Neste dia, em 1982, a música de John Mellencamp "Jack & Diane" foi para o #1 na Billboard Hot 100 dos EUA (1 de outubro)
Uma das grandes canções de rock dos anos 80!
A canção foi lançada como o segundo single do álbum "American Fool" de 1982 de Mellencamp, e foi escolhida pela Recording Industry Association of America (RIAA) como uma das "Canções do Século".
A canção estabeleceu Mellencamp como um roqueiro americano de colarinho azul, roqueiro americano e classe trabalhadora Jacks e Dianes por todo o país, e de fato o mundo, identificou-se com o par e apaixonou-se pela canção.
O lendário guitarrista inglês Mick Ronson foi crucial no processo.
Mellencamp lembrou:
"Eu devo a música ao Mick Ronson... O Mick foi muito instrumental ao ajudar-me a organizar aquela música, já que a tinha atirado para o monte de lixo.
Ronson desceu e tocou em três ou quatro faixas e trabalhou no recorde American Fool por quatro ou cinco semanas.
De repente, para 'Jack & Diane', Mick disse, 'Johnny, você deveria colocar chocalhos de bebê lá. ' Eu pensei, 'O que raio significa chocalhos de bebés no disco? '
Então ele pôs a percussão ali e depois cantou a parte "let it rock, let it roll" como uma coisa do tipo coro, o que nunca me tinha ocorrido.
E essa é a parte que toda a gente se lembra na canção.
Foi ideia do Ronson. ”
O baterista de Mellencamp, Kenny Aronoff, teve de inventar a pausa de bateria no meio da música no local, e tornou-se uma das pausas clássicas de bateria de rock.
"Jack and Diane" passou quatro semanas em #1 na Billboard Hot 100 em 1982 e é o single de maior sucesso de Mellencamp.
Também foi #1 no Canadá e #7 na Austrália.
The Sun 10 de outubro de 2008 perguntou a Mellencamp se isso o incomodou ser mais conhecido por esta pequena cantiga.
Ele respondeu:
"Essa música tem cerca de 30 anos e é tocada mais hoje nos Estados Unidos do que quando saiu. Por mais que esteja um pouco cansado destes dois, não conheço outras duas pessoas no rock and roll que sejam mais populares do que Jack e Diane.
Algumas pessoas provavelmente pensam que há um lugar no inferno para mim por causa dessas duas pessoas! Mas deu-me as chaves para fazer o que quero.
Faço 57 anos hoje. Vivi da forma que queria viver, às vezes imprudente e estupidamente, mas mesmo assim consegui fazer isso. Consegui viver dos meus caprichos, foi isso que o Jack e a Diane me deram, por isso não posso odiá-los demais. "
Algumas das fotos da escola e filmes caseiros de Mellencamp foram usados para fazer o vídeo, que a empresa de produção de vídeo fez para ele como um favor.
Paul Flattery, que trabalhou para aquela empresa de produção, explicou no livro “Eu Quero Minha MTV” que Mellencamp fez um pedido especial depois que esses vídeos foram concluídos:
"Ele disse: 'Olha, há uma música no álbum que a gravadora não acredita. Mas eu sei. Podes fazer-me um favor e guardar um rolo de filme, filmar-me a cantar a canção, dar-te-ei algumas fotos antigas e outras coisas e depois juntas-as para mim?
A música era 'Jack & Diane. ' Então roubamos algum tempo de edição em LA.
Projetámos slides na parede da sala de edição, e fizemos com que a fita usasse luvas brancas para bater palmas.
Há exatamente quarenta anos, neste dia em 1983, o single "Burning Down the House" dos Talking Heads invadiu o Top 20 da Billboard dos EUA em #18 (1 de outubro)
"Burning Down the House" tornou-se o single de maior sucesso dos Talking Heads na América do Norte, tornando-se o seu único single top dez na Billboard Hot 100 dos EUA, atingindo o pico de #9, bem como alcançando o top dez no
Apesar deste sucesso, a música não foi um sucesso fora da América do Norte.
