'Squeezing Out Sparks' de Graham Parker: Simples como um batimento cardíaco

 

Este anúncio do álbum apareceu na edição de 31 de março de 1979 da Record World

Em 1978, depois de três álbuns excelentes, mas de baixo desempenho comercial, para o selo Mercury, o roqueiro britânico Graham Parker estava farto de ser “o segredo mais bem guardado do oeste”, como dizia a letra de sua música “foda-se”, “Mercury Poisoning”. isto. “A empresa está me paralisando/O pior tentando arruinar o melhor/A promoção deles é tão ruim/Eles nunca poderiam levar isso para o jogo real”, ele cantou. Parker, com o incentivo de seu empresário Dave Robinson, não teve nenhum problema em abrir pontes atrás dele.

Já assinado com a gravadora Arista de Clive Davis em um acordo que Parker disse mais tarde que tinha "muito dinheiro nisso do que era saudável", ele satisfez seu compromisso com a Mercury com o álbum duplo ao vivo The Parkerilla e foi para o decadente Lansdowne Studios de Londres para gravar seu Arista estreia com seu quinteto habitual de co-conspiradores, o Rumour.

Apesar de serem amigos, o Rumor não se impressionou quando Parker tocou para eles uma série de novas canções que havia preparado durante a viagem e zombou dele abertamente.

Jack Nitzsche, que havia trabalhado como braço direito de Phil Spector por anos e contribuído para sessões dos Rolling Stones, Buffalo Springfield e do solo Neil Young, foi contratado para produzir com a força de seu trabalho supervisionando os dois primeiros de Mink Deville. álbuns. Parker descreveu mais tarde sua chegada: “Jack Nitzsche, como um gnomo sob um moletom com capuz, descontente por ter sido arrancado de um encontro interessante em Los Angeles e totalmente perplexo sobre quem eu era, o que éramos, por que ele estava aqui em uma situação miserável. Londres."

The Rumor consistia em fugitivos de três grupos de “pub-rock” de meados dos anos 70, Brinsley Schwarz, Ducks Deluxe e Bontemps Roulez. Steve Goulding tocou bateria, Andrew Bodnar baixo, Bob Andrews teclados e Brinsley Schwarz e Martin Belmont foram os guitarristas. Eles eram todos músicos experientes e confiantes, e Nitzsche os odiou imediatamente, sentindo que sua forma de tocar era confusa e seu compromisso com o GP vacilante. “A banda é terrível, eles não levam a sério tocar suas músicas”, Parker o cita como tendo dito. Parker respondeu: “Eu sei que eles exageram o tempo todo. Eu tive três álbuns dele! Diga-nos o que fazer!” Parker disse que precisava que o Rumor tocasse como se estivessem em um estúdio, não no palco, e “tornasse tudo simples, como uma batida de coração”.

Demorou um ou dois dias para Nitzsche tomar as rédeas de uma reunião de vir a Jesus com a banda. Como Parker disse Charles Shaar Murray , do New Musical Express , pouco antes do álbum resultante ser lançado no final de março de 1979: “No dia seguinte, ele entrou e tomou algumas cervejas, relaxou e começou a ser Jack Nitzsche, o produtor . Ele apenas disse algumas palavras que fizeram tudo funcionar. 'Você está sendo muito inteligente. Você tem que ser burro. Toque a música do jeito que você fez quando estava escrevendo no seu quarto'”.

Depois de clicar, demorou apenas 11 dias para concluir o álbum, que não tem uma música ou performance fraca, e continua sendo citado como a maior conquista de Parker. Intitulado Squeezing Out Sparks após uma letra na história marcante de aborto e arrependimento "You Can't Be Too Strong", o álbum superou o Village Voice's votação dos críticos de Pazz e Jop em 1979 e atraiu comparações com o melhor de Bruce Springsteen e Elvis Costello. Liricamente sofisticado, cheio de vitríolo e ternura alternados, ainda emociona em todos os níveis. “ Espremendo Faíscas transcende o meio", disse Parker ao jornalista Scott Hudson anos depois com humor característico. “Eu não acho que haja algo tão bom assim por alguém em qualquer lugar. E eu nem mesmo levo o crédito por isso. Eu não sei o que aconteceu. Eu desmaiei."

