Terceiro álbum de estúdio do cantor, compositor e poeta Leonard Cohen , , Songs of Love and Hate , produzido por Bob Johnston, foi lançado pela Columbia Records em 19 de março de 1971. A esparsa produção de Johnston mostra a voz e o violão de Cohen guiando suas histórias, aumentadas por um uma enorme quantidade de músicos de primeira linha. Paul Buckmaster forneceu os arranjos de cordas e trompas.
O autor canadense Michael Posner escreveu uma biografia definitiva de Cohen, Untold Stories , publicada por Simon and Schuster. Perguntei a Posner sobre o álbum. “ Canções de amor e chapéu e é Cohen no seu lado mais sombrio”, disse ele. “A maioria das faixas reflete a situação desesperadora em que ele se encontrava, profissional e pessoalmente. Seu relacionamento turbulento com Suzanne Elrod, seu desprezo pela própria fama e status que ele uma vez perseguiu agressivamente - está tudo em exibição aqui. As primeiras palavras do álbum nos dizem que ele entrou em uma avalanche que cobriu sua alma ('Avalanche').
“Embora Cohen nunca se poupe nessas críticas, cinco das oito canções do álbum são meditações sobre o quebrantamento e uma sexta, 'Famous Blue Raincoat', é uma reflexão sobre sua traição por uma ex-amante, Marianne Ihlen, e um amigo. . Em 'Dress Rehearsal Rag', ele até pensa em suicídio. A decepção com o relacionamento de Elrod - com menos de dois anos quando a música foi escrita - está na frente e no centro de 'Diamonds in the Mine...'
“Mais do que qualquer outro álbum, é Songs of Love and Hate que consolidou a reputação de Cohen como o dono da mercearia do desespero.”
Ouça “Dress Rehearsal Rag”
Em meados e final dos anos 70, este escritor conduziu uma série de entrevistas com Cohen para a Melody Maker da Inglaterra . Discutimos turnês, música e suas influências literárias uma tarde no Continental Hyatt House em Hollywood, que se seguiu ao seu noivado no clube Troubadour.
“Minha música agora é muito mais refinada”, disse Cohen na época. “Quando você está novamente em contato consigo mesmo e sente uma certa sensação de saúde, sente de alguma forma que as grades da prisão foram levantadas e começa a ouvir novas possibilidades em seu trabalho. Não tenho reservas sobre nada do que faço. Eu sempre toquei música. Quando eu tinha 17 anos, fazia parte de um grupo de música country chamado Buckskin Boys. A escrita veio depois, depois da música. Deixei meu violão de lado por alguns anos, mas sempre inventei músicas. Nunca quis que meu trabalho ficasse muito longe da música”, disse Cohen.
Ouça “Famous Blue Raincoat”
“Minhas músicas costumam lidar com uma crise moral. Muitas vezes me sinto parte dessa crise e tento relatá-la em uma canção. Quanto ao uso de personagens bíblicos em músicas como 'Story Of Isaac' e 'Joan of Arc', não foi uma questão de escolha. Estes são os livros que foram colocados em minhas mãos quando eu estava desenvolvendo meus gostos literários.”
Ouça “Joana D'Arc”
Em agosto de 1970, Cohen foi contratado para se apresentar no festival da Ilha de Wight, na Inglaterra. Uma apresentação completa deste recital translúcido está disponível em DVD, dirigido por Murray Lerner. Após essa aparição, Cohen voltou a Nashville para gravar Songs of Love and Hate. . “Muitas vezes senti que os riscos de humilhação eram muito grandes”, disse Cohen nos anos 70. “Mas com a ajuda de Bob Johnston, ganhei a autoconfiança que senti ser necessária. Gostei do trabalho que ele fez com Dylan e nos tornamos bons amigos. Sem o apoio dele, acho que nunca teria coragem de ir e me apresentar. Ele tocava gaita, violão e órgão nas turnês comigo. Trabalhamos duro nos álbuns que fizemos juntos.”
