Fine Young Cannibals' 'The Raw & the Cooked': por um ano, eles nos deixaram loucos

 

Quando o English Beat encerrou o dia em 1983, o dinheiro esperto estava com o cantor Dave Wakeling e o cantor e torradeira Ranking Roger, que, com o ex-membro do Clash Mick Jones e o saxofonista beat jamaicano Saxa, formaram uma nova banda, Público geral. GP lançou seu álbum de estreia, o habilmente intitulado All the Rage , em 1984, e o single, “Tenderness”, disparou para a 27ª posição nos Estados Unidos, levando o álbum à 26ª posição na Billboard .200. A banda foi imediatamente apontada como a verdadeira sucessora do ska de centro-esquerda e politicamente carregado do English Beat. Naquele verão, nas rádios de “rock moderno”, era impossível evitar o público em geral, com faixas como “Cool You're Hot”, “Never You Done That” e a faixa que mais se aproximava das origens ska/dub do Beat, “ Público geral." Foi um momento marcante para a iniciante IRS Records, que até então havia levado os Go-Go's à certificação de platina e ganhou alguma tração inicial com o REM.

Houve um burburinho decididamente menor sobre dois outros membros do Beat: o guitarrista Andy Cox e o baixista David “Shuffle” Steele. Mas a notícia se espalhou rapidamente de que eles começaram uma nova banda chamada Fine Young Cannibals . Muitos fãs do Beat pensaram consigo mesmos: “Boa sorte!” Afinal, as duas vozes distintas do Beat não podiam ser superadas pelo guitarrista e pelo baixista que não cantavam. Eles poderiam?

Demorou um pouco mais para descobrir. E (alerta de spoiler): Sim, eles poderiam e fizeram.
Em 10 de dezembro de 1986, Fine Young Cannibals - seu nome emprestado do filme de 1960 All the Fine Young Cannibals, estrelado por Robert Wagner e Natalie Wood - lançou seu álbum de estreia autointitulado. A faixa principal e primeiro single, "Johnny Come Home", foi a primeira impressão mundial da nova banda. E sim, era possível que a ágil seção rítmica do Beat fosse a última a rir - se, por nenhuma outra razão, a contratação de um cantor indiscutivelmente mais distinto do que a mistura de Wakeling e Roger.

Roland Gift em um evento do Grammy em 1990 (Foto de Alan Light, usada com permissão)

A arma secreta era Roland Gift, então com 24 anos, nascido em Birmingham, Reino Unido, filho de mãe britânica e pai afro-caribenho. Gift havia tocado saxofone em Akrylykz, uma banda de ska de Hull, Reino Unido, que abriu uma das últimas turnês do English Beat. The Beat's Cox e Steele tomaram conhecimento e o convidaram para liderar sua nova banda.

A voz de Gift acabaria sendo descrita por Steve Hochman, do Los Angeles Times, como “empregando o mesmo falsete cativante que Mick Jagger usou com tanto efeito nos discos dos Stones. Claro, quase não há novidade em uma atualização fantástica do soul do Reino Unido e, como o expatriado americano Terence Trent D'Arby, Gift lembra alguns grandes nomes do soul americano - Al Green vem à mente, mas também Otis Redding e Sam Cooke . Mas onde os maneirismos de D'Arby muitas vezes parecem autoconscientes, o deslizar, deslizar e rosnar de Gift têm uma naturalidade própria.

Nada disso diminui a importância da seção rítmica. Andy Cox era um guitarrista rítmico da mesma forma que Steve Cropper era: sobressalente, servindo a música, poucos solos principais. O apelido adequado de David Steele era “Shuffle”, e não havia como negar que suas linhas de baixo se ajustavam à definição Merriam-Webster de shuffle: “tocar algo, como uma dança, com um passo deslizante”. De fato, os movimentos sincronizados de Steele e Cox adicionaram profundidade ao fator uau da voz de Gift. E enquanto Martin Perry tocou bateria no primeiro álbum do FYC, Steele administrou a bateria eletrônica no álbum seguinte da banda, The Raw & the Cooked , lançado em 13 de janeiro de 1989.

O álbum derivou seu título do livro Le Cru et le Cuit (francês para “o cru e o cozido”) do antropólogo francês Claude Lévi-Strauss.

Poucos ouvintes sabem que o álbum Raw & the Cooked , que alcançou o primeiro lugar nos Estados Unidos, Reino Unido e Austrália, foi uma produção bifurcada. Quatro das canções tiveram vida anterior em trilhas sonoras de filmes. A versão da FYC de “Ever Fallen in Love” dos Buzzcocks foi incluída na trilha sonora do filme de Jonathan Demme, Something Wild , de 1986, estrelado por Melanie Griffith e Jeff Daniels. Três outras canções - o hit "Good Thing", "Tell Me What e "Hard As It Is" - foram vistas e ouvidas no filme Tin Men de Barry Levinson de 1987 , as canções interpretadas por Fine Young Cannibals retratando uma banda de boate anônima.

