Los Lobos: O lobo está mais do que sobrevivendo

 

A autoproclamada “pequena banda do leste de LA” tem sido – nos últimos 40 anos – uma verdadeira voz da razão, la voz de razon . Los Lobos - originalmente Los Lobos Del Este De Los Angeles - remonta a quando os alunos da Garfield High School, David Hidalgo e Louie Perez, se uniram por música gringa como Fairport Convention, Randy Newman e Ry Cooder, acompanhados logo depois pelos colegas Cesar Rosas, que liderou uma banda de soul, e Conrad Lozano, parte de um power trio de heavy metal no estilo Blue Cheer. A última peça do quebra-cabeça, o saxofonista Steve Berlin, criado na Filadélfia, embarcou como co-produtor em 83, depois como membro em tempo integral no ano seguinte.

Eles alcançaram o Hot 100 pela primeira vez em 1984 com "Will the Wolf Survive".

Agora, mais de quatro décadas depois, Los Lobos colhe os frutos de sua incrível carreira, que inclui três Grammys (Melhores Performances Mexicano-Americanas em 1983 e 1989, respectivamente por “Anselma” e “La Pistola Y El Corazon”, junto com uma Melhor Performance Instrumental Pop em 1995 por “Mariachi Suite”), um sucesso global no topo das paradas em seu cover de “La Bamba” de Ritchie Valens do filme biográfico de sucesso de 1987 (indicado naquele ano para Gravação do Ano e Melhor Performance Pop por um Duo ou Grupo com Vocais) e um Grammy Latino pelo conjunto de sua obra. Há também uma biografia crítica detalhada escrita pelo famoso crítico e fã de longa data Chris Morris, Los Lobos: Dream in Blue , para a University of Texas Press.

Para marcar o lançamento de seu excelente álbum de 2015, Gates of Gold (429 Records/Universal) – seu 15º álbum de estúdio completo – Los Lobos voltou ao seu reduto no leste de Los Angeles para um concerto gratuito em um necrotério convertido, onde um palco havia foi instalado no que aparentemente já foi a sala de embalsamamento.

“Esta costumava ser uma casa funerária e até agora só havia tristeza nela”, disse Hidalgo ao Los Angeles Times . “Então vamos lá!” Como o crítico do jornal Randy Lewis descreveu: “Los Lobos trouxe vida vívida a um espaço construído para servir à morte”.

Ironicamente, Gates of Gold é um álbum totalmente voltado para a contemplação da mortalidade, uma banda mexicano-americana de rock 'n' roll mais próxima do final de sua carreira do que do início, colocando em ação o caldeirão de rock, R&B, soul, folk e blues misturado com a fronteira tradicional norteno , ranchera , conjunto Tex-Mex , mexicano son jarocho e cumbia latino-americana de sua juventude.

Perez, nascido em 29 de janeiro de 1953, forma a equipe de compositores Lennon/McCartney do grupo com o amigo de longa data Hidalgo. Ele compara a indicação da banda ao Rock Hall em 2015 com seu primeiro Grammy em 1983.

“Coloquei aquela estátua no banco da frente da minha caminhonete Datsun 1971 e a dirigi até o leste de Los Angeles, para a casa da minha mãe, e a coloquei no lugar mais importante de qualquer lar mexicano-americano”, ele conta ao Best Classic Bands. “Em cima da TV ao lado da foto de formatura da minha irmã. Foi como carregar a tocha de volta para o meu bairro.”

O álbum ofereceu a Perez a oportunidade de olhar para trás e apreciar de onde ele e a banda vieram. “Sabemos que as coisas não duram para sempre. Mesmo que esta banda termine amanhã, temos muito do que nos orgulhar em nossas realizações, criativas e pessoais. Redefinimos o que significa ser mexicano-americano. Nunca tomamos nada disso como garantido. E isso não é apenas falsa humildade. É assim que somos. Não há razão para não ter sorrisos em nossos rostos hoje em dia.”