Era o sonho há muito acalentado de Cohen gravar em Nashville. “Eu montei a banda de Cohen de 1970 para ele e disse a ele que conseguiria os melhores músicos do mundo”, disse Johnston em uma entrevista de 2007 [Johnston morreu em 2015]. “E ele disse: 'Bob, não quero os melhores músicos do mundo. Quero amigos seus. Eu disse, 'Bom o suficiente.' Eu queria que soasse melhor do que qualquer outra coisa, nunca.”
Apesar dos esforços promocionais da Columbia Records, Songs of Love and Hate não conseguiu entrar no Top 100 da Billboard . mais sombrio”, enquanto outro periódico britânico, Sounds , encerrou sua crítica com as palavras “masoquismo delicioso”.
Assista a uma apresentação ao vivo de “Famous Blue Raincoat”
Poucos triunfos na carreira foram tão merecidos quanto a descoberta de Bonnie Raitt em 1989 com Nick of Time , seu décimo álbum e o primeiro sob um novo contrato com a Capitol Records. Suas credenciais artísticas foram estabelecidas ao longo de quase duas décadas no palco e no disco; ela era admirada por fãs e críticos, mas muitas vezes era negligenciada pelas paradas de vendas e listas de reprodução de rádio.
O álbum de estréia da Warner Bros. autointitulado de Raitt em 1971 apresentou um ecletismo enraizado no folk e no blues tradicional, aprofundado pelo contato com mestres mais antigos, incluindo o bluesman country do Mississippi Fred McDowell e Sippie Wallace, um colega de Bessie Smith, Ma Rainey e Alberta Hunter. Seus pais músicos a encorajaram com aulas de piano na infância antes de ela receber seu primeiro violão aos 8 anos de idade. Inspirada pelo renascimento da música folk dos anos 50, ela já se apresentava para colegas no acampamento de verão de Adirondacks que frequentou até meados da adolescência. Na época em que se matriculou no Radcliffe College, ela já estava igualmente envolvida com o blues e a política progressista.
A estreia de Raitt capturou uma voz calorosa e comovente, prodigiosos golpes de guitarra e um senso de música experiente que floresceu rapidamente com seus álbuns dos anos 70. Embora ela já estivesse escrevendo canções, ela estabeleceu um padrão alto que favoreceu outros escritores, misturando material de blues, R&B e jazz com obras de contemporâneos como Jackson Browne, John Prine, Eric Kaz, Karla Bonoff e Chris Smither. Essa franqueza pode ter se mostrado uma desvantagem involuntária: como Linda Ronstadt, Raitt era visto como um intérprete e, portanto, desvalorizado em uma época em que cantores e compositores confessionais eram considerados mais “autênticos”.
Uma foto publicitária inicial de Bonnie Raitt
Ao contrário de Ronstadt, Raitt projetou o feminismo de uma moleca em sua determinação de ser “um dos meninos” musicalmente (parafraseando o título de uma música do NRBQ que ela fez um cover em 1982). Essa expectativa de igualdade se estendeu a uma sexualidade franca inspirada por suas primeiras heroínas do blues. Numa época em que os arquétipos do rock ainda eram carregados pelo chauvinismo, Raitt, como Janis Joplin antes dela, pode ter enervado aspirantes a macho alfa. Por alguma razão, suas vendas e airplay atingiram o pico com Sweet Forgiveness de 1977 e seu single de quase sucesso, cobrindo "Runaway" de Del Shannon.
No início dos anos 80, a carreira de Raitt estava afundando. Em 1983, um dia após a masterização de seu próximo álbum, Raitt foi dispensada pela Warner Bros. em uma lista de expurgos ao lado de Van Morrison, Arlo Guthrie e outros artistas importantes. O álbum órfão foi reativado dois anos depois, com Raitt recortando metade do material em um set que rendeu seu estilo principal ao pop industrial dos anos 80. Lançado em 1986 como Nine Lives , seu bombástico era mais adequado para Bonnie Tyler do que para Bonnie Raitt, afundando sem deixar vestígios.