Na Austrália atingiu um modesto #94, enquanto no Reino Unido, onde Talking Heads iria lançar 14 singles nas paradas, não conseguiu chegar às paradas de todo (embora uma versão cover da música de Tom Jones e The Cardigans chegaria ao Top 10 do Reino Unido em 1999)...
Folclore Baiano, adaptação para coral de Fernando Cerqueira
3 - Baiafro
Djalma Corrêa
4 - Samba de Ousadia
Djalma Corrêa
5 - Banjilógrafo
Djalma Corrêa
Os Quatro Elementos
6 - Água/Oxum
7 - Terra/Oxossi
8 - Ar/Yansã
9 - Fogo/Xangô
Temas tradicionais do Culto Afro-Brasileiro - Adap. Djalma Corrêa
10 - Piano de Cuia
Djalma Corrêa
11 - Tudo Madeira
Djalma Corrêa
Participações especiais:
Coral da Juventude do Mosteiro de São Bento, Salvador, Ba - Paulo Gondim - Euvaldo Freitas (Vadinho) - Eduardo Freitas (Dudú) - Raimundo Sodré - Conjunto de Flautas "Musika Bahia": Helena Rodrigues - Luciano de Carvalho Chaves - Conceição Perroni - Bárbara Vasconcelos - Maria do Carmo Corrêa
*******************************
Djalma Corrêa é mineiro de Ouro Preto, nasceu em 1942, faleceu em 2022. Seus 80 anos de existência foram recheados de contribuições para a música brasileira. Começou a carreira musical ainda menor de idade como baterista em Belo Horizonte. Chegou em Salvador aos 17 anos para estudar música eletrônica em um curso de férias, em 1959. Passou por cursos regulares de percussão, tornou-se técnico da universidade e integrou o grupo de jovens compositores da Orquestra Sinfônica da Escola de Música da UFBA. Em 1964 integrou o show "Nós por exemplo" no teatro Vila Velha, junto de jovens desconhecidos como Maria Bethânia, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa e Tom Zé. Em 1970, Djalma formou o grupo Baiafro, uma proposta cultural de pesquisa, criação e promoção das contribuições afro à nossa brasilidade.
Djalma Corrêa foi um dos mais criativos percussionistas da nossa música, um pesquisador, um inovador que não perdeu os laços com as tradições.
Hoje temos o prazer de ter a oportunidade de revisar o novo álbum do grupo psicodélico sueco GÖSTA BERLINGS SAGA, que é intitulado “ET EX”. O quarteto formado por Alexander Skepp [bateria e percussão], David Lundberg [piano elétrico Fender Rhodes, mellotron e sintetizadores], Gabriel Tapper [baixo e pedais de baixo Moog Taurus] e Rasmus Booberg [guitarras, clarinete e sintetizador] nos oferecem outra inspiração trabalhar dentro de uma trajetória que até agora pode se orgulhar de não ter altos ou baixos. O álbum em questão foi lançado, tanto no formato vinil + CD quanto somente vinil, pelo selo IndiseOut Music no dia 12 de outubro. O quarteto conta com colaboradores ocasionais como o guitarrista Henrik Palm o vocalista Michael Berdan (membros das bandas de noise rock YORK FACTORY COMPLAINT e UNIFORM) e o saxofonista Lars Åhlund; O guitarrista Henrik Palm também esteve presente, colaborando performática e composicionalmente em algumas músicas. O processo de gravação deste novo material foi realizado em nada menos que seis estúdios suecos e americanos: Studio Pelikaan, Spotify Studios, Raska Studios, Magix Playground, ython Patrol e Studio Bruket. A masterização foi feita no estúdio Timeless Mastering (no bairro nova-iorquino do Brooklyn).
