Disco imortal: Blur - The Great Escape (1995)

 

Food Records/Virgin Records, 1995

britpop. Esse movimento que encapsulava bandas que muitas vezes pouco tinham a ver umas com as outras e que viveram sua fase áurea na primeira metade dos anos 90, após o declínio do grunge e antes do surgimento de uma série de subgêneros. cena. Sem medo de errar, "The Great Escape" deve ser rotulado como uma obra emblemática do britpop, ainda que com a ajuda de ter sido lançado no momento de maior efervescência do gênero e ainda que, por vezes, as características mais representativas sejam deixadas de lado. .sobre vários temas. A diferença fundamental que diferenciava o trabalho do Blur das tentativas de outras bandas da época era uma prodigiosa inteligência criativa, que era equilibrada por novos arranjos musicais e um valioso interesse em sair da norma.

A faixa de abertura é a frenética “Stereotypes”, aquela que mexe com o pescoço com um riff punk bestial, cheio de coragem, sustentado por um sintetizador extravagante que assombra uma melodia radiofônica, enquanto Damon Albarn canta uma história sem esperança sobre práticas familiares da classe média de da época, chegando à crítica social. O refrão é ótimo porque destaca um tema recorrente em “The Great Escape” como a ansiedade por estar perto do fim do século e a banalidade de projetos futuros. Idêntica direção é tomada pelo excelente "Country House", que narra os remédios triviais que um empresário de sucesso encontra para seu estresse. O desenvolvimento musical é de duas histórias antagônicas, que interagem constantemente. A soberba melodia do Britpop e a subcorrente instrumental dos versos e do refrão estão transbordando de alegria. Já “Best Days” mostra um refrão equilibrado por uma melodia cheia de alma, além de um maravilhoso piano. Esta faixa resume, de certa forma, a contundência do álbum em termos de temas: o individualismo, o popular, a solidão... tudo ao ritmo de harmonias vocais perfeitas e sonoridade melancólica. Aqui, a veia mais sombria do álbum atinge sua expressão mais completa. “Charmless Man” é possivelmente a música do álbum com mais influência desse grande contador de histórias que é Ray Davies. Isso nos lembra as histórias que os Kinks contaram e que trata de falsas aparências e hipocrisia. Mais uma vez a melodia, tanto nos versos quanto no cativante "na-na-na-na-na-na-na", exibe todo o carisma e falsidade que,

Indo para o lado mais tranquilo do álbum, "Fade Away" descreve as mazelas do casamento com acordes suaves, arranjos excelentes, muito estilosa e com melhor produção. «Top Man» é uma faixa muito criativa na sua composição, desdobrando-se num redemoinho repleto de refrões de além-túmulo, sintetizador, um ar de arabesco, assobios e um refrão que soletra o nome do protagonista. “O Universal” é um momento único. Construção melódica impecável, que avança majestosamente entre cordas suaves e refrões que querem despertar a consciência. O final é emocional e reflexivo. A faixa consegue combinar perfeitamente letra e música. O atípico jazz-rock-pop de “Mr. Robinson's Quango” é repleto de mudanças rítmicas e deliciosos interlúdios instrumentais, que são embelezados por um bom manejo das trompas. “He Thought of Cars” exibe uma mistura perfeita de efeitos de guitarra, vocais e arranjos acústicos que parecem ter sido retirados de um álbum de Bowie do início dos anos 70. Tem uma textura psicodélica e uma melodia enigmática embora, apesar de tantos detalhes, esteja um degrau abaixo das demais.

"It Could Be You" é a música mais pop do álbum; a parte vocal é uma recitação, a melodia é mais rudimentar e o acompanhamento de cordas não é tão brilhante. “Ernold Same” tem um estilo muito Syd Barrett e arranjos de cordas totalmente britânicos, muito clássicos ao ouvido. E essa seria uma das principais críticas ao álbum. "Globe Alone" tem uma influência punk marcante; Tem um aspecto rebelde, com tons muito juvenis. A ferocidade, às vezes, parece forçada, mas é um bom corte. “Dan Abnormal” é um mergulho na mente perturbada de um cara que sucumbiu ao veneno da vida moderna. Todos os aspetos da música, desde a percussão e o "la-la-la-laaa" até à letra, são interessantes mas, nesta altura do álbum, soam mais fracos do que outras propostas. “Entertain Me” retoma o nível da primeira parte e segue as pisadas de Stereotypes», para criar um punk-pop excêntrico com energia desatada, loucura requintada e uma melodia muito boa. E para fechar está “Yuko & Hiro”, que se destaca pela bateria casual e uma atmosfera plácida com claras influências do pop ambiente.

Este é um álbum cheio de sucessos, com refrões cativantes, arranjos limpos, pianos cativantes e guitarras de cair o queixo. O discurso alude à música, à vida moderna, à solidão, à mídia. “The Great Escape” é uma experiência marcante na carreira de Blur, situando-se no meio do premiado “Parklife” e do consistente “Blur”. Promovê-lo e perder a batalha contra o Oasis (a diferença nas vendas era enorme em comparação com "Morning Glory") seria um ponto de virada que os levaria à contenção. E, talvez, tenha sido isso que os salvou da megalomania que destrói as bandas de sucesso por seu desejo ou necessidade de se voltar para o grande público. Em 1997, o Blur havia tomado a decisão de se expandir para outros espaços, cada vez mais longe do mainstream e mais próximo da exploração de sonoridades relegadas pelas tendências pop da época, e isso já foi visualizado em algumas faixas deste “The Great Escape”. Uma virada para a maturidade musical.

Disco imortal: Depeche Mode – Violator (1990)

 

Mute Records, 1990

Início de 1990. A última década do século XX começou, musicalmente, com um álbum que reconciliou público e crítica. Soou alto, organicamente, em todas as rádios do mundo, dando-lhe uma dimensão intemporal, transformando as suas canções em clássicos absolutos. Não é um álbum glam, embora sua estética seja essencial. Não é um álbum grunge, embora sua natureza inovadora seja um elemento-chave para entender outras músicas da década. Não é nem um disco de rock.

Violator é um álbum que, sem sucumbir às necessidades da indústria, agradou tanto ao público rock como ao pop e tornou-se imediatamente um dos mais marcantes fenómenos universais e comerciais da música popular.

Depeche Mode, até antes desse álbum, eram motivo de vergonha para o público do rock. Ninguém ousava dizer que eram um grupo inovador e que poderiam se tornar influentes, muito menos para músicos das fileiras do rock. No final dos anos 80, era impensável supor que pudesse haver uma banda surgida dentro do conservadorismo do metal -como o Deftones- e que se deixasse permear pelo som de teclados e sintetizadores, que pouco tinham a ver com o cânone do rock. Acrescentemos que os de Essex têm uma proximidade, senão da feminilidade, de uma exploração artística que a ela se assemelhava, fomentada ainda mais pela performance andrógina e pelos textos hipersexuais de Dave Gahan, que só ao longo dos anos e graças à aproximação dos ingleses punk em direção a algo muito mais artístico e exploratório - chame-o de pós-punk e new wave - poderia ser aceito e valorizado,

O segredo deles, talvez, residisse no fato de não terem medo de misturar as poderosas influências que os ajudaram a construir seu som: Kraftwerk, Sex Pistols, Pink Floyd, Roxy Music, David Bowie, The Human League, Vince Clarke (Yazoo, Erasure )... todos ao serviço do talento e engenharia do multi-instrumentista e principal compositor Martin Gore, o génio do Depeche Mode.

Com este álbum, a banda eletrônica mais influente da história conseguiu libertar muitas pessoas de seus tabus musicais, e essa ação libertadora foi a dobradiça para que entrassem nas vísceras da indústria do rock. Seus números os atestam: este foi o primeiro álbum da banda (sétimo em sua discografia) a atingir o Top 10 da Billboard, com mais de 13 milhões de cópias vendidas, liderado por um maxisingle ('Personal Jesus') que marcaria a história. próxima geração, consolidada em uma turnê promocional que contou com mais de um milhão de participantes. As portas da fama mundial estavam escancaradas. Ninguém resistiu ao charme dos eletrônicos da marca Depeche Mode.

Violator é o álbum definitivo para entender o espírito da banda, desde sua estética capa preta com rosa vermelha recortada, tirada pelo fotógrafo Anton Corbijn (que os acompanhou por uma década e que também dirigiu seus videoclipes), até suas canções. , a própria essência do álbum, onde brotam os technicolors 'World in My Eyes', 'Personal Jesus', 'Halo', 'Enjoy the Silence', 'Policy of Truth', 'Clean'; todas as peças de synthpop requintadas com um rock de eco escuro, a assinatura do proeminente produtor Flood.

Foi a carta de apresentação definitiva do Depeche Mode, que os colocou na vanguarda da música popular universal, com a graça de nunca perder o espírito de ser uma banda eletrônica que usa guitarras (e não uma banda de rock que usa guitarras). não se engane). Essa fórmula ainda os torna credores de ser um guia sonoro que perdura até hoje, com canções que envelhecem com o passar inclemente do tempo, mas que parecem não perder a validade, nem na música nem na fala. Uma obra-prima do início ao fim.

Resenha: "Sheol" de Hypno5e (2023), os poéticos e cineastas franceses que nos mostram um álbum de raiva, sofrimento e expiação

 

Se «Alba Les Ombres errantes» é um álbum sobre olhar para dentro, perder-se, redescobrir-se e deixar-se ir… este álbum retrata-nos um caminho cheio de raiva, sofrimento e tristeza humana. Obra cheia de arquétipos e simbolismos. 

Não é por acaso que os poemas “Feces” e “Idilio muerto” foram selecionados nas duas primeiras canções do álbum, em homenagem a César Vallejo, poeta caracterizado por um estilo que abordava temas da dor da condição humana . 

sheol  

/ Do hebraico: שאול / De acordo com o conhecimento judaico-cristão, Sheol é o cemitério para onde vão os mortos. Ou seja, um Hades ou um inferno. 

"Banco"

Esta tarde chove como nunca; e não

Eu quero viver, querida.

“Idílio Morto”

Agora, nesta chuva que me leva embora

a vontade de viver (…)

Você deve estar na porta olhando para alguma paisagem de nuvens,

e no final dirá tremendo: «Que frio... Jesus!»

e um pássaro selvagem vai chorar nas telhas.

Sheol, Pt. II – Lands of Haze

Começa bem no clímax do Sheol l. É uma obra que deve ser ouvida em conjunto e ouvida como A e B, pois são contrastantes. Enquanto a primeira parte é de natureza melódica e arpejante, a segunda é saturada com percussão característica do death metal técnico. Redescobrimos as passagens características em francês e uma estrutura em 4/4 e 3/4.

Neste álbum, um novo baterista trabalhou; Pierre Rettien. Quem conseguiu reconhecer o estilo composicional de Jessua e todo o seu potencial pode ser efetivamente apreciado em Lava from the Sky e Slow Steams of Darkness . O baixista Charles Villanueva também se junta. 

O álbum é inteligentemente organizado. As próximas duas músicas oferecem um respiro do estilo pós-metal. 

Bone Dust & Tauca – Parte I – Outro 

A primeira é uma obra de oito minutos que abre com um trio de cordas e uma linha melódica que nos remete ao divino, ao celestial. Escrito em ré menor e compasso 4/4.

Quando falamos de Hypno5e, certamente falamos de mudanças e contrastes imprevisíveis. São pintores dos limites. Tauca – Parte I – Outra está no tom de ré menor, subdivisão ternária e nos conta sobre as visões de um sujeito poético preso no limbo. 

• Este álbum foi mixado por Chris Edrich e masterizado por Atelier Mastering.

Lava from the sky & The Dreamer and his Dream

Peças que antecedem o fecho do álbum, carregadas de passagens percussivas brutais, e onde os graves constroem carácter. São-nos oferecidos os belos quebra-cabeças de percussão que já foram mostrados em trabalhos anteriores como "As sombras errantes". 

No vídeo oficial vemos novamente Mikael Pinelli, que protagonizou o filme "Alba, les ombres errantas" e ouvimos a participação do violoncelista Raphael Verguin.

Esta banda sempre se comunicou através do simbolismo e da Filosofia. "O sonhador" é um arquétipo frequente na obra musical da banda. Geralmente como protagonista, ou como viajante. Neste álbum são tocados temas sobre céu, purgatório e inferno. 

Slow Steams of Darkness; Part l Milluni, Part ll Solar Mist

Embora o Hypno5e seja certamente uma banda que tem muito a oferecer musicalmente e seu caminho ainda não esteja totalmente definido (nem estará), ele oferece algo que nenhuma outra banda fez antes, exceto grandes nomes como Pink Floyd; proposta de filme. Onde o eixo criativo é Emmanuel Jessua, juntamente com Thierry Jessua que se encarrega de dar vida aos desenhos e animações nos videoclipes oficiais. 