Bonnie Raitt em 1989
A essa altura, sua exuberância anterior havia dado lugar à exaustão, amplificada por anos de abuso de substâncias. “Eu pensei que tinha que viver aquele estilo de vida festeiro para ser autêntico, mas, na verdade, se você continuar assim por muito tempo, tudo o que você vai ser é desleixado ou morto”, Raitt lembraria mais tarde. Ela ficou limpa em 1987 e começou a se concentrar em sua saúde física e emocional.
Enquanto isso, dois ex-funcionários da Warner Bros. Records agora faziam parte da equipe que procurava revitalizar a Capitol Records. O executivo da A&R, Tim Devine, contratou Raitt, com um forte aliado no recém-empossado presidente Joe Smith, que havia sido presidente da Warner Bros. e depois da Elektra/Asylum. Bonnie trouxe Don Was, com quem ela havia trabalhado no álbum tributo de Hal Willner à Disney, Stay Awake , para produzir.
Em 1988, Raitt, um californiano nativo, retirou-se para Mendocino “para relaxar e refletir sobre todas as mudanças do ano passado e talvez escrever alguma música em homenagem à gratidão que senti por ter sobrevivido”. O que surgiu foi a canção-título do álbum, um reconhecimento profundamente comovente da passagem do tempo, seus marcos e ansiedades, apresentados com uma calma pensativa esclarecida por sua sobriedade. Em seu vocal reservado e coloquial, Raitt deixou a empatia se infiltrar. O eufemismo apenas ampliou as epifanias da meia-idade, seja descrevendo os medos de um amigo sobre um relógio biológico, ou como pais idosos servem como espelhos para nossos eus futuros:
“Quando as escolhas ficaram tão difíceis Com muito mais em jogo A vida se torna muito preciosa Quando há menos para desperdiçar…”
Com Raitt trocando a guitarra pelo piano elétrico, a música desliza em um ritmo intermediário com uma ressaca de percussão que evoca um ponteiro dos segundos. O verso final traz redenção - "amor, na hora certa" - mas o soco emocional da música transcende o mero romance como um hino existencial para seus colegas de meia-idade. Tendo sucesso tanto como uma declaração de missão para o álbum quanto como sua música mais forte, “Nick of Time” é uma confirmação do discernimento de Raitt como intérprete e compositor.
“Thing Called Love” de John Hiatt oferece uma lição de vida mais otimista, permitindo que Raitt eleve a temperatura com um convite romântico. O original de 1987 de Hiatt seguiu sua própria recuperação do abuso de substâncias, permitindo-lhe fermentar os momentos mais sombrios em Bring the Family , seu próprio avanço na carreira. A capa animada de Raitt segue o trabalho de slide de assinatura de Ry Cooder no original e não decepciona em seu próprio ataque de slide polido, influenciado por Lowell George. O vigoroso groove da música atinge um ponto familiar na forma de tocar de Raitt.
Entre os compositores defendidos no álbum está Bonnie Hayes, uma cantora, compositora e musicista da Bay Area cujo trabalho tristemente esquecido dos anos 80 abrangeu pop, rock e new wave. “Love Letter” é um embaralhamento difícil e provocador que mostra Raitt perseguindo um possível amante que ela está vigiando de seu carro, “trabalhando em uma carta de amor, com meu rádio ligado”. Aqui, como em outras partes do álbum, Don Was toca os backing vocals emocionantes de seus baluartes Was (Not Was), Sir Harry Bowen e Sweet Pea Atkinson, para adicionar uma piscadela auditiva.
Assista Raitt tocar “Love Letter” ao vivo em Oakland em 1989
Onde “Love Letter” chia, a outra contribuição de Hayes suspira com desgosto enquanto ainda transmite a força do cantor. “Have a Heart” balança contra uma pulsação flutuante de reggae enquanto Raitt enfrenta problemas de compromisso de frente, fechando o coração de seu amante com um grito de abertura pontuado com reverberação:
"Ei! Cale a boca, não minta para mim, você acha que eu sou cego, mas eu tenho olhos para ver...”
O vocal matizado de Raitt e a guitarra slide fervente personalizam a faixa contra um pano de fundo simples, mas exuberante, emoldurado por teclados e percussão que sustentam o design astuto do álbum, que economiza arranjos de conjunto enquanto atrai 30 músicos. Essa estratégia mantém um senso de escala consistente enquanto permite detalhes sonoros ricamente variados, uma abordagem que Raitt e Was manteriam em dois álbuns subsequentes igualmente bem-sucedidos. Os álbuns subsequentes também repetiriam o equilíbrio bem-sucedido de Raitt de material externo forte junto com material original - ironicamente, um retorno ao modelo em seus dois primeiros álbuns da Warner Bros. Onde sua faixa-título de abertura era um olhar à frente, seu original de encerramento, “The Road's My Middle Name”, é tanto uma declaração de missão quanto um olhar para trás,
Assista Raitt performar “The Road's My Middle Name” em 1993
Nick of Time , lançado em 21 de março de 1989, venderia cinco milhões de cópias nos Estados Unidos, ganharia três Grammys (incluindo dois pela música-título) e lideraria a parada de álbuns da Billboard . Dois anos depois, Luck of the Draw moveria mais sete milhões de álbuns nos Estados Unidos, ganharia outros três Grammys e alcançaria o segundo lugar na parada de álbuns da Billboard . Os álbuns subsequentes de Bonnie Raitt trouxeram seu Grammy para 11 prêmios. Ela foi introduzida no Hall da Fama do Rock and Roll em 2000 e recebeu o Lifetime Achievement Award no Americana Awards em 2012.
Assista Raitt e John Hiatt tocando "Thing Called Love" no Farm-Aid em 1990
Quando o ZZ Top terminou sua turnê mundial de 18 meses no Texas com um show de ano novo de 1977-78 em Amarillo, eles estavam exaustos. O guitarrista Billy Gibbons, o baixista Joe “Dusty” Hill e o baterista Frank Beard não tiveram uma pausa real nas turnês e gravações desde o início em 1969, e a última jornada foi a mais ambiciosa. Como Beard descreveu mais tarde, era “uma loucura gigante”. Evitando seu design de palco anteriormente mínimo, este show apresentava um cenário inclinado de 35 toneladas na forma de seu estado natal e um pano de fundo panorâmico de 180 pés pintado à mão. Currais no palco, cercados por cactos e outras plantas nativas do Texas, continham um zoológico ao vivo, incluindo um boi longhorn, um búfalo e cascavéis - com imensos urubus ameaçadoramente empoleirados em trilhos acima da banda. Todo o espetáculo teve que ser transportado de cidade em cidade em vários caminhões-reboque.
Depois de receber alguns dos melhores dias de pagamento de suas carreiras profissionais, a banda concordou em fazer um breve hiato para recarregar as energias, mas uma folga projetada de três meses se tornou dois anos. Beard admite livremente no documentário de 2019 That Little Ol 'Band From Texas que durante esse período ele estava gastando cada centavo que ganhava em drogas, incluindo heroína, anfetaminas e cocaína. Ele diz que absolutamente amouheroína, e considerou isso "umas férias para a mente", ao mesmo tempo em que percebia que estava destruindo seus relacionamentos pessoais e sua saúde. Agora que a banda não estava funcionando, ele ligou para o empresário Bill Ham para dizer que estava indo para a reabilitação e ficou sóbrio. Hill cortou o cabelo e conseguiu um emprego no aeroporto de Houston, aproveitando o anonimato e as novas amizades. Gibbons viajou pela Europa e sintonizou Clash, Sex Pistols e Devo. Ham, irritado porque seu selo London Records lançou um álbum de "maiores sucessos" sem permissão, livrou-se da banda (levando os direitos do catálogo de LPs com eles) e assinou um novo contrato lucrativo com a superquente Warner Bros. Records.