Fine Young Cannibals no Grammy Awards de 1990 (foto de Alan Light, usada com permissão)

Após a gravação e filmagem dessas músicas, a banda entrou em um hiato bastante precoce, no qual trabalhou em projetos paralelos. Gift intensificou sua carreira de ator, aparecendo em filmes como Sammy e Rosie Get Laid (1987) e Scandal (1989); Cox e Steele, nesse ínterim, formaram Two Men, a Drum Machine and a Trumpet, lançando o single acid-house "Tired of Getting Pushed Around" pela IRS Records, que chegou ao 18º lugar no Reino Unido.

Com o tempo, tanto a London Records (o selo da banda no Reino Unido) quanto a MCA Records (que distribuía e comercializava o IRS e assumiu um papel maior na promoção da banda) exigiram um novo álbum finalizado. A banda sugeriu alguns produtores possíveis, implorando à MCA que pedisse a Prince para produzir as faixas restantes. A resposta de Paisley Park foi que o Purple One, via de regra, não fazia produções externas. Mas… ele, por sua vez, sugeriu que a gravadora contatasse David Z, um produtor de sucesso que era irmão de Bobby Z, do Prince's Revolution. A gravadora também sugeriu que a banda britânica viajasse para Paisley Park, em Minneapolis, para gravar sem as distrações do dia a dia. Mas havia outras distrações, como a observação curiosa da banda de que todo mundo em Minnesota era loiro e bufante - em total contraste com seus próprios cortes de cabelo pós-punk.

David Z explica: “Enquanto trabalhava em Los Angeles, conheci Roger Ames, o chefe da London Records na época. Ames disse que eles não conseguiram se reunir para terminar o álbum, embora morassem na mesma cidade, então isolá-los em Minneapolis os faria trabalhar e concordar com a música. Prince tinha acabado de construir os estúdios Paisley Park em Minneapolis e eu estava tentando trazer artistas para gravar lá. Roger disse que estava interessado em que eu produzisse o próximo disco do FYC. Eu adorei o primeiro álbum deles com 'Johnny Come Home' - e eles não eram o tipo de ritmo e blues que eu tinha feito antes. Eu amava todas as coisas punk R&B vindas da Inglaterra como Gary Numan e Thomas Dolby, Soft Cell. Os Cannibals - Roland, Andy e David - me enviaram músicas por e-mail por algumas semanas e decidimos fazer uma lista.

Uma música foi intitulada “She's My Baby”, que David Z adorou. A banda, no entanto, parecia menos entusiasmada: “Quando eles disseram que era lixo e queriam jogá-la fora, eu disse a eles que não gostaria de trabalhar com eles a menos que fizéssemos aquela música”, disse Z, “Eles reformularam a letra e veio com 'She Drives Me Crazy'. Todo mundo que conheço poderia se sentir assim - e se sentiu.

A música, o primeiro single de The Raw & the Cooked , acabou alcançando a posição # 1 na Billboard Hot 100, e no Reino Unido, Austrália, Áustria, Canadá, Espanha e em todas as paradas de dance music.

Muito do sucesso da música foi o som da bateria, realizado quando Z cortou a caixa separadamente. Como Z disse à Mix , a revista de gravação de estúdio, em 2001, “Musicalmente, a música é uma celebração do espaço entre as partes”, disse ele, “e as partes são todas projetadas para serem compactas e funk-like em sua precisão, mas com rock sons agudos, como o violão distorcido que funciona como um contraponto à melodia vocal e o falsete flutuante de Gift.” AllMusic chamou de "a combinação de batida / riff mais exclusiva e instantaneamente identificável da década".

Z ainda reflete sobre a peregrinação da FYC ao coração da América: “Quando eles desceram do avião de Londres para Minneapolis, eles estavam em choque cultural. O estilo e o clima nas duas cidades eram bem diferentes em 1988. Eles estavam no limite do movimento punk-rock e o meio-oeste era principalmente a América conservadora. Prince estava chocando o mundo da música em Minneapolis, então, para eles, valia a pena tentar.”

De acordo com Z, Roland Gift trouxe consigo um saco de cinco libras de arroz integral porque não achava que alimentos saudáveis ​​estariam disponíveis nos Estados Unidos.

“Paisley Park e seu hotel estavam fora do país naquela época. Eu até os fiz comer um bife uma noite,” Z ri. “Sem distrações, terminamos e mixamos a gravação em dois meses. Levei todos eles uma noite para um show no centro da cidade; eles ficaram surpresos ao ver como as pessoas agiam e se vestiam de maneira diferente. O isolamento [de Paisley Park] permitiu que nos concentrássemos totalmente em fazer música.”

"Good Thing" foi o segundo single do álbum, retirado da aparição de FYC em Tin Men, um filme ambientado em 1963 em Baltimore no qual Richard Dreyfuss e Danny DeVito interpretaram vendedores rivais. O single alcançou a posição # 1 na Billboard Hot 100. Ele apareceu em vários filmes e comerciais nas décadas desde o lançamento do single em abril de 1989. Stereogum observou: “A voz de Gift é um grito de dor e delírio. Ele parece desolado, mas ainda tem arrogância - tanto, na verdade, que não é uma grande surpresa quando a garota retorna no final da música.

Lançada como o terceiro single foi "Don't Look Back", produzida por David Z, que à primeira vista é a música mais rock 'n' roll em um álbum construído sobre grooves e batidas - com o riff de guitarra folk-rock de Cox, pode-se imaginá-la como uma canção de Byrds. Mas Gift dá seu melhor vocal soul - Sam Cooke vem à mente. O terceiro single de The Raw & The Cooked chegou ao 11º lugar na Billboard Hot 100. O quarto e último single foi "I'm Not the Man I Used to Be", utilizando uma amostra de bateria de "Funky" de James Brown. Baterista." Enquanto entrou no top 10 nas paradas de dança, estagnou em # 54 na parada de singles da Billboard .

Outra música digna de nota é o cover do álbum, “Ever Fallen in Love”, dos Buzzcocks, uma co-produção de Jerry Harrison, do Talking Heads, e os membros do FYC. A música se encaixou no estonteante filme de estrada de $ 7 milhões. Mas, colocado como o álbum mais próximo, possivelmente foi considerado muito diferente dos originais da banda para caber em outro lugar na sequência.

Embora lançado 10 meses antes das pesquisas de final de ano, The Raw & the Cooked ficou em 13º lugar na pesquisa dos críticos do Village Voice Pazz & Jop daquele ano , "Good Thing" foi votado em 4º lugar no top singles. O álbum recebeu uma indicação ao Grammy de prestigioso Álbum do Ano.

No final das contas, tornou-se um dos álbuns mais vendidos nos 14 anos de história do IRS, outro álbum de platina da gravadora que quebrou o Go-Go's e o REM.

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Foto promocional (da página da banda no Facebook)

Este escritor estava deixando um cargo de quatro anos na IRS Records como a gravadora, que, em parceria com a distribuidora MCA, havia iniciado sua configuração para este álbum. A banda foi mantida à distância do selo americano, que era essencialmente um licenciado do proprietário do repertório, a London Records. Lembro-me de conversar com o severo empresário da banda nos Estados Unidos e inocentemente perguntar a ele como os Cannibals estavam. Sua resposta concisa: “Eles estão chateados.” Irritado? Sobre o que? Airplay? Raves críticos? Ação do clube de dança? (Esse gerente faleceu cerca de uma década depois, e nunca consegui esclarecer essa conversa com ele.)

Ou talvez eles estivessem chateados com o nível de expectativa da gravadora. Dê a uma gravadora um álbum nº 1 e de repente eles querem Thriller ou Rumours .

No entanto, talvez houvesse mais em “irritado” do que nós da gravadora fomos levados a acreditar; Fine Young Cannibals nunca gravou outro álbum. Como Gift disse a um repórter do jornal britânico Harrogate Advertiser , “Eles ficavam nos dizendo que nosso próximo disco tinha que ser ainda maior, o que era realmente estúpido. Essa foi uma das principais coisas que o mataram para mim.

A banda gravou uma música final, "The Flame", para um álbum de compilação de 1992 intitulado The Finest . O IRS lançou uma compilação dance mix de canções Raw & Cooked chamada The Raw & the Remix . E o som de bateria único de “She Drives Me Crazy” sobreviveu em comerciais, principalmente via Pepsi, que supostamente não compensou a banda pelas batidas.

Não se pode deixar de sentir que Fine Young Cannibals pode ter se tornado uma fonte contínua de música, independentemente de terem superado ou não o sucesso de seu segundo e último álbum. Sempre haveria um mercado para vozes emocionantes e batidas pulsantes. Além disso, percebe-se que essa banda não era composta de tipos imutáveis; pode ter facilmente desenvolvido seu som à vontade.

Mas por um ano inteiro, 1989, eles nos deixaram loucos... como ninguém. E nós não poderíamos nos ajudar.

Assista Fine Young Cannibals tocar “She Drives Me Crazy” em 1989

Legado country-rock de Poco: “Deliverin'”, com um galope

Enquanto os Byrds e os Flying Burrito Brothers se qualificam como os principais impulsionadores da ascensão do country rock no final dos anos 1960, o papel de Poco na formação do gênero merece uma segunda olhada. Surgindo das cinzas de Buffalo Springfield, os primeiros discos do quinteto tiveram vendas modestas, mas no palco eles foram uma força desde o início, conforme capturado por seu terceiro álbum e primeira gravação ao vivo, Deliverin', lançado em 13 de janeiro de 1971 .

Inicialmente batizando-se com o nome do icônico personagem de quadrinhos de Walt Kelly, Pogo, a banda fez sua estreia ao vivo três meses após o lançamento do seminal Sweetheart of the Rodeo dos Byrds e três meses antes da estreia dos Burritos, The Gilded Palace of Sin. “Se é possível dizer que algum evento incendiou a cena country-rock de Los Angeles, foi o show de estreia de Pogo no Troubadour em novembro de 1968”, escreve Barney Hoskyns em Hotel California ,sua história definitiva da cena folk-rock do sul da Califórnia nos anos 60 e 70. Tocando à vista de Linda Ronstadt, Rick Nelson e outros luminares que compartilhariam as influências do country, eles tocaram “um conjunto compacto e efervescente tão bom quanto qualquer desempenho que o Buffalo Springfield havia feito”, de acordo com Hoskyns.

Pogo, o desenho animado homônimo usado por Poco em sua estreia histórica em 1968. Quando o cartunista Walt Kelly ameaçou processar, Poco nasceu

Durante as sessões do álbum final da banda, o co-fundador do Buffalo Springfield, Richie Furay, e Jim Messina, o baixista de Springfield que produziu o set, recrutou o guitarrista de aço Rusty Young para tocar em “Kind Woman” de Furay, a peça mais influenciada pelo country do álbum. Com o fim da banda, o trio formou o núcleo da nova banda, adicionando o baixista Randy Meisner e o baterista George Grantham e ganhando não apenas uma seção rítmica, mas mais dois cantores, lançando assim as bases para o músculo coral que se tornaria uma marca registrada.

Poco (como eles se renomeariam após ameaças legais de Kelly) se solidificou rapidamente. Com Furay na guitarra base, os cabos de Telecaster de Messina responderam ao virtuoso pedal steel e Dobro de Young. Se os Byrds e Burritos deram substância country-rock, Poco ajudou a afinar seu estilo com um som ao vivo forte que moveu o fulcro do gênero de Nashville para Bakersfield - country e western, enfatizando o sotaque mais enxuto da Califórnia .

Este anúncio do álbum apareceu na edição de 23 de janeiro de 1971 da Record World

A formação do Poco ocorreu em um ponto de inflexão da influência do country no rock. Além dos Byrds e dos Burrito Brothers, o ex-vocalista dos Byrds, Gene Clark, Bob Dylan, Beau Brummels e Everly Brothers, todos usaram elementos country entre 1967 e 1968, com o ritmo dos lançamentos de country rock acelerando em 1969 com a estreia dos Burritos, Dr. Byrds & Mr. Hyde dos Byrds e Nashville Skyline de Dylan antes do primeiro álbum de estúdio de Poco em maio. O empresário David Geffen conseguiu um contrato com a Epic Records, libertando Furay de seus laços com a Atlantic Records em uma troca que permitiu a Graham Nash deixar suas obrigações com a gravadora, por meio dos Hollies, e se juntar a David Crosby e Stephen Stills na Atlantic.

Pickin' Up the Pieces foi uma introdução animada ao modo de tocar polido de Poco, sua música-título uma declaração de missão para o "pequeno pouco de magia" do country rock impregnado de nostalgia em uma época em que a contracultura estava lutando contra a agitação política em casa e uma guerra impopular em Vietnã. O quinteto evitou esses tópicos mais sombrios para se concentrar em originais melódicos e ensolarados com letras mais seguras (se anódinas). Nos bastidores, eles eram menos alegres: a tensão sobre o domínio de Furay como compositor e a mão orientadora de Messina como produtor fraturou o grupo nascente antes que pudesse terminar o álbum, com Meisner se rebelando quando foi excluído das sessões finais de mixagem. Meisner saiu antes de seu lançamento, suas partes de baixo e backing vocals mantidos e os vocais principais apagados e substituídos por novos leads de George Grantham.

Poco em 1970 (LR): Schmit, Grantham, Young, Furay e Messina

Furay e Messina perderam pouco tempo substituindo Meisner por Timothy B. Schmit, cuja frota, baixo melódico e vocais de alto tenor trouxeram um ajuste perfeito no palco e em seu segundo álbum de estúdio autointitulado um ano depois.

Foi essa formação que foi gravada em shows consecutivos no Boston Music Hall e no Felt Forum de Nova York em 22 e 23 de setembro, respectivamente.

Deliverin' abre a galope com “I Guess You Made It”, apresentando o pedal steel metamorfo de Young, aqui roteado através de um gabinete de alto-falante Leslie para emular um órgão Hammond B-3. Como o tocador de aço dos Burritos, “Sneaky Pete” Kleinow, Young astutamente mistura técnica clássica de aço com efeitos de rock. Tanto o ritmo acelerado quanto o zelo vocal da banda são características que se repetem ao longo do set, com Poco notável por seus gritos espontâneos mais próximos dos dias da Invasão Britânica do que o típico da época.

Refletindo tanto a produção prolífica de composições de Furay quanto a confiança da banda em lançar material na estrada, o álbum inclui mais três canções inéditas, enquanto dedica as outras quatro faixas a trabalhos mais familiares, começando com uma performance lenta de "Kind Woman", a A pista de Springfield que primeiro uniu Furay, Messina e Young. Uma balada quente em tempo de valsa, a música oferece um respiro entre as canções uptempo e medleys que dominam seu set.

O primeiro medley do álbum combina uma nova música de Schmit, “Hard Luck”, com “A Child's Claim to Fame” de Furay, apresentada em Buffalo Springfield Again , e sua faixa-título para o álbum completo de estreia do Poco. Uma prova do comando técnico de Young, seu trabalho em Dobro aqui não dá espaço para a visão de estúdio de James Burton sobre a perene Springfield.

