Biografia de Eduardo Aguillar Eduardo AGUILLAR, do Rio de Janeiro, Brasil, estudou música quando criança, eventualmente aprendendo teoria musical e violão clássico na Escola de Música Villa-Lobos, e composição e regência na Universidade Estácio de Sá. Como multi-instrumentista, executando todas as partes de sua música, AGUILLAR cita influências de muitos dos clássicos do rock progressivo e artistas instrumentais, como ELP, YES, PINK FLOYD, LE ORME, PFM, VANGELIS, para citar apenas alguns. .
Biografia de Ildefonso Aguilar Não apenas um artista eletrônico, mas também um fotógrafo e pintor dedicado, ILDEFONSO AGUILAR parece afirmar um pequeno pioneirismo tardio na música eletrônica espanhola com apenas um álbum, "Erosion" (lançado em 1978, mais tarde refeito em uma música mais completa). Após estudar Artes Belas e Aplicadas, faz diversas experimentações audiovisuais e, entre 1978 e 1980, realiza impressões e registros de viagens realizadas por diversos países. Sua devoção nesta invenção vai para a maquinaria eletrônica suave, bem como para a masterização de guitarra. Dedicado, a partir de 1986, apenas à atividade artística, a sua pouco alcançada produção discográfica torna-se paliada, apesar de ser um fan artist e de ser o colaborador com os trabalhos mais impulsionadores do festival de Música Visual, que se celebra desde 1989, e isso acontece em cenas naturais de sua ilha natal, Lanzarote. (e que, embora não seja um concurso centrado exclusivamente na música electrónica, tem acolhido músicos da envergadura de Constance Demby, Steve Roach, Robert Rich ou Brian Eno). Ele também apareceu, recentemente, em um amplo álbum de colaboração de Russell Mills, ao lado de nomes reais (leia-se: imponentes).
Os estudos de Ildefonso Aguilar interagem com o convincente natural, abrangendo o motemp sonoro ou o sintetismo analógico. Se sua fotografia tem apelo paisagístico, ortográfico e consumatório, a partitura também é capaz de, em geral, espirar trabalho plácido, beleza e sensibilidade, privacidade rescrita, bela elevação na impressão. É tido como uma obra antiga e de música ambiente rarefeita e isolacionista. Também como ponto conceitual do eletronismo em oposição a um veio rochoso real e verdadeiro. A música cósmica revela um solvente de sintetizador sinfônico solto. Místico, instrumental de uma nova atitude compulsória e de tom ober. Dentro da lógica, “Erosão” pode ser concebida como conceito de flagrante afinidade. A aventura aventureira do sintetizador recomenda, de alguma forma impecável, notas de sabor residual drone ou omuses naturais como Edgar W.
Ildelfonso Aguilar parece ao mesmo tempo o artista completo e a personalidade com coração de artista. No curto prazo da música, o seu álbum é o resultado concreto dos seus estudos, dedicados equivocadamente ao paisagismo, à descoberta do ambiente dentro do mundo, à medição das escalas de um fade musical. Seu álbum é raro, conseqüentemente intencional.
Liricamente, a música descreve a vida de uma menina que “nasceu no vagão de um show itinerante”, e contém temas de racismo, gravidez na adolescência e prostituição.
Criticamente, "Gypsys, Tramps & Thieves" foi recebido com apreço desde o seu lançamento. Isso rendeu a Cher sua primeira indicação ao Grammy na categoria Melhor Performance Vocal Pop Feminina.
Comercialmente, tornou-se seu primeiro single solo # 1 na Billboard Hot 100 dos EUA e no Canadian Singles Chart, enquanto alcançava o Top 5 na Austrália, Irlanda, Nova Zelândia e Reino Unido.
Foi o primeiro single de um artista solo a ficar em primeiro lugar na parada Billboard Hot 100 dos EUA, ao mesmo tempo que na parada de singles canadense.
Kiss (estilizado como KI ϟϟ) é uma banda de rock americana formada na cidade de Nova York em 1973 por Paul Stanley (vocal, guitarra base), Gene Simmons (vocal, baixo),
Ace Frehley (guitarra, vocal) e Peter Criss (bateria, voz). Conhecido por suas pinturas faciais e roupas de palco, o grupo ganhou destaque em meados da década de 1970 com apresentações ao vivo no estilo rock chocante, que apresentavam cuspir fogo, cuspir sangue, fumar guitarras, disparar foguetes, levitar kits de bateria e pirotecnia. A banda passou por várias mudanças de formação, com Stanley e Simmons permanecendo os únicos membros consistentes. A formação atual consiste em Stanley, Simmons, o guitarrista Tommy Thayer e o baterista Eric Singer.
Com suas maquiagens e figurinos, os membros da banda assumiram a personalidade de personagens de quadrinhos: o Starchild (Stanley), o Demon (Simmons), o Spaceman ou Space Ace (Frehley) e o Catman (Criss). Devido a diferenças criativas, Criss deixou a banda em 1980 e Frehley em 1982, embora ambos retornassem mais tarde.
Em 1983, o Kiss começou a se apresentar sem maquiagem e figurinos, marcando o início da era "desmascarada" da banda que duraria mais de uma década. A banda experimentou um ressurgimento comercial durante esta época, com o álbum de platina de 1983, Lick It Up, apresentando-os com sucesso a uma nova geração de fãs, e seus videoclipes recebendo airplay regular na MTV.
Eric Carr, que havia substituído Criss em 1980, morreu em 1991 de câncer no coração e foi substituído por Eric Singer. Em resposta a uma onda de nostalgia do Kiss em meados da década de 1990, a formação original se reuniu em 1996, que também viu o retorno de sua maquiagem e figurinos. O resultado a turnê de reunião foi um grande sucesso, arrecadando $ 143,7 milhões, tornando-se a turnê de maior sucesso da banda até hoje. Criss e Frehley posteriormente deixaram a banda novamente e foram substituídos por Singer e Tommy Thayer, respectivamente. A banda continuou com sua maquiagem de palco original, com Singer e Thayer usando a maquiagem original de Catman e Spaceman, respectivamente.
Em setembro de 2018, o Kiss anunciou que, após 45 anos de gravações e apresentações, eles embarcariam em sua última turnê, a End of the Road World Tour, que começou em janeiro de 2019 e terminará na cidade de Nova York em dezembro de 2023.
Kiss é considerada uma das bandas de rock mais influentes de todos os tempos, bem como uma das bandas mais vendidas de todos os tempos, alegando ter vendido mais de 75 milhões de discos em todo o mundo, incluindo 21 milhões de álbuns certificados pela RIAA. Kiss também ganhou 30 álbuns de ouro, mais do que qualquer banda dos Estados Unidos. Kiss tem 14 álbuns de platina, três dos quais ganharam multi-platina.
Em 10 de abril de 2014, os quatro membros originais do Kiss foram introduzidos no Hall da Fama do Rock and Roll. Kiss foi classificado pela MTV como a nona "Maior Banda de Metal de Todos os Tempos", e ficou em décimo lugar na lista dos "100 Maiores Artistas de Hard Rock" da VH1, além de ser classificada como a terceira "Melhor Banda de Metal e Hard Rock ao Vivo de Todos os Tempos" pela revista Loudwire.
Origem Cidade de Nova York, EUA
Gêneros: Hard rock, heavy metal,
shock rock, glam metal
anos ativos: 1973–presente
Gravadoras: Casablanca, Mercury,
Roadrunner, Kiss, Universal.
Membros da banda Atual:
Paul Stanley – vocal principal e de apoio, guitarra rítmica e principal (1973–presente)
Gene Simmons – vocal principal e de apoio, baixo (1973–presente)
Eric Singer – bateria, backing vocal e vocal principal (1991–1996, 2001–2002, 2004–presente)
Tommy Thayer – guitarra solo, backing vocal e vocal principal (2002–presente).
Membros antigos:
Ace Frehley – guitarra solo, backing vocal e vocal principal (1973–1982, 1996–2002)
Peter Criss – bateria, backing vocal e vocal principal (1973–1980, 1996–2001, 2002–2004)
Eric Carr – bateria, backing vocal e vocal principal (1980–1991; falecido em 1991)
Vinnie Vincent – guitarra solo, vocal de apoio (1982–1984)
Mark St. John - guitarra solo, backing vocals (1984; falecido em 2007)
Bruce Kulick – guitarra solo, backing vocal e vocal principal (1984–1996).
O aglomerado de corpos que estampa a imagem de capa de Um Tijolo Com Seu Nome (2023, Balaclava Records / Geração Perdida), uma fotografia da recifense Bruna Costa, ajuda a entender parte do insano atravessamento de informações proposto pela Lupe de Lupe no sexto e mais recente álbum de estúdio da carreira. São 24 composições, todas resolvidas em um intervalo de um a dois minutos de duração, em que a grupo formado por Gustavo Scholz, Jonathan Tadeu, Renan Benini e Vitor Brauer utiliza da aleatoriedade e fluidez dos elementos como um precioso componente de aproximação entre as faixas. Canções que vão de personagens a cenas simples do cotidiano, porém, violentamente retorcidas pelo som torto do quarteto.
Nada acessível quando próximo do material entregue no registro anterior, Lula (2021), e pensado para ser ouvido no aleatório, Um Tijolo Com Seu Nome é, com perdão do trocadilho, uma verdadeira tijolada. Sem tempo para descanso e livre da verborragia que vez ou outra consome as criações da banda, cada nova composição abre passagem para a música seguinte, convidando o ouvinte a se perder em um turbulento exercício criativo que converte em ruído as angústias de diferentes indivíduos. É como um regresso à urgência explícita nos primeiros trabalhos de estúdio do quarteto, caso de Recreio (2011) e Sal Grosso (2012), porém, utilizando de uma crueza poucas vezes antes percebida no som produzido pelo grupo.
Do momento em que tem início, nas vozes berradas e poética ameaçadora de Eduardo (“Sinto muito, só que nada / Aqui se fez, aqui se paga“), personagens corrompidos pelas próprias emoções, memórias e crônicas urbanas se entrelaçam em meio a guitarras ruidosas e estruturas rítmicas que vão do punk ao hardcore em questão de segundos. Canções talvez regidas de forma aleatória, porém, conectadas pelo sentimento de indignação que serve de sustento aos versos. “Será que existe alguma paz neste lugar?“, questiona a letra da intensa Ricardo, composição que sintetiza parte dos tormentos que orientam a experiência do ouvinte.
Embora consumido pelo lirismo inquietante e brutalidade dos arranjos, Um Tijolo Com Seu Nome, assim como os demais trabalhos da Lupe de Lupe, revela coloridos refúgios instrumentais e poéticos que mais uma vez evidenciam a versatilidade da banda. Exemplo disso pode ser percebido em Dalila, música que se espalha em meio a violões etéreos e versos que contrastam com a crueza explícita no registro. “Eu preciso / Tanto / Te dizer / Que tenho / Sonhado Com você“, canta. São pequenos respiros criativos que rompem na mesma medida em que parecem intimamente relacionados ao restante da obra. É como um campo aberto às possibilidades, prova do contínuo esforço do grupo mineiro em testar os limites da própria criação.
Observado atentamente, desde Quarup (2014) que a Lupe de Lupe não revelava ao público uma obra tão diversa, estruturalmente complexa e ao mesmo tempo desafiadora para o ouvinte. Em Cauê, por exemplo, são guitarras carregadas de efeitos e ruídos que se completam pelo estranho estudo de personagem proposto por Brauer, como uma peça esquecida do movimento no wave. Já em Maurício, essas mesmas guitarras surgem em ondas acinzentadas, sempre em comunhão com a bateria, estrutura abandonada na canção seguinte, a labiríntica Helena, faixa que faz lembrar das experimentações de nomes como No Age.
Por conta desse volume de composições, que ainda concentra preciosidades como Martina, Gabriela e a libertadora Isaac, Um Tijolo Com Seu Nome se projeta como uma obra que tanto reserva boas surpresas a cada nova audição, como perde forças pela quantidade excessiva de canções. São músicas como a confusa Melissa, em que Brauer espelha elementos de Relicário, de Nando Reis, e o pop rock deslocado de Marisa, que estendem o álbum para além do necessário. Entretanto, como indicado no texto de apresentação, trata-se de um registro que joga com regras próprias, utilizando da não linearidade proposta pela banda como ferramenta para que o ouvinte organize, exclua ou monte o repertório do disco da maneira que desejar.
Depois de ser oficialmente apresentada durante o lançamento de Pele (2022), Anna Ruth Ferreira, a N.I.N.A, regressa de forma ainda mais provocativa com a chegada de Para Todos Os Garotos Que Já Mamei (2023, Pineapple Storm). Sequência ao material entregue há poucos meses, o novo álbum diz a que veio logo na introdutória Faz Assim. “Preto, você me revira inteira / Quero foder de sábado à sexta-feira / Sei que tu ama socar minha buceta / doze horas e o nosso corpo incendeia“, confessa a artista em meio a batidas e bases cuidadosamente encaixadas por Matheus Terra, com quem havia colaborado no registro anterior. Pouco mais de três minutos em que o ouvinte é convidado a se perder em um território marcado pelas sensações.
Menos explícita, porém, tão interessante quanto a faixa que a antecede, Ferve, vinda logo em sequência, reforça esse direcionamento adotado por N.I.N.A. Diferente do material entregue no lançamento anterior, a nova música reforça a relação da artista com o R&B, rompendo com o drill/grime que marca as primeiras criações da artista em estúdio. Enquanto os versos destacam a sensibilidade da cantora (“Quatro paredes isso é tão nosso / Você suspira e eu te devoro / Djavan tem inveja por que eu posso“), batidas e guitarras labirínticas avançam em uma medida própria de tempo, reforçando a atmosfera sedutora da composição.
É como um preparativo para o que se revela de forma ainda mais interessante com a chegada da posterior Prece. Regida pelo uso sempre calculado das batidas e um violão latino que faz lembrar as criações de Kehlani, a composição tanto reflete a vulnerabilidade de N.I.N.A (“Não dá pra disfarçar / 40 graus de febre / Dá pra ver no teu olhar / Teu corpo pede“), como ainda abre passagem para os versos detalhados pelo convidado, o rapper Baco Exu Do Blues. “Eu to na sua / Todos por perto / Tem a certeza /Você tá com o cara o certo“, rima enquanto busca replicar a mesma suavidade expressa no ainda recente QVVJFA? (2022).
Passado esse momento de maior calmaria e doce romantismo, Despedidas traz de volta parte das angústias incorporadas ao último trabalho de estúdio da artista. Do tratamento dado às batidas, sempre em destaque, passando pelas rimas compartilhadas com o rapper Sant, tudo soa como um aceno para o material entregue no lançamento anterior, porém, mirando em novas temáticas. “Buscando maneiras de seguir a minha vida / Percorro estradas te caçando em cada esquina / Tento te odiar, mas no fim amo mais ainda“, confessa enquanto prepara o terreno para o que talvez seja uma das principais faixas do registro, Karma.
Completa pela participação de MC Luanna, a faixa chama a atenção pela narrativa que destaca o diálogo entre duas ex-amigas e uma história de traição. “Castigo pra puta pra mim é colírio / Amor, você decidiu viver isso“, dispara a convidada que logo recebe sua resposta: “Tudo isso por que essa noite eu fiz teu marido? / Enquanto cê falava que não queria ele te enrolando e fudendo comigo / E eu lá tenho culpa dele dar perdido?“. Tudo é trabalho de forma tão bem sucedida pela dupla que Porrada De Balinha, vinda em sequência, quase passa despercebida frente ao minucioso cruzamento de rimas da canção que a antecede.
