Em 01/04/2003: Electric Light Orchestra (ELO) lança o álbum The Essential Electric Light Orchestra
The Essential Electric Light Orchestra é um álbum de compilação de 15 faixas, CD único, exclusiva para os EUA, da banda Inglêsa de rock Electric Light Orchestra (ELO), lançada em abril de 2003. Faz parte da série The Essential da Sony Music. Em 2 de setembro de 2008, uma reembalagem ecológica do álbum, renomeada Playlist: The Very Best of Electric Light Orchestra, foi lançada. Esta edição inclui uma seção multimídia no CD que traz fotos, créditos e dois papéis de parede.
Uma terceira edição do álbum foi lançada em 2011. Esta versão traz 37 faixas em dois discos, organizadas em ordem cronológica.
Foi a terceira compilação da ELO a apresentar as músicas em ordem cronológica, precedida pelos lançamentos norte-americanos Olé ELO em 1976 e Strange Magic: The Best of Electric Light Orchestra em 1995. Cada edição do álbum traz uma capa diferente.
Lista de faixas:
Todas as faixas foram escritas por
Jeff Lynne, exceto " Roll Over Beethoven ",
que foi escrita por Chuck Berry.
Edição Original:
1. "Evil Woman" (UK Single Edit)
Face the Music (1975): 4:19
2. "Do Ya" A New World Record (1976): 3:47
3. "Can't Get It Out of My Head"
Eldorado (1974): 4:26
4. "Mr. Blue Sky" Out of the Blue (1977): 5:08
5. "Strange Magic" (UK Single Edit)
Face the Music (1975): 4:07
6. "Livin' Thing"
A New World Record (1976): 3:33
7. "Turn to Stone" Out of the Blue (1977): 3:48
8. "Sweet Talkin' Woman" Out of the Blue (1977): 3:49
Ano de 1970 : depois de ter enviado várias audições para gravadoras de toda a Itália, um grupo de três músicos de Torino de repente se viu contratado pela Fonit. A sua formação perde-se na última metade dos anos 60 quando, limitado aos períodos de verão, um quinteto de amigos deu vida a vários grupos musicais: os Green Grapes, os Vips e os Bats .
Porém, é apenas com o nome de Terza Sensazione (antes), Alluminium Sound (depois) e finalmente Alluminogeni que são notados e assinados pelo maestro Achille Ovale que os traz para a gravadora estadual.
A formação definitiva é liderada por Patrizio Alluminio , tecladista e formado no conservatório, ladeado por Daniele Ostorero , baterista com muitas ideias na cabeça e Guido Maccario que no longo prazo se revelará o primeiro de uma longa série de guitarristas temporários no grupo (Aldo, Andrea Sacchi, Piero Tonello e finalmente Enrico Cagliero ).
Depois de alguns meses em que finalmente conseguiram publicar seus primeiros 45 rpm (" L'Alba di Bremit" - 1970 ), os pobres foram literalmente atirados da salinha onde ensaiavam para o imenso público do "Cantagiro" onde se apresentaram para 15 mil pessoas em meio aos shows de Massimo Ranieri e Rossana Fratello e sem nunca terem tido nenhuma experiência ao vivo!
Superado o choque inicial, as experiências mais intensas chegaram em 1971: mais três singles (incluindo " La vita e l'amore " , 1970 - mais de 5.000 cópias vendidas), "Un disco per l'Estate", dois "Viareggio Pop", "Speciale tre Milioni" e diversas transmissões na Rai e na Rádio Montecarlo.
No verão de 1971, a revista semanal "Ciao 2001" os considerou o terceiro melhor grupo pop italiano depois de Formula Tre e New Trolls e ninguém menos que Orme .
Para ser sincero, os “Alluminogeni” não foram exatamente um fenômeno: tirando a determinação de Alluminio (da qual Hammond depende o som de todo o grupo) e a genialidade de Ostorero, aquela identidade sonora dada pela ausência de um guitarrista permanente. A substancial debilidade da voz (sempre do mesmo Alumínio) fez o resto.
