domingo, 6 de agosto de 2023

'Permanent Waves' dos Rush: prontas para os anos 80

 

No início dos anos 80, apesar de nunca ter um álbum de estúdio quebrou o top 10 nos Estados Unidos (diabos, também o coloque no top 20… e no top 30), o Rush já era a atração principal das arenas em toda a América do Norte . Mas a primeira oferta dos anos 80 dos roqueiros canadenses - Geddy Lee (vocal/baixo), Alex Lifeson (guitarra) e Neil Peart (bateria) - seu agora clássico sétimo trabalho de estúdio Permanent Waves, mudaria tudo isso, de uma vez por todas . para todos.

Até Permanent Waves , Rush era conhecido principalmente como uma banda progressiva que certamente estava mais próxima do lado heavy metal das coisas do que, digamos, Yes estava. Mas, assim como o Yes, o Rush tinha uma queda por incluir composições extensas em seus álbuns que muitas vezes exibiam os talentos instrumentais dos três membros. Mas uma coisa engraçada aconteceu durante 1979 (o primeiro ano em sua carreira de gravação que nenhum álbum do Rush foi lançado): o trio descobriu a new wave, especialmente bandas inovadoras como Police, Talking Heads e Devo. Como resultado, enquanto o material em Permanent Waves ainda continha trechos complicados e virtuosismo instrumental, agora apresentava elementos desse subgênero musical mencionado acima, especialmente os sons falsos de reggae de Sting e companhia.

Corrida em 1980

Mais uma vez trabalhando com o produtor Terry Brown (que estava a bordo desde 75), Permanent Waves também seria o primeiro álbum do Rush a ser gravado no Le Studio, em Morin-Heights, Quebec, Canadá (um estúdio que Rush revisitaria para seus próximos álbuns), com sessões ocorrendo de setembro a outubro de 1979.

O “ready for the 80s Rush” começa de forma empolgante, com uma de suas melhores faixas de todos os tempos, “The Spirit of Radio”. Abrindo com um lick de guitarra giratório criado para se assemelhar a ondas de rádio saltando ao redor, a música foi uma das mais comerciais do Rush, combinando perfeitamente com o que as rádios de rock estavam tocando na época (Styx, Kansas, Journey, etc.). A descoberta de sons reggae por Rush foi mais claramente detectada durante a parte na marca de 3:50 (a parte “Pois as palavras dos lucros foram escritas na parede do estúdio”).

Rush (da esquerda para a direita): Geddy Lee, Neil Peart, Alex Lifeson

Como o título afirma, liricamente, “The Spirit of Radio” relembra o formato livre/vale-tudo do rádio FM por volta do início dos anos 70, e como ele estava se movendo mais em direção a um formato regulamentado nos anos 80 (em pouco tempo, o rádio listas de reprodução seriam totalmente programadas). Quando lançado como single, "TSoR" foi um sucesso indiscutível, tornando-se o single de maior sucesso do Rush até aquele ponto nos Estados Unidos (# 51), Canadá (# 22) e Reino Unido (# 13).

Assista a um vídeo animado de “The Spirit of Radio”, lançado em 12 de junho de 2020, que homenageia Peart

Como você acompanha a melhor música do álbum? Oferecendo a segunda melhor música do álbum! Apesar de nunca ter sido lançado como single, “Freewill” foi certamente merecedor, com um refrão memorável e letras centradas na liberdade de escolha (que, curiosamente, era um tema que os já referidos Devo também abordariam nesse mesmo ano, com o seu álbum e música de mesmo nome). Mas o álbum é realmente uma vitrine para Lifeson. Embora não seja pensado antes de tudo como um “triturador”, Lifeson deixa seus dedos voarem no braço da guitarra durante todo o solo em “Freewill”, enquanto ele ativa a hipervelocidade em grande parte dela.