Este quinto capítulo do livro vivo do GÖSTA BERLINGS SAGA inicia uma nova trama para a evolução estilística da banda, já que agora o grupo dá prioridade a recursos cósmicos e estratégias com fortes raízes eletrônicas no desenvolvimento e composição da maior parte das atmosferas que brilham em o repertório de “ET EX”: em perspectiva, podemos perceber que parte disso foi sendo sutilmente anunciado em algumas passagens de seus dois álbuns anteriores (“Glue Works” e “Sersophane”, de 2011 e 2016, respectivamente), mas agora é uma abordagem decisiva para estabelecer novos ventos no percurso musical do quarteto. Pois bem, vejamos agora os resultados deste novo processo criativo que a GÖSTA BERLINGS SAGA levou nas costas e na mente. Com duração de pouco mais de 3 minutos e meio, 'Veras Toma' foca em uma estrutura eletrônica etérea que é influenciada por TANGERINE DREAM da fase 75-77, bem como pelo lado mais lírico de HARMONIA. Há um vitalismo latente que se baseia no desenvolvimento temático que sobrepõe e subtilezas melódicas dos sintetizadores, criando assim uma espécie de solipsismo descontraído envolto numa luminosidade elegante. Nos momentos finais sugere-se ligeiramente alguma tensão, o que é totalmente ideal para abrir as portas ao surgimento da segunda música do álbum, que se intitula 'The Shortcomings Of Efficiency'. Esta música em questão é a primeira a exibir os recursos de bombástica estilística que fazem parte da estrutura sonora do grupo. Na verdade, desde o ponto de partida, as bases são estabelecidas de forma convincente para criar, fortalecem e apoiam um exercício eletrizante de psicodelia progressiva, sentindo assim que a banda alcançou um espírito renovador e revitalizante. O que os quatro músicos do GÖSTA BERLINGS SAGA fazem aqui é construir pontes com os paradigmas de SEVEN IMPALE e MY BROTHER THE WIND, acrescentando um toque metálico à matéria em certas passagens particularmente climáticas, especialmente durante os dois últimos minutos em que o núcleo temático adquire tons tanaticamente catárticos. A canção furiosa de Berdan serve como referência exorcista para essa explosividade espiritual. Baseado numa coexistência bem definida entre a bateria e o computador de ritmo, o simples motivo principal desdobra-se livre e enfaticamente na sua elegante candura.
Sendo mais curta que qualquer uma das duas músicas anteriores, 'Over And Out' recebe em grande parte a colheita da peça anterior para reorientá-la para uma estranha mas muito eficaz confluência entre nu-jazz com tons progressivos (um pouco como JAGA JAZZIST) com pós- pedra; Com a exuberância flutuante do primeiro e a densidade vibrante e cativante do último, o quarteto cria uma viagem musical de alta qualidade com um toque futurista. Se 'The Shortcomings Of Efficiency' foi uma exaltação da densidade e coragem do rock, 'Over And Out' foi um manifesto de explorações eletrônicas com lirismo envolvente. Assim, é a vez de ‘Artefatos’, peça encarregada de inaugurar a segunda metade de “ET EX”. 'Artefacts' regressa ao terreno do krautrock amigável e lírico para nele intervir com o uso de uma aura cósmica semelhante à do sinfonismo. O grupo trabalha com um esquema rítmico complexo enquanto estabelece um ritmo sereno para que o corpo central se deleite sob o abrigo de sua própria serenidade majestosa. Quando chega a vez de 'Capercaillie Lammergeyer Cassowary & Repeat', o grupo centra as suas energias na criação de uma musicalidade grandiloquentemente inquieta, combinando vários recursos de rigidez sonora para os amalgamar num todo progressivamente dinâmico e refinado. A abordagem é fazer com que RIVER (a la PRESENT) e psicodelia se unam com fluidez compacta de tal forma que se crie um cenário incerto e belicoso, tornando-se abertamente sinistro no clímax do epílogo.
A breve peça solitária de violão 'Brus Från Stan' – com duração de pouco mais de um minuto e meio – serve para proporcionar o único momento de relaxamento íntimo do álbum: os fraseados sóbrios e calmos do violão apelam a uma absorção plácida que se encontra entre doce nostalgia e felicidade. Isto não é uma novidade no cosmos musical deste grupo: já existia algo assim no álbum anterior “Sersophane”. Em contraste, 'Fundament' é a música mais longa do álbum, com quase 10 minutos; Aliás, ele também é o responsável por fechar o repertório. Com uma forte componente eletrónica que molda o seu esquema sonoro, esta peça começa com uma retomada de alguns standards do space-rock e do krautrock sob uma modalidade suave e explicitamente baseada numa espiritualidade etérea. Mais adiante, A energia parcialmente latente é impulsionada para uma explicitação preciosa a partir da qual uma nova viagem é impulsionada para lugares sombrios estilizados não desprovidos de um gancho psicodélico mágico. Em certo sentido, a parte final deste último tema concentra uma síntese das atmosferas centrais da quinta e sexta peças. Como balanço final, “ET EX” revela-se uma surpresa muito agradável para os amantes da música que nos vem mostrar que GÖSTA BERLINGS SAGA continua a ser uma entidade fundamental para o avanço progressivo sueco. Este quinto capítulo da sua carreira fonográfica, penetrado por uma abordagem ambiciosa de reestruturação interna, constitui também um capítulo separado para este exaltado paradigma do avanço progressista sueco das últimas duas décadas.:
Recentemente, aliás, no final do penúltimo mês de 2018, o incansável VESPEROEles nos entregaram seu trabalho fonográfico, que temos o prazer de revisar nesta ocasião. O título deste novo álbum é “Hollow Moon”. O conjunto é composto por Ivan Fedotov [bateria, percussão, cajon e Wavedrum], Arkady Fedotov [baixo, sintetizador e efeitos sonoros], Alexander Kuzovlev [guitarras e bandolim], Alexey Kablukov [teclados e sintetizadores] e Vitaly Borodin [violino, acordeão, piano e sintetizador], brilha muito aqui. Esta banda russa, campeã do movimento space-rock da cena progressiva mundial na última década, não tem um momento de declínio, por mais rigor detetivesco que tentemos encontrá-la. Em algumas passagens do álbum Pavel Alekseev acrescenta sua presença no saxofone tenor. Os VESPERO tiveram um ano muito agitado com suas atividades junto com ÁNGEL ONTALVA e, além disso, com alguns de seus membros mantendo viva a chama do grupo MAAT LANDER, mas parece que a mente criativa coletiva do VESPERO tem uma força própria que desafia os limites do espaço e do tempo quando se trata de investir energia, logística e estratégias tecnológicas na criação de um álbum... E tem que ser tão soberbo e fabuloso quanto “Hollow Moon”! Arriscamo-nos a avançar no sentido de que este novo trabalho fonográfico é um dos mais bem sucedidos da sua extensa discografia (é o seu décimo trabalho de estúdio desde 2007). Bem, vamos agora aos detalhes do álbum em si, certo? estratégias logísticas e tecnológicas na criação de um álbum... E tem que ser tão soberbo e fabuloso como “Hollow Moon”! Arriscamo-nos a avançar no sentido de que este novo trabalho fonográfico é um dos mais bem sucedidos da sua extensa discografia (é o seu décimo trabalho de estúdio desde 2007). Bem, vamos agora aos detalhes do álbum em si, certo? estratégias logísticas e tecnológicas na criação de um álbum... E tem que ser tão soberbo e fabuloso como “Hollow Moon”! Arriscamo-nos a avançar no sentido de que este novo trabalho fonográfico é um dos mais bem sucedidos da sua extensa discografia (é o seu décimo trabalho de estúdio desde 2007). Bem, vamos agora aos detalhes do álbum em si, certo?
A seção de prólogo do álbum está nas mãos de 'Watching The Moon Rise', uma passagem cósmica que mostra abertamente o poder de suas camadas de sintetizadores e fragmentos de guitarra. A composição é de natureza sutil, mas a dinâmica performática é imponente. A segunda música, intitulada 'Flight Of The Lieutenant', coloca o primeiro zênite do repertório em plena ativação. Os primeiros espaços abertos para instalação e escoramento do corpo central indicam uma confluência entre o dinamismo visceral de um HAWKWIND e a elasticidade robusta dos TENTÁCULOS OZRIC pré-1995. Quando uma ponte curta no tom do reggae chega, O grupo prepara uma segunda secção onde a vibe rock se torna mais estilizada para que os sucessivos solos de violino e saxofone que têm de esculpir se sintam à vontade nos respectivos momentos de destaque. O groove inspirado no reggae retorna para impulsionar a coda em que o conjunto retomará os impulsos eletrizantes da primeira parte. Imponência requintada e elegância avassaladora, aqui está a dupla essência desta fenomenal segunda peça do álbum. Com não menos recursos de magnificência progressiva que os utilizados na peça anterior, 'Sublunarian' estabelece um ecletismo marcado por uma maior dose de policromia. Sua primeira seção concentra-se em graciosas árias folclóricas marcadas pelo enquadramento de tambores étnicos e violino, enquanto o violão fornece nuances harmônicas relevantes. A segunda seção, introduzida por camadas de sintetizador sobriamente nítidas, abre caminho para um sólido exercício híbrido de jazz-rock e psicodelia progressiva. A intervenção do saxofone proporciona um subterfúgio inteligente de continuidade após a proeminência inicial do violino, enquanto o duo rítmico sustenta o impulso com um groove hipnoticamente complexo. A parte final (que achamos muito breve pela sua beleza encantadora) retorna às vibrações folclóricas iniciais, mas desta vez com o destaque do violão. O clímax do segundo tema é perpetuado e amplificado neste terceiro. Com duração de pouco mais de 8 minutos e meio, 'Moon-Trovants' estabelece uma vitalidade majestosa onde a força do rock e o vitalismo lisérgico dos sintetizadores cujo enquadramento paisagístico permite que o violino e a guitarra se envolvam em diálogos consistentes e substanciais. O uso de um esquema rítmico complexo permite que a bateria insira a virguería ocasional na estrutura de seu swing, enquanto os teclados preenchem a maior parte dos espaços restantes. O clímax espacial-prog-psicodélico de VESPERO não tem onde parar.
'Mare Ingenii', que ocupa um espaço de 3 ¼ minutos, caracteriza-se por apresentar uma disposição reflexiva e introspectiva inspirada na tradição do Extremo Oriente. Enquanto o bandolim enfatiza alguns golpes de percussão, o violino se expande livremente no contorno da fisionomia temática criada para a ocasião, abrindo assim as portas para a chegada da peça mais longa do disco: 'Feast Of Selenites'. Com duração de 11 minutos e segundos, essa música serve para liberar o lado mais agressivo do grupo, com a guitarra tocando particularmente aguçada na primeira parte. Pouco antes de atingir a marca do quinto minuto, o grupo se dirige para um groove mais eloqüente, onde o punch é parcialmente substituído pela preciosidade. Agora a interconexão entre violino, guitarra e sintetizador torna-se mais gráfica antes que o segundo retorne ao primeiro plano durante uma parte particularmente climática da música. O majestoso epílogo completa na perfeição as árias suntuosas que serviram de base à abrangente disposição de um tema tão ambicioso como este. A dupla 'Watershed Point' e 'Tardigrada's Milk' ajuda o povo de VESPERO a continuar expandindo seus horizontes sonoros. Na primeira destas músicas é-nos oferecida uma breve excursão minimalista ao estilo do TANGERINE DREAM da fase 1973-4, enquanto a segunda regressa à dimensão folk-psicodélica da banda, desta vez sob um manto de langor nebuloso que, embora possa parecer estranho, estabelece ligações entre o paradigma sinfónico e o acid-folk. Este último detalhe deve-se ao facto de o motivo central ser tratado com um lirismo avassalador e envolvente, o mesmo que estabelece a engenharia ideal para a confluência recta de cortinas electrónicas, percussões, bandolim, violino e guitarra eléctrica. É algo como uma geminação inédita entre ANTHONY PHILLIPS, HIDRIA SPACEFOLK e VANGELIS... claro, com o toque essencial de VESPERO. Essa linda oitava peça do álbum tem muito charme, é verdade.
