Squeeze - Through The Hourglass

Squeeze emergiu do sono no início de 85, com a formação 'de volta para o futuro' do início de 78 (menos o baixista Kakoulli) - Chris Difford (guitarra/vocal), Glenn Tilbrook (vocal/guitarra), Jools Holland (teclados ), Keith Wilkinson (baixo) e Gilson Lavis (bateria). O álbum peculiarmente intitulado 'Cosi Fan Tutti Frutti' (UK#31/ US#61/ OZ#97) chegou às lojas em agosto de 1985, precedido pelo single de tom reflexivo 'Last Time Forever' (UK#45), embora subsequente singles - os exóticos e emocionantes 'Hits Of The Year', 'Heartbreaking World', 'King George Street' - não compareceram à festa pop. Pouco depois, a banda adicionou um segundo tecladista disfarçado de Andy Metcalfe (ex-Soft Boys e Robin Hitchcock & the Egyptians).

O agora sexteto empurrou a marca Squeeze ainda mais para dentro do US Hot 100 do que jamais havia se aventurado antes, através do efervescente single 'Hourglass' (UK#16/ US#15/ OZ#90 - que comprei em vinil 45), apoiado por um clipe promocional bem humorado e visualmente cativante. O álbum fonte de 1987, o inteligentemente intitulado 'Babylon And On' (UK#14/ US#36/ OZ#84) revelou uma banda que não havia perdido nada de sua vitalidade ou vigor, com o objetivo de recuperar um pouco do pop-rock puro. território de seu trabalho anterior. Os singles subsequentes tiveram pouco sucesso nas paradas, com exceção de 'Trust Me To Open My Mouth' (UK#72 - o vídeo foi filmado em uma boca gigante, felizmente sem indigestão). Embora tenha falhado nas paradas, o single '853-5937', uma história de mensagens telefônicas perdidas, foi apoiado por um vídeo promocional inteligente, apresentando a banda tocando dentro de um telefone gigante, enquanto a banda deixava sua marca na neve no envolvente 'Pegadas'. Metcalfe saiu após o lançamento do álbum, com Squeeze voltando para sua configuração de quinteto mais familiar.

Com um mojo rejuvenescido, muito se esperava do próximo álbum do Squeeze, 'Frank' de 1989 (UK#58/ US#113). Não tenho certeza de quem Frank era ou é, mas seu homônimo não conseguiu aproveitar o impulso gerado por seu antecessor, com os singles do final de 1989, 'If It's Love' (por mais envolvente que seja - o vídeo revela mais uma vez o estilo lúdico de Squeeze). senso de humor) e 'Love Circles' encontrando pouco amor do público comprador de discos. O álbum como um todo revelou uma banda mais à vontade com sua identidade musical, engajando-se de forma discreta. Logo depois, os fãs de longa data do Squeeze receberam um presente do antigo selo da banda, Deptford Fun City, na forma do álbum ao vivo 'A Round And A Bout (Live 1974-1989)' (UK#50), que trazia o bônus EP de 3 faixas 'Packet Of Three'.

Squeeze sofreu um duplo golpe de infortúnio, na forma de Jools Holland saindo mais uma vez para seguir carreira solo e se entregar à sua paixão por apresentações de televisão (primeiro apresentando o popular 'Sunday Night' na NBC, antes de finalmente apresentar seu próprio longa show em andamento na Grã-Bretanha - 'Late Night With Jools' - que a cada semana apresentava vários grandes nomes e artistas musicais emergentes). O considerável gênio de Holland nos teclados exigiu mais de uma substituição para compensar, Squeeze recrutou os serviços combinados de Matt Irving e Steve Nieve (ex-Elvis Costello & The Atrações) nos teclados, junto com Tony Berg (teclados/guitarra) e Bruce Hornsby (acordeão). O segundo golpe duplo de golpes veio através da decisão de longa data da gravadora A&M de retirar Squeeze de sua lista de músicos no meio da turnê da banda em 1989.

Com determinação obstinada, a banda seguiu ao ritmo de seu próximo álbum, 'Play' (UK#41), lançado em agosto de 91 pelo selo Reprise, e foi bem recebido pela crítica, através dos singles associados, o animado 'Sunday Street', e o atmosférico 'Satisfied' ficaram aquém das paradas. É importante notar que os atores do Spinal Tap, Michael McKean e Christopher Guest, são colaboradores convidados do álbum.

Squeeze então deu as boas-vindas ao retorno de Paul Carrack às fileiras (entre as tarefas solo e de Mike & The Mechanics) para seu décimo álbum de estúdio, 'Some Fantastic Place' (UK#26/ US#182), junto com o novo baterista Pete Thomas ( ex de Atrações de Elvis Costello) substituindo Gilson Lavis que havia deixado o Squeeze para se juntar ao antigo grupo Jools Holland e sua Big Band. Recontratada pela A&M, a banda recuperou algum impulso comercial, através dos singles 'Third Rail' (UK #39), power-pop melódico no seu melhor e 'Some Fantastic Place' (UK #73).