Com as faixas de seu segundo álbum de estúdio ainda circulando nas listas de reprodução de FM, a banda atualiza uma das canções mais bem recebidas de Poco , “You Better Think Twice” de Messina (aqui listada como “You'd Better Think Twice”) mudando do figuras principais elétricas afiadas Messina tocou no estúdio com um acústico definindo suas bandeiras de introdução faladas como "para baixo em casa", com Young se mudando para Dobro em vez de aço.

Para a faixa de encerramento do álbum, a banda revisita três das canções do álbum de estreia em um medley enquadrando o animado pedal steel instrumental de Rusty Young, “Grand Junction”, com mais dois originais de Furay, “Just in Case it Happens, Yes Indeed” e “Consequently , Contanto."

Em seus vigorosos 39 minutos, Deliverin ' mantém um toque mais leve do que os roqueiros mais inclinados ao blues daquela época, consistentemente elevando as harmonias vocais graças à facilidade de Schmit e Furay em deslizar para tons de cabeça em falsete. Juntamente com a destreza instrumental da banda, esse estilo foi o que galvanizou aquele primeiro público no Troubadour e continuaria a ser uma marca registrada da banda e uma influência sobre colegas e sucessores como Pure Prairie League, Firefall e Eagles.

O fato de o Deliverin' transmitir sua potência como uma banda ao vivo foi corroborado pelas vendas que ultrapassaram com folga seus dois álbuns de estúdio, alcançando a 26ª posição na parada de álbuns e rendendo um hit menor em “C'mon” que validou sua confiança em enfatizar o novo material em vez de faixas conhecidas do álbum. Mas disputas internas interromperiam novamente o impulso de Poco, desta vez entre Furay e Messina, que se irritou com o controle de Furay, deixando a banda menos de um mês depois daqueles shows ao vivo para fazer parceria com um mais complacente Kenny Loggins e legar sua posição em Poco para Illinois Paul Cotton, ex-aluno da Speed ​​Press.

O compromisso constante de Young com a banda forneceria a constante que permitiu a Poco se tornar uma das mais antigas bandas de country rock, com sede no Colorado, onde o californiano nativo foi criado.

Furay permaneceria com a banda por mais três álbuns, saindo em 1973 para se juntar a JD Souther e Chris Hillman na malfadada Souther Hillman Furay Band, enquanto Schmit sairia quatro anos depois para se juntar aos Eagles, substituindo Meisner pela segunda vez.

O álbum de maior sucesso de Poco veio um ano depois, com Legend de 1978 colhendo o perfil de sucesso pelo qual Furay e Messina ansiavam. Seu grande sucesso foi “Crazy Love”, escrita e cantada por Young, o último sobrevivente da banda original. A persistência de Young permitiria que Poco sobrevivesse às mudanças subsequentes de gravadora e formação, garantindo a introdução da banda no Colorado Music Hall of Fame em 2015, dois anos após a aposentadoria formal de Young.

Assista Poco dublar “You Better Think Twice” em um programa de TV de 1970

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DE Under Review Copy (ANTÓNIO OLAIO & JOÃO TABORDA)

 

ANTÓNIO OLAIO & JOÃO TABORDA

A dupla António Olaio e João Taborda é formada em 1994. Sendo o primeiro artista plástico e músico, e o segundo músico e investigador científico, o duo procura explorar as potencialidades do formato guitarra e voz, assumindo-se simplesmente como compositores de canções. Partilhando a autoria dos temas, António Olaio, na voz, e João Taborda, na guitarra, criam universos virtuais, que parecem, ao mesmo tempo, surreais e familiares.. Após a edição do fantástico primeiro disco dos Repórter Estrábico, António Olaio, seu vocalista e mentor, estabeleceu-se em Coimbra e com o patrocínio da conimbricence Lux Records, juntou-se a João Taborda com vista à criação do projecto "Loud Cloud". O grupo nasceu em Outubro de 1994 e pouco tempo depois já tinha disco editado. Antes, o artista plástico lançara "Post-Nuclear Country", um vídeo de canções que acompanhava a exposição homónima realizada na Galeria Monumental. As letras e melodias deste trabalho foram construídas por Olaio sobre fundos instrumentais de velhos discos sendo que os títulos das diversas faixas eram iguais aos dos quadros da mostra. João Taborda, guitarrista e compositor numa vertente de criador de temas para viola com estrutura clássica, fôra um antigo elemento dos Ela e os Coisos, grupo cujo maior feito havia sido uma ida ao mítico Rock Rendez Vous e um terceiro lugar numa mostra de música moderna portuguesa realizada em Coimbra em 1989. Olaio nasceu em 1963, em Sá da Bandeira, Angola, e destaca-se como músico nos Repórter Estrábico (de que foi vocalista entre 1987 e 1991). Como artista plástico, apresentou-se em diversas exposições individuais e colectivas, dentro de Portugal e no Estrangeiro, merecendo destaque a menção especial do júri do Prémio Acarte/Madalena de Azeredo Perdigão por um espectáculo de música/performance com João Taborda, bem como o Prémio Repsol, com os arquitectos Desirée Pedro e Carlos Antunes, pela peça escultórica criada para a estação de serviço de Penafiel. Quanto a Taborda, nasce em 1970, e é licenciado em Biologia e doutorado pela Universidade de Harvard em Biologia Celular e Molecular.

