domingo, 28 de maio de 2023

Classificação dos 10 melhores álbuns do Green Day

Dia Verde

Green Day é uma das bandas que surgiram na cena punk californiana do final dos anos 1980 e início dos anos 1990. Inicialmente, a música deles era divertida. No entanto, não havia nenhuma razão particular para acreditar que o Green Day resistiria ao teste do tempo. Isso mudou no início dos anos 2000 com o lançamento de American Idiot, que permitiu à banda encontrar uma nova geração de ouvintes. Algo que deixou bem claro que o Green Day veio para ficar.

10. iUno!


Em 2012, o Green Day lançou uma trilogia de álbuns chamada iUno!, iDos! e iTre! Eles não eram necessariamente ruins. No entanto, a trilogia teve alguns problemas sérios. Por exemplo, nenhum dos três álbuns tinha um tema unificador para eles, o que significa que suas canções eram muito dispersas por natureza. Da mesma forma, não se pode deixar de sentir que o conteúdo da trilogia foi um pouco esticado quando dividido em três partes. Assim, os três álbuns estão muito próximos um do outro, com iUno! vencendo porque tinha algumas músicas decentes que se inspiraram em uma ampla gama de fontes.

9. 39/Smooth



O primeiro lançamento do Green Day foi um EP. No entanto, 39/Smooth pode reivindicar a honra de ser o primeiro álbum 

da banda. Embora tenha sido lançado em 1990, é muito reconhecível como música do Green Day, o que significa que a banda tinha uma ideia clara de onde queria ir mesmo quando ainda estava começando. Dito isso, 39/Smooth sofre porque é um álbum do Green Day dos primeiros anos da banda. Como tal, simplesmente não tem o peso da experiência por trás, mesmo quando se ignora seu baixo orçamento de produção.

8. Revolution Radio

 

Revolution Radio saiu em 2016, o que significa que é o lançamento que se seguiu à trilogia acima mencionada. Considerando a própria admissão da banda de que a trilogia acima mencionada carecia de algo para uni-la, não deveria ser surpresa saber que este álbum foi uma espécie de retorno a esse respeito. De qualquer forma, a Revolution Radio era bastante decente. A banda decidiu se autoproduzir, fazendo com que colocassem um esforço extra nisso. Algo que mostra claramente.

7. Warning


O aviso é muitas vezes esquecido. Foi lançado em 2000, o que significa que foi colocado entre dois períodos mais conhecidos da existência do Green Day. Além disso, era bastante incomum por se afastar do punk característico da banda enquanto se entregava ao pop e às influências folk. Ainda assim, embora Warning não tenha obtido bons resultados comerciais, existem razões sólidas para o motivo pelo qual foi apreciado pelos críticos.

6. 21st Century Breakdown


Lançado em 2009, 21st Century Breakdown foi uma clara tentativa de recapturar a centelha de American Idiot, o que explica por que também é uma ópera rock  . Não foi tão impressionante quanto seu antecessor imediato. Em parte, isso ocorreu porque não foi capaz de executar seu conceito central bem o suficiente, resultando em muita imprecisão. Em parte, isso ocorreu porque suas canções talvez lembrassem um pouco demais o material anterior. Seja qual for o caso, 21st Century Breakdown não foi ruim, apenas não foi capaz de corresponder às expectativas estabelecidas pelo enorme sucesso de American Idiot.

5. Kerplunk!

 

Kerplunk! em 1991 foi uma espécie de ponto de virada na existência do Green Day. Além disso, foi o último álbum da banda antes de mudar para uma grande gravadora, o que costumava ser um grande ponto de debate nos círculos punk por vários motivos. De qualquer forma, Kerplunk! deixa bem claro que é da mesma banda que criou o 39/Smooth. No entanto, o álbum também procurou melhorar em relação ao seu antecessor, o que significa que o Green Day estava de olho em melhorar a si mesmo até então

4. Dookie

 

Dookie é um dos álbuns mais conhecidos do Green Day. Para começar, foi a primeira colaboração da banda com Rob Cavallo, que foi quem os convenceu a mudar para uma grande gravadora. Algo que fez com que o Green Day perdesse muito de sua base de fãs original por causa da percepção de que eles haviam se esgotado. No entanto, Dookie tende a ser ainda mais conhecido porque foi um grande sucesso, tanto que às vezes é creditado por trazer a música punk para o mainstream.

3. Insomniac

 

Sabe-se que as pessoas fazem coisas notáveis ​​quando sentem que têm algo a provar. No caso do Insomniac, o vocalista do Green Day, Billie Joe Armstrong, foi picado pelas acusações de se vender, com o resultado de que ele e o resto da banda decidiram provar que eram mais do que um sucesso único. Insomniac é um álbum bem anos 90, mas pode ser considerado um dos melhores exemplos do punk rock dos anos 90.

2. Nimrod

 

Tendo provado seu valor com Dookie e depois com Insomniac, o Green Day passou a se tornar mais experimental com Nimrod em 1997. É bem conhecido por sua disposição a esse respeito, como mostrado por sua incorporação de influências de ska, folk e surf rock. Além disso, Nimrod foi um lembrete muito claro da disposição do Green Day de continuar melhorando sua música.

1. American Idiot

 

A música é um reflexo da mudança dos tempos. Como tal, a ópera punk rock American Idiot foi uma expressão da desilusão sentida por toda uma geração cujas vidas foram fundamentalmente moldadas pelo 11 de setembro, a guerra no Afeganistão e a guerra no Iraque. Algo que lhe deu uma influência duradoura. Em termos de carreira, American Idiot foi interessante porque pode ser considerado uma espécie de amadurecimento para o Green Day, que foi uma verdadeira surpresa para muitos ouvintes nos anos 2000. Além disso, foi creditado por trazer o rock de volta ao mainstream, embora isso possa ser um pouco exagerado. 


ROCK ART


 

CRONICA - CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL | Cosmo’s Factory (1970)

 

1969 foi um ano extremamente próspero e frutífero para o CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL, e não há nada para escrever! O grupo liderado por John Fogerty tinha, nesse ano, lançado 3 álbuns de estúdio que lhe permitiram atingir a consagração e afirmar-se como uma figura incontornável do Classic-Rock, da herança musical americana.

Para a CCR, trata-se de bater no ferro ainda quente. Ele, portanto, lançou seu 5º álbum de estúdio,  Cosmo's Factory,  em 16 de julho de 1970, 8 meses depois de  Willy And The Poor Boys . Quanto ao álbum anterior, Tom Fogerty está na produção deste álbum com a capa engraçada.

Entre os 11 títulos da  Cosmo's Factory, 4 são capas. 3 deles são padrões antigos dos anos 50. "Before You Accuse Me", de Bo DIDDLEY, permite-nos recuar 13 anos (1957, portanto) e algumas alegres notas de piano vêm colorir esta capa, bastante respeitosa do original. O mesmo pode ser dito de “Ooby Dooby”, uma música composta por um certo Dick PENNER em 1955 que cheira à natureza despreocupada daquela época. "My Baby Left Me", canção de autoria de Arthur Crudup e, a priori, gravada pela primeira vez em 1950, é um padrão do Blues do qual a CCR ofereceu uma versão lúdica através de guitarras luminosas. Mas a capa mais interessante do disco é certamente "I Heard It Through The Grapevine" (um hit de 1967 de Gladys KNIGHT & THE PIPS):

No entanto, seria injusto resumir este álbum com essas capas porque as composições caseiras do CCR são de primeira linha. Primeiro vem "Up Around The Bend", um estonteante e assombroso hino Classic-Rock (certamente não é HANOI ROCKS quem vai afirmar o contrário) com esta canção encantatória que pega o ouvinte pela garganta para nunca mais largar e tem ainda, sobre tempo, estabeleceu-se como uma das fontes de inspiração para o Heartland-Rock com suas raízes guitarras elétricas e acústicas em uníssono que cuspiam melodias imparáveis. Este título, para o registro, ficou em 1º lugar na Austrália, Canadá e Holanda, 2º na Noruega, 3º na Grã-Bretanha, Irlanda e Alemanha, 4º nos EUA e Nova Zelândia, 6º na África do Sul e Suíça. "Travelin' Band", em um exercício de estilo ligeiramente diferente, é um bom Rock n' Roll à moda antiga bem enraizado nos anos 50/60, jovial, animado, que te deixa bem disposto e no qual John Fogerty puxa as suas cordas vocais como um homem possuído. Este título ficou em 2º lugar nos EUA na época e alcançou o Top 10 em 9 outros países (chegou até ao 1º lugar na Bélgica e na Holanda). A CCR conquistou mais um 2º lugar nos EUA com "Lookin' Out My Back Door", uma composição de 2'30 entre Folk e Country, muito rústica, terroir na alma cujo ritmo dá vontade de bater os pés, as melodias são cativante e seu poder de persuasão é inigualável para te deixar de bom humor. Entre os bons achados, vale destacar "Run Through The Jungle", uma composição rock mais raízes que natureza que cheira a poeira, graxa, é carregada pela voz rouca de John Fogerty, Campo central publicada em 1985). "Ramble Tamble", na abertura do disco, é uma composição de 7 minutos que começa de forma muito viva, eruptiva ao ser carregada pela voz rouca e carrancuda, depois é temperada por um longo alcance instrumental em um andamento médio, com um solo de guitarra emocional, então recomeça nas mesmas bases do início para encerrar as hostilidades. 2 baladas também estão no programa deste álbum. "Long As I Can See The Light", um pouco melancólico marcado pela presença de um saxofone, está bem enraizado no seu tempo com as suas insinuações Soul e, sem embelezamento, acaba por fazer bastante sucesso. "Who'll Stop The Rain", uma curta balada folk cuja letra faz referência à Guerra do Vietnã, vai direto ao ponto, potencializada ainda por uma bateria que estabelece um ritmo vigoroso,

Este 5º álbum dos CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL é assim um novo sucesso a nível artístico mesmo que existam 4 covers, mesmo que os 3 álbuns anteriores pareçam um degrau acima (dito isto, é preciso colocar as coisas em perspetiva porque a barra foi colocada muito alto). Muitas das composições originais deste disco se tornaram hinos atemporais e contribuíram para influenciar o rock americano desde então. Só para constar, Cosmo's Factory ficou em primeiro lugar nos EUA, onde vendeu mais de 4 milhões de cópias (para a CCR, este é o 2º álbum depois de  Green River  a atingir o maior mercado do álbum Top Americano), mas também na Grã-Bretanha (onde foi disco de prata certificado), na Austrália, no Canadá, na Finlândia e na Noruega.

Tracklist:
1. Ramble Tamble
2. Before You Accuse Me
3. Travelin’ Band
4. Ooby Dooby
5. Lookin’ Out My Back Door
6. Run Through The Jungle
7. Up Around The Bend
8. My Baby Left Me
9. Who’ll Stop The Rain
10. I Heard It Through The Grapevine
11. Long As I Can See The Light

Formação:
John Fogerty (vocal, guitarra, piano, teclado, saxofone, gaita)
Tom Fogerty (guitarra)
Stu Cook (baixo)
Doug Clifford (bateria, cowbell)

Gravadora : Fantasy Records

Produção : John Fogerty


CRONICA - QUICKSILVER MESSENGER SERVICE | Quicksilver Messenger Service (1968)

 

Uma das figuras cult e lendárias do San Francisco Sound, um dos precursores do acid rock californiano com Grateful Dead e Jefferson Airplane mas cuja glória escapou por má gestão.

O Quicksilver Messenger Service surgiu em 1964 em San Francisco com o encontro dos cantores Dino Valente e Jim Murray, além do guitarrista John Cipollina. Músicos de folk rock, eles são frequentadores assíduos de clubes em São Francisco e arredores. Por iniciativa de Dino Valente, a ideia de criar o seu próprio grupo rapidamente ganhou terreno. Mas o projeto desmorona quando Dino Valente é preso por posse de maconha. John Cipollina e Jim Murray continuam a aventura sem ele e conhecem o guitarrista/cantor Skip Spence. Este último prefere integrar o Jefferson Airplane antes de criar o Moby Grape. O baixista David Freiberg também está em demanda. Para substituir Skip Spence, John Cipollina recorreu ao guitarrista Gary Duncan, trazendo consigo o baterista Greg Elmore.

Os cinco músicos escolheram o nome Quicksilver Messenger Service porque todos nasceram sob signos astrológicos regidos pelo planeta Mercúrio. Mercúrio também é o deus mensageiro (mensageiro em inglês) na mitologia romana, mas também o nome de um metal chamado mercúrio (mercúrio em inglês).

A banda toca em clubes locais cruzando Grateful Dead e Jefferson Airplane. Fazendo uma sólida reputação, QMS está em exibição em agosto de 1967 no Monterey Pop Festival (Jimi Hendrix, Who, Janis Joplin, Canned Heat, Ravi Shankar...) permitindo-lhe participar no mesmo ano na trilha sonora de um documentário sobre o diretor Summer of Love de Jack O'Connell chamado Revolution . Publicado no ano seguinte na United Artist, também envolvidos neste projeto Mãe Terra e Steve Miller Band. QMS oferece dois títulos excelentes: "Codine" (um cover de Buffy St. Marie) e "Babe, I'm Gonna Leave You".

Também em 1967 e para estar no jogo, a Capitol assinou com o grupo causando a saída de Jimmy Murray impossibilitado de assumir o status de músico profissional. Tendo se tornado um quarteto, o combo entrou em estúdio para lançar em maio de 1968 um álbum homônimo com capa preta profunda com o nome do grupo escrito em vermelho brilhante.