A formação continuou em 95, exceto por Kevin Wilkinson no lugar de Thomas, e lançou o álbum 'Ridiculous' (UK#50), no final do ano. O álbum rendeu três singles de sucesso - o nebuloso 'This Summer' (UK # 32), o nostálgico 'Electric Trains' (UK # 44) e o parcialmente falado em Difford 'Heaven Knows' (UK # 27) - provando que Squeeze ainda tinha alguma influência em termos comerciais. Com Carrack voltando para seu mandato com Mike & The Mechanics (veja postagem futura), Chris Difford e Glen Tilbrook recrutaram uma estrutura de suporte totalmente nova para Squeeze, na forma de Chris Holland (irmão de Jools - teclados/vocais), Hilaire Penda (baixo) e Ashley Soan (bateria - ex-Del Amitri, veja postagens separadas), embora demorasse quase três anos para que seu próximo álbum de material novo aparecesse. 'Domino' foi lançado em novembro de 98 pelo selo Quixotic (o selo A&M havia falido), embora quaisquer ambições quixotescas para o álbum logo tenham evaporado por meio de 'Down In The Valley', o single associado que falhou nas paradas - críticas colocadas o álbum na categoria 'profissional', na melhor das hipóteses.

A gravadora Polygram lançou o álbum 'Live At Royal Albert Hall' em dezembro de 99, com destaque para a reformulação levemente rock-a-billy de 'Annie Get Your Gun' e a versão acústica de 'Tempted' que provocou um canto ansioso. -longe do público. Mas a essa altura Difford e Tilbrook, as principais forças criativas do Squeeze, tomaram a decisão de se separar e seguir projetos independentes um do outro, no processo pondo fim ao Squeeze da banda.

Em 2004, 'Bands Reunited' da VH1 apresentou um episódio no Squeeze - com o objetivo de reunir os membros originais (ou principais) da banda com o objetivo de fazê-los realizar um show único juntos. Eles conseguiram obter uma resposta afirmativa para a oferta de Gilson Lavis (bateria) e Keith Wilkinson (baixo), mas receberam uma tentativa de um e ah de Jools Holland que, pela minha memória de ter visto o show, insinuou que ele poderia dar. uma chance se Chris Difford e Glenn Tilbrook se comprometessem (“boa sorte com isso” foi sua mensagem). Aparentemente, Difford e Tilbrook estavam incomunicáveis ​​na época. Os produtores combinaram que ambos se encontrassem em local combinado e horário combinado. Difford apareceu, mas Tilbrook não, e esse foi o ponto crítico - a dupla simplesmente não estava pronta para trabalhar junta novamente naquele ponto.

Algumas datas provisórias da turnê começaram a acontecer a partir de 2007, e um álbum ao vivo, 'Five Live: On Tour In America' foi lançado naquele ano. Mas em 2010, o gelo derreteu completamente e as pontes foram totalmente reparadas, e a parceria criativa de Difford e Tilbrook subiu ao palco mais uma vez como Squeeze. Eu tenho uma cópia em DVD de um show que eles realizaram juntos em 2010, intitulado 'Squeeze: Live From The Artist's Den'. O show foi filmado em Bryant Park, Nova York. Antes do show, Glenn Tilbrook afirmou que ele e Difford sentiram que era “o momento certo para” nos apresentarmos juntos novamente. Os rapazes tocaram alguns clássicos do Squeeze, como 'Take Me I'm Yours', 'Annie Get Your Gun' e 'If It's Love', e soaram tão proficientes em pop como sempre.

Em agosto daquele ano lançaram, pela Love Records, o álbum 'Spot The Difference', uma reformulação de 14 sucessos do Squeeze, provando que ainda conseguiam entregar o produto, quase tão bem quanto os originais. Paul Carrack soa tão bem como sempre em 'Tempted', enquanto a re-renderização de Chris Difford do clássico 'Cool For Cats' mostra 'Sweeney doin' 90' com todo o entusiasmo do original.

Embora a afirmação de Difford e Tilbrook de que eles escreveram mais de 1.000 canções juntos, e as comparações da crítica com a habilidade de composição de Lennon e McCartney, possam estar na coluna um tanto exagerada, o eixo de composição de Difford e Tilbrook, e sua banda Squeeze, estabeleceu um trabalho de primeira linha ao longo de uma odisséia pop de 20 anos. Um que merece ser explorado por qualquer

Yes - Owners Of A Lonely Heart - the Commercialisation of a Prog Rock Band - Pt. 1

O movimento do rock progressivo teve uma má reputação ao longo dos anos, por parte daqueles que estão fora do círculo de devotos do gênero. Foi considerado inacessível, obtuso, nobre e grandioso, e esses são alguns dos julgamentos mais gentis. Sem me preocupar com um exame intensivo dos prós e contras do rock progressivo, acrescentarei meus dois centavos dizendo que, para mim, o rock progressivo é rock para intelectuais. Na verdade, isso é um pouco cruel, é mais porque é uma música com a qual o ouvinte tem que se envolver e interpretar ativamente, para apreciar plenamente sua textura multicamadas e muitas vezes intrincada. Em vez de muito pop-rock que pode ