Canções Essenciais do Mardi Gras

 

Mardi Gras é uma frase francesa que significa "terça-feira gorda" e, nos termos mais simples, é assim chamada para comemorar a última oportunidade de festejar antes de desistir de algum pecado para o feriado católico da Quaresma. 

As tradições que cercam a celebração do Mardi Gras na Louisiana remontam à fundação de Nova Orleans pelos irmãos exploradores d'Iberville e Bienville. Acredita-se que eles pousaram no local que se tornaria Nova Orleans em Lundi Gras, que é um dia antes do dia antes da Quaresma, ou "Segunda-feira Gorda".

Música Mardi Gras em Nova Orleans

Desde então, o Mardi Gras e Nova Orleans andaram de mãos dadas. Os elementos musicais do feriado vêm das diversas culturas que predominam na cidade. Quase desde o início, o gumbo das culturas francesa, canadense, americana e caribenha influenciou a música de Nova Orleans e sua celebração do Mardi Gras. Se você já caminhou pela Canal Street no dia do Mardi Gras, sabe do que estou falando. Aqui estão algumas das grandes canções tradicionais que se tornaram sinônimo de American Mardi Gras.

"Iko Iko" 

Por muitos anos, a população afro-americana de Nova Orleans realizou um carnaval separado daquele que os brancos celebravam na Canal Street. O Black Mardi Gras aconteceu na Claiborne Avenue, que fazia fronteira com o Treme e outros bairros predominantemente afro-americanos. Um dos krewes afro-americanos desenvolveu a tradição dos índios do Mardi Gras para homenagear as tribos nativas locais que ajudaram escravos fugitivos antes da Guerra Civil. "Iko Iko" é uma canção sobre os índios Mardi Gras, imitando as línguas dos nativos americanos locais e prestando homenagem a esta tradição profundamente enraizada. 

"Quando os santos estiverem marchando"

Desde a sua criação, Nova Orleans tem sido uma cidade predominantemente católica, e "When the Saints Go Marching In" começou como uma canção religiosa tocada durante os funerais. Os funerais tradicionais de Nova Orleans incluem uma marcha da funerária até o cemitério, completa com uma banda e pessoas carregando o caixão. "When the Saints" seria tradicionalmente tocada lentamente como um canto fúnebre a caminho do cemitério, e seria acelerada e tocada em tom comemorativo no final do funeral.

Claro, a canção foi amplamente popularizada pelo herói da música local Louis Armstrong como um número de jazz na década de 1930 e é normalmente tocada hoje em dia por qualquer número de bandas de jazz e metais em Nova Orleans como uma música animada de jazz dixie land. Muitas das bandas marciais que participam dos desfiles do Mardi Gras apresentarão "When the Saints" como uma homenagem à sua cidade natal, Nova Orleans.

"Ir para o Mardi Gras"

Esta canção, escrita pelo professor Longhair — um dos maiores tesouros musicais de Nova Orleans — reúne duas das tradições mais ricas do Mardi Gras: o desfile Zulu e a segunda linha. Zulu é um krewe totalmente afro-americano (na verdade, um "Clube de Auxílio Social e Prazer") cujo desfile inclui o lançamento de cocos dourados e é um dos maiores desfiles da manhã de Mardi Gras. Originalmente o desfile básico do Black Mardi Gras na Congo Square, o Zulu agora termina na Canal Street como todos os outros desfiles importantes. "Go to the Mardi Gras" canta sobre alguém que vem a NoLa para ver o desfile Zulu. Completa com assobios e percussão de segunda linha, esta música é um dos elementos básicos da celebração do Mardi Gras.

"Se algum dia eu deixar de amar"

Essa música boba foi nomeada a música oficial do Mardi Gras quando o Krewe of Rex se organizou pela primeira vez no final de 1800, nomeando um rei, uma bandeira do Mardi Gras e as cores verde, ouro e roxo, representando fé, poder e justiça. "If Ever I Cease to Love" foi o hino oficial do desfile Rex daquele ano e desde então tem sido considerada uma das músicas básicas do Mardi Gras.

"Segunda linha"

Tradicionalmente, a segunda linha é um derivado dos "funerais do jazz" e, como  coloca o MardiGrasUnmasked.com , os "convidados indesejados que todos esperam que apareçam". A banda e os enlutados dançam na rua, acompanhados por uma multidão cada vez maior de pessoas que dançam pela cidade para enterrar os mortos e celebrar os vivos. A canção "Second Line", no entanto, é uma canção que foi popularizada pela Stop, Inc., na década de 1970.

Uma combinação de dois números diferentes, "Picou's Blues" e "Whuppin' Blues" e "Second Line" partes 1 e 2, tornaram-se algumas das canções mais tocadas por bandas de metais nos desfiles de Nova Orleans e segundas linhas no Mardi Gras dia e durante todo o ano.

Música de Mardi Gras 

Embora "Second Line" e "Go to the Mardi Gras" sejam composições relativamente mais recentes, elas se tornaram profundamente arraigadas nas tradições que cercam esta celebração anual. Sua inspiração vem de centenas de anos de música carnavalesca que impulsiona a celebração do Mardi Gras americano.

Existem, é claro, centenas de canções comemorando o Mardi Gras e celebrando as ricas culturas e tradições de Nova Orleans. Cada uma dessas canções integra elementos da música tradicional com a intenção de simplesmente comemorar, dançar e se divertir - e é disso que se trata o Mardi Gras.

Álbuns de Mardi Gras recomendados

• Krewe Music: Dixieland Jazz for the Mardi Gras Parade New Orleans (Compilação)
• Ultimate Rebirth Brass Band (Banda de Renascimento)
• Meet Me At Mardi Gras (Vários)

O que considerar ao organizar um evento musical

 

     

A organização de um evento musical nem sempre é fácil, mas é interessante. Para que possa ter a certeza de que tudo correrá bem, vamos mostrar-lhe alguns pontos nos quais se deve concentrar para obter um bom resultado.

1- Orçamento e patrocinadores

Como pode ver por si próprio, organizar um evento musical não é barato. É acompanhada de muitas despesas. Estas despesas serão tanto maiores quanto maior for o evento que pretendemos organizar.

Para que tudo corra conforme o planeado, temos de organizar o evento tendo em conta o orçamento que temos para o efeito. Outra opção para obter um orçamento maior é procurar patrocinadores. Em troca de publicidade, eles irão contribuir com algum dinheiro para o evento. Graças a este dinheiro, os fundos serão maiores e será possível organizar um evento mais profissional e de alta qualidade.

2- Artistas musicais

Um evento musical não seria um evento sem os artistas. Hoje em dia, há muitos artistas por onde escolher. Dependendo do seu orçamento, pode escolher artistas com mais ou menos cache.

O que deve ter em mente é que os artistas devem estar ligados ao tipo de evento que pretende organizar. Por exemplo, se quiser organizar um evento pop, os artistas que devem participar no evento serão artistas especializados em música pop. Deve ter em conta que o evento deve seguir uma linha para que as pessoas interessadas nele venham a participar. Se optar por organizar um evento com demasiadas misturas, é provável que o evento fracasse.

3- Encontrar o espaço necessário

Ao organizar o evento, é importante ter o espaço certo para este tipo de actividade. Como isto nem sempre é fácil, a opção mais comum é comprar ou alugar módulos de eventos. Se procura bons módulos para eventos musicais, pode encontrar os que mais lhe interessam em algeco.pt/usos-e-solucoes/modulo-para-eventos.

Algeco tem uma grande variedade de módulos para diferentes tipos de usos e eventos. Tudo o que tem de fazer é escolher os que melhor se adequam às suas necessidades. Se tiver dúvidas, pode contactá-los e eles analisarão o evento para lhe oferecer as melhores alternativas em módulos.

O que é claro é que sem o espaço certo não será capaz de desenvolver adequadamente o evento que está a organizar. Lembre-se, existem módulos para diferentes tipos de utilizações, o que significa que poderá organizar um evento profissional com eles de uma forma simples.