Assista ao videoclipe oficial de “Legs” do Eliminator
Após o reagrupamento, os dois primeiros álbuns do ZZ Top para o novo selo, Degüello de 1979 e El Loco em 1981, foram bem; sua experimentação com sintetizadores, efeitos vocais e instrumentos adicionais (saxofone, teclados) foram bem integrados, e a influência do punk rock na forma de tocar de Gibbons produziu alguns efeitos lúdicos. No momento em que se reuniram em 1982 no Ardent Studios em Memphis para gravar seu oitavo álbum de estúdio, Eliminator , eles tinham uma direção musical focada, alguns novos equipamentos, novos pelos faciais icônicos e entusiasmo renovado para transformar sua “pequena e velha banda de Texas” em uma potência redesenhada cujo sucesso eclipsaria tudo o que eles haviam feito antes.
ZZ Top (da esquerda para a direita): Dusty Hill, Frank Beard, Billy Gibbons
ZZ Top, formado a partir das cinzas da banda de Gibbons em Houston, Moving Sidewalks, em 1969, abriu novos caminhos como um híbrido psicodélico de blues country, infundido com John Lee Hooker, T-Bone Walker, Jimi Hendrix, Marty Robbins, música Tejano e o espírito de lendas excêntricas do Texas como Doug Sahm, Sam “The Sham” Samudio e Roky Erickson. Na apresentação ao vivo, Hill e Gibbons compartilharam os vocais principais, coreografaram passos de dança extravagantes e produziram uma poderosa explosão de um formato de trio simples, com a guitarra slide de Gibbons frequentemente apresentada e a bateria de Beard trovejando no modo John Bonham. Eles nunca se levaram muito a sério, muitas vezes desfrutando de um senso de invenção absurda de Wile E. Coyote, e suas letras eram irônicas, vigorosas e cheias de referências à cultura pop. Desde o início de sua vida em turnê e o lançamento de seu primeiro álbum ZZ Top's(1971), o perspicaz Ham garantiu a eles o controle artístico, a propriedade de suas gravações principais e o tipo de independência que refletia a história do Texas, que já foi uma república soberana antes de se juntar aos Estados Unidos com certa relutância.
Como o Grand Funk Railroad, outro grupo dissidente amado no coração da América e desprezado pelas elites críticas, o ZZ Top trabalhou incansavelmente, tocando em pequenos mercados negligenciados por artistas maiores, obtendo mais airplay nas rádios do que jamais refletido nas paradas de vendas convencionais. Finalmente, seu álbum de 1973 Tres Hombres quebrou o top 10 na Billboard . A crescente base de fãs que registrou o impacto de seus singles de meados dos anos 70 “La Grange” e “Tush” (que atingiram o número 41 e número 20, respectivamente, na BillboardHot 100) também lotaram os auditórios e estádios que agora podiam reservar. Ham, um sofisticado estrategista e promotor nos moldes do Coronel Tom Parker, limitou as entrevistas e aparições na TV do ZZ Top e manteve um senso de mistério sobre a banda. Seus shows ao vivo se tornaram reuniões tribais, mas de crianças da classe trabalhadora, em vez de hippies com formação universitária. Ham, saboreando o status de azarão percebido do ZZ Top, pagou por anúncios de comércio de música que apontavam para os figurões do negócio da música que o ZZ Top, pelo menos no meio-oeste e no sul, estava vendendo mais ingressos do que os Rolling Stones.
Assista ZZ Top se apresentando ao vivo em 1983
ZZ Top já havia gravado no Ardent antes, mas o estúdio era especialmente adequado para ultrapassar os limites enquanto o grupo se acomodava com um novo lote de músicas. O veterano engenheiro Terry Manning estava acostumado com as constantes pegadinhas de Gibbons e se absteve de dizer a ele que sua longa barba parecia ridícula, permanecendo focado em capturar o novo som que a banda queria. O álbum inteiro tem um profundo “som da sala”, com overdubs empilhados sendo uma tática padrão. Sequenciadores, baterias eletrônicas e sintetizadores entram e saem, mas o álbum nunca soa totalmente mecânico - você sempre sente o coração batendo sob o uso de máquinas.
