proposital, enquanto outros defendem que problemas nos amplificadores causaram o “defeito”. Por mais que esses fatores confiram um certo charme para Born Again, seria ingenuidade deixar de pensar que ele seria, sim, um trabalho mais forte se tais falhas não existissem. Apesar de tudo, é inegável que o álbum tem composições extremamente cativantes e poderosas, como “Zero the Hero”, “Thrashed” (que ganhou um videoclipe tão tosco quanto divertido) e “Disturbing the Priest”, favoritas entre muitos fãs do quarteto, e que, se por um lado não transformam a bolacha em um clássico seminal atemporal como alguns álbuns anteriores da banda, o mantém em um patamar digno de figurar entre os discos da banda que valem o dinheiro gasto. Diferentemente de lançamentos posteriores sob a alcunha do Black Sabbath.
Relançado em maio de 2011, em sua versão deluxe Born Again traz um disco bônus com uma faixa gravada nas mesmas sessões, “The Fallen”, que segue a linha do disco, e poderia muito bem ter entrado no track list final, uma versão estendida com quase três minutos adicionais para “Stonehenge” e nove faixas registradas no Reading Festival, em agosto de 1983, onde, entre clássicos da era Ozzy, tocaram também músicas de Born Again e uma desnecessária (para dizer o mínimo) versão de “Smoke on the Water” do Deep Purple. Ao contrário das edições deluxe da primeira fase da banda, todas as músicas do disco bônus – com exceção, talvez, da versão de “Stonehenge” – circulam há muito tempo em diversos bootlegs, com qualidade de gravação variável. De qualquer forma, para o fã que deseja o material de uma forma oficial, juntamente com um material gráfico mais “gordo”, essa edição – assim como as outras – tem seu valor.
Disco 1:
1. Trashed
2. Stonehenge
3. Disturbing the Priest
4. The Dark
5. Zero the Hero
6. Digital Bitch
7. Born Again
8. Hot Line
9. Keep It Warm
Disco 2:
1. The Fallen [Album Outtake]
2. Stonehenge [Extended Version]
3. Hot Line [Live]
4. War Pigs [Live]
5. Black Sabbath [Live]
6. The Dark [Live]
7. Zero the Hero [Live]
8. Digital Bitch [Live]
9. Iron Man [Live]
10. Smoke On The Water [Live]
11. Paranoid [Live]
Após a turnê promocional de Born Again, Ian Gillan e o Black Sabbath tomaram caminhos diferentes. O primeiro acabaria por voltar ao Deep Purple em 1984. Já o resto da banda se separou por completo, levando Iommi a concluir um projeto em que pensava havia alguns anos: seu primeiro disco solo. Para a empreitada, chamou o também inglês de Staffordshire, Glenn Hughes (outro ex-Deep Purple), para os vocais, Dave Spitz para o baixo (Gordon Copley assumiu a função em “No Stranger to Love”), Eric Singer (Kiss, Alice Cooper e infinitos outros) na bateria e Geoff Nicholls nos teclados. Uma vez que o álbum seria um trabalho solo de Iommi, o som dele difere consideravelmente do que o Black Sabbath havia feito até então. Tendo isso em vista, Seventh Star é bem mais leve que seus antecessores, e possui um clima mais bluesy na maioria das faixas. Tudo ok, então, para o lançamento do primeiro voo solo do guitarrista de Birmingham, certo? Errado. Ocorre que o empresário do Sabbath – e de Iommi – na época era Don Arden, que agenciava os negócios com mão de ferro e boas doses de picaretagem. Arden (pai de Sharon, futura esposa – e dona – de Ozzy) cortou o embalo do músico, e exigiu que a bolacha saísse sob o nome do Black Sabbath. Sem opções, Iommi aceitou a imposição, lançando Seventh Star em 28 de janeiro de 1986. Na capa, que trazia uma foto apenas do guitarrista, lia-se (além do nome do disco), “Black Sabbath featuring Tony Iommi”. Do álbum saiu o single para “No Stranger To Love”, acompanhado de um vídeo com a participação da atriz Denise Crosby (relativamente famosa, anos depois, por sua participação em “Star Trek – The Next Generation”). A música – uma balada – é a faixa mais acessível do disco, e destaca o vocal competentíssimo de Glenn Hughes, e demonstra bem a diferença de estilos entre Seventh Star e os discos do Black Sabbath propriamente ditos, embora as outras músicas sejam menos “amigáves”, comercialmente falando.