Esse espírito e camaradagem transparece alto e claro em Gates of Gold . Músicas como “When We Were Free”, “There I Go”, “Song of the Sun”, “Magdalena” e a faixa-título falam de nossas semelhanças, e não de nossas diferenças, concentrando-se no espiritual sobre o político, enfatizando a importância da comunidade sobre a evanescência dos bens materiais.

“Não planejamos escrever um álbum sobre essas coisas”, insiste Louie. “Certamente ainda não é o fim da nossa história. Não vamos a lugar nenhum tão cedo. Mas tudo é temperado pelo mundo ao nosso redor e nossas vidas pessoais.”

Músicas como “Made to Break Your Heart”, com sua explosão épica de guitarras tipo Crazy Horse, ou “Magdalena”, com seu interlúdio orquestral quase ELO, mostram que a paleta musical de Los Lobos está mais expansiva do que nunca.

“O que realmente continua a nos impulsionar criativamente é nosso senso de descoberta, e ele ainda está intacto”, concorda Louie. “Estamos sempre procurando por algo, mas não sabemos o que é até que aconteça, mas somos capazes de reconhecê-lo. E é aí que entra a experiência. O pincel de azul fica bem na tela aqui e não ali. Notar é tudo para nós. Você tem que aprender a deixar as músicas irem e permitir que elas evoluam, que assumam suas próprias vidas.”

Também fazem parte do som de Los Lobos as raízes do blues e do R&B que o sombreado hipster Cesar Rosas traz para a mesa em canções como “Mis-Treater Boogie Blues” e “I Believed You So” ou o tradicional som mexicano de “Poquito Para Aqui ” . ”

“Cesar sempre surge com algo muito legal”, diz Louie. “E é algo que precisamos como banda. Tem que haver um contraponto, um equilíbrio. Mantém tudo enraizado em nossas raízes. Eu amo o que ele faz porque é isso que ele faz.”

Mas o que torna Los Lobos tão grande, tão importante e tão digno de entrar no Hall da Fama do Rock and Roll é seu compromisso em descrever a experiência do imigrante. Sua assimilação musical reflete a experiência de seu compatriota na América, que por sua vez reflete o DNA primordial do rock 'n' roll. Não foi por acaso que eles começaram na cena punk poliglota do final dos anos 70/início dos anos 80 de Los Angeles, onde X e os Blasters combinaram a nova velocidade do thrash de três acordes com uma boa dose de country e rockabilly do velho estilo.

“Crescemos com toda aquela música tradicional tocando como pano de fundo”, diz Perez. “Ao mesmo tempo, ouvíamos rock 'n' roll, borbulhando no caldeirão cultural. Quando finalmente voltamos à música tradicional, há muito havíamos parado de ouvi-la. Foi aí que a experiência Los Lobos realmente começou para nós. Crianças do rock 'n' roll abraçando a música da cultura de nossos pais. Normalmente, você se rebela contra a geração mais velha. Para crianças recém-saídas do ensino médio tocarem esse tipo de música, deixar de lado os amplificadores de reverberação Stratocasters e Fender para guitarras e acordeões era uma anomalia. Após 10 anos explorando a música regional mexicana e entrando em outras formas de música latina, quando voltamos ao rock 'n' roll, nossas sensibilidades mudaram. Nós apenas ouvimos as coisas de maneira diferente.”

Quando Los Lobos começaram, eles foram muito influenciados culturalmente pelo movimento chicano do final dos anos 60/início dos anos 70, que politizou os mexicanos-americanos que atingiram a maioridade na época. E enquanto canções de Los Lobos como “A Matter of Time” ou “The Road to Gila Bend” tocam em sua situação, Perez explica que a banda queria que sua música reunisse as pessoas, não colocasse uma barreira entre elas.

“Sentimos que, se tentássemos aperfeiçoar o que fizemos com a música mexicana, isso teria muito peso. Como quatro garotos mexicano-americanos do leste de Los Angeles tocando uma música tradicional mexicana sendo o álbum número 1 na América e em todo o mundo em 1987, disse muito mais do que apenas cantar junto com o refrão.

Ele está se referindo, é claro, a “La Bamba”, que tornou Los Lobos nomes conhecidos, e mesmo que eles nunca mais tenham alcançado esse nível de sucesso comercial, Louie está convencido de que a mensagem da banda foi ouvida.

os jovens lobos

“Eu nunca quis me aprofundar muito em uma história unilateral”, diz ele sobre suas composições e seu lado político. “Quando começamos a turnê, descobrimos que somos todos muito parecidos, seja em Chapel Hill, NC, Birmingham, AL ou Burlington, VT. Isso foi há mais de 30 anos, quando não havia muitos rostos morenos por aí. E agora a face da América mudou e é marrom. Na América, todos nós viemos de outro lugar. Somos americanos por definição, mas multinacionais por design. Essa é a nossa genética. E tornou este país grande. Não há nenhum outro lugar na história da civilização tão misturado, e é isso que nos tornou a nação mais poderosa do mundo. Não em termos militares ou econômicos, mas todo mundo quer nos seguir porque fizemos isso certo. E perder isso de vista é simplesmente obsceno.

“O que nos faz continuar? Qual é o segredo? Talvez seja algo que simplesmente não precisamos saber. É apenas uma bênção. Por mais que nos queixemos de aviões, trens, automóveis e quartos de hotel, conseguimos estar naquele palco tocando duas horas por noite. É o melhor trabalho do mundo.”

Alice Cooper: 'Nenhum de nós planejava viver além dos 30'

Alice Cooper: Haverá sangue

Existem pelo menos quatro Alice Coopers no mundo agora:

• A Alice berrantemente maquiada e fantasiada que conhecemos e amamos por todos esses anos, cantando canções de caos e loucura, de sangue e sangue coagulado. É o interminável show de terror do rock and roll.

• A Alice que está se vestindo um pouco – “vampiro”, diz ele – cantando alguns dos clássicos do rock enquanto lidera o Hollywood Vampires ao lado dos guitarristas Joe Perry e Johnny Depp. Cooper, Depp e companhia estavam no estúdio e, de acordo com Cooper, Perry entrou na sala e disse: "Estou dentro". (Os Vampiros de Hollywood eram, a princípio, um famoso bar de roqueiros que Cooper fundou no início dos anos 70.)

• A Alice que em 2016 se reencontrou com os membros sobreviventes da Alice Cooper Band original – aquela que está no Hall da Fama do Rock and Roll – o baterista Neal Smith, o baixista Dennis Dunaway e o tecladista Michael Bruce. Todos eles trouxeram algumas músicas para Cooper e  fizeram uma turnê pelo Reino Unido em 2017. (O guitarrista Glen Buxton morreu de pneumonia em 1997.)

• E, é claro, há nos bastidores Alice, o ás do golfe, o jogador com quatro handicaps que, se não estiver em turnê, jogará seis dias por semana em sua casa em Phoenix e, se estiver em turnê, nos Estados Unidos, jogará em cada parada da turnê e na Europa cerca de duas vezes por semana. Se isso soa trivial no contexto de uma história de rock, bem, não é o caso de Cooper.

“Pergunte a qualquer pessoa que já foi viciada em alguma coisa”, diz Cooper sobre como o golfe o salvou. “Quando eles entram no golfe é o mesmo vício. É como se você acertasse um ótimo arremesso e acertasse 10 arremessos ruins para acertar mais um arremesso bom. É quase assim com qualquer vício em drogas. É muito, muito parecido. Mas não vai te matar.”