O vídeo é estrelado por Aurore Jeantet , que também canta os backing vocals femininos em Lava from the sky . 

As obras deste álbum mantêm uma correlação entre si, como se algum sujeito percorresse um caminho de expiação; Hell (Sheol), Niebla/confusión (Land of haze), ashes (Bonde Dust), Tauca, Lava from the Sky... Refira-se que é um álbum conceptual intimamente ligado à história do seu antecessor A Distant ( Dark) Fonte (2019 ) . ).

“Na Bíblia hebraica, Sheol é o lugar onde todas as almas se reúnem após a morte, para permanecer em silêncio e virar pó mais uma vez”, explica o principal compositor Emmanuel Jessua sobre o título do álbum. É a fonte escura distante [A Distant (Dark) Source] conforme descrito no álbum anterior da banda: uma emocionante magnum opus de setenta minutos em que a banda evoca uma noite nas antigas margens do Lago Tauca, seguindo um homem em busca do fantasma. de uma mulher que ele amava. “Sheol é a história do que aconteceu antes daquela noite”, continua Jessua. “Os dois discos são construídos, como o mito de Sísifo, em um ciclo. Sheol começa onde uma fonte distante (escura) termina e uma fonte distante (escura) termina onde começa o Sheol.

Talvez seja hora de reimaginar a Música... não como uma entidade isolada ou separada das outras artes ou da experiência humana. Não segregado ou dirigido exclusivamente ao músico criativo e ouvinte amante da música. É tempo de reimaginar a Música como entidade capaz de moldar e alterar profundamente a experiência de vida de qualquer ser humano que com ela entre em contacto, a Música como elemento unificador entre Poesia e cinematografia, Literatura e Filosofia. 

Hypno5e não se resume a uma obra musical. É uma experiência e um convite à introspecção e aos fundamentos da nossa natureza humana. Abrangendo aspectos como sofrimento, tradição religiosa, divindade, expiação, psique. É sempre uma viagem que se revive com alegria.

Crítica: «Inside A Dream», o mais recente single do virtuoso guitarrista mexicano Leo Romero

Leo Romero, o virtuoso guitarrista mexicano, já é um nome que gera expectativas. Seu álbum de 2022 "Epigenesis" ainda ressoa como uma das melhores obras de um compositor ibero-americano do ano passado.

Influenciado por guitarristas como Sergey Golovin, Emil Werstler, Wes Hauch, e com uma mistura de sons agressivos que fundem Death Metal, Black Metal, Djent e Progressive, é o que dá a Romero sua marca registrada.

Em 2023 haverá um novo trabalho, e seu primeiro corte é "Inside a Dream", trabalho que contará com uma banda completa de apoio ao guitarrista: Carlos González na segunda guitarra, Eduardo Velázquez no baixo e Alan J. Mores na segunda guitarra .bateria. Dando outra dimensão à música, o maestro Ángel Gómez encarrega-se dos arranjos orquestrais.

«Assim começa a história que, com quatro minutos e quarenta, cria grandes expectativas para o novo álbum» deveria dizer: «Assim começa a história, que, com quatro minutos e quarenta, eleva as expectativas para o novo álbum» .

As cordas sobem como espectros, sombrio e sombrio o ambiente se tece onde os violinos conduzem a batuta, espreitando em cada nota.

Pouco depois de um minuto, é uma fração de segundo em que o silêncio domina, a explosão de baterias e guitarras é potencializada. O ritmo é inclemente, e os arranjos orquestrais ficam em segundo plano diante da investida de Leo Romero, que esbanja talento.

O turbilhão se estende para deixar os últimos dez segundos envoltos em uma aura de mistério; a história parece estar em um final inacabado.

O trabalho da banda que acompanha Romero não pode ser esquecido, não é apenas um grupo de músicos de sessão; Neste primeiro avanço deixam-nos uma interpretação sólida em que todos contribuem para o som, com destaque para Mores que entrega uma interpretação brilhante.

Os arranjos orquestrais dão um novo significado à música de Leo. Esperemos que seja o rótulo do novo álbum, já que em "Inside a Dream" eles funcionam perfeitamente. O lançamento do álbum está previsto para meados deste ano. Estaremos atentos a este trabalho.

Leo Romero: guitarra 

Carlos Gonzales: guitarra 

Eduardo Velázquez: baixo

Alan J. Mores: bateria

Angel Gómez: arranjos orquestrais

Crítica: "Heimdal" de Enslaved, mitos vikings com black metal progressivo (2023)

 

A olho nu, o black metal dos noruegueses do Enslaved pode não parecer ter nenhum parentesco com o progressivo. No entanto, a métrica inusitada, os solos virtuosos, os temas densamente conceituais, entre outras características, mostram que sua música é amplamente atravessada pelo subgênero das mil complexidades. Registros como Mardraum (Beyond the Within) e Monumension, (2000 e 2001, respectivamente) começaram a marcar uma certa diferença entre o "viking metal" convencional e o estilo composicional da banda liderada por Grutle Kjellson e Ivar Bjørnson: riffs de cordas pesadas se misturam a sintetizadores poderosos e baterias extremas, enquanto as letras narram lendas inspiradas na cultura viking, a enorme paixão do quinteto, com um charme peculiar que chamaria a atenção de qualquer prog nerd.

Hoje, com quinze discos de estúdio e mais de trinta anos de atividade, o grupo (que existe desde 2020) traz-nos “Heimdal”, um novo LP composto por sete temas com uma duração total de quase cinquenta minutos. Lembremos que a grande maioria dessas peças já haviam sido apresentadas anteriormente na forma de singles promocionais. De referir que o título do álbum coincide com o nome do guardião da ponte que une o céu à terra na mitologia nórdica. Isso dará ao Enslaved a oportunidade de abordar questões existenciais, sempre em relação aos mitos vikings que aparecem ao longo de sua discografia.

O início de "Behind the mirror" é ambíguo e calculado. Os sons ambientes remetem para um tipo de movimento na água, enquanto o ruído das buzinas nos transporta de imediato para o universo fantástico tão característico das suas obras. As guitarras de Bjørnson e Arve Isdal tocam melodias sombrias e densas, bem típicas do black metal. A música transita entre refrões e guturais com precisão, abrindo o álbum com dramaticidade e seriedade. “Congelia” é a primeira música a contar com violões, além de sintetizadores, mais uma vez obra de Håkon Vinje (também responsável pelos vocais limpos). Certas passagens dessa composição, no início e no meio dela, são ferozes e comoventes, coincidindo com a voz de Kjellson e seu“Estou deixando este corpo para trás, estou deixando este corpo para morrer” (estou deixando este corpo para trás, estou deixando este corpo para morrer).

A última parte desta peça apresenta um padrão hipnótico de violão, que ajuda a baixar as emoções depois de tanta loucura. “Forest Dweller” conta a história do esquecido morador da floresta com sensibilidade e emoção. As diferentes fases do tema contribuem para a lenda. Também aqui encontramos um dos momentos mais progressivos do LP, embora mais curto que o habitual. De fato, o solo de teclado de Vinje é preciso e majestoso, e ajuda a encadear todas as ideias que coexistem nestes seis minutos. Ambas as guitarras se harmonizam no riff principal de “Kingdom”, dando lugar a uma seção sincopada onde o foco principal está na bateria frenética de Iver Sandøy (o mais recente integrante do grupo junto com Vinje) e nas batidas malucas do guitarristas, além das melodias pesadas que compõem a base da música. Batalhas e premonições acontecem nessa epopéia, que pode se estabelecer como a mais técnica do álbum.

“Eternal Sea” rompe com o caos causado por seu antecessor com uma introdução solene de sintetizadores, onde o baixo de Kjellson também ocupa o centro do palco. Este tópico tem muitas seções que não parecem estar suficientemente relacionadas umas com as outras, o que pode ser desconcertante para quem não está familiarizado. “Caravans to the outer worlds” foi a primeira das sete obras que compõem “Heimdal” a surgir rumo à luz, sendo editada em 2021. Destaca-se aqui a passagem ambiente de teclados, uma atmosfera sólida e enigmática, que introduz o ouvinte em uma experiência cativante. A canção homônima, assim como a mais longa do álbum, é responsável por encerrar esta odisséia, despedindo-se com percussão firme, estranhos interlúdios sonoros e, por fim,

Talvez um pouco menos pretensioso que "Isa" (2004), mas com uma presença ainda mais poderosa que seus últimos trabalhos, "Heimdal" é uma composição direta que pretende nos ensinar mais uma faceta do som de Ensalved. Mais uma contribuição sublime para a arquitetura de seu universo progressivo, que se expande, modifica e evolui a cada nova parcela, trazendo histórias e sonoridades inéditas, assim como familiares, estabelecendo cuidadosamente a marca registrada de seu estilo musical em todas elas. E embora possa ser um tanto monótono para quem está fora da banda, os fãs do quinteto podem afirmar que 2023 não foi uma exceção à regra: mais uma vez, os reis do “viking prog metal” fizeram de novo.