Além disso, não se deve esquecer que os módulos podem ser alugados actualmente, ou seja, são a opção mais económica para este tipo de eventos.

4- Publicidade para o evento

Quando se tem tudo mais ou menos organizado, é altura de começar a fazer publicidade ao evento para atrair o público. Como o evento é dirigido a um determinado tipo de público, deve sempre direccionar a publicidade para um público alvo. O objectivo é alcançar bons resultados e conseguir a presença do maior número de pessoas possível.

   

É claro que o evento terá de ter a máxima capacidade, tenha isto em mente. Quando vender todos os bilhetes, deverá terminar a publicidade para evitar despesas desnecessárias.

5- Segurança e elementos técnicos

Quando se tem tudo mais ou menos organizado e se começou a vender bilhetes, é altura de começar a organizar os elementos técnicos e de segurança. Sem eles, o evento poderá ser um fracasso, ou seja, terá de ter em conta estes dois aspectos.

Os elementos técnicos ajudá-lo-ão a fazer do evento musical um sucesso. E como pode imaginar, se o público estiver satisfeito, não só voltará para a próxima edição, como também o recomendará. É uma excelente opção para continuar a crescer e torná-lo ainda mais popular.

A segurança é também fundamental, não só no momento do acesso, mas também durante o evento. Lembre-se, o evento tem de passar nos testes de segurança antes de receber autorizações prévias. Sem esta segurança, as autorizações não serão concedidas, razão pela qual é outro dos aspectos mais importantes a escolher.

6- Controlo de acesso

Ligado à questão da segurança, devemos ter sempre controlo de acesso. Provavelmente, só desejará que as pessoas possam entrar se tiverem um bilhete ou um convite. Para garantir que outras pessoas entram e que o evento fica fora de controlo, terá de optar por um bom controlo de acesso. Com a equipa de segurança poderá certamente organizá-lo e, consequentemente, assegurar-se de que tudo corre sem problemas.

7- Imagem e divulgação

Para que o evento seja um sucesso, especialmente durante as primeiras edições, é necessário que tudo esteja bem organizado e, sobretudo, que o evento possa chegar às pessoas realmente interessadas nele.

Para chegar às pessoas interessadas, é importante criar uma boa imagem do evento e divulgá-lo correctamente. Sem uma boa difusão, não se chegará ao público interessado e, consequentemente, o evento poderá permanecer um evento descafeinado. Não hesite, se quiser que o evento chame a atenção e consequentemente continue a ganhar seguidores nos anos seguintes, a imagem será fundamental. Um evento que é frequentado por poucas pessoas é um evento pouco chamativo e com poucas probabilidades de sucesso.

8- Aposta em promoções

Sabemos que o início não é fácil e que um evento está carregado de despesas tais como módulos, artistas, publicidade… Mas se quer realmente atrair a atenção do público é essencial que ofereça bons preços e promoções.

Quando um evento é novo, o mais comum é que surjam dúvidas entre os espectadores. Para evitar estas dúvidas, a melhor coisa a fazer é optar por ofertas e promoções para atrair a sua atenção. Lembre-se, a lealdade pode ser outra ferramenta chave para o sucesso.

'Machine Head' do Deep Purple: Rockin' em Montreux

 

Se não fosse pelo coletor de impostos britânico, talvez nunca tivéssemos ouvido o riff de “Smoke on the Water” que lançou um zilhão de solos de air-guitar. No final de 1971, avisados ​​por seu contador de que poderiam economizar grandes somas gravando fora de sua terra natal, a banda de hard rock Deep Purple decidiu se mudar para Montreux, na Suíça.