DISCOGRAFIA

 
LOUD CLOUD [CD, Lux Records, 1996]

 
WHAT HAPPENED TO HENRI MATISSE? [CD Single, Lux Records, 1999]

 
SIT ON MY SOUL [CD, Lux Records, 2000]

 
BLAUPUNKT BLUES [CD, Lux Records, 2007]

COMPILAÇÕES

 
10 ANOS SEMPRE NO AR [CD, Lux Records, 1996]

 
PRIMEIRO GRITO [CD, Coimbra B, 1997]

 
TURBULÊNCIA [CD, Nortesul, 1999]

 
PRESS ON 02 [CD, Nortesul, 2000]

 
UMA OUTRA HISTÓRIA [CD, FNAC, 2005]

Crítica ao disco de Focus - 'Focus 11' (2019)

Focus - 'Focus 11'

(25 de janeiro de 2019, In ​​And Out Of Focus Records)

Hoje temos o prazer de apresentar o  álbum dos eternos heróis holandeses do rock progressivo FOCUS., que se intitula “Focus 11” e foi publicado pela gravadora In And Out Of Focus Records (propriedade da banda) no dia 25 de janeiro. Com a nova formação estável do veterano permanente Thijs van Leer [órgão Hammond, teclados, flauta, vocoder e vocais], Menno Gootjes [guitarras], Udo Pannekeet [baixo] e o lendário Pierre van der Linden [bateria e percussão], o coletivo de FOCUS dá uma reviravolta refrescante em seu próprio paradigma progressivo. O repertório contido em "Focus 11" inclui um par de temas já antecipados no seu anterior trabalho de estúdio, o álbum duplo "The Focus Family Album", editado no segundo semestre de 2017 no âmbito de uma digressão mundial. naquela época. Na verdade, não é o álbum de estúdio nº 11, mas tem uma peça chamada 'Focus 11' e, além disso, seu repertório é composto por onze canções: já essas onze soam como uma declaração de princípios, ha ha ha. Bom, todas essas músicas foram compostas por Van Leer com exceção da nona, que é do mais novo integrante, o baixista Pannekeet (não novato, pois já tem uma experiência considerável nas cenas de jazz e rock de seu país). . Podemos antecipar que este álbum nos parece muito criativo e muito inspirado, tanto quanto o álbum "New Skin" de 2006 e um pouco mais que "Focus X" (2012). As sessões de gravação foram distribuídas em vários momentos em 2017 e 2018, em vários locais: E-Sound Studio, Skystudio e Wedge View Studios. Como em alguns álbuns anteriores, a arte gráfica ficou a cargo de Roger Dean, nada mais e nada menos. Bem, agora vamos ver os detalhes desse disco, certo? seu repertório é composto por onze canções: já esta onze soa como uma declaração de princípios, ha ha ha. Bom, todas essas músicas foram compostas por Van Leer com exceção da nona, que é do mais novo integrante, o baixista Pannekeet (não novato, pois já tem uma experiência considerável nas cenas de jazz e rock de seu país). . Podemos antecipar que este álbum nos parece muito criativo e muito inspirado, tanto quanto o álbum "New Skin" de 2006 e um pouco mais que "Focus X" (2012). As sessões de gravação foram distribuídas em vários momentos em 2017 e 2018, em vários locais: E-Sound Studio, Skystudio e Wedge View Studios. Como em alguns álbuns anteriores, a arte gráfica ficou a cargo de Roger Dean, nada mais e nada menos. Bem, agora vamos ver os detalhes desse disco, certo? seu repertório é composto por onze canções: já esta onze soa como uma declaração de princípios, ha ha ha. Bom, todas essas músicas foram compostas por Van Leer com exceção da nona, que é do mais novo integrante, o baixista Pannekeet (não novato, pois já tem uma experiência considerável nas cenas de jazz e rock de seu país). . Podemos antecipar que este álbum nos parece muito criativo e muito inspirado, tanto quanto o álbum "New Skin" de 2006 e um pouco mais que "Focus X" (2012). As sessões de gravação foram distribuídas em vários momentos em 2017 e 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princípios, ha ha ha. Bom, todas essas músicas foram compostas por Van Leer com exceção da nona, que é do mais novo integrante, o baixista Pannekeet (não novato, pois já tem uma experiência considerável nas cenas de jazz e rock de seu país). . Podemos antecipar que este álbum nos parece muito criativo e muito inspirado, tanto quanto o álbum "New Skin" de 2006 e um pouco mais que "Focus X" (2012). As sessões de gravação foram distribuídas em vários momentos em 2017 e 2018, em vários locais: E-Sound Studio, Skystudio e Wedge View Studios. Como em alguns álbuns anteriores, a arte gráfica ficou a cargo de Roger Dean, nada mais e nada menos. Bem, agora vamos ver os detalhes desse disco, certo? Todas essas músicas foram compostas por Van Leer com exceção da nona, que é do mais novo integrante, o baixista Pannekeet (não novato, pois já tem bastante experiência nas cenas de jazz e rock de seu país). Podemos antecipar que este álbum nos parece muito criativo e muito inspirado, tanto quanto o álbum "New Skin" de 2006 e um pouco mais que "Focus X" (2012). As sessões de gravação foram distribuídas em vários momentos em 2017 e 2018, em vários locais: E-Sound Studio, Skystudio e Wedge View Studios. Como em alguns álbuns anteriores, a arte gráfica ficou a cargo de Roger Dean, nada mais e nada menos. Bem, agora vamos ver os detalhes desse disco, certo? Todas essas músicas foram compostas por Van Leer com exceção da nona, que é do mais novo integrante, o baixista Pannekeet (não novato, pois já tem bastante experiência nas cenas de jazz e rock de seu país). Podemos antecipar que este álbum nos parece muito criativo e muito inspirado, tanto quanto o álbum "New Skin" de 2006 e um pouco mais que "Focus X" (2012). As sessões de gravação foram distribuídas em vários momentos em 2017 e 2018, em vários locais: E-Sound Studio, Skystudio e Wedge View Studios. Como em alguns álbuns anteriores, a arte gráfica ficou a cargo de Roger Dean, nada mais e nada menos. Bem, agora vamos ver os detalhes desse disco, certo? o baixista Pannekeet (não novato, pois já tem uma experiência considerável nas cenas de jazz e rock de seu país). Podemos antecipar que este álbum nos parece muito criativo e muito inspirado, tanto quanto o álbum "New Skin" de 2006 e um pouco mais que "Focus X" (2012). As sessões de gravação foram distribuídas em vários momentos em 2017 e 2018, em vários locais: E-Sound Studio, Skystudio e Wedge View Studios. Como em alguns álbuns anteriores, a arte gráfica ficou a cargo de Roger Dean, nada mais e nada menos. Bem, agora vamos ver os detalhes desse disco, certo? o baixista Pannekeet (não novato, pois já tem uma experiência considerável nas cenas de jazz e rock de seu país). Podemos antecipar que este álbum nos parece muito criativo e muito inspirado, tanto quanto o álbum "New Skin" de 2006 e um pouco mais que "Focus X" (2012). As sessões de gravação foram distribuídas em vários momentos em 2017 e 2018, em vários locais: E-Sound Studio, Skystudio e Wedge View Studios. Como em alguns álbuns anteriores, a arte gráfica ficou a cargo de Roger Dean, nada mais e nada menos. Bem, agora vamos ver os detalhes desse disco, certo? tanto quanto o álbum "New Skin" de 2006 e um pouco mais que "Focus X" (2012). As sessões de gravação foram distribuídas em vários momentos em 2017 e 2018, em vários locais: E-Sound Studio, Skystudio e Wedge View Studios. Como em alguns álbuns anteriores, a arte gráfica ficou a cargo de Roger Dean, nada mais e nada menos. Bem, agora vamos ver os detalhes desse disco, certo? tanto quanto o álbum "New Skin" de 2006 e um pouco mais que "Focus X" (2012). As sessões de gravação foram distribuídas em vários momentos em 2017 e 2018, em vários locais: E-Sound Studio, Skystudio e Wedge View Studios. Como em alguns álbuns anteriores, a arte gráfica ficou a cargo de Roger Dean, nada mais e nada menos. Bem, agora vamos ver os detalhes desse disco, certo?