'Space Clipper's Wreckage' incorpora uma nova reviravolta na esfera mais extrovertida da banda. usando uma dose muito comedida de grosseria em alguns aspectos enquanto o bloco de engenharia de som se deixa levar por seu próprio esplendor inerente. Com seus fraseados e solos, o violão inevitavelmente se destaca como um item de liderança para a coalizão instrumental durante os primeiros 4 ou mais minutos. Depois, a peça dá uma guinada dramática para um momento de robustez incerta onde a aleatoriedade reina por alguns momentos, um interregno necessário para que o bloco sonoro se reagrupe em torno de um motivo lento marcado por uma cerimônia opulenta. Esta passagem que nos remete a um híbrido de STEVE HILLAGE e PINK FLOYD é, por sua vez, a ponte para um epílogo eletrizante que incorpora elementos de sinfonia e heavy prog dentro da estrutura do rock espacial que é a marca registrada da casa. Ocupando os últimos 3 minutos e meio do álbum, 'Watching The Earth Rise' retorna à névoa cósmica da qual surgiu a peça inicial, mas desta vez emana uma densidade emocional bastante comovente, algo como um pensamento nostálgico que tem um toque de lágrima. não muito bem escondido. É o violino que indica esta nuance especial neste momento de baixar a cortina e dizer adeus. Quase 1 hora e 5 minutos com muito do que o VESPERO tem feito de melhor em tudo que envolve sua extensa e laboriosa produção fonográfica, nada menos que isso é o que nos é oferecido neste álbum incrível que é “Hollow Moon”. É que as demonstrações de vitalidade, A engenhosidade eclética e a sutileza performática que exalam em todo o repertório deste álbum são de um nível estratosférico. Além de extrair faixas favoritas individuais ('Sublunarian', 'Moon-Trovants', 'Feast Of Selenites', 'Tardigrada's Milk'), este álbum se destaca como um todo orgânico através das emissões e conotações de cada partícula sonora de cada tema. Como dissemos algumas linhas acima, “Hollow Moon” é um dos melhores álbuns que o pessoal do VESPERO já fez até hoje.
Em Setembro de 1990, Carlos Oliveira (baixo, voz), João Magalhães (guitarras, voz) e Manuel Baptista (guitarras, harmónica) juntaram-se, em Cascais, num projecto que designaram de "Pastores Envelhecidos". A sua música era, então, essencialmente de predominância acústica onde a componente eléctrica só surgia através da guitarra de Manuel Baptista e dos ritmos pré-gravados que o projecto utilizava. Nas actuações ao vivo, os três elementos apresentavam-se sentados e sobre eles eram projectados slides de obras do pintor austríaco Hunderwasser. Em Novembro de 1993, já um pouco cansados do formato por que haviam optado, decidem formar um grupo nos moldes clássicos, mudando o nome para Astronautas. Em Fevereiro de 1994, após uma fase de busca, entraram para a banda Pedro Molkow (bateria) e Luís Ventura (baixo, apoio vocal). Esse foi também o ano em que se iniciaram os contactos com algumas das editoras multinacionais presentes no mercado português. O tempo foi passando e, apesar das canções do grupo irem tocando, na forma de maquete, em algumas rádios locais e dos elogios de alguma imprensa escrita, a edição tardava. O grupo foi efectuando alguns espectáculos esporádicos no circuito habitual e em Julho de 1995, Luís Ventura decide abandonar o projecto. A formação reduz-se assim para quatro elementos, passadndo Carlos Oliveira a assegurar a viola-baixo. Em Outubro desse ano, o grupo decidiu-se pela auto-edição de um CD de 3 temas. Para isso contaram com a ajuda do produtor Fernando Cunha (Delfins), que opta por remisturar os instrumentais e regravar os vocais que tinham sido registados num gravador de oito pistas na sala de ensaios da banda. Na altura, um dos elementos do grupo contacta a União Lisboa IV no sentido de lhe contratar a produção dos CD's. É assim que o interesse da editora no grupo se acaba por concretizar na assinatura de um contrato para a edição de dois álbuns. Em Junho de 1996, o grupo entra finalmente em estúdio mas o material que resultou dessas sessões não foi do inteiro agrado da editora nem da banda e a sua edição malogrou-se. Surge uma fase em que o grupo começou a procurar um novo vocalista e passado algum tempo recruta Marcos Rosa (voz, harmónica) que se adaptou ao estilo pretendido pelos restantes parceiros. Jorge Quadros assegura a bateria nas gravações do primeiro disco, "Químicos do Céu". A banda consegue alguma exposição com o seu pop rock algo desensabido e edita mais uma série de Mini-CDs para promoção nas rádios. Em 2000, o grupo grava o seu segundo álbum na Amadora. Nessa altura, Jorge Quadros abandona a banda para se dedicar em exclusivo aos Delfins, sendo substituído por Pedro Oliveira. Logo de seguida-se dá-se também a debandada de Carlos Oliveira, passando o baixo a ser assegurado por Rui Ribeiro. Face a estas alterações, o disco "Dias de Fronteira" acaba por ser lançado apenas em Novembro de 2002.