Composto por 6 faixas num total de pouco mais de meia hora, este Lp distingue-se por duas coisas. Primeiro com músicas curtas variando de 2 a 4 minutos de folk rock que marcaram o cenário como “Pride Of Man” na abertura. Um belo pedaço de country rock quase desencantado, salpicado de coros fantasmagóricos que evocam aqueles faroestes onde vemos pioneiros atravessarem grandes planícies na esperança de encontrar a fortuna no oeste. Encontramos esse estado de espírito na balada "Light Your Windows" e na despreocupada "It's Been Too Long", mas principalmente em "Dino's Song". Esta última, sempre um country rock cativante, foi composta por Dino Valente e retomada pelo grupo para homenagear o amigo que permaneceu na prisão.

A outra faceta deste vinil são as faixas longas, “Gold And Silver” ultrapassando 6mn e “The Fool” 12mn. Duas peças elásticas que mostram a capacidade de improvisação da banda mas sobretudo revelam a verdadeira face do Quicksilver Messenger Service, mais à vontade em palco do que em estúdio. O futuro o mostrará.

"Gold And Silver" é um instrumental liderado por uma linha melódica de jazz, talvez influenciada pela versão de John Coltrane de "My Favorite Things". Mais de seis minutos onde as guitarras de John Cipollina e Gary Duncan vão se entrelaçando, harmonizando, entrando em delírios dissonantes.

Num andamento lento e maioritariamente instrumental, “The Fool” mergulha-nos numa viagem psíquica alucinatória novamente inspirada no western mas com uma tendência esparguete. Aqui se misturam doçura enganosa, passagem angustiante onde a morte lixo aguarda o ouvinte desinformado com uma canção desesperada e dramática. Mas, obviamente, esta faixa foi feita sob a influência do teste de ácido tendo precedência sobre Grateful Dead. Mas ao contrário do grupo de Jerry Garcia que sai para jams sem fim, “The Fool” é mais estruturado.

Por fim, o que impressiona desde o início é o som desta guitarra enigmática que intriga e fascina. É assinado por John Cipollina e sua fiel Gibson SG que se tornará a alma do QMS. Sua execução é expressa em vibratos sutis obtidos por uma ponte Bigsby ou Vibrola e o uso de palhetas fixadas a vários dedos para arpejos rápidos. A amplificação usada pelo guitarrista é original. De fato, conectar sua guitarra em duas saídas (uma por microfone) e depois enviar para dois amplificadores Fender separados (um Twin Reverb para os agudos, um Dual Showman para os graves), obtém um som crocante transformado por vários efeitos, como reverberações, tremolos ou mesmo pedais wah-wah.

Resumindo, o Quicksilver Messenger Service assinou um brulot acid rock sugerindo o melhor.

Títulos:
1. Pride of Man
2. Light Your Windows
3. Dino’s Song           
4. Gold and Silver
5. It’s Been Too Long
6. The Fool

Músicos:
John Cipollina: Guitarra
Gary Duncan: Vocais, Guitarra
David Freiberg: Vocais, Baixo, Violino
Greg Elmore: Bateria

Produtores  : Nick Gravenites, Harvey Brooks, Pete Welding


Resenha: "Holocene" do The Ocean Collective, uma jornada sônica pela geologia do planeta Terra

 


"Holoceno" é uma época geológica que começou há aproximadamente 11.700 anos e continua até hoje. O termo é derivado das palavras gregas que significam "novo em folha", referindo-se a uma época caracterizada por clima quente e relativamente estável, o recuo de grandes mantos de gelo e o desenvolvimento da civilização humana moderna.

"Preboreal" é a primeira fase do Holoceno, o primeiro single que conhecemos dos alemães. Musicalmente tem uma atmosfera de estar em um lugar desolado, sintetizadores e metal progressivo, que nos leva a uma evolução. “Boreal” dá continuidade ao clima, com mais presença dos instrumentos da banda, riffs poderosos como os que caracterizam The Ocean. 


"Sea of ​​Reeds" parece devolver a desolação de um mundo como se estivesse fadado a se dividir, liricamente parece falar dos oceanos, que hoje estão cheios de poluição e lixo no mundo. 


"Atlantic" uma composição muito contemplativa que até me parece post-rock, uma das mais longas do álbum e uma das minhas favoritas, liricamente nos lembrando que o comportamento humano é repetitivo e o ser humano não entende os padrões que o levam a causar dor para os outros, por meio da vingança e da aceitação de verdades desconfortáveis. O desenlace final da peça é estrondoso, muito bem executado. 