“Discovering Japan” começa com uma espécie de fanfarra, então se estabelece em um ritmo potente sobre o qual Parker rosna sua letra widescreen: “O coração dela está quase quebrando, a terra está quase tremendo/O táxi de Tóquio está quebrando, está gritando até parar/E não há nada para segurar quando a gravidade te trai/E cada beijo te escraviza.” Nitzsche e seu engenheiro Mark Howlett capturam todos os contornos do som, desde o toque das guitarras até a bateria insistente de Goulding. Em todo o Squeezing Out Sparksnão há seção de sopros ou instrumentos extras como nos álbuns anteriores de Parker, apenas arranjos focados em pequenas bandas, praticamente sem solos. Elvis Costello e as atrações estavam usando o mesmo tipo de política sem frescuras na época, com resultados igualmente espetaculares, combinando essencialmente uma estética punk com musicalidade de alto nível. Graham Parker e o Rumor têm um som impaciente e cheio de ansiedade semelhante, com um vocalista que pode zombar com o melhor.

“Local Girls” tem um ritmo chugging de Chuck Berry-meets-Stax (cedendo ao reggae em um ponto), um refrão cativante com todos cantando back-up e um pequeno gancho melódico crescente que se move da guitarra para o teclado. “Nobody Hurts You” tem um ritmo rápido e muito enérgico que soa como o modelo para a carreira subseqüente de Joe Jackson. Belmont e Schwarz estabelecem algumas linhas de guitarra simples e fantásticas. “Saturday Nite Is Dead” é como sua gêmea, em um ritmo igualmente contundente. Há um pouco de um surto de mini-Yardbirds no meio do caminho, mas, como tudo aqui, é conciso e o ímpeto não diminui. As letras tipicamente mal-humoradas de Parker destacam: “A luz ultravioleta me machuca tanto/Costumava ser meu amigo/Eu costumava conhecer um bom lugar para ir/Mas agora não é nada como era antes.”

“Passion Is No Ordinary Word” é uma música mid-tempo que tem uma sensação especialmente espontânea. Parker realmente morde certos dísticos: “Quando eu finjo tocar em você/Você finge sentir”, “O filme pode ser novo/Mas é a mesma trilha sonora”. A música tem uma seção de ponte realmente ótima: “Tudo é uma emoção e toda garota é uma matança / E então fica irreal e você não sente nada.” Schwarz tem muitos grandes momentos para contar, muitos coloridos por vários pedais de efeitos. O final é arrepiante, à medida que os instrumentos desaparecem, o ritmo diminui e Parker quase sussurra.

Outra faixa mid-tempo, “Love Gets You Twisted”, desaparece estranhamente antes que o ritmo forte e irregular assuma o controle e Parker grite a letra mínima, que gira obsessivamente em torno da mesma mensagem, que o amor é confuso: “O amor deixa você torcido por dentro sai/eu sabia que existia, não tive dúvidas/quando ela está nos meus braços/me enrolo, é verdade/não consigo ver o outro ponto de vista.”

Graham Parker and the Rumor em uma foto de performance inicial

“Protection” é um reggae mutante, com Bob Andrews puxando uma série de interjeições ao estilo de Steve Nieve no piano e Belmont/Schwarz fazendo uma potente dança principal/ritmo. (De acordo com os créditos do encarte, Parker toca um pouco de guitarra base no álbum, mas não há como dizer onde, então ele pode estar aqui também.) Como algumas outras faixas do álbum, há um uso eficaz de rastreamento duplo da voz de Parker , permitindo-lhe cantar e reagir a si mesmo, como se houvesse muito a dizer para um homem.

“Waiting for The UFO's” começa com um riff de guitarra que se aproxima de uma sirene de polícia ou de ataque aéreo, e há uma bela figura de caixa do confiável Goulding. As letras de GP estão entre as mais cínicas: “As pessoas não valem a vida agora, são obsoletas/Estamos morrendo de vontade de ser invadidos e colocar a culpa em algo concreto”. Há até uma canção anti-amor à espreita nas linhas “Esta nova obsessão está nos tornando alienígenas também / Muito mais retumbante, meu coração parou de bater por você”. A pronúncia de UFO como “U-fow” sem dúvida confundiu alguns ouvintes americanos: definitivamente ajudou o fluxo das palavras para usar a dicção britânica.