Eles não estavam procurando um estúdio de gravação conhecido para rastrear a sequência de seu álbum Fireball - Montreux não tinha essa facilidade. Em vez disso, eles decidiram alugar uma unidade de gravação móvel de propriedade dos Rolling Stones e estavam procurando por uma sala grande e com som funky que pudesse ser um ambiente mais solto para experimentação. O amigo deles, o empresário do Montreux Jazz Festival Claude Nobs, providenciou para que eles gravassem no palco do Montreux Casino, uma arena em um grande complexo onde eles haviam feito um show no início do ano. O bar iria fechar para alguns reparos depois de um show de Frank Zappa no dia 4 de dezembro, e o lugar seria deles.

A formação clássica do Deep Purple, 1971. Da esquerda para a direita: Jon Lord, Roger Glover, Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Ian Paice (Foto da Wikipedia)

Essa formação específica do Deep Purple (normalmente chamada de Mark II nos livros de história do heavy metal) era versátil e poderosa, lançando uma mistura potente de blues-rock pesado com uma pitada de clássico-prog. Todos os cinco membros eram personalidades fortes: o vocalista Ian Gillan, o guitarrista Ritchie Blackmore, o tecladista Jon Lord, o baterista Ian Paice e o baixista Roger Glover. Eles gostavam de trocar ideias e trabalharam como uma única unidade. Eles creditaram as composições da banda a todos os cinco membros, não importando quem contribuiu mais.

Ouça uma das mais famosas “músicas de riff” de todo o rock clássico

A banda se reuniu na margem do Lago de Genebra a tempo de assistir ao show de Zappa, agendado para começar às 15h. Depois de um set de 90 minutos, enquanto o Mothers of Invention de Zappa lançava seu encore “King Kong”, algum curinga na multidão disparou um sinalizador, incendiando parte do telhado. Por um momento não pareceu tão sério, mas o show foi interrompido e todos saíram. Os bombeiros chegaram no momento em que todo o cassino e complexo comercial estava em chamas, destruindo o equipamento de Zappa e colocando os planos de gravação do Deep Purple no limbo.

As ruínas do complexo do cassino de Montreux em 1971. O incêndio foi a inspiração para “Smoke on the Water” do Deep Purple

Nobs sugeriu que mudassem as operações para um salão próximo chamado Pavillion, e alguns dias depois eles estavam tocando um riff que Blackmore inventou no local (inspirado por Beethoven, diz ele) e estabelecendo algumas faixas preliminares com o engenheiro Martin Birch. na mesa. De manhã, Glover acordou com uma frase na cabeça: “fumaça na água”. O resto da banda foi junto, e Gillan escreveu letras que basicamente descreviam o que havia acontecido no show de Zappa, com um pouco de licença poética. O riff de guitarra de Blackmore foi unido ao órgão Hammond de Lord, e a seção rítmica Paice/Glover desenvolveu um cenário sensacional. Eles estavam terminando a pista quando a polícia apareceu, dizendo aos roadies que os cumprimentavam que os vizinhos estavam reclamando do barulho. De alguma forma, a equipe do Deep Purple manteve os gendarmesna baía até que o grupo encerrasse o dia, com o entendimento de que seriam expulsos do Pavilhão para sempre.

“Funky Claude” (como ele foi chamado na letra da nova música) salvou o dia novamente, protegendo o Grand Hotel na periferia da cidade. A unidade móvel se moveu, paredes temporárias foram erguidas, colchões foram usados ​​como defletores e a banda se viu em um emaranhado de corredores, salas de reunião, corredores e suítes de hotel, com cabos serpenteando pelas esquinas até o quartel-general de Birch. Eles rapidamente se cansaram de andar por um labirinto para ouvir os playbacks, então os músicos apenas ficaram no espaço de gravação principal (Birch assistindo através de algumas câmeras de circuito fechado) e de alguma forma conseguiram gravar o restante de um álbum que garantiu seu status clássico como assim que foi lançado em abril de 1972. (Nos EUA ficou na Billboard's Top 200 Albums chart por 118 semanas.) Glover veio com o título, nomeando-o após o cabeçote de seu baixo. “Juntar as palavras 'máquina' e 'cabeça' – havia uma certa ameaça nisso”, disse ele à imprensa musical.

Além de "Highway Star" e "Lazy", que estreou na turnê de outono do DP no Reino Unido, tudo foi escrito durante as sessões de Montreux. Eles estavam em um pico criativo, determinados a superar o mal recebido Fireball . Blackmore admirava a forma de tocar de Chuck Berry e do guitarrista de Gene Vincent, Cliff Gallup, amava as fugas de Bach e podia controlar o tom de sua guitarra e lançar efeitos como um colega de Jimi Hendrix, Jimmy Page e Jeff Beck.

Ouça “Lazy”

Durante as espetaculares apresentações ao vivo do Deep Purple, ele geralmente ficava alguns minutos sozinho no palco, sob os holofotes dramáticos, exibindo sua dobra de notas e controle de feedback, jogando sua guitarra para o alto e geralmente agindo como um deus do rock. No estúdio, Birch poderia aproveitar essa energia, e Machine Head está cheio de solos de guitarra e cadências de tirar o fôlego, muitas vezes em dupla faixa. Seu solo de Johnny Burnette-encontra-JS Bach em “Highway Star” é um estilo único de diversão exuberante. Certa vez, Blackmore disse ao Guitar World : “Eu não dou a mínima para a construção da música. Eu só queria fazer o máximo de barulho e tocar o mais rápido e alto possível.”

Jon Lord era um compositor sério e um improvisador especialista em piano e órgão Hammond, misturando um som de jazz semelhante ao de Jimmy Smith com filigrana barroca. Gillan tinha um alcance enorme, podia lidar com blues corajosos e falsetes suaves e, de repente, passar de um sussurro a um grito (seu grito em “Highway Star” é tão assustador quanto o de Roger Daltrey em “Won't Get Fooled Again”). Paice e Glover raramente são mencionados quando grandes combos de bateria e baixo são mencionados, mas ouvir Machine Head revela o quão sólidos e inventivos eles são. Eles estão sempre lançando novas ideias. De alguma forma (como em “Space Truckin'”) eles fazem um swing de rock pesado .

Além da vigorosa e espirituosa “Smoke on the Water” e do conto da vida na estrada “Highway Star”, as letras de Machine Head não são muito mais do que espaços reservados. Na época do lançamento, o crítico musical Lester Bangs escreveu sobre seu amor pelo LP e pelo Deep Purple em geral na Rolling Stone , dizendo sobre a letra: "Essa banalidade é metade da diversão do rock 'n' roll." O trabalho instrumental é tão bom que as palavras são quase irrelevantes.

O álbum tem apenas sete cortes, mas não há nenhum fraco no grupo. O som é realmente pesado , mas sempre claro. Ele definiu o modelo para hard rock e metal para as próximas décadas e continua a ser altamente influente. É difícil imaginar Van Halen, Metallica, Bon Jovi, Judas Priest, Aerosmith, Iron Maiden ou Def Leppard sem Machine Head.

A banda achou que "Never Before" poderia ser um single de sucesso, mas seu representante de A&R na gravadora americana Warner Bros. disse: "Você só pode estar brincando" e não o lançou separadamente. Seu selo britânico EMI lançou na 45 antes do lançamento do LP, e foi um fracasso. (O lado B não pertencente ao LP foi a ótima “When a Blind Man Cries”.) Não importa: como o Led Zeppelin, a banda nunca se preocupou com singles pop, e o álbum vendeu fortemente sem um sucesso. “Smoke on the Water” não foi lançado como single até 1973, quando alcançou o Top 10 em ambos os lados do Atlântico e ao redor do mundo.

Ouça "When a Blind Man Cries", um lado B não pertencente ao LP

“Maybe I'm a Leo” (símbolo de nascimento de Gillian) contém muita interação de Lord-Blackmore e outro excelente riff de guitarra, e “Pictures of Home” soa um pouco como Black Sabbath melodicamente, e Blackmore faz dupla faixa em outro solo vencedor.

A faixa mais longa do LP, “Lazy”, é um blues shuffle com um belo trabalho de gaita de Gillan, Lord's Hammond colocado em uma caixa de phaser e um riff vigoroso e gigantesco que Blackmore admitiu ter mais ou menos roubado do trabalho de Eric Clapton em “Stepping Out” de John Mayall's Blues Breakers.

Machine Head fez do Deep Purple estrelas ainda maiores, e eles viajaram pelo mundo. O próximo álbum deles foi um LP duplo, Made in Japan , e continha quatro músicas do Machine Head , incluindo um side-long “Space Truckin'” que marcava 19:42. Em pouco tempo, Gillan foi substituído por Dave Coverdale e Glover por Glenn Hughes, e essa formação durou dois anos, com Blackmore saindo em 1975 para formar sua própria banda de sucesso Rainbow.

Em 1997, Glover e o engenheiro Peter Denenberg remixaram todas as faixas do Machine Head , adicionando alguns solos de guitarra alternativos, fades mais longos e a introdução de bateria original para “Pictures of Home”. Estes foram lançados em uma edição de dois CDs “25th Anniversary”. O Deep Purple foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll em 2016 e, em várias formas, a banda continua até os dias atuais. Obviamente, todo programa apresenta “Smoke on the Water”.

Vídeo Bônus: Assista ao Deep Purple tocar “Smoke on the Water” em 1999 com a Orquestra Sinfônica de Londres

You Don't Mess Around With Jim ' de Jim Croce: um homem comum chega

 

O mito do “sucesso da noite para o dia” no mundo da música nunca parece perder seu domínio sobre a imaginação do público. Hoje, quando os adolescentes alcançam o sucesso com um único vídeo do YouTube ou TikTok e os “influenciadores” conquistam um grande público por suas recomendações, o mito se tornou, pelo menos em parte, a nova realidade. Na verdade, é possível “vir do nada” e alcançar as paradas pop de uma só vez, sem nunca fazer um show ao vivo ou usar um estúdio de gravação que não seja o laptop do seu quarto.

Nos anos 70, o que Joni Mitchell chamou de “a maquinaria de criação de estrelas por trás da música popular” se desenrolou mais lentamente. Atos, como o ítalo-americano Jim Croce , nascido na Filadélfia, muitas vezes serviam como aprendizes em bares e clubes quase vazios tentando ser notados, e gastavam tudo o que ganhavam com empregos diurnos fazendo “demos” para os porteiros em gravadoras e estações de rádio. . Mitchell tinha David Geffen para interferir para que ela pudesse fazer seu trabalho criativo, mas gerentes e agentes com esse tipo de motivação e inteligência estavam disponíveis apenas para alguns poucos.

Em 1971, Croce era um daqueles aspirantes a cantores e compositores que passava tanto tempo em uma série de ocupações sem saída - motorista de caminhão, construção, serviço militar - quanto tocando música. O trabalhador Croce lutou durante anos para se estabelecer, como artista solo ou em dupla com sua esposa Ingrid, antes de assinar com o selo ABC-Dunhill com a ajuda dos produtores Terry Cashman e Tommy West, dois traficantes talentosos que ' d tiveram seu próprio caminho sinuoso para um pequeno sucesso nos negócios musicais. O amigo de Croce, Arlo Guthrie, disse uma vez que Jim não se considerava especialmente único; sua crença em si mesmo como um “cara normal” era sincera.

As primeiras gravações de Croce, 500 cópias impressas em particular de um LP chamado Facets em 1966, foram financiadas com um presente de casamento de $ 500 de seus pais. Eles esperavam demonstrar que suas aspirações musicais eram um sonho impossível, e ele deveria encontrar uma profissão respeitável, usando seu diploma universitário em Estudos Sociais de Villanova, mas ele vendeu todas as 500 cópias e foi encorajado pela atenção que recebeu nos clubes locais. Posteriormente, ele teve uma chance de fama com um contrato com a Capitol Records, mas nada durou até que Cashman e West entraram em cena.

Quando Croce morreu em 1973 em um acidente de avião aos 30 anos, ele viu seus discos no topo das paradas, se apresentou em grandes programas de TV e viajou pela América, decidindo finalmente o que realmente queria era viver. até seu papel de “homem de família” e abandonou a corrida dos ratos da música. Sua carta para Ingrid, detalhando seu plano de sair da estrada, escrever contos e roteiros e ficar em casa, chegou após sua morte.

“Parece que outra estrela nasceu”

You Don't Mess Around With Jim , gravado no outono de 1971 no Hit Factory em Nova York e lançado em abril de 1972, foi o avanço comercial de Croce há muito adiado e, para a maioria dos fãs, pareceu surgir do nada. Ele escreveu todas as músicas, apresentando-se com seu simpático guitarrista Maury Muehleisen, o baterista Gary Chester, o baixista Joe Macho e vários vocalistas de fundo, incluindo a grande compositora Ellie Greenwich e Tasha Thomas. Tommy West toca teclado, guitarra, baixo e canta sempre que necessário, e Peter Dino é creditado com os arranjos especializados. Não há nada chamativo na produção; O estilo vocal afável e intimista de Croce, e sua capacidade de escrever canções humorísticas e canções de amor sinceras, colocam o foco claramente em seu talento natural e em sua personalidade cativante de “homem comum”.

A faixa-título do álbum começa, uma melodia animada e alegre na tradição de “Stagger Lee” ou “John Henry”, o tipo de música que Croce absorveu durante suas primeiras noites de apresentação no circuito folk. As palavras também lembram aquelas vezes em que ele dirigia um caminhão-reboque transportando pedras das pedreiras da Nova Inglaterra, onde em suas palavras “as paradas de caminhões são como os filmes de Fellini”. Sobre uma abertura de violão/baixo/bateria primal e vigorosa, Croce canta “Uptown got its hustlers/The Bowery's got its bums/42nd Street got Big Jim Walker/He's a pool-shooter son-of-a-gun.”

O arranjo prossegue por adição cuidadosa. Primeiro entra a guitarra solo, depois o piano, e quando os backing vocals entram com “say, Jack”, estamos em um mundo onde o R&B ao estilo de Ray Charles encontra o tenor folk-hootenanny de Croce, talvez com um aceno para o de Bob Dylan estridente “Rainy Day Women # 12 e 35”.

O clima de festa continua com o humor cativante do refrão: “Você não puxa a capa do Super-Homem/Você não cospe no vento/Você não tira a máscara daquele velho Cavaleiro Solitário/E você não bagunça por aí com Jim.

“Tomorrow's Gonna Be a Brighter Day” poderia ser um simples pedido de desculpas a Ingrid por suas falhas como pai e marido: “Vou compensar toda a dor que trouxe / Vou amar toda a sua dor”. Mas em meio a suas promessas, Croce também insere uma ressalva “é para ser” quando canta “Ninguém nunca teve um arco-íris, baby / Até que ele teve a chuva”. Ao contrário da faixa de abertura, este é um arranjo direto do tipo James Taylor, com excelente execução do baixo e interação dos dois violões.

“New York's Not My Home” é um lamento claramente autobiográfico: “Eu morei lá por cerca de um ano e nunca me senti em casa/Achei que ia me dar bem/Aprendi muitas lições muito rápido/E agora Estou lhe dizendo que eles não eram do tipo legal. O arranjo de cordas e o acompanhamento discreto lembram as colaborações clássicas de Jimmy Webb/Glen Campbell como “By the Time I Get to Phoenix”. Seguindo um tema semelhante, as piadas frenéticas de “Hard Time Losin' Man” vêm rapidamente, quando o protagonista é enganado em um negócio de carro, pega uma “dinamite superfina do México” que acaba sendo orégano e reclama: “Às vezes Eu sinto que deveria ir/Para muito, muito longe e me esconder/Porque eu continuo esperando meu navio chegar/E tudo o que vem é a maré.”

O primeiro lado do vinil original termina com duas baladas curtas que, em linguagem simples, tratam de amores perdidos. “Photographs and Memories” tem uma melodia linda e resignação na letra: “Céus de verão e canções de ninar/Noites em que não pudemos dizer adeus/E de todas as coisas que sabíamos/Nem um sonho sobreviveu.” “Walkin' Back to Georgia” imagina uma pobre alma na estrada para Macon, ansiando por sua ex-namorada, na esperança de se reunir com “o único que sabe/Como se sente quando você perde um sonho/E como se sente quando você sonha sozinho."

Como "Memphis, Tennessee" de Chuck Berry, "Operator (That's Not the Way It Feels)" começa com o orador pedindo ajuda a um funcionário da companhia telefônica. Croce habilmente injeta drama e detalhes desde o início: “Operadora, você poderia me ajudar a fazer esta ligação?/Veja, o número na caixa de fósforos é antigo e desbotado/Ela está morando em Los Angeles com meu melhor ex-amigo Ray.” Mais uma vez, Croce mistura o sardônico e o sentimental enquanto seu protagonista explica a um estranho como ele superou seu amor com “Aprendi a aceitar bem / Só gostaria que minhas palavras pudessem me convencer”.

Lançada como single, “Operator” alcançou a 17ª posição na parada de singles da Billboard, mas a faixa seguinte, “Time In a Bottle”, lançada em 45 rpm após a morte de Croce, alcançou a 1ª posição . Tomando emprestada uma progressão de “My Favorite Things” para a delicada introdução de guitarra, Croce suaviza sua voz para um efeito lindamente contido. As palavras tragicamente irônicas “Parece nunca haver tempo suficiente/Para fazer as coisas que você quer fazer depois de encontrá-las” são certamente uma das razões de seu sucesso póstumo e apelo contínuo.

Ouça a demo de “Time in a Bottle”

O riff de abertura de “Rapid Roy (The Stock Car Boy)” foi roubado diretamente de Chuck Berry, e a letra deve mais do que um pouco à sua brincadeira rápida: “Ele tem uma tatuagem no braço que diz Baby/He got outro que apenas diz Hey.” Não pela primeira vez no álbum, Croce usa um falso sotaque negro do sul, uma escolha para cantores dos anos 60 e 70 (olá, Mick Jagger!) Que não tem o mesmo impacto hoje.

“Box #10”, com Jim Ryan fazendo um ótimo trabalho substituindo o baixo, é outra história de azar com detalhes das próprias viagens de Croce, desta vez transposto para o meio-oeste: “Out of Southern Illinois come a down-home country boy/ Ele vai fazer sucesso na cidade tocando violão no estúdio/Bem, ele não estava lá há uma hora quando conheceu uma flor da Broadway/Você sabe que ela o pegou pelo dinheiro dele e o deixou em um hotel barato.”

As duas últimas faixas, “A Long Time Ago” e “Hey Tomorrow” (com a vigorosa guitarra elétrica do músico de estúdio Harry Boyle), são perfeitamente úteis, mas não acrescentam muito ao que já ouvimos. Ainda outro substituto triste para Croce pede simpatia: “Eu estive perdido e provei demais/Todas as coisas que a vida me deu/E eu fui confiável, abusado e preso/E eu Fui levado por pessoas próximas a mim.”

O disco seguinte, Life and Times , foi lançado dois meses antes do acidente fatal de Croce (que também matou Muehleisen e quatro outros), e também foi um sucesso sólido, impulsionado pelo número 1 "Bad, Bad Leroy Brown". É uma pena que Croce não tenha vivido para colher todos os benefícios de um par de LPs tão confiante. Com mais tempo, se - um grande se - ele tivesse escolhido seguir uma carreira convencional a todo vapor, ele poderia ter tomado seu lugar como igual a James Taylor, Gordon Lightfoot, Paul Simon, etc. Seu filho Adrian James “AJ ” Croce teve uma carreira distinta na música e vale a pena conferir. Jim Croce morreu pouco antes do segundo aniversário de AJ, deixando Ingrid para supervisionar uma série de lançamentos póstumos, um episódio comovente do VH-1 “Behind The Music” e servir como zelador de seu legado até hoje.