O vício, ou falar sobre isso, nunca está tão longe de Cooper, mesmo que ele esteja sóbrio desde 1983. Eu o vi jogar em Boston em 2009 para uma organização de recuperação chamada Right Turn. E o álbum e a atual turnê com o Hollywood Vampires é, em grande parte, uma grande saudação para aqueles que seguiram o mesmo caminho, mas não conseguiram sair vivos: Keith Moon, John Entwistle, Harry Nilsson, John Bonham, Jimi Hendrix, Marc Bolan, Lemmy e John Lennon entre eles. Lenon?

“As pessoas pensam em Lennon e, claro, ele foi assassinado.” Cooper diz: “Mas ele era um dos caras que mais bebiam e drogavam que eu conhecia. Ele não era um peso leve. Harry Nilsson não era um peso leve. Keith Moon, é claro. É quase mais notável que Keith Moon tenha chegado aos 34 anos do que Keith Richards ainda vivo. Não sei qual é o mais bizarro.

“Keith Moon foi o maior baterista ao vivo que já vi na minha vida. Ele sabia tocar qualquer coisa, mas o fato era que Keith Moon estava determinado a ser o melhor palhaço do mundo. Ele criou seu próprio mundo. Foi como, Keith, 'Você decidiu que, seja como for, será espetacular. Mas não há como impedir você de pular daquela ponte naquele rio, não é? Não? OK. Você se sentou lá e o deixou ir.

Um Joe Perry muito bronzeado, Johnny Depp tatuado e Alice, como sempre, pesadamente no rímel. Foto de Ross Halfin

A principal intenção de Hollywood Vampires é fazer covers de músicas de alguns desses artistas falecidos, além de soar uma nota de advertência estridente sobre o estilo de vida. Isso ocorre durante “My Dead Drunk Friends”, um original, que fecha o CD homônimo e costuma ser tocado perto do final dos shows, seguido frequentemente pelo que é uma sequência matadora de clássicos: “Ace of Spades” (Motorhead) “Sweet Emotion ” (Aerosmith) “Train Kept-a Rollin'” (Yardbirds, refeito pelo Aerosmith) e os grandes sucessos de Cooper “I'm Eighteen” e “School's Out”.

Em “Friends”, encontramos Cooper sozinho em um bar. “Tudo o que você sabe é que ele é o último cara no bar e veio até o barman e disse: 'OK, vamos conversar sobre o que aconteceu conosco'. Sou o último que sobrou e este lugar está cheio de fantasmas, mas todos esses fantasmas são meus amigos. Vamos fazer um brinde a esses caras – foi moldado após esse tipo de música de salão.” Ele se transforma em uma rodada de bebida, vômito e luta - em várias combinações. Cooper diz que, quando chegaram a essa parte, “não pude deixar de pensar em Jack Sparrow em um bar de piratas”. (Não faz mal ter Depp na banda para isso.)

Drogas e álcool estão embutidos na cultura do rock. Cooper, nascido em 4 de fevereiro de 1948, diz que aprendeu com estrelas como Jim Morrison e Janis Joplin, e considerou beber um requisito básico para o trabalho. “Acontece que eu estava no final dos anos 60/início dos anos 70, quando tudo acontecia”, diz ele. “Se você não estivesse ficando chapado ou bebendo, provavelmente não estaria em uma banda porque seria um estranho. Agora, é exatamente o oposto. Se você está ficando chapado e bebendo demais, você não vai estar em uma banda. É uma daquelas coisas em que você não pode ter um cara na banda que está ficando tão chapado que não consegue se apresentar.”

Assista Cooper e sua banda original se apresentando em 14 de maio de 2017

“Aqui estamos no estúdio fazendo essas gravações desses caras, e todos no estúdio estão sóbrios. Johnny está sóbrio, Joe está sóbrio, eu estou sóbrio, [o produtor] Bob Ezrin está sóbrio. Todo mundo que entra está bebendo café ou Coca Diet e estamos gravando esses caras que nunca tomariam uma Coca Diet na vida e na época em que bebíamos com eles. Se você tivesse dito 'daqui a 30 anos você estará fazendo um álbum em homenagem a esses caras e você estará em sua melhor forma, e você estará bebendo Diet Coke', eu teria dito 'Você' está fora de si', porque nenhum de nós planejava viver além dos 30.