POEMAS CANTADOS DE CAETANO VELOSO

 

A Voz Amada

Caetano Veloso

A voz amada vem de trás do monte.
Etérea ponte, cruza o oceano e o mar.

Estrela Dalva surge no horizonte,
tão perto e longe em mim o seu cantar.

Amor amor, onde é que tu te escondes?
Que não te escondes e eu não te posso achar.

A minha voz talvez nunca te encontre.
Estamos sós, sem tempo e sem lugar.

A voz amada vem de trás do monte.
Etérea ponte, cruza o oceano e o mar.

A Voz do Morto

Caetano Veloso

Estamos aqui no tablado
Feito de ouro e prata
E filó de nylon

Eles querem salvar as glórias nacionais
As glórias nacionais, coitados

Ninguém me salva
Ninguém me engana
Eu sou alegre
Eu sou contente
Eu sou cigana
Eu sou terrível
Eu sou o samba

A voz do morto
Os pés do torto
O cais do porto
A vez do louco
A paz do mundo
Na Glória!

Eu canto com o mundo que roda
Eu e o Paulinho da Viola
Viva o Paulinho da Viola!
Eu canto com o mundo que roda
Mesmo do lado de for a
Mesmo que eu não cante agora

Ninguém me atende
Ninguém me chama
Mas ninguém me prende
Ninguém me engana

Eu sou valente
Eu sou o samba
A voz do morto
Atrás do muro
A vez de tudo
A paz do mundo
Na Glória!

Marcus Alves bota a periferia no centro do debate em novo clipe

 

O músico sorocabano Marcus Alves lançou o single, “Rélo”, música que está em seu disco de estreia, intitulado Queda Pra Cima. A faixa veio acompanhada de um clipe gravado nas quebradas do Éden, bairro localizado na zona industrial de Sorocaba-SP, e traz participação do músico e artista visual, 97Kilombo.

Em “Rélo”, Marcus Alves fala sobre os cortes e cicatrizes da caminhada do jovem negro brasileiro. O clipe retrata o cotidiano da população periférica, divida entre sonhos, ambições e os obstáculos impostos pelo sistema. A pegada alegre e dançante contrasta com a letra, que bota o dedo na ferida da brutal desigualdade brasileira.

“A música faz uma reflexão sobre a infância, a depressão e a luta negra nos dias atuais. E também sobre como isso é levado no corre-corre da vida”, explica Marcus Alves.

A produção audiovisual é mais uma vez assinada por Celso Cayuella, que está por trás de todos os clipes do músico, e teve apoio da loja virtual Arquibancada Inferior, que cedeu toda a infraestrutura para a realização do projeto. A produção musical ficou por conta de Matheus Zanetti e Augusto Martins.

O registro, que pode ser conferido logo abaixo, conta ainda com imagens captadas no Maloca e na famosa Avenida São Paulo, que liga diversos bairros periféricos ao centro da cidade.

   

 

Sobre o músico Marcus Alves

Marcus Alves despontou no cenário da música alternativa com o EP “Cores e Corres” (2019), que teve ótima repercussão por parte do público. O músico tem como marca o flerte com diversos estilos e gêneros musicais, tornando seu trabalho difícil de ser rotulado. Jazz, samba, rock, pop, groove, rap, funk, soul e música eletrônica são apenas algumas das influências encontradas em seu trabalho.

Queda Pra Cima, álbum de estreia do compositor sorocabano, conta com 10 faixas e aborda temas como a depressão, o amor e o estilo de vida rápido. O registro também conta com partições peso: Kodux, Ananda Jacques, Câmara De Ecos, Renan Brenga, são apenas alguns dos nomes confirmados. O disco estreou em novembro.

Confira abaixo o clipe de “Queda Pra Cima“, carro-chefe do disco de título homônimo.