Ouça “Freewill”

A seguir, “Jacob's Ladder” continua sendo uma das mais subestimadas/esquecidas das composições estendidas do Rush, talvez porque, ao contrário de cantigas longas anteriores como “2112” e “Hemispheres”, ela não o atinge desde o início. -go mas, em vez disso, constrói lentamente. Como as outras, a música de sete minutos e meio navega por algumas reviravoltas composicionais. Segue-se outra música subestimada, “Entre Nous”, que em francês significa “between us” (o início do refrão, “Just between us”, deveria ter sido uma dica, hein?). Outra música que era altamente melódica e aparentemente feita sob medida para as rádios de rock do início dos anos 80, “Entre Nous” surpreendentemente não deixou nenhum tipo de impressão nas paradas de singles em todo o mundo e, como resultado, aparentemente escapou das rachaduras posteriormente. .

Ouça "Jacob's Ladder"

“Different Strings” chega mais perto de ser descartada no álbum, mas, no final das contas, serve como um limpador de paladar para o grand finale do álbum, “Natural Science”. A música mais longa do álbum (com impressionantes 9:20), a música é dividida em três partes - “I. Poças de maré”, “II. Hiperespaço” e “III. Permanent Waves”—da mesma forma que as cantigas estendidas anteriores do Rush também foram divididas em mini-seções com vários títulos. Liricamente, “DS” é aparentemente sobre como a humanidade estava ficando obcecada com a tecnologia sobre as coisas mais simples da vida, como a natureza (que provavelmente se encaixa nos dias modernos melhor do que nunca pelo quão hipnotizados nos tornamos com iPhones e outros gadgets). E você não saberia - outro aceno para o reggae aparece aparentemente do nada, na marca de 5:07!

Ouça “Ciências Naturais”


Este anúncio sem brilho para o álbum apareceu na edição de 19 de janeiro de 1980 da Record World.

Lançado em 14 de janeiro de 1980, Permanent Waves deu um salto quântico para o Rush nas paradas de álbuns dos Estados Unidos, onde disparou até o 4º lugar (em comparação com o mero 47º lugar que seu álbum anterior, Hemispheres, alcançou ), enquanto subindo um dígito a mais no Canadá e no Reino Unido E sua imagem de capa continua sendo uma das melhores do Rush, mostrando os efeitos perigosos de um furacão, com a modelo canadense Paula Turnbull sobreposta (com a saia voando para cima, para reencenar a pose clássica de Marilyn Monroe de seu filme de 1954, The Seven Year Itch ).

Ouvindo o álbum quase exatamente 40 anos após seu lançamento, Permanent Waves continua sendo um dos melhores do Rush, e uma das poucas vezes que uma banda de rock veterana conseguiu alterar seu som/permanecer atual sem que fosse uma tentativa flagrante de comercialização grosseira… devido a uma abordagem decididamente orgânica. Na verdade, você poderia argumentar que o Permanent Waves sinalizou a mudança do mainstream para o Rush, em vez do Rush se mudar para o mainstream.

Vídeo Bônus: Assista ao Rush tocar “The Spirit of Radio” ao vivo em 2007

O extenso 'London Calling' dos Clash


Em 1979, o suco havia sido extraído do punk. A energia bruta e a euforia - e a baixa barreira de entrada - que tornaram o punk tão excitante também o tornaram uma escolha fácil para o tipo de martinete que vê qualquer puxão contra a ortodoxia como um crime capital. “Loud Fast Rules” rapidamente mudou de um grito de guerra para uma camisa de força, “regras” deslizando de um verbo para um substantivo.

O Clash não gostava muito de regras, de qualquer forma, mesmo autoaplicadas, uma atitude que provavelmente era seu atributo mais forte e mais fraco. Embora sua estreia britânica em 1977 seja um dos documentos fundadores do punk (seu single “1977” – com o refrão “No Beatles, Elvis or the Rolling Stones” – foi um manifesto tanto quanto “Anarchy in the UK” dos Sex Pistols), evitou as políticas de terra arrasada dos Sex Pistols, indo além dos limites do punk doutrinário, tocando no reggae e no rock pré-Beatles. Eles foram devidamente truculentos sobre o negócio da música, mas apesar de todas as reclamações sobre a gravadora (até mesmo gravando “Complete Control” para protestar contra a escolha do single pela gravadora), eles queriam vender discos e concordaram que Sandy Pearlman produzisse Give' Em corda suficiente, seu segundo álbum (mas primeiro lançado nos Estados Unidos), na esperança de atrair o público americano.