Então, a intenção agora com este projeto paralelo – algumas pessoas estão usando a palavra “supergrupo”; Cooper prefere “banda de bar” – é revisitar uma parte do passado do rock clássico. Nem todos os artistas foram vítimas de autoabuso. Por exemplo, o cover dos Vampires de “I Got a Line on You”, do Spirit, cujo guitarrista Randy California – cujo espólio processou o Led Zeppelin por plágio e perdeu – Cooper diz, “faleceu salvando seu filho de um afogamento”.

Alice Cooper (foto via sua página no Facebook)

Fazer essa música levou ao que Cooper chama de “um dos maiores elogios. Estávamos no estúdio e [Paul] McCartney estava no estúdio e estávamos tocando tudo. Estávamos tocando 'I Got a Line on You', e ele disse: 'Quem está cantando isso?' Johnny diz, 'Alice', e ele diz 'Uau!' Recebi um 'uau' de Paul McCartney. Posso viver disso por 10 anos.” No álbum Hollywood Vampires , McCartney juntou-se à música que escreveu para Badfinger no início dos anos 70, “Come and Get It”.

No show, Hollywood Vampires tocou duas músicas importantes da banda original que levava o nome de Alice Cooper. Essa banda lançou sete álbuns de 1969 a 1973. Cooper tem sido um artista solo, embora com uma banda de turnê de primeira, desde 1975 e sua estreia Welcome to My Nightmar . Existem muitos fãs que, embora gostem de Cooper agora, apreciam aqueles dias de ACB durões. E esses dias podem – apenas podem – voltar.

“Isso meio que se encaixou”, diz Cooper, sobre a reunião da antiga banda. “Será uma experiência quando colocarmos essas músicas no estúdio para ver se elas soam como músicas de Alice Cooper de 1971. Eu gostaria que soasse como Killer , parte dois. Vou começar com essas ideias e depois ver aonde vai.” 

John Sebastian sobre a 'mágic' of the Lovin’ Spoonful

 

Você acredita em mágica?

Na primavera de 1965, adolescentes o suficiente fizeram para levar a música The Lovin 'Spoonful de mesmo nome ao Top 10 nas paradas da Billboard . Mais de 50 anos depois, a autoharp distinta e vibrante da música e o groove saltitante ainda soam vibrantes. “Do You Believe in Magic”, a faixa-título do álbum de estreia do quarteto, também foi seu primeiro single, um dos nove a chegar ao Top 20 em um impressionante período de dois anos (em uma época em que se esperava que os principais grupos lançassem um novo LP a cada poucos meses).

John Sebastian , é claro, escreveu e cantou “Magic”, assim como a maioria dos outros sucessos da banda. Nesta entrevista de 2015 para o Best Classic Bands, ele relembra com carinho seus tempos de Spoonful, lembrando que, desde o início, o plano era ser um Beatles americano.

“O Spoonful começou no auge da Beatlemania, e era uma época em que muitas bandas americanas imitavam as bandas inglesas para funcionar. Foi nossa observação – eu e o [guitarrista do Spoonful] Zal Yanovsky e [o produtor] Erik Jacobsen – que o material britânico estava fortemente enraizado na música americana, e poderíamos, talvez, eliminar o intermediário.”

[Uma apresentação não planejada no festival de Woodstock, em agosto de 1969, catapultou Sebastian para uma carreira solo como um dos pilares do festival tie-dye, cantando “Rainbows All Over Your Blues” para milhares durante o nascimento da nova década.]

Sebastian, nascido em 17 de março de 1944, já era um músico de sessão tocando em demos de Tim Hardin, Fred Neil e Bob Dylan, entre outros, quando o Spoonful se formou sob a direção de Jacobsen - tirando Yanovsky dos Mugwumps (deixando Cass Elliott e Denny Doherty grátis para os Mamas and the Papas) e a seção rítmica criada em Long Island por Steve Boone e Joe Butler da banda de rock de Greenwich Village, The Sellouts.