DISCOGRAFIA
QUÍMICOS DO CÉU [CD, União Lisboa/Farol, 1998]
PORTA PARA O VERÃO [CD Single, União Lisboa/Farol, 1998]
JESUS VIVEU NA ÍNDIA? [CD Single, União Lisboa/Farol, 1998]
SUAVE MILAGRE [CD Single, União Lisboa/Farol, 1998]
“Se eu me aventurasse no turbilhonamento Sob os viadutos dos seus sonhos Onde as bordas de aço imóveis racham E a vala nas estradas vicinais param Você poderia me encontrar? Você beijaria meus olhos? Para me deitar Em silêncio fácil Para nascer de novo…”
Em 30 segundos, “Todo o meu ser estava vibrando”, lembraria Merenstein em 2008. “Eu sabia que ele estava renascendo... eu sabia que queria trabalhar com ele naquele momento”. A música, “Astral Weeks”, projetou um novo som marcante para o artista, que floresceria no ciclo de canções que levaria o nome daquela faixa.
A maneira como Morrison chegou a essa transformação permanece parcialmente encoberta por seu temperamento notoriamente inconstante, conforme detalhado em Astral Weeks — A Secret History of 1968, de Ryan H. Walsh , um olhar abrangente e discursivo sobre a paisagem cultural pop de Boston que narra como o artista fugiu para Cambridge após sua batalha com Bang e o produtor Bert Berns. Poucas semanas após a conclusão de Astral Weeks , Van Morrison se distanciaria de algumas das escolhas de produção; depois de apresentar o álbum na íntegra em 1969, ele praticamente extirpou suas oito músicas de seus shows ao vivo até 2008, quando encerrou o boicote para montar performances ao vivo nota por nota das músicas e arranjos para marcar seu 40º aniversário.
A avaliação inconstante de Sir George Ivan Morrison não pode atenuar o poder hipnótico e singular do álbum. A partir do momento em que o contrabaixo acústico do veterano do jazz Richard Davis inicia os ritmos triplos da música-título, Van Morrison embarca em uma missão de descoberta espiritual “em outro tempo, em outro lugar” contra um pano de fundo instrumental que entrelaça pop, jazz e música. e elementos folk em um pop de câmara marcante e sedutor.
Ouça a faixa-título, “Astral Weeks”
O baixo sonoro de Davis surge como a âncora rítmica do álbum, empurrando e puxando o violão de Morrison no centro de arranjos improvisados embelezados com figuras de guitarra clássica, flauta, vibrações brilhantes e cordas cintilantes. Morrison costumava afirmar que suas letras eram menos compostas do que canalizadas do além, um verdadeiro fluxo de consciência que de fato impulsionou “Astral Weeks” e as outras músicas do álbum para aquele tempo e lugar verdadeiramente separados.
Essa intensidade poética febril persiste ao longo do ciclo, mesmo quando as músicas mudam de ritmo e tom. A energia rodopiante da faixa-título leva à paisagem urbana silenciosa de “Beside You”, desenhada em traços instrumentais sobressalentes das notas de baixo dedilhadas de Davis, da guitarra clássica e da flauta de Jay Berliner em um arranjo flutuante que literalmente para o tempo sob a alternância crescente de Morrison. e sussurrou cantando. Enquanto o encarte do álbum indica pontos de referência dentro e ao redor de Boston, os lugares e personagens aqui e em outros lugares em Astral Weeks transportam o cantor e ouvinte de volta à Belfast de Morrison.