No entanto, alguns relatos publicados das sessões de gravação afirmam que as contribuições de Hill e Beard foram menores e que Gibbons construiu o álbum, com Ham como produtor oficial, a partir de peças de guitarra e tecnologia. Os créditos de composição também foram contestados; de acordo com os livros de seu gerente de palco David Blayney e da escritora da Rolling Stone Deborah Frost, o grupo resolveu um processo de seu engenheiro de som de longa data Linden Hudson, que alegou ter efetivamente co-escrito e projetado o som do álbum com Gibbons antes do Ardent as sessões sequer começaram. Na maioria das vezes, os três membros do ZZ Top permaneceram em silêncio, admitindo que Hudson estava envolvido, mas negando os detalhes.
A música é, sem dúvida, estelar, seja quem for o responsável. O álbum, lançado em 23 de março de 1983, foi um grande sucesso, tornando-se um dos primeiros álbuns a receber a certificação de "diamante" por 10 milhões de unidades vendidas. Permaneceu na parada de álbuns da Billboard por três anos e se tornou um sucesso significativo em todo o mundo.
O que se tornou a abertura do álbum e o primeiro single, “Gimme All Your Lovin'”, tem um ritmo pesado e quebras de guitarra esfaqueadas, soando como Chuck Berry em esteróides (ou Prince em seu momento mais rock). A linha de baixo bombástica estabelece uma base para os múltiplos solos sinuosos de Gibbons, que muitas vezes pairam perto do feedback. Os inventivos preenchimentos fora do tempo - que soam muito mais como o trabalho de Beard do que com uma bateria eletrônica - lembram a maneira como Mitch Mitchell apoiou Hendrix.
Assista ao videoclipe oficial de "Gimme All Your Lovin'"
A próxima faixa, “Got Me Under Pressure”, aumenta o ritmo e apresenta um dos vocais de blues mais urgentes de Gibbons. Mais uma vez, suas quebras de guitarra são um destaque, especialmente o outro desbotado, onde ele exibe uma sequência de corridas ao estilo de Jeff Beck.
“Sharp Dressed Man” é como uma gêmea de “Gimme All Your Lovin”, com o mesmo ritmo de 120 bpm, slide guitar espetacular e letras atrevidas. Uma versão editada que removeu 25% da faixa foi lançada como single e substituiu a versão completa do álbum em edições posteriores, uma decisão estranha que não foi revertida até a reedição de dois CDs de luxo de Eliminator em 2008 .
ZZ Top em 1984
A faixa mais longa, com mais de seis minutos, “I Need You Tonight” começa com meia dúzia de partes de guitarra dobradas antes de Gibbons lançar um sincero apelo R&B por amor com “It's three o'clock in the morning/And the rain start to fall/But Eu sei do que estou precisando/Mas não tenho tudo.” ZZ Top se nomeou em homenagem ao cantor de blues texano ZZ Hill, e esta faixa mostra que seu legado ainda está muito vivo em suas mentes. Gibbons preenche metade da faixa, majestosamente, com ecos de guitarras sobrepostas. Infelizmente, esse lado muito forte do LP é concluído com um clunker, “I Got the Six”, cantado por Hill e pouco mais do que um boogie padrão e áspero.
“Legs”, o maior hit da carreira do ZZ Top, chegando ao 8º lugar na parada de singles da Billboard , abre o lado dois. Aqui a eletrônica está na frente, com uma linha de sintetizador gaguejante, o vocal de Gibbons envolto em eco e filtros, e letras que milhões de homens excitados imediatamente adotaram: “Ela tem pernas, ela sabe como usá-las / Ela tem cabelos soltos para a bunda dela/Ela é meio jet set, tente desabotoar a calcinha dela.” O ZZ Top teve um número substancial de seguidores femininos, apesar da redação carregada de testosterona, o que pode indicar que as mulheres estavam participando da piada ou, pelo menos, estavam dispostas a ignorar as letras como "apenas rock and roll". Após o lançamento, “Legs” foi uma das faixas mais contagiantes dos anos 80, e a Warner Bros. seguiu o single com um remix de dança 7:49 que lotou as pistas de dança em todo o país.
“Thug” apresenta algumas quebras de baixo que provavelmente são feitas à máquina, mas ainda soam como algo que Hill inventaria. “TV Dinners” é uma fofura maravilhosa, com letras propositadamente idiotas: “Jantares de TV, eles estão subindo na minha cabeça/jantares de TV, minha pele está ficando vermelha/Peru de 20 anos em uma lata de 30 anos”. A bateria é obviamente sintética, mas o trabalho de guitarra de Gibbons e o som funky do teclado são divertidos.
Infelizmente, o álbum perde força no final. “Dirty Dog” é um preenchimento não desenvolvido, e a conclusão de “Bad Girl” é uma performance estridente, lembrando fortemente uma rejeição do Deep Purple do início dos anos 70, cantada por Hill. “If I Could Only Flag Her Down” tem letras mais loucas por garotas e algum trabalho de guitarra legal, mas neste ponto sua repetição do modelo “Gimme All Your Lovin'” é menos impressionante.
Nenhuma consideração sobre o álbum estaria completa sem mencionar os três vídeos, dirigidos por Tim Newman, encomendados para acompanhar os singles de sucesso do álbum. A exposição que tiveram na MTV, a rede lançada em 1981 que finalmente estava crescendo em popularidade após um começo difícil, foi uma parte crucial do sucesso do álbum. A banda admirou o vídeo de Newman para a música de seu primo Randy, “I Love LA” e o trouxe a bordo para enfeitar sua imagem visual. Tim, trabalhando com o esplendor do cupê de três janelas Ford 1933 de Gibbons (“o hot rod ideal” apelidado de “Eliminator”), criou o cenário dramático de transformar a banda em “fadas madrinhas” que cavalgariam como as calvário, ajudando caras comuns a encontrar namoradas gostosas ou tirá-los de enrascadas.
O visual e a postura do ZZ Top foram ainda mais remodelados, enfatizando seu aspecto cartunesco, e seus movimentos sincronizados passaram a incluir o que chamaram de “A Apresentação”, uma espécie de onda que convidava os atores e o público a se divertirem. Beard caracterizou toda a abordagem como “três garotas bonitas para combinar com três caras feios”. Os vídeos de "Legs", "Sharp Dressed Man" e "Gimme All Your Lovin'" acabaram sendo inovadores e, no primeiro MTV Video Music Awards em 1984, o ZZ Top levou dois dos principais "Moon Man". ” troféus.
Assista ao videoclipe oficial de "Sharp Dressed Man"
O grupo continuou a vender milhões de álbuns nos anos seguintes e marcou outro grande sucesso pop com "Sleeping Bag". Após a eleição de 2004 para o Hall da Fama do Rock and Roll (Keith Richards fez o discurso de posse), eles não perderam tempo descansando sobre os louros. ZZ Top lançou seu mais recente álbum de estúdio, La Futura , em 2012, e a compilação retrospectiva de carreira Goin' 50 em 2019.
Terceiro álbum de estúdio do cantor, compositor e poeta Leonard Cohen , , Songs of Love and Hate , produzido por Bob Johnston, foi lançado pela Columbia Records em 19 de março de 1971. A esparsa produção de Johnston mostra a voz e o violão de Cohen guiando suas histórias, aumentadas por um uma enorme quantidade de músicos de primeira linha. Paul Buckmaster forneceu os arranjos de cordas e trompas.
“Embora Cohen nunca se poupe nessas críticas, cinco das oito canções do álbum são meditações sobre o quebrantamento e uma sexta, 'Famous Blue Raincoat', é uma reflexão sobre sua traição por uma ex-amante, Marianne Ihlen, e um amigo. . Em 'Dress Rehearsal Rag', ele até pensa em suicídio. A decepção com o relacionamento de Elrod - com menos de dois anos quando a música foi escrita - está na frente e no centro de 'Diamonds in the Mine...'