“(O baixista do Future Mountain) Felix Pappalardi e eu nos tornamos uma unidade”, diz Sebastian, “que foi contratado para agitar um pouco os grupos de folk”.

“Rock up folk groups” é a chave para o espírito inicial de Sebastian.

“As pessoas pensam que vim da música folk e me mudei para o rock 'n' roll, mas o fato é que toquei guitarra elétrica por cinco invernos na Blair Academy, basicamente os songbooks de Duane Eddy e Chuck Berry, o tipo de coisa que você esperar que um jovem guitarrista daquela época estivesse tocando. A situação mudou para mim quando o verão chegou e muitas crianças, especialmente as garotas bonitas, não estavam tão interessadas em rock 'n' roll. Eles queriam aprender a escolher Carter. Foi tentando obter a aprovação deles que aprendi a tocar Autoharp.”

O Spoonful, Sebastian aponta, era diferente de outras bandas pop da época porque eles tocavam seus próprios instrumentos no estúdio, bem como no palco (embora o baterista de sessão Gary Chester tenha feito as peles em “Magic”).

“Tocávamos nossa própria merda”, diz Sebastian, sentado em sua varanda em Woodstock, NY, cercado por dois cachorros e um gato. “Não foi o Wrecking Crew (um grupo de jogadores de elite de Los Angeles). Tantas bandas estavam se levantando naquela época, mas até que o fizessem, eles usaram o Wrecking Crew como a seção rítmica. Essas eram grandes bandas e grandes músicos, mas havia uma mesmice e mansidão neles. Foi o que vimos quando aterrissamos em LA Tínhamos jogado oito sets por dia e esses caras estavam sendo elogiados por fazer 40 minutos no Ciro's. Estávamos muito acima da capacidade de tocar de tantas bandas da época.”

O que realmente diferenciou o Spoonful foi o fato de eles se basearem tanto na tradição da jug band americana, música caseira e divertida de Memphis, Louisville, Cincinnati e outros centros urbanos no sul. As bandas de jarros se viraram com o que tinham à mão, usando banjos, guitarras e bandolins, mas também empregando jarros, chaminés, lavatórios e kazoos de dimestore para fundos percussivos vibrantes e arranhados.

As canções eram simples, mas modernas, baseadas tanto no ragtime quanto na música de bandas de cordas e no blues. Bandas como Memphis Jug Band de Will Shade, Jug Stompers de Gus Cannon e Mobile Strugglers deixaram um legado emocionante e algo como um convite.

Sebastian foi educado na forma por Stefan Grossman e logo foi introduzido na efêmera Even Dozen Jug Band, que apresentava futuras estrelas como Maria Muldaur, David Grisman e Steve Katz.

"Eu disse, Stefan, o que é uma banda de jarro?" Sebastião lembra. “Ele disse: 'Não importa, você está em um'. Até Dozen foi o jardim de infância para mim.

A música da banda Jug deu a Sebastian mais do que um ótimo título de música. Isso o energizou para a composição e deu a ele um plano solto para o som de sua banda.

“Comecei a mudar algumas das letras grosseiras das músicas da jug band e a reescrever isso e aquilo. Logo, escrevi alguns originais, que tiveram sucesso na forma de dois ou três singles. Nesse ponto, pensei, hmmm, eu poderia jogar algumas dessas coisas pesadas porque ninguém sabe de onde vem. Foi apenas uma oportunidade, uma espécie de segundo fôlego.”

The Spoonful, como todas as bandas verdadeiramente grandes, era mais do que a soma de suas poderosas partes. Yanovsky, que Sebastian claramente reverencia como uma espécie de santo musical, possuía um estilo de guitarra verdadeiramente único, abraçando toques de Chuck Berry, slide ace Elmore James e o pianista de Nashville Floyd Cramer. Boone e Butler apoiaram facilmente folk, country e rock 'n' roll, com um sulco sorridente tão profundo quanto largo. Mas, vamos enfrentá-lo; As canções de Sebastian (algumas co-escritas com Boone e outras) foram a chave que abriu as portas para a fama.

“Daydream” (um hit # 2). “Você já teve que se decidir” (# 2). “Gatos de Nashville” (#8). “Verão na Cidade” (#1). "Querida, volte para casa em breve" (# 16). Só esta última – uma canção de tão doce saudade e afeto – teria qualificado o grupo para sua indução em 2000 no Hall da Fama do Rock and Roll.

Em 1967, com a banda instalada em LA, mudanças aconteceram na formação. Yanovsky, preso por maconha em San Francisco, estava fora. O amigo de longa data Jerry Yester (um Zelig musical que participou de sucessos anteriores do Spoonful) estava presente. E a influência de Jacobsen (“o quinto Beatle”, como Sebastian descreve seu papel na banda) estava diminuindo. Depois do álbum Everything Playing de 1967 , que apresentava clássicos do rock como “She Is Still A Mystery” e “Money”, Sebastian também queria sair.

A banda - Boone, Butler e Yester - continuou, fazendo algumas gravações adicionais e, em 1991, reformando-se para um show ao vivo, que se apresenta até hoje.

Não surpreendentemente, dado o seu comportamento lendário e ensolarado, Sebastian está absolutamente bem com a banda continuando sem ele.

John Sebastian no palco do festival de Woodstock

"Estou tão bem com tudo isso", diz ele. “Isso remonta a um acordo que nunca tivemos no papel, mas que decidimos em reunião. Eu disse: 'Agora estou interessado em tocar com outras pessoas'. Isso tudo foi uma preparação para o que seria o primeiro disco solo que fiz com o [produtor] Paul Rothschild. Eu queria fazer essa transição e os membros restantes da banda disseram que queriam continuar e eu disse: 'Vocês têm minha bênção.

No estúdio, ele forjava uma nova persona, ainda construída sobre o que viria a ser chamado de música de raiz.

John B. Sebastian dos anos 1970 era uma mistura livre de baladas, country rock e blues. Sebastian sabia como interpretar todos eles, então ele o fez, com uma falta envolvente do tipo de foco que poderia tê-lo mantido como uma estrela mainstream.

"Eu tenho um curto período de atenção", diz ele. “Eu vou de uma coisa para outra. Com esse primeiro álbum, em particular, eu queria atingir uma série de marcas, para dizer que este é o meu campo de tiro.”

Sebastian foi criado em Greenwich Village. Seu pai era um famoso músico clássico cuja forma inventiva de tocar gaita afetou profundamente seu filho (para o deleite de muitas gerações). Sua mãe escrevia roteiros de rádio. Era uma vida boêmia para dizer o mínimo, com esteios populares como Burl Ives e Woody Guthrie soprando pela casa em meio a uma litania de cabelos compridos sinfônicos.

Todo esse aprendizado em casa, todo o trabalho de sessão e todas as inclinações pop alegres do Spoonful vieram em álbuns como a estreia solo homônima, The Four of Us e Tarzana Kid . Nenhum é clássico por si só, mas cada um contém clássicos, canções mais brilhantes como "She's a Lady", "Apple Hill" e "The Stories We Could Tell" (um número de Sebastian gravado anteriormente pelos Everly Brothers).

Em meados dos anos 70, porém, até mesmo esse fluxo havia diminuído. Sebastian estava praticamente se despedindo da Warner Bros. Records quando um produtor de TV ligou para ele sobre uma nova série, Welcome Back, Kotter , baseada em um professor voltando para sua alma mater no Brooklyn. Sebastian and the Spoonful havia marcado dois filmes - What's Up Tigerlily, de 1966? e You're A Big Boy Now , de 1967 - então ele conhecia bem uma trilha sonora. O resultado, “Welcome Back” em 8 de maio de 1976, colocou Sebastian de volta nas paradas, em primeiro lugar, pela última vez.

“Les Paul disse: 'Tenho uma boa ideia a cada dez anos.' Acho que talvez eu tenha uma constituição lenta semelhante dessa maneira ”, diz Sebastian.

Depois de Kotter, Sebastian tem sido em grande parte, no sentido musical, um fazendeiro cavalheiro. Ele lança um disco quando quer (como o adorável Tar Beach de 1993 ), se apresenta de acordo com sua agenda e frequentemente aparece como convidado com amigos e velhos amigos de Woodstock.

Nos anos 80, ele frequentemente era convidado do NRBQ, tornando-se, nas palavras do pianista Terry Adams, “um membro honorário”.

“NRBQ”, diz Sebastian, “foi a banda que Zal Yanovsky, anos depois que o Spoonful se separou, disse: 'Você não deveria apenas ouvir esses caras, mas deveria tocar com eles.' E ele estava certo. Foi uma alegria e ótimo ter uma nova interação musical com caras que, em muitos casos, podiam tocar ringues perto de mim.”

Durante os anos 90, Sebastian lançou dois álbuns de música jug band com o J-Band, um coletivo apresentando Kweskin Band esteio Fritz Richmond, guitarrista Jimmy Vivino, baterista James Wormworth e outros. Ambos os álbuns do grupo apresentam contribuições do bandolinista de blues e jug band Yank Rachell. Sebastian sorri com a mera menção de seu nome e diz que, de todos os veteranos com quem teve a chance de escolher, Yank - que trabalhou extensivamente com Sleepy John Estes e Hammie Nixon - foi quem mais o comoveu.

“Ele era a cereja do bolo. Isso foi realmente notável. Yank foi nosso guru durante aqueles anos em que pudemos tocar com ele, e foi a primeira vez que toquei com um verdadeiro músico original de jug band.”

Hoje em dia, a voz de Sebastian não é o instrumento flexível de antes, e ele também está otimista sobre isso.

“Você trabalha com o que tem”, ele ri. “Eu adoraria ter minha voz de Dion Dimucci de volta, mas faz parte do processo. É como ser um velho atleta; você tem que descobrir o que você pode jogar.

Nos discos da J-Band, ele compensava isso tocando gaita (tem alguém melhor?), violão barítono (para o qual praticamente criou o mercado) e banjo de seis cordas. Com Grisman, ele se concentra principalmente no violão, batendo junto com sua palheta, assim como fazia em uma elétrica Lovin' Spoonful Les Paul.

Sebastian ainda acredita em magia também.

Ele sorri que Sundazed, o selo de relançamento de Coxsackie, NY localizado não muito longe de sua casa, relançou os três primeiros álbuns do Spoonful em vinil e CD, das fitas master originais com arte original completa. E ele está ainda mais animado por ter assinado um contrato de publicação com a Downtown Music, com a intenção de comprar seu catálogo solo (não tão frequentemente coberto quanto seu material Spoonful) para novos artistas.

“Não tenho ideia de como o negócio da música funciona neste momento”, ele ri. “Estou feliz por ter o privilégio de continuar operando do jeito que faço, e não ficar obcecado com a mídia ou mídias sociais e tudo mais. É um privilégio que nem todo jogador pode ter.”

A última vez que os três membros sobreviventes do The Lovin 'Spoonful se apresentaram juntos foi quando o quarteto de Nova York foi introduzido na classe de 2000 do Hall da Fama do Rock and Roll. Essa seca de 20 anos terminou em 29 de fevereiro de 2020, quando Sebastian, Boone e Butler se juntaram a um coletivo de estrelas chamado Wild Honey Orchestra no Alex Theatre em Glendale, Califórnia, para homenagear a música que os Spoonful criaram há mais de 50 anos.

Assista a Wild Honey Orchestra, com John e Mark Sebastian, e Joe Butler, tocando “Summer in the City”