Nada é mais explícito ao evocar seu local de nascimento do que a assombrosa “Avenida Chipre”, onde a fusão de detalhes poéticos e emoções trêmulas de Morrison é palpável. A canção avança lentamente, sugerindo a passagem do cantor por uma rua que surge da memória, “conquistado na cadeirinha” na contemplação trêmula das paixões adolescentes que o deixam quase sem palavras:
“Sim, minha língua fica presa Toda, toda vez que tento falar Minha língua fica presa Toda vez que tento falar E meu interior treme como uma folha de uma árvore...”
Ouça “Cyprus Avenue”
Enquanto gagueja e repete palavras, Morrison parece literalmente extasiado. O lirismo de seu canto e a beleza suave do arranjo, com seu andar paciente mais uma vez ancorado no baixo de Davis e graciosamente sombreado por figuras de cravo, são fascinantes.
A alternância de músicas mais rítmicas e uptempo com peças mais calmas molda todo o álbum. “Beside You” e “Cyprus Avenue” do lado um representam outra celebração romântica brilhante e importante em “Sweet Thing”, que compartilha o foco do conjunto em estruturas de três metros, neste caso 6/4. E seguindo “Cyprus Avenue”, Morrison inicia o segundo lado do LP original com “The Way Young Lovers Do”, uma valsa rápida que é agitada pela linha de baixo astuta e descentralizada de Davis e animada pelos arranjos de trompas e cordas de Larry Fallon.
Ouça “The Way Young Lovers Do”
As três músicas restantes de Astral Weeks confirmam sua intensidade poética descomprometida como modelo para a sensibilidade soul celta que dominou o longo e prolífico catálogo de Morrison desde então. Com “Madame George”, ele cria um retrato extraordinário de uma travesti de Belfast, impregnado de terna empatia, reproduzido com detalhes narrativos e povoado de personagens em um quadro cinematográfico:
“Na Avenida Cyprus Com uma visão infantil aparecendo Clicando, estalando no sapato de salto alto Ford e Fitzroy, Madame George Marchando com o soldado atrás…”
Ouça “Madame George”
Em sua busca pelo renascimento espiritual, Morrison passa da memória da infância ao primeiro amor, à desilusão, à velhice e, na faixa final do álbum, à própria morte. “Eu sei que você está morrendo, baby, e sei que você também sabe disso”, ele canta em “Slim Slow Slider”, que lembra a vinheta do leito de morte de “TB Sheets”, um destaque no de outra forma eliminado Blowin' Your Mind ! O álbum Bang Records foi lançado às pressas em 1967, desencadeando a disputa que envenenou seus laços com Morrison. A versão de “Slim Slow Slider” que aparece em Astral Weeks termina com a derrota final da morte, mas o take mais longo incluído na reedição de 2015 termina com uma nota muito diferente e possivelmente redentora.
Ouça “Slim Slow Slider” (versão longa)
Essa música seria impressionante se Morrison e Merenstein tivessem preparado essas performances durante meses de gravações em estúdio. O milagre é que todas as oito músicas foram capturadas em apenas dois dias de sessões, em 25 de setembro e 15 de outubro. (Uma sessão de 1º de outubro estava condenada, apagada após três horas de tomadas sem saída.) Richard Davis, Jay Berliner, percussionista e vibrafonista. Warren Smith Jr. e a baterista Connie Kay eram estranhos, músicos de jazz respeitados que mal trocavam palavras com Morrison, que cantava e tocava guitarra dentro de uma cabine isolada enquanto os outros improvisavam livremente. As paradas de cordas e trompas de Larry Fallon foram os únicos elementos totalmente compostos do projeto. Que algo próximo da telepatia estava acontecendo talvez seja melhor ilustrado pela música-título,
A discografia de Sir Van pode listar Blowin' Your Mind! como seu primeiro álbum, mas Astral Weeks , lançado em 29 de novembro de 1968, pode ser justamente considerado como o primeiro álbum que nos mostrou sua alma celta, sua verdadeira estreia como um bardo moderno único.
Assista Morrison cantando “Astral Weeks”/”I Believe I've Transcended” ao vivo
E outro do Hollywood Bowl, “Astral Weeks”/”I Believe I've Transcended”