Logo depois do lançamento, o grupo saiu em turnê, mas Hughes, depois de participar de apenas alguns poucos shows, se meteu em uma briga, levou a pior, e por causa de ferimentos na garganta, acabou dançando. Iommi não perdeu tempo, e, como substituto, chamou o talentosíssimo Ray Gillen (depois Badlands, Phenomena, Sun Red Sun e outros). Dotado de uma goela privilegiada e um feeling absurdo, Gillen assumiu o posto sem problemas, substituindo brilhantemente Glenn Hughes (o que não é, definitivamente, pouca coisa), segurando as pontas até o final da turnê de divulgação do disco. É exatamente dessa turnê que saíram as musicas presentes no disco bônus da edição deluxe de Seventh Star. Trata-se de um show no Hammersmith Odeon em 2 de junho de 1986, contendo duas faixas do recém lançado álbum, intercaladas com mais sete canções das épocas de Ozzy e Dio. Apesar de amplamente disponíveis em várias edições bootlegs, é a primeira vez que essas faixas aparecem em qualquer lançamento oficial do Sabbath. O primeiro disco do pacote ainda inclui uma versão editada para as rádios de “No Stranger to Love”, que não apresenta nada de mais, sendo apenas um pouco mais curta. Essa edição vale como documento histórico para os fãs não só de Tony Iommi, mas também da lenda Ray Gillen.

Disco 1:

1. In For the Kill
2. No Stranger to Love
3. Turn to Stone
4. Sphinx (The Guardian)
5. Seventh Star
6. Danger Zone
7. Heart Like a Wheel
8. Angry Heart
9. In Memory…
10. No Stranger to Love [Single Remix]
Disco 2:

1. The Mob Rules [Live]
2. Danger Zone [Live]
3. War Pigs [Live]
4. Seventh Star [Live]
5. Die Young [Live]
6. Black Sabbath [Live]
7. N.I.B. [Live]
8. Neon Knights [Live]
9. Paranoid [Live]
Parecia lógico que, após a turnê para Seventh Star, Iommi acertaria em manter Gillen no posto de vocalista. Assim sendo, entraram em estúdio Iommi, Gillen, Singer e Nicholls, mais a adição do baixista Bob Daisley no lugar de Spitz (embora creditado, ele não tocou no álbum) a fim de gravar The Eternal Idol. As gravações ocorreram de maneira relativamente tranquila, mas antes do lançamento do disco, Gillen e Iommi se desentenderam. De acordo com o primeiro, o motivo seria “questões financeiras”, já o guitarrista defende que Gillen não compunha, o que comprometia o grupo. Isso, juntamente com a dificuldade de comunicação interna que imperava na banda à época, levou à saída não apenas de Gillen, mas também do baterista Eric Singer. Iommi decidiu regravar os vocais de Gillen, chamando Tony Martin para a tarefa, também natural de Birmingham. Sem entrar no mérito da importância de Ozzy Osbourne para a definição do som do Sabbath (e sua consequente influência), do poderio e desenvoltura vocais de Ronnie James Dio e Ian Gillan, do feeling aliado à técnica de Gillen e Hughes, Tony Martin é competente. E só. Apesar disso, Martin não só regravou os vocais de The Eternal Idol, mas também registrou as vozes em mais quatro discos de estúdio e um ao vivo, o que faz do cabeçudo o segundo vocalista com mais material de estúdio gravado sob o nome do Black Sabbath. Para a capa do álbum seria usada uma foto da escultura de mesmo nome do famoso artista francês Auguste Rodin, mas como não foi permitido o uso da mesma, utilizou-se a foto de dois modelos cobertos de tinta, posicionados como na escultura de Rodin. Assim como o trabalho vocal, não era o que Iommi desejava inicialmente, mas passou.

Apesar dos percalços, The Eternal Idol, lançado no primeiro dia de novembro de 1987, produziu dois singles: “The Shining” e a faixa-título. Sua edição deluxe traz no primeiro disco a adição dos lados-b para esses singles: “Some Kind of Woman” e uma versão inicial de “Black Moon”, respectivamente. (“Black Moon” foi posteriormente regravada e lançada no álbum seguinte, Headless Cross). O segundo disco traz, na íntegra, as sessões do que seria a versão original de The Eternal Idol, com Ray Gillen tomando conta do microfone. 

Disco 1:

1. The Shining
2. Ancient Warrior
3. Hard Life to Love
4. Glory Ride
5. Born to Lose
6. Nightmare
7. Scarlet Pimpernel
8. Lost Forever
9. Eternal Idol
10. Black Moon [Single B-Side]
11. Some Kind of Woman [Single B-Side]
Disco 2: “The Original Ray Gillen Session”
1. Glory Ride
2. Born to Lose
3. Lost Forever
4. Eternal Idol
5. The Shining
6. Hard Life to Love
7. Nightmare
8. Ancient Warrior
Novamente, todo o material presente como bônus dessas edições já havia circulado amplamente como bootlegs, sendo que algumas dessas gravações possuem qualidade sonora até mesmo superior em relação às agora lançadas como oficialmente. Em outros casos, talvez fosse mais interessante um material independente – caso das sessões com Ray Gillen. Mesmo assim esses registros mantêm seu valor não só entre os fãs die hard da banda, mas até mesmo para o fã eventual de determinada fase específica da banda de Tony Iommi.

 

Destaque

Bad Company – Bad Co (1974)

Em seu primeiro álbum, o Bad Company — liderado pelo ex-vocalista do Free, Paul Rodgers, e pelo guitarrista original do Mott, Mick Ralphs — ...