Não funcionou, em parte porque foi uma incompatibilidade desde o início. Embora seu trabalho para o Blue Öyster Cult e os Dictators possa ter levado a gravadora a acreditar que ele era o homem que poderia tornar o Clash palatável para os ouvidos americanos, o resultado foi uma falha brilhante de um álbum, que tirou toda a personalidade do banda. Pearlman supostamente desprezava a voz de Joe Strummer, e seus vocais estão enterrados profundamente na mixagem, sob uma avalanche de guitarras comprimidas, equalizadas e com eco. Apesar de todo o soco que Pearlman deu ao som deles, a banda parecia estar puxando o deles.

Também esvaziou o cancioneiro de Strummer/Jones, então, após sua segunda turnê pelos Estados Unidos, o Clash estava em uma encruzilhada. Eles tiveram que descobrir que tipo de banda eles queriam ser e, da maneira típica do Clash, partiram para uma demolição completa: eles demitiram seu empresário, Bernard Rhodes, mudaram-se para um novo estúdio de ensaio e começaram a escrever e fazer demos de novas músicas. Mas quando chegou a hora de contratar um produtor, eles fizeram uma curva: Guy Stevens, mais conhecido por dirigir os álbuns pré-Bowie do Mott the Hoople e por um estilo anárquico de produção.

Clash clássico em uma foto publicitária do London Calling (no sentido horário da esquerda): Joe Strummer, Mick Jones, Paul Simonon, Topper Headon

As histórias da maneira de Stevens criar uma atmosfera de criatividade e liberdade são lendárias. Alcoólatra e em suas últimas pernas (ele morreria 18 meses após o lançamento de London Calling ), ele quebrava móveis, balançava uma escada, jogava garrafas pela sala - a certa altura, derramando uma garrafa de vinho no corpo de um grande piano - qualquer coisa para incitar a banda na performance que ele estava procurando.

O Clash, que nunca organizou uma equipe para começar - mesmo quando estavam atirando em todos os cilindros, eles tinham a mesma probabilidade de dar um tiro no pé do que acertar o alvo - responderam de maneira contrária usual, indo direto ao assunto. e produzindo indiscutivelmente seu melhor álbum.

Foi lançado em 14 de dezembro de 1979 no Reino Unido (e em 14 de janeiro de 1980 nos Estados Unidos) e é uma coleção extensa. As músicas vagavam por uma variedade estonteante de estilos, mas pareciam uma peça. London Calling , tanto quanto qualquer álbum do período, mostra um espelho para a Inglaterra enquanto o thatcherismo toma conta. Seguindo a faixa-título, uma batida marcial chama à ação, as duras políticas conservadoras combinadas com o colapso nuclear de Three Mile Island, o álbum é uma turnê pela Londres do Clash. Era uma cidade onde as pessoas se voltavam para as drogas, a bebida, o consumismo vazio e o fascismo fácil como alívio. Jimmy Jazz, Ivan e Rudie foram baseados em pessoas reais, e Strummer realmente morava perto do rio Tâmisa, pegando o ônibus número 19 (nome-checado em “Hateful”) para chegar aos ensaios.

Intercaladas entre os estudos de personagens, havia canções que tinham uma visão mais ampla, seja da guerra – “Spanish Bombs” conecta os combatentes antifranquistas na Segunda Guerra Mundial com os atentados terroristas separatistas ocorridos durante uma viagem que Strummer fez à Espanha – ou da cultura pop – “The Right Profile”, inspirado pela leitura de Strummer da biografia de Montgomery Clift de Patricia Bosworth – ou a boa vida prometida pela publicidade em “Koka Kola” e o beco sem saída da classe trabalhadora prometido pelos Tories em “Death or Glory”. O último inclui uma das letras mais incisivas de Strummer: “Aquele que fode freiras / mais tarde se juntará à igreja”. E não seria o Clash sem pelo menos alguma automitificação, cuidada muito bem com “Four Horsemen” e “I’m Not Down”.

Os sons ouvidos no álbum também refletem o que você ouviria nas ruas de Londres. O reggae de “Guns of Brixton” de Paul Simonon e um cover de “Revolution Rock” dos Revolutionaries; ska - misturado com New Orleans - um cover de Clive Alphonso and the Rulers “Wrong 'Em Boyo”, com elementos de “Stagger Lee” e a parte da trompa de “Sea Cruise” de Frankie Ford.