“Subboreal” regressa com mais sintetizadores, e ver a capa com esta peça ao fundo hipnotiza-te, mais uma das minhas preferidas, com aquelas mudanças brutais de metal progressivo e a bateria que para mim é a que mais caracteriza os alemães. Uma peça que com certeza soa espetacular ao vivo e me lembra muito o trabalho do álbum anterior. 

“Inconformidades” conta com a participação feminina de Karin Park, que conduz quase toda a música para Löic terminar quando a bateria começa a subir para explodi-la numa combinação caótica que de repente descuida totalmente o que está construído nas pernas.


Os seguintes temas da banda; “Parabiose” e o encerramento de “Subatlântico” de repente parecem-me temas forçados, prolongando a história do Holoceno, dando-nos uma atmosfera de caos. Talvez para nos deixar no suspense daquele que poderá ser o seu próximo disco, alusivo a uma era subatlântica caracterizada por aquela intensa industrialização onde os recursos naturais são subjugados e os nossos ecossistemas desequilibrados pelos gases com efeito de estufa. 


Em conclusão, «Holocene» é uma narração sónico-atmosférica que, como muitas bandas deste ano, nos delicia muito com as suas cargas emocionais face ao mundo em que vivemos. Cansados ​​dos insaciáveis ​​caprichos materiais do ser humano, abusando da destruição da fauna ao mesmo tempo que reclamamos das altas temperaturas que aumentam gradativamente. 

Resenha: "Números" de Nekokatsu, EP de estreia do rock-pop experimental do compositor chileno

 


Números é o EP de estreia de Nekokatsu, multi-instrumentista e cantor e compositor de rock alternativo/pop em espanhol. Este EP tem sons e influências musicais de rock alternativo, pop japonês e música de videogame. Estas três canções convidam-nos a refletir sobre a ligação dos números e a experiência humana numa perspetiva numerológica, a questionar-nos onde se encontra a essência de si mesmo e a reviver curando certas palavras que perduram dentro de nós. Pelo menos até o primeiro álbum, todos os instrumentos e vozes foram gravados pelo compositor, exceto a bateria de todas as músicas, que foi tocada por Andrés Rojas (Andy Pop), baterista do DELTA. Foi capturado e mixado nos discos IGED por Germán Torres.

“Números” , a faixa que dá nome a este trabalho, começa com energia. Uma voz melódica intervém para nos dar o estilo definido que se percebe como bem formado. O conjunto instrumental se sente completo e firme, com seus correspondentes refrões que acompanham e dão ainda mais força à canção. Seus versos são incisivos, e te sacodem até o fim. Intui-se que se fala em numerologia e como ela tem feito parte da vida do autor. Musicalmente, tem ritmo em 7/4 contra 4/4 e a melodia principal, em uníssono do baixo com a voz.


De imediato, “Identity” é apresentado com um pouco de suspense e bom tempo. Apenas alguns momentos depois, ele desencadeia uma série de fortes impulsos novamente. Você já pode notar o grande trabalho de produção que ficou como resultado desse trabalho. Aqui, há ambientes que se intercambiam organicamente, e mantêm todas as sequências em tom agudo, além de uma clara ênfase musical no baixo ostinato. Por fim, levanta uma questão filosófica: o que se faz com o outro e como isso muda durante a vida?  


“La Bala Pasada” é uma fusão de ritmos bem integrados, selecionados e oleados. Quando menos se espera, um solo de guitarra surpreende pela execução e interpretação. Através de um idioma chileno, que se traduz como ficar com vontade de dizer algo, tem timbres médios experimentais nos teclados, e uma harmonia meio dissonante sobre um ritmo meio latino, quase dançante. Soberbo. 


É uma peça estendida que é inteligente, verdadeira e traz muito trabalho duro. Sua flexibilidade polifônica sincera emerge com texturas abundantes de emoções impostas. Ele foi projetado ponto a ponto, sem perder oportunidades experimentais. Por esse motivo, foi possível evitar a sobreposição de ideias sobrepostas desnecessárias que inevitavelmente carregam demais a mixagem. O que é justo e preciso foi escolhido, para ser o mais perspicaz possível. Uma mensagem clara desde a composição criativa, até ao resultado versátil das decisões artísticas finais. 

Destaque

Kleiton & Kledir – Kleiton & Kledir (1980)

  O álbum de estreia homônimo da dupla Kleiton & Kledir (1980), lançado pela Ariola, consolidou a carreira dos irmãos gaúchos após o fim...