“Don't Get Excited” encerra o álbum, com Andrews em uma variedade de teclados (incluindo piano elétrico e um órgão de rock de garagem com som cafona). A seção do meio se transforma em drama intenso, com a guitarra principal de Schwarz liberada para uma das poucas pausas que podem realmente ser consideradas um solo. A repetição forte de “não se empolgue” com a letra e o ritmo combinados desaparece e o LP termina com um estrondo.

Até agora, omiti a menção da única balada verdadeira, a imensamente comovente “You Can't Be Too Strong”, que aparece discretamente na lista de faixas como uma bomba camuflada. Ele ostenta talvez o melhor vocal de Parker de todos os tempos, com uma dor palpável aparecendo quando o protagonista faz uma série de perguntas brutais a seu amante, que acabou de abortar seu filho: “Eles arrancaram com garras de aço / E deram uma chance a você, então que você não sentiria?/E lavou como se não fosse real?” Parker descreveu “You Can't Be Too Strong” para Murray: “Apenas violão, piano e um pouco de baixo. A maioria das músicas foram as primeiras tomadas depois que começamos a tocá-las como eu as escrevi. Não estou disfarçando tanto…estou cantando sobre o que te corta e o que não te corta. As músicas são mais honestas.”

Normalmente, Parker batizava seus álbuns com nomes de músicas, embora desta vez ele tenha brincado em chamá-lo de “The Basingstoke Canal” em homenagem a uma via navegável que se conecta ao rio Tâmisa, cerca de 30 milhas de onde ele nasceu na área londrina de Hackney (ele originalmente pensou ele escreveria um álbum conceitual sobre os subúrbios de Londres). Mas então ele acordou uma manhã com “Você não pode ser forte” passando por sua cabeça: “Eu sei que escurece no Luna Park / Mas todo mundo está espremendo uma faísca / Isso aconteceu no calor, em algum lugar no escuro."

Squeezing Out Sparks alcançou o 40º lugar na parada de álbuns da Billboard e o 18º no Reino Unido, e vendeu de forma respeitável. "Local Girls" foi lançada como single nos Estados Unidos, mas não chegou às paradas, embora ela e várias outras faixas tenham encontrado airplay considerável no dial FM. Parker fez mais três álbuns para a Arista antes de vagar de gravadora em gravadora pelos próximos 40 anos, incluindo passagens pela Elektra, RCA, Capitol, Bloodshot e Razor & Tie. Em 1996, a Arista relançou Squeezing Out Sparks em CD com o excelente Live Sparks apenas promocional anexado e, em 2019, Parker regravou todo o álbum “acústico solo” para seu 40º aniversário, adicionando para o bem dos velhos tempos “Mercury Poisoning”, ainda um favorito dos fãs.

Parker lançou um álbum ao vivo, Five Old Souls , gravado em 2018 com sua banda de apoio, The Goldtops, e o retorno do Rumor Brass. 

Faixa bônus: Ouça Parker e o Rumor apresentarem uma das favoritas do Jackson 5, “I Want You Back”, ao vivo em 1979

'Performance Rockin' the Fillmore' de Humble Pie: o que o médico ordenou

Quando o quarteto britânico Humble Pie escolheu o seu nome, foi uma forma de baixar com humor as expectativas da imprensa e do público musical do Reino Unido, que, sem ouvir uma nota, já os ungia como um “supergrupo” com um futuro brilhante pela frente. Na década de 1960, o cantor e compositor de voz rouca Steve Marriott e o guitarrista e vocalista Peter Frampton tiveram um sucesso pop considerável como dois dos “caras ás” das bandas Mod Small Faces e the Herd, e o baixista Greg Ridley estava com o altamente respeitado grupo de rock progressivo Spooky Tooth. Apenas o fenômeno de 17 anos na bateria, Jerry Shirley, foi relativamente não testado além de seu trabalho com a Intervenção Apostólica aprovada pela Marriott, que teve um single lançado em 1967 antes de se separar.