A outra capa do álbum, “Brand New Cadillac” de Vince Taylor, começou como uma música que a banda tocou enquanto se aquecia no estúdio. Stevens insistiu que eles tocassem novamente. Mas, principalmente, London Calling soava como o Clash, uma grande banda de rock, embora imperfeita, pronta para ver a nova década e expandir o vocabulário do rock britânico. Eles tinham tantas músicas ótimas que quase deram “Train in Vain” como uma promoção para o New Musical Express ; falhou no último minuto, então foi adicionado a London Calling , mas não listado na capa ou no rótulo. A música que quebrou a banda nos Estados Unidos foi uma faixa oculta - alcançou a 23ª posição na Billboard e ajudou o próprio álbum a saltar para a 27ª posição, uma colocação muito mais alta do que seus dois predecessores.

Assista ao Clash tocar “Train in Vain” ao vivo

Claro, você não pode falar sobre London Calling sem mencionar a capa do álbum. Uma foto de Simonon quebrando seu baixo em frustração durante um show no Palladium de Nova York, com letras que ecoavam a cor e o design do álbum de estreia de Elvis, representava perfeitamente a música dentro dele - catártica e emocionante, pronta para passar e acenar para passado do rock 'n' roll.

Não poderia durar. The Clash era simplesmente uma banda instável demais para manter o ritmo. O que inicialmente parecia um avanço acabou sendo um ponto alto. Mas que ponto alto!

Assista ao vídeo oficial da faixa-título de London Calling

 

'Pussy Cats' de Nilsson: com uma pequena ajuda de um Bad Boy Beatle


Quem diria? Outrora um cantor cuja ênfase se concentrava no pop puro de uma variedade decididamente caprichosa, a imagem de Harry Nilsson tornou-se pelo menos temporariamente manchada depois de se envolver com um bad boy Beatle. Não é que Nilsson não tivesse mudado de direção antes. Desde que se estabeleceu com um par de sucessos genuínos - "Everybody's Talkin'" do filme Midnight Cowboy e seu remake do topo das paradas de "Without You" de Badfinger - sua carreira parecia estar em um rolo ascendente.

Após Nilsson Sings Newman, de 1970 - uma homenagem oportuna ao então emergente cantor/compositor Randy Newman - e suas contribuições para a trilha sonora de The Point! , um curta-metragem de desenho animado que atraiu seguidores adultos cult, ele ressurgiu com uma série de álbuns que lhe trouxeram novos seguidores mais modernos. Nilsson Schmilsson e Son of Schmilsson mostraram uma promessa considerável e ganharam airplay no rádio FM, antes de serem descarrilados pelo decididamente schmaltzy A Little Touch of Schmilsson in the Night e a tentativa imprudente de reiniciar o gênero de filme de terror com o veículo cinematográfico de Ringo Starr, Son de Drácula .

Este anúncio apareceu na edição de 19 de outubro de 1974 da Record Wor

Em 1974, a outrora promissora carreira de Nilsson estava se debatendo e claramente seria necessário algo significativo para colocá-lo de volta nos trilhos. Essa necessidade parecia ser preenchida quando ele começou a sair com membros do novo bando de ratos de Hollywood, um grupo de amigos bêbados carinhosamente chamados de Vampiros de Hollywood e cujos membros incluíam John Lennon, Keith Moon, Ringo Starr, Alice Cooper e outros membros variados. da elite do rock star de Los Angeles. Lennon era uma presença particularmente forte; tendo se separado temporariamente da esposa Yoko Ono e se transplantado para a Costa Esquerda, ele começou a expressar suas frustrações com o novo amigo Nilsson a reboque. Os dois tinham uma história; uma vez solicitados a nomear seu cantor americano favorito, os Beatles deram a Nilsson esse aceno.

Parecia apropriado, então, que Lennon encontrasse um ajuste como o produtor do próximo álbum de Nilsson, originalmente intitulado Strange Pussies em um aceno para sua imagem fora da lei, mas depois mudou para Pussy Cats por insistência da gravadora de Nilsson, RCA, para seu lançamento em 19 de agosto de 1974. Não surpreendentemente, as sessões atraíram um elenco ansioso de personagens, entre eles os guitarristas Danny Kortchmar e Jesse Ed Davis, o pedal steel Sneaky Pete Kleinow, o antigo associado dos Beatles Klaus Voormann no baixo, o saxofonista dos Stones Bobby Keys, os bateristas Starr, Moon e Jim Keltner. , e vários outros membros do estúdio também. A segunda noite de gravação trouxe dois outros visitantes de grande nome, Paul McCartney e Stevie Wonder, e um bootleg tardio de interferência inconseqüente surgiu mais tarde, apropriadamente intituladoUm Toot e um Snore em '74 .

Nilsson e companhia mal esconderam a presença de bebida e drogas - a capa do álbum alude ao abuso de substâncias ao retratar blocos infantis mostrando as letras D e S precisamente situadas em ambos os lados de um tapete, sendo a palavra “drogas” a implicação operativa. De alguma forma, porém, as sessões formais de gravação se fundiram em um álbum decente, que era metade covers, metade canções originais, incluindo uma cantiga suave co-composta por Lennon e Nilsson em conjunto, “Mucho Mungo/Mt. Elga”, uma música com uma deriva suave que prefigura “# 9 Dream”, de Lennon, que apareceria no álbum Walls and Bridges de Lennon no mesmo ano.

Enquanto alguns dos originais de Nilsson mostraram sua promessa como um compositor recém-libertado, particularmente um conjunto de canções no lado um - "Don't Forget Me", "All My Life" e "Old Forgotten Soldier" - como sempre, seu verdadeiro talento foi realizado nos esforços que o encontraram interpretando o trabalho de outros. Isso é especialmente verdade em sua versão emocionante do clássico de Jimmy Cliff, “Many Rivers to Cross”, que o encontra chorando com emoção e intensidade irrestritas.

Da mesma forma, “Subterranean Homesick Blues” de Bob Dylan se torna uma gravação selvagem e desequilibrada. Ao contrário, o clássico “Save the Last Dance for Me” é compartilhado com um sentimento e sinceridade claramente iluminados por toda parte. Aqui, novamente, é o romântico Nilsson em sua melhor forma.

O que não ficou imediatamente claro é que o cantor havia rompido as cordas vocais, fato que ele manteve em segredo de Lennon para não forçar o projeto a sair dos trilhos. A tensão é evidente no par de músicas antigas que a dupla optou por incluir no final do álbum, a estridente “Loop De Loop” e “Rock Around the Clock”, a última das quais encontra Ringo, Moon e Keltner atacando em conjunto. com ritmos de ricochete.

No final das contas, Pussy Cats marca o pico final na carreira de Nilsson. Ele continuou fazendo discos, mas nunca mais faria um álbum que ostentasse tanta notoriedade. Quando ele morreu de insuficiência cardíaca em 15 de janeiro de 1994, aos 52 anos, sua voz magnífica foi tristemente silenciada para sempre.

Vídeo Bônus: Assista a um minidocumentário sobre Pussy Cats , postado pelo Harry Nilsson Archive

CRONICA - ABOUT TESS


Beautiful by ABOUT TESScapa do álbum
Beautiful
About Tess Post Rock/Math rock


 Este álbum foi minha primeira experiência com o math-rock japonês. E fiquei realmente impressionado.

Em primeiro lugar, quase fiquei impressionado com o ataque guitarra/bateria/ruídos - rápido, enérgico, frio e quase agressivo - aí estão minhas primeiras impressões desse álbum. Excelente técnica musical, sonoridade industrial nervosa, ruídos caóticos incluídos em difícil estrutura musical.

Você consegue imaginar as peças mais rápidas e pesadas de The Mars Volta tocadas sem influências psicodélicas, mas com um êxtase frio, calculado e perfeitamente organizado? Então você pode entender mais ou menos sobre o que é este álbum.

Após três primeiras canções a tensão diminuiu, o som tornou-se muito mais acústico e melódico, mas as composições ainda permaneceram complexas. A composição mais longa do álbum "I Want to Live in All the Remaining Lives With You" tem melodia cativante, na verdade pop-song, mas bateria extremamente complexa e incomum, mudando essa música para algo muito diferente.

Trabalho bastante incomum, específico e interessante. Pode ser interessante para um círculo mais amplo de ouvintes, não apenas para fãs de rock matemático.

Beautiful by ABOUT TESScapa do álbum
Beautiful
About Tess Post Rock/Math rock


 Brian Eno fez música para aeroportos na década de 1970, então estou surpreso que uma banda levou mais de 30 anos para finalmente criar música para ataques aéreos. Simplificando, TOQUE ESTE ÁLBUM ALTO. Seu pulso vai acelerar, seus ouvidos vão latejar e você vai adorar cada segundo disso. Alguém ordenou Don Caballero em esteróides? Aqui está, na forma de Sobre Tess.

O que mais posso dizer além do frenesi instrumental rápido? Oh espere, há muito mais. As primeiras três músicas são apenas uma rajada violenta de baixo e bateria forte, e como eu disse antes, você pode pensar que é doloroso agora, mas uma ouvida e você vai querer mais. No entanto, Beautiful é verdadeiramente uma obra-prima devido ao seu progresso técnico. Se você não é um grande fã de extremos pesados ​​​​e exagerados, eles aceitarão seu pedido e o atenuarão. Vá para a faixa #4, Sleep Snatchers, e deixe-se levar por uma das melhores aberturas descontraídas e suaves para uma música de Math Rock que você provavelmente já ouviu. Avance para a próxima faixa, I Want To Live In All Remaining Lives With You, e experimente o mesmo, mas com mais calafrios. Aguente firme até os capítulos finais desta música e prepare-se para se surpreender com o feedback de guitarra mais intenso da década. Na última nota, você pode chegar ao final do álbum e pensar consigo mesmo que sente falta do velho About Tess que te embalou na primeira metade do disco, então eles voltarão mais fortes e apertados do que nunca no último faixa, algo como uma orquestra sendo regida por uma banda de thrash metal.

Obra-prima no sentido mais amplo da palavra, e mal posso esperar pelo álbum #2. Desculpe meu trocadilho ruim, mas eu quero viver em todas as vidas restantes com este álbum em minhas mãos.

5 estrelas!



DISCOGRAFIA - AGINCOURT Prog Folk • United Kingdom

 

AGINCOURT

Prog Folk • United Kingdom

Biografia Agincourt
Formado em East Sussex, Reino Unido como um projeto único em 1970

A mistura de John Ferdinando e Peter Howell, dois amigos de infância do vilarejo Ditchling, Sussex, Inglaterra, AGINCOURT não era na verdade uma banda, mas simplesmente um nome entregue ao trio de músicos que a gravaram (Ferdinando e Howell foram acompanhados pela vocalista Lee Menelaus).

Ferdinando e Howell gravaram vários álbuns em Ditchling durante o final dos anos sessenta e início dos anos setenta, período durante o qual eles apareceram às vezes como membros e convidados de vários atos regionais, como MERLIN'S SPELL e THE FOUR MOSKETEERS. Os dois (às vezes com Menelau) também gravaram álbuns sob os nomes ALICE THROUGH THE LOOKING GLASS, ITHACA, AMIGOS e simplesmente FERDINANDO & HOWELL.

Este disco rendeu quantias significativas como uma das mais raras gravações de folk rock do início dos anos setenta, embora a demanda tenha diminuído um pouco quando uma edição não autorizada de CD foi lançada em meados dos anos noventa. Desde então, Acme Lion e Media Arts lançaram versões legítimas em CD e LP com faixas bônus.

A parceria terminou quando Howell conseguiu um cargo como engenheiro da BBC no início dos anos 70, trabalhando, entre outras coisas, em gravações de som para o programa de televisão Doctor Who. Ferdinando acabaria por deixar a música para uma carreira profissional, mas ao longo dos anos apareceu nominalmente ativo em sua cena musical local. Menelaus esporadicamente forneceu vocais para algumas trilhas sonoras e gravações de palavras faladas, mas o AGINCOURT nunca existiu como uma banda adequada além da gravação deste álbum.

AGINCOURT discografia



AGINCOURT top albums (CD, LP, )

3.56 | 21 ratings
Fly Away
1970

Destaque

QUEEN - QUEEN II (1974)

  Queen II é o segundo álbum de estúdio da banda britânica Queen. Seu lançamento oficial aconteceu em 8 de março de 1974, através dos selos...