Embora esquecível, a parceria com Yure IDD e Thiago Pantaleão assume a função de estimular o diálogo da carioca com o pop, direcionamento reforçado com a chegada da canção de encerramento do disco, Teve Uma Garota. Talvez deslocada do restante da obra, o encontro com Ruxell destaca a versatilidade da artista em estúdio, lembrando o mesmo synthpop explorado por The Weeknd em Dawn FM (2022). É como se N.I.N.A abrisse passagem para um universo de novas possibilidades. Uma criativa combinação de ideias, diferentes ritmos e referências, mas que em nenhum momento rompe totalmente com o próprio passado.
Muito embora acumule passagens por bandas como Grand Bazaar e Memórias de um Caramujo, difícil não pensar em Um (2023, Matraca Records / YB Music) como um exercício de reapresentação para Gabriel Milliet. Primeiro disco em carreira solo do cantor e compositor paulistano, o material contrasta a maciez dos arranjos com o lirismo angustiado do poeta que, ao mudar-se para Amsterdam, na Holanda, foi consumido pela saudade. “Não quero atrapalhar ninguém / Mas tá difícil de aguentar / Esse silêncio brutal / Essa distância fatal“, confessa na introdutória Silêncio Brutal, espécie de composição-síntese do registro.
Partindo dessa abordagem tão entristecida quanto esperançosa, Milliet trata de cada canção como um objeto precioso. São delicadas paisagens instrumentais que passeiam em meio a versos descritivos, diferentes cenas e personagens de forma sempre detalhista. Um canto meio declamado que evoca nomes como Belchior, mas que em nenhum momento oculta a identidade e a capacidade do músico paulistano em transformar o ordinário em algo grandioso. Exemplo disso fica bastante evidente em Grande Hotel São João, composição que avança aos poucos, sem pressa, como um passeio sonoro pelas ruas de São Paulo.
Vem justamente dessa relação do artista com a cidade o estímulo para parte expressiva do repertório de Um. Canções como a textual Rua Vitória, em que parte do universo ao redor para mergulhar nas próprias inquietações de forma bastante sensível. “Confesso que dessa varanda olhando o largo do Arouche, me sinto estranho … Será que teremos futuro?“, questiona. Já outras, como a reducionista Carta De Natal, funcionam como um passeio pela mente de Milliet, destacando a melancolia impressa nos versos. “Meu amigo, eu sinto a sua falta / Eu quero te abraçar e te dizer / Das coisas que eu já não sinto medo“, canta.
Tamanha quantidade de informações naturalmente exige uma audição atenta e dedicação por parte do ouvinte, porém, o gratifica na mesma proporção. Feito para ser absorvido aos poucos, Um é o tipo de obra que ganha novas tonalidades a cada regresso, direcionamento que se reflete não apenas na construção dos versos, sempre detalhistas, como crônicas musicadas, mas na fina tapeçaria instrumental que cobre todo o material. Inicialmente pensado como um registro produzido e gravado integralmente por Milliet, o álbum ganhou novas tonalidades na coprodução de Biel Basile, antigo companheiro de banda na Grand Bazaar.
O resultado desse processo está na entrega de criações como a derradeira Da Paz Inevitável, música que se revela aos poucos, partindo de um violão tímido de Milliet, para se completar pela flauta de Teresa Costa e vozes de Sanem Kalfa, Fuensanta e do próprio Basile. Outra que chama a atenção pelo avanço lento e riqueza de detalhes é a já citada Grande Hotel São João. São pouco menos de quatro minutos em que pianos, flautas e violões se espalham em meio a entalhes percussivos do coprodutor, estrutura que ainda culmina em um fechamento grandioso, efeito da sobreposição de vozes tratadas como um instrumento.
Capaz de encantar na mesma medida em que estabelece pequenas provocações durante sua execução, Um destaca a sensibilidade poética e capacidade de Milliet em transitar por diferentes temáticas mesmo em um curto intervalo de tempo. São reflexões sobre o período pandêmico, tormentos e crônicas urbanas que garantem maior profundidade ao material. Canções que, vez ou outra, partilham de um reducionismo excessivo em se tratando dos arranjos e pequenas repetições estruturais, principalmente na segunda metade do trabalho, mas que a todo momento estreitam laços com o ouvinte por meio das emoções.