Depois de não conseguir convencer seus companheiros de banda a deixar Frampton ingressar no Small Faces, Marriott formou o Humble Pie com ele em 1969. As Safe As Yesterday Is e Town And Country , dois LPs de baixa vendagem no selo Immediate de Andrew Loog Oldham que exploraram vários estilos musicais , saiu naquele ano. Mas quando o Immediate faliu, o Humble Pie dedicou-se a um som hard-rock mais focado, assinando com a gravadora americana A&M. Sua estreia homônima em 1970 não chegou às paradas nos Estados Unidos, e o sucessor Rock On , produzido no Olympic Studios de Londres por Glyn Johns, foi lançado em março de 1971 e alcançou a posição 118 na parada de álbuns da Billboard . Esta foi uma banda com muito talento e não muito para mostrar.

Anúncio comercial do single "I Don't Need No Doctor" de Humble Pie. A partir da esquerda: Peter Frampton, Jerry Shirley, Steve Marriott, Greg Ridley (da página da banda na Wikipédia)

Algumas audiências americanas notaram o desenvolvimento de sua atuação ao vivo “pesada” quando Humble Pie tocou em Detroit, Filadélfia, Grand Rapids, Buffalo, etc., em 1969-70, em shows com Moody Blues, Mountain, Grand Funk Railroad e James Gangue. Mas quando eles abriram para o Grateful Dead no Fillmore West em San Francisco em dezembro de 1969, eles estavam claramente fora de seu elemento. A resposta crítica pode ser hostil. Los Angeles Times'John Mendelssohn, um admirador da voz e composição de Marriott com Small Faces, criticou a estreia de Humble Pie em 1969 no Whiskey A Go Go, escrevendo: “O grupo parece quase obcecado em viver a imagem adolescente sem talento que suspeita erroneamente que o público americano tem de it... Para isso tenta deslumbrar o ouvinte com sua proficiência instrumental, que exibe em doses de mais de 20 minutos. Só consegue entediar alguém sem sentido.”

Como o Rock On teve um desempenho comercial inferior, a banda tomou medidas drásticas sob a orientação do novo empresário Dee Anthony e do agente peso-pesado Frank Barsalona; eles se mudaram para a cidade de Nova York, fizeram tantos shows quanto puderam e apostaram suas carreiras em um álbum ao vivo, tentando duplicar o que Anthony havia feito por Joe Cocker quando gravou a turnê Mad Dogs And Englishmen no ano anterior. Funcionou para Humble Pie também, quando o LP duplo Performance Rockin 'The Fillmore foi lançado em novembro de 1971 e se tornou seu primeiro álbum de ouro.

Marriott disse ao New Musical Express: “Se tivéssemos ficado na Inglaterra, teríamos terminado, porque tudo o que isso fez foi minar nossa confiança, e tudo o que a América faz é aumentar nossa confiança. Percebemos que somos uma boa banda, não um flash no supergrupo.”

Com o apoio do empresário Bill Graham, Humble Pie apareceu no Fillmore East de 19 a 20 de março e de 5 a 6 de abril, depois montou o estúdio móvel FEDCO, com os engenheiros Eddie Kramer e Dave Palmer à disposição, para gravar todos os quatro quase idênticos shows nos dias 28 e 29 de maio, quando dividiram a conta com Fanny e Lee Michaels. (Graham disse mais tarde que estimou que 70 por cento da multidão veio para ver Humble Pie, embora eles não fossem a atração principal.) O destaque do Rock On , “Stone Cold Fever”, foi tocado apenas uma vez, no show inicial de 29 de maio, mas fez a edição final do novo álbum, junto com outras seis apresentações de canções de blues de Dr. John, Ida Cox, Muddy Waters, Willie Dixon e duas associadas a Ray Charles, "Hallelujah I Love Her So" e "I Don' Não precisa de médico.

Lembrando-se dos dias de Fillmore East, Jerry Shirley lembra: “O público era ótimo, mas era difícil conquistá-lo - você certamente tinha que provar suas cebolas. Você tinha que mostrar a eles que sabia dançar, que sabia tocar muito bem. E assim que você fez isso, eles estavam com você para o resto da vida.”