Além disso, eram constantemente assediados pelo movimento underground recém-nascido , que não só os considerava pobres musicalmente, mas literalmente " estúpidos " na forma como se expressavam e se posicionavam politicamente em relação às massas juvenis (ver "Notas do pop italiano", Gammalibri , 1977).
Deixando a política de lado, todas as hesitações artísticas foram superadas com a publicação do primeiro álbum histórico " Scolopendra " em 1972: um álbum extremamente raro e muito procurado, especialmente no início do fenômeno das convenções .
"Scolopendra" representou na verdade um salto de qualidade para a banda que passou de um "groove" comercial para um discurso musical inexplorado e, por vezes, verdadeiramente vanguardista.
Refinados na sua técnica, estabilizados na sua formação com a chegada do novo guitarrista Cagliero e firmemente envolvidos nas suas novas ideias, os “Alluminogeni” dão-nos com o seu primeiro trabalho pelo menos 40 minutos de música fora de qualquer esquema .
Visões astrais, ecologia, letras "extravagantes" e uma sincera pesquisa estilística e tímbrica fazem deste álbum um dos mais interessantes de 1972.
No primeiro lado tem um rock em 6/8 (" La natura e l'Universo "), uma balada surreal de soft-blues (" S colpendra "), um bom hard rock, e até uma música que deveria ter participado no próximo Festivalbar (“ A Estrela dos Atades ”).
No entanto, é o segundo lado que realça o lado mais visionário do grupo, suspenso entre "Kosmishe Musik" e grandes aberturas pesadas e psicodélicas (" Thrilling " e o esplêndido " Planet "). Tudo isto, dizia eu, permeado por uma sonoridade geral que na época não tinha comparação em todo o panorama italiano .
Infelizmente, um problema sério bloqueou o futuro dos Aluminógenos: uma discussão furiosa comFonitque o grupo acusou de ter alterado a mixagem original do álbum sem autorização para "torná-lo mais comercial": volumes errados, ênfase em instrumentos que na realidade deveriam estar no fundo, erros nos efeitos etc.
Em essência, por mais que possamos apreciá-la, "Scolopendra", tal como podemos ouvi-la gravada, não é o que os "Alluminógenos" teriam desejado.
Os músicos ficaram muito ofendidos, os contratos fracassaram e a banda se dispersou. Fim imerecido para um grupo que poderia ter dado muito mais. Enrico Cagliero nos deixou em 1996.
“ Para escrever algo, primeiro é preciso ter algo para escrever ”. Assim – parafraseando Primo Levi – um amigo me contou um dia enquanto ouvíamos pela primeira vez o “ Concerto Grosso n° 2 ” dos reconstituídos New Trolls . Ainda hoje acho que ele tinha razão: para produzir uma obra confiável não basta ter uma ideia “ qualquer ” ou “ reciclada ”, porque tudo o que surgirá serão “ obras quaisquer ” ou “ cópias ruins ” do original .É claro que nem todo mundo tem a genialidade de um Picasso , um Dalì ou Miles Davis , mas quando você se depara com o tão almejado reencontro de um dos grupos de rock italianos de maior autoridade , você nem remotamente imagina que o pálido sairá disso, sequência de um sucesso anterior.
Ainda entre aspas, lembro-me de ter lido em algum lugar as palavras que o grande cantor espanhol Julio Iglesias (que provavelmente assimilou bem as teorias de Norbert Wiener sobre a memória humana) disse ao seu filho Enrique antes de sua estreia no mundo do show business : “ Lembre-se : um show deve começar com estrondo e terminar com estrondo. No meio, coloque o que quiser ." O mesmo conceito surgiu da sabedoria de Antonio Carlos Jobim quando Chico Buarque e Caetano Veloso (então exilados em Roma e Londres respectivamente) lhe perguntaram como deveriam se comportar quando retornassem ao Brasil . “ Não volte silenciosamente .” Tom os aconselhou : “ Venham com um show e um novo disco pronto. Faça uma turnê nacional, vá à TV, dê entrevistas em todos os lugares e faça barulho. Todos devem te ver de novo e te ouvir ”. Escusado será dizer que tanto Chico como Caetano o fizeram e as suas carreiras prosseguiram rumo ao sucesso luminoso que todos conhecemos.
Os Novos Trolls evidentemente tinham em mente uma estratégia completamente diferente ou talvez não tivessem consultores do calibre de Iglesias ou Jobim . Finalmente reunidos no núcleo original ( Di Palo, De Scalzi, D'Adamo e Belleno ) após anos de discussões e esforços flutuantes de gravação ( Atomic System , Ibis , Tritons ), os quatro recrutam com um movimento astuto o ex-guitarrista prodígio do Nuova IdeaRicky Belloni e preparam meticulosamente a estreia em sua segunda fase artística.
No entanto, a grande expectativa é traída por uma manobra de gravação que não só se revelará pouco originalmas até desarmante , colocando mais uma vez o grupo em crise e empurrando-o inexoravelmente para o pop melódico . Inteligente e refinado, mas ainda melódico. Mas o que realmente aconteceu?
O risco assumido pelos Novos Trolls foi essencialmente pensar que apresentar-se ao público com um velho clichê de sucesso ( remake clássico + grupo de rock + grande arranjador ) poderia ser ao mesmo tempo comunicativo, atraente, proveitoso e ao mesmo tempo confirmar a conquista de uma nova identidade estável .
Mas não foi assim. Como já dissemos muitas vezes nas páginas do Classic Rock , os tempos mudaram e especialmente em 1976 os novos sujeitos sociais emergentes já haviam colocado em crise o modelo " romântico-transgressivo " do Progressivo há algum tempo . Assim, reciclar essa mesma linguagem quase cinco anos depois, com os mesmos criadores, mas face a uma sociedade completamente transformada, representou essencialmente um grave erro de julgamento .
A consequência foi que perante a impossibilidade de continuar no caminho da “ repescagem ”, os cinco músicos escolheram a alternativa que lhes mais convinha, nomeadamente a implementação daquela “forma de canção” que já tinha aparecido em muitos trabalhos anteriores e no mesmo “ Concerto Grosso n°2 ”. Tudo isto não quer dizer que o novo álbum de 76 não fosse digno do ponto de vista musical ou executivo, longe disso, mas que infelizmente a escassez da sua " substância teórica " prevaleceu sobre qualquer outro tipo de elogio.
Aqui está então a maestria do grupo em reler Handel , em refazer Becaud (“ Let it be me ”), em lidar agilmente com andamentos complexos (o 11/8 de “ Moderato ”), em tecer tramas orquestrais ousadas (“ Vivace ” e “ Adagio ”) e ao relembrar a positividade da aberração em “ Quiet sun ”, ela foi subitamente contornada por uma suposição prática impiedosa: “ Se uma ideia não funciona, sua realização também não funciona ”. Uma pena porque se supõe que a banda genovesa tenha se esforçado ao máximo para devolver uma obra que celebrava em grande estilo a renovada amizade do seu núcleo histórico.
Belloni foi uma compra muito boa, especialmente devido ao seu desempenho brilhante ao longo do álbum. De qualquer forma, foram necessários vários meses para que aquele núcleo extraordinário de instrumentistas compreendesse que precisava necessariamente (e talvez com relutância) de mudar de rumo.
Mais um péssimo álbum ao vivo em 1977 e finalmente a estrela da sorte de Adebaran guiaria nossos marinheiros rumo ao El Dorado . Uma viragem que certamente não agradou a todos mas, como no dia a dia, acontece que às vezes não dá para voltar atrás.
João Ricardo, também conhecido como Disco Rosa, é o primeiro disco de João Ricardo depois do fim da formação clássica dos Secos & Molhados, depois ele continuou usando o nome da banda já que era dele tanto o nome quanto a maioria das composições e ideias da banda.
A sonoridade do disco lembra a do grupo, com a mistura de sonoridades portuguesas,folk, latinas e glam rock.
João Ricardo -1975 – João Ricardo (Philips / Phonogram)
Mixagem: Humberto Gatica no Kendun Records (Los Angeles)
Abaixo uma resenha do meu amigo e jornalista Fabiano Oliveira. ” João Ricardo – João Ricardo (“Disco Rosa”) Philips – 1975 Por coincidência ou não, o primeiro disco do João Ricardo saiu no mesmo ano que dos seus antigos companheiros, só que com uma diferença básica: no seu lançamento, houve muito mais cartaz e mídia. Não era pra menos, afinal, João tinha sido contratado a peso de ouro pela Philips e vinha com o status de ser o mentor e líder do fenômeno Secos e Molhados. Com toda essa pressão, o álbum não atingiu seu principal objetivo. Não foi exatamente um fracasso, pois trata-se de um trabalho muito vibrante e constante, mas as vendas foram baixíssimas, com pouca repercussão e a idéia de Andre Midani e Roberto Menescal, de transformar João Ricardo na estrela maior da gravadora, caiu por terra. No entanto, não há como se lamentar, muito pelo contrário. Musicalmente, o “Disco Rosa” (como ficou conhecido) é um ótimo álbum, com várias tendências, influências e ainda com a produção segura e eficiente do gênio Marco Mazola e do próprio João Ricardo. A banda de apoio também dispensa comentários, com Roberto de Carvalho na guitarra, Willie Verdaguer no baixo, Roberto de Barros na bateria, Emilio Carrera no piano/órgão e J.A Pestana no sax/ flauta. Expressando suas origens portuguesas, João mostra logo de cara a bem sucedida mistura entre o Fado, o Folk e o Rock, nas canções “Salve-se Quem Puder” e “Vira Safado”. A última foi idealizada para ser o “hit” do disco, mas acabou tocando de uma forma bem modesta, mesmo após a regravação do novo Secos e Molhados, em 1980. Encontramos também uma boa dose de Rock Progressivo em “Sorte Cigana” e “Viva e Deixe Viver”, alto grau de psicodelismo em “Balada Para um Coiote”, música latina, na suingada “Os Metálicos Senhores Satânicos”, o show de contrabaixo e flauta em “Janelas Verdes” e puramente Rock n Roll nas “Rock e Role Comigo” e “Se Sabe, Sabe”. Apenas como registro, todas as canções foram compostas por João Ricardo, com a mesma maestria de sempre. Obviamente, o “Disco Rosa” não é do mesmo nível dos trabalhos do Secos e Molhados (e nem poderia ser), mas não chega a decepcionar. É divertido, bem produzido e acima de tudo, apresenta ótimas músicas, que prendem o ouvinte já na primeira audição. Sem pressões e sem comparações, deve ser reconhecido como um álbum importante da música brasileira, lançado no ano mágico de 1975. Para finalizar, João Ricardo mostra aqui toda a sua autenticidade, a começar pela capa. Muitos não entenderam a arte da capa na época, mas analisando friamente, ela transmite a ideia de liberdade que João Ricardo sentia na época e de certa forma, mantém o brilho de sua personalidade, que foi tão bem aceita na época dos Secos e Molhados.” “Disco Rosa”… mais um dos grandes momentos do Rock Nacional.
01 – cachaça, rock banchá 02 – eu sentí o cão 03 – paola 04 – adeus vitrines 05 – de porrada em porrada 06 – o problema é o lixo, né? 07 – belzebu, satã tinhoso 08 – bom guru 09 – a boneca do meu sonho 10 – sacana’s blues
“Japão, Sec. XVILegendário marginal japonês, figura altamente subversiva, roubava dos ricos e distribuia aos pobres. Preso, foi condenado a ser fervido até a morte, em praça pública, juntamente com seu filho ainda impúbere. Para aliviar seu filho da morte lenta e dolorosa, ergueu-o nos braços e sustentou-o acima de sua cabeça. Goemon, suportou o calor do óleo que ia fervendo. Esperou até o limite, para só então, mergulhar o filho, pisoteando-o violentamente, dando-lhe a morte instantianea. as autoridades da época, para calar a revolta popular, divulgaram que Goemon ante o insuportável medo da morte, usou seu filho como escada, na desesperada e covarde tentativa de proteger sua própria vida.
Goemon Brasil: …Meu rock, é a poética da realidade feia e agressiva… É pra dançar, ao som da crise, que faz a relação humana entrar em decomposição…
Um marginal, ele próprio, produto híbrido de uma cultura milenar, com esta miscelânea euro-africana digerida com muita coca-cola. Um artista visceral, canta e assina as dez faixas de um LP dilacerante. Uma obra prima de reflexão do universo marginal, embalada por um som moderno, aliciante que desconcerta em sua contundência.
Cercado de músicos monstruosamente competentes, abre um leque de ritmos – funk, blues, new-wave, soul – numa fusão genial. Algo novo! Pulsante e inteligente, que soa rock o tempo todo…
Violento e viril.
Claustrofóbico, polémico – Goemon sugere insidioso em suas obras, um beco – sem? Com saída…Somente, através de uma revolução anárquica.
em BELZEBÚ SATÃ TINHOSO, canta a analogia entre o cristianismo e a ditadura. A fugacidade e a inútil vaidade de falsos ídolos, em BOM GURU.
A lute de classes na sociedade de consumo, no moólogo provocante de um assaltante estuprador eventual, em frente à um delegado, em EU SENTÍ O CÃO A intolerância e o preconceito em PAOLA, um travestí romântico. A incapacidade de comunicação homem-mulher, no drama de um cara que prefere amar uma boneca inflável, abordada com grande sutileza, em A BONECA DE MEU SONHO Parafraseando um ex-ministro da educação, faz um retrato drameatico desta juventude-clone, criada pelo sistema, situando como vítima Mark Chapman, o algoz de John Lennon, num trocadilho no mínimo original, na lacinante O PROBLEMA É O LIXO, NÉ?
A força e a arrogância do verdadeiro marginal, um bêbado que manda o mundo às favas, na sublime ADEUS VITRINE.
E assim vai. Num desfilar de obras chapantes, emolduradas em inspiradas melodias, algumas de rara beleza. Sua poesia de linguajar raivoso e explícito aliado a um humor cáustico e cortante, resulta em uma poética sutil e brilhante em sua criatividade. Fere dogmas e valores falidos do sistema, sem usar o artifício de gracinhas pseudo-intelectuais, utilizando de extrema habilidade, os próprios cânones ditatoriais e fascistas que regem nossa sociedade. Dono de uma voz possante, domina um tipo de emissão incomum, que vem do baixo ventre, ora grave rascante, ora aguda ou gutural – Goemon destila seu inconformismo out sider, criando climas arrepiantes: de ódio, medo, ironia e paixão.
Jamais o português soou assim no rock! Sonoro e fluente. que grande ironia…Goemon é um quase-sansei, filho de japonês com uma nissei. neto de uma nobre com um plebeu – por parte de pai e de um aristocrata falido e sonhador com uma grande batalhadora – por parte de mãe.
espero …o rock nacional jamais será o mesmo, após GOEMON
Seu disco foi lançado pela extinta gravadora MPA da rua augusta de são paulo. foi gravado no estúdio VICE-VERSA fundado pelo grande maestro Rogério Duprat.
Tem Arranjos e Teclados por Glauco Sajebin;
Baixo por André Gomez;
Guitarra por André Fonseca (do genial grupo PATIFE BAND);
Bateria por Paulo Farat
A foto da capa é de Oscar Bastos, mas a concepção é do próprio Goemon.
Não apenas por motivo de “Completismo” (quem é realmente fanático por colecionar música sabe do que eu estou falando), aquí está mais uma pérola perdida do lixão do ódio e da malemolência nipo/new wave RPM do inferno brazuca internacional. Destilando meu delicioso despreso pela humanidade, Rui Mifune, por nós e pela velha rua augusta conhecido por Goemon, mostra que ainda tinha muito mais à dizer com mais apenas quatro músicas registradas apenas em cassete. Essa coisinha engraçadinha que as pessoas costumavam chamar de “fita demo”.
Um rock anti-convencional e muito doido e bizarro e também muito criativo, letras que falam sobre o lixo, drogas, cachaça, travestis, bonecas infláveis e tudo relativo ao submundo de uma megalópole como São Paulo.