Ocupando um espaço de quase 5 minutos e meio, 'Who's Calling?' apresenta uma exibição sólida de musicalidade refinada por meio de uma engenharia viva e colorida, agilmente instalada no topo de um enredo extrovertido. Originalmente concebido para o álbum de 1985 da dupla JAN AKKERMAN & THIJS VAN LEER (intitulado "Focus"), o atual quinteto reformulou drasticamente o que inicialmente era um exercício de caloroso langor romântico em algo completamente oposto, algo marchante e extrovertido. Com o papel principal da guitarra, agora a peça se situa na encruzilhada entre 'Haren Scarem' e 'Rock & Rio' com base em um fabuloso swing jazz-rocker: Van der Linden não demorou um segundo para mostrar ao ouvinte que continua a ser uma força rítmica da natureza nesta fase septuagenária da sua vida. A segunda faixa do álbum é intitulada 'Heaven' e graciosamente fica em uma confluência de jazz-rock e barroco dentro de uma arquitetura sinfônica solvente. A imponência com que a flauta complementa algumas linhas de guitarra e certas passagens da rica mistura de teclados é um indicativo de como se pode continuar a criar detalhes e ideias cheias de frescura a partir dos fundamentos do antigo paradigma progressivo FOCUS. Seu charme e alegria são tão contagiantes que gostaríamos que ele durasse um pouco mais... mas ele está bem do jeito que está. A seguinte dupla de 'Theodora Na Na Na' e 'How Many Miles?' continua a direcionar a banda para uma exibição generosa de ambientes razoavelmente variados. 'Theodora Na Na Na' expõe, através do seu simples motivo central, um clima nostálgico e envolvente que, de certa forma, é geminada com a faceta mais serena de um PAT METHENY. A sua placidez outonal é tratada com a devida suavidade, sem sacrificar a força expressiva que, afinal, é essencial para criar uma auréola arrogante adequada. De sua parte, 'Quantas milhas?' concentra-se numa atitude mais leve, apelando a um espírito próximo do rock clássico, como um cruzamento entre TRAFFIC e ATOMIC ROOSTER. O solo de guitarra e os floreios de flauta são ótimos. na forma de um cruzamento entre TRAFFIC e ATOMIC ROOSTER. O solo de guitarra e os floreios de flauta são ótimos. na forma de um cruzamento entre TRAFFIC e ATOMIC ROOSTER. O solo de guitarra e os floreios de flauta são ótimos.

'Mazzel' é caracterizado por estabelecer um groove complexo para uma ideia básica centrada na confluência da sinfonia e do jazz-rock, adicionando toques de fusão coloridos à estrutura sonora em andamento. A inclusão de esquemas rítmicos inusitados no desenvolvimento temático funciona como um recurso de sofisticação muito eficaz para Van Leer, van der Linden e seus comparsas materializarem um dos exercícios de rock mais majestosos de sua discografia do novo milênio. Ponto culminante decisivo deste disco, não temos dúvidas. 'Winnie e 'Clair-Obscur' (ambas composições de Van Leer) são duas faixas já antecipadas no “The Focus Family Album” que coincidem na exploração da dimensão mais serena da ideologia artística do FOCUS. Aqui eles já estão preparados com suas mixagens finais, carregando um som mais cheio do que naquelas primeiras versões. O primeiro destes temas apresenta um esquema melódico jazzístico onde a harmonização entre piano, guitarra e baixo é simplesmente magistral; o segundo, por sua vez, mostra uma espiritualidade outonal e etérea, cheia de um calor misterioso. No meio delas está 'Palindrome', deparamo-nos com um novo exercício de glória musical focusiana de onde a colheita de 'Mazzel' é recolhida com uma dose semelhante de inspiração robusta. Em meio a esse equilíbrio perfeito entre sofisticação e maestria, a bateria do maestro Van der Linden se destaca bastante, tecendo sólidos elos, simultaneamente, com as vibrantes linhas de baixo e com os básicos riffs de guitarra. A inclusão de um par de passagens cerimoniosas ao longo do majestoso esquema temático é um detalhe fundamental para realçar a luminosidade essencial deste outro tema particularmente proeminente do disco. 'Mare Nostrum' começa com uma aura de calma diáfana e lânguida que aponta claramente para o contemplativo: este é o extenso prólogo que dura quase dois minutos, quando as coisas dão uma guinada drástica para um charmoso e virtuoso exercício de vigoroso jazz-rock com nuances de progressivos que tornam o grupo holandês gêmeo com o legado inesquecível de alguns RETURN TO FOREVER. A guitarra de Gootjes domina os locais com uma musculatura requintada, enquanto a bateria garante que o bloco geral de músicos permaneça consistente através do brilho musical contínuo.

Apesar do que possa parecer pelo título, quando chega a vez de 'Final Analysis', ainda não chegamos ao final do álbum. Este tema tem certa afinidade com a quarta peça do álbum, preservando boa parte da distinção vitalística típica da faceta jazz-rock da banda. Os últimos 6 minutos mais ou menos do álbum são ocupados pela peça justamente intitulada 'Focus 11', uma beleza de tema que remodela aquela forma muito especial que o grupo sempre teve de combinar requinte sinfônico e fluidez jazzística flutuante em suas composições mais reflexivas . O que aqui predomina é um clima introspectivo, embora também se incluam algumas passagens maneiristas onde se reflete uma jovialidade à vontade, sempre sob a orientação dos teclados e com a guitarra a assumir a maior parte do peso temático. Por vezes a flauta aparece para realçar algumas passagens do cativante esquema melódico criado para a ocasião. Tudo isso foi oferecido em "Focus 11", um álbum que mostra FOCUS em um estado solvente de graça criativa: como dissemos nas passagens iniciais desta crítica, FOCUS dá ampla evidência de sua capacidade de dar nova vida ao mais essencial dimensão de seu paradigma progressivo tanto em termos de gestação de músicas interessantes quanto de elaboração de arranjos instrumentais sólidos. É um recorde vencedor. FOCUS dá ampla evidência de sua capacidade de dar nova vida à dimensão mais essencial de seu paradigma progressivo, tanto em termos de produção de música interessante quanto de criação de arranjos instrumentais sólidos. É um recorde vencedor. FOCUS dá ampla evidência de sua capacidade de dar nova vida à dimensão mais essencial de seu paradigma progressivo, tanto em termos de produção de música interessante quanto de criação de arranjos instrumentais sólidos. É um álbum vencedor.