Uma edição de quatro minutos de "I Don't Need No Doctor", escrita por Ashford-Simpson-Armstead, do show tardio em 28 de maio, foi lançada como single e chegou ao 73º lugar na Billboard , mas era FM rádio em vez de AM que ajudou a tornar o álbum um sucesso. Falando sobre o single, lançado antes do álbum, Marriott disse ao jornalista britânico Richard Green: “É a imagem mais honesta que podemos pintar no momento. Não é uma coisa de estúdio planejada, é ao vivo. Se você gostar disso, vai curtir o álbum porque é assim que somos agora. Não conseguíamos impedir o público de cantar em determinado momento, foi fantástico — milhares de pessoas cantando loucamente para uma música!”

Conforme detalhado no encarte do conjunto de caixas 2013 Omnivore Recordings das gravações completas de Fillmore East, as mixagens originais feitas pela banda foram rejeitadas por Anthony porque não incluíam o barulho da multidão o suficiente. Eddie Kramer subseqüentemente remixou as multi-faixas, aumentando o nível de excitação na sala para a satisfação de todos, e um clássico álbum ao vivo nasceu.

“Four Day Creep”, substancialmente reescrita da gravação de Ida Cox de 1927 “'Fore Day Creep”, começa. Uma abertura de show empolgante que mantém Marriott na reserva para um efeito dramático (“Sabíamos que íamos ouvir Steve explodir com seus versos; estávamos sempre esperando por esse momento”, explicou Frampton mais tarde), tem um riff de guitarra solo para morrer (com Marriott sem desleixo na segunda guitarra), e estabelece o modus operandi para todo o conjunto, ou seja, faça tudo e divirta-se fazendo isso. Ridley, Frampton e Marriott podem todos cantar blues-rock com autoridade e, ao longo do álbum, eles trocam de maneira muito eficaz.

Marriott agita a multidão para “I'm Ready” como um pregador country, antes de Shirley lançar a batida feroz e a banda entrar, com Frampton como co-comandante. Mais uma vez, o grupo pega um ponto de partida - a gravação de Muddy Waters em 1964 - e reimagina a música com as palavras de Willie Dixon. Como Frampton descreveu nas notas do encarte da caixa do Omnivore, “Eu voltei e ouvi o original, e nossa versão não é nada parecida. É como comprar uma casa para o local, depois derrubá-la e reconstruí-la do zero – parece completamente diferente.” Na marca de quatro minutos, a banda está lamentando como Led Zeppelin, Black Sabbath e The Who em um Cuisinart, o heavy metal encontra o blues.

“Stone Cold Fever”, o original creditado a todos os quatro membros, é impulsionado pelo vocal de lâminas na garganta de Marriott e sua duplicação do riff principal de Frampton, um primo mais lento do tema “Communication Breakdown” de Jimmy Page. No meio do caminho, a banda vamps enquanto Marriott improvisa uma pausa emocionante no estilo de seu herói Solomon Burke, antes de outro riff de guitarra massivo aparecer, com Shirley e Ridley bombeando ao lado, tocando sólido e sem frescuras.

Com mais de 23 minutos, “I Walk on Gilded Splinters” (do último dos quatro shows) ocupa um lado inteiro do conjunto original do LP e representa a versatilidade e a capacidade de Humble Pie de tocar com dinâmica dramática em um modo psicodélico adjacente . Mac Rebennack (profissionalmente conhecido como Dr. John) apresentou a música de lançamento de feitiços em sua estreia no selo Atco em 1968, e quase imediatamente se tornou uma referência para artistas em busca de um esqueleto para improvisação sem limites ou apenas um assustador, vitrine divertida. Johnny Jenkins gravou com Duane Allman, e Cher também fez uma versão, antes de Humble Pie adicioná-la ao set. Marriott mostra suas habilidades na gaita, Frampton testa uma variedade de tons e humores e, na marca de 16 minutos, Shirley e Ridley começam a dar às coisas uma inclinação decididamente semelhante a Cream em apoio.

As últimas três faixas são do magnífico segundo set de 28 de maio, embora sejam apresentadas fora de ordem. Os 15 minutos de “Rollin' Stone” preenchem outro lado do LP; na performance, ficou entre os dois números inspirados em Ray Charles. Marriott grita, geme e testemunha sobre estar “enganado” e em um caso de amor fantástico, e o público grita de volta encorajando, levando a coisa toda muito, muito longe do original de Muddy Waters. Familiarizado com o excesso de bebida e drogas, Marriott traz toda a força de sua personalidade exagerada para conduzir o público em uma chamada e resposta quase desequilibrada. Como Shirley diz nas notas do encarte do box set, “Nós levávamos isso de um leão rugindo para um rato quieto, e tinha aquele grande final estridente, que Greg e eu adorávamos interpretar.” Frampton, referenciando Jeff Beck, Carlos Santana, BB

Uma desorganizada, mas divertida “Hallelujah I Love Her So”, com todos os três vocalistas curtindo a atmosfera solta, é seguida por uma batida “I Don't Need No Doctor” para terminar o álbum em um ponto alto, mesmo depois de todos os picos anteriores. . “Eu não preciso de médico/Porque eu sei o que está me afligindo/Estive muito tempo longe do meu bebê/Estou ficando miserável” é a premissa baseada no blues. O single de Ray Charles de 1966 é reconfigurado e bombado majestosamente. Frampton e Marriott trocam solos, e a combinação Shirley/Ridley tem alguns de seus momentos mais potentes. Você pode praticamente sentir o suor escorrendo do teto e ver Marriott rondar o palco enquanto afirma que “se divertiu” junto com o público, antes de Humble Pie entregar os clientes exaustos a Lee Michaels, que poderia estar tremendo no perspectiva de seguir tal ataque.

Em 8 de julho de 1971, Humble Pie abriu para o Grand Funk Railroad no Shea Stadium - um show que esgotou mais rápido do que a apresentação dos Beatles lá - mas quando Performance Rockin 'The Fillmore chegou às lojas de discos, Frampton havia desistido, substituído por Clem Clempson para a próxima fase de sucesso da carreira de Humble Pie. Havia mais discos de ouro e turnês como atração principal por vir.

Para a história completa e triste do líder da Humble Pie, Simon Spence's All Or Nothing: The Authorized Story of Steve Marriott é uma leitura obrigatória. Marriott morreu aos 44 anos, morrendo em um incêndio em sua casa causado por seu cigarro aceso quando desmaiou na cama. Frampton, é claro, alcançou o estrelato com seu próprio álbum ao vivo Frampton Comes Alive em 1976, e ainda está semi-ativo. Ridley faleceu de complicações de pneumonia em 2003; Shirley completou 71 anos em 2023, sempre disposto a contar seus dias como parte de um dos conjuntos mais rock de todos os tempos.

Vídeo Bônus: Assista ao Humble Pie tocar “Rollin' Stone” ao vivo em 1971

No menu: 'Breakfast in America' dos Supertramp

 

Foto de imprensa oficial da A&M Records de 1979 do Supertramp (Foto: Arquivos de Greg Brodsky)

Eles lançaram cinco álbuns de estúdio em sete anos com resultados sólidos e quando o trabalho começou em abril de 1978, o Supertramp dedicou mais tempo ao próximo álbum do que a qualquer outro. Eles foram criados por Jerry Moss, cofundador (e o “M”) da A&M Records. No dia seguinte ao casamento, o engenheiro Peter Henderson voou para Los Angeles para se juntar aos membros da banda  Roger Hodgson , Rick Davies, John Helliwell, Bob Siebenberg e Dougie Thomson para começar a trabalhar no que viria a ser o  Breakfast in America .

Seu predecessor de 1977,  Even in the Quietest Moments... ganhou ouro graças, em parte, a um hit # 15, "Give a Little Bit", e a A&M estava procurando por mais crescimento com seu sucessor. Em vez disso, eles conseguiram um sucesso de bilheteria.

Os ensaios ocorreram em Southcombe, seu próprio estúdio de demonstração em Burbank, CA, em homenagem à casa de campo no interior da Inglaterra onde o  Crime do Século de 1974 foi concebido. A gravação de  Breakfast in America foi concluída em dezembro com Henderson, agora produtor da banda.

Quando foi entregue à A&M, só podemos imaginar a reação que a equipe de promoção e vendas de rádio da gravadora teve ao ouvi-lo pela primeira vez. Tornou-se uma prioridade para todos os departamentos e merecia um grande pacote.

O design inteligente do álbum mostra a atriz Kate Murtagh vestida com roupa de garçonete carregando uma bandeja com um copo de suco de laranja. Segurando-o no alto, a garçonete “Libby” retrata a Estátua da Liberdade. A vista é vista da janela de um avião e os objetos ao fundo - saleiros e pimenteiros, caixas de cereais e assim por diante - são feitos para se assemelhar ao horizonte de Manhattan. (Ele ganharia o Prêmio Grammy de 1980 de Melhor Pacote de Gravação.)

Breakfast in America foi lançado em 29 de março de 1979 e com seu primeiro single, o autobiográfico “The Logical Song”, com Hodgson nos vocais principais, o grupo teve o maior sucesso de sua carreira.

Veja -os tocar ao vivo em 1979

A faixa-título é o sonho de um jovem inglês de como seria o café da manhã na América com a garota certa na mão. “Goodbye Stranger”, com Davies cantando, foi lançado em junho e se tornou o segundo hit de Breakfast in America nos Estados Unidos.

O destaque do álbum é "Take the Long Way Home", que Hodgson descreve como "sobre um cara que pensa que é um verdadeiro dândi, mas é o único cara no mundo que pensa". A música apresenta uma bela introdução com piano e gaita.

Quando você olha através dos anos e vê o que você poderia ter sido
Oh, o que você poderia ter sido, se você tivesse mais tempo

Assista  Hodgson tocar a música em 2016

[Hodgson disse ao Best Classic Bands que "Take the Long Way Home" foi escrita em 1969, mas não foi gravada até quase uma década depois. “Nunca achei que combinasse com o resto das músicas de Crime , Crisis ou Quietest Moments ”, explicou. “Mas com Breakfast in America , que era uma coleção de músicas muito diferentes e animadas, eu senti que sim.”]

O Supertramp fez uma grande turnê de arena de março a dezembro. Quando a banda tocou no Madison Square Garden de Nova York, A&M deu uma grande festa depois em um restaurante, até trazendo “Libby” para fotos. O enorme apoio do rádio e a participação em shows levaram a vendas gigantescas de  Breakfast in America . O álbum alcançou o primeiro lugar em 19 de maio, permanecendo lá por seis semanas e foi o quinto mais vendido do ano. As vendas acumuladas são de 20 milhões de cópias em todo o mundo.

Avance muitos anos. Craig Carlson, um dono de restaurante americano, abriu um restaurante em Paris chamado Breakfast in America  em 2003. No entanto, foi somente em 2016 que um assessor de imprensa do livro de memórias mais vendido de Carlson,  Pancakes in Paris , procurou a administração de Hodgson para contar ao músico sobre a história de Carlson, anos antes, para buscar financiadores para um restaurante de estilo americano em Paris.

A Live Nation France organizou uma promoção de ingressos com o restaurante e providenciou para que Carlson comparecesse ao show esgotado de Hodgson em 27 de maio no Le Grand Rex de Paris. Logo após a apresentação de “Breakfast in America”, Hodgson gritou para o público: “Craig Carlson, você está aqui, Craig?”

Então, em francês, Hodgson disse: “Restaurantes Trois!” (3 restaurantes). “Je visite” (vou visitar). “C'est un bon nom pour un restaurant.” (É um bom nome para um restaurante). E então a multidão aplaudiu.

Nos bastidores após o show, Carlson presenteou Hodgson com memorabilia do restaurante e um convite para visitar a lanchonete sempre que ele voltasse a Paris.

Quanto a Davies e Supertramp, a banda cancelou sua última turnê, em 2015, quando Davies foi diagnosticado com mieloma múltiplo. Essas datas teriam sido as primeiras desde 2011. Além de “Goodbye Stranger”, Davies também escreveu ou co-escreveu favoritos da banda como “Bloody Well Right” e “Gone Hollywood”. Mas, espere, tem mais… Davies realmente se apresentou em 2018 com sua “outra” banda, Ricky and the Rockets.

Assista a um clipe de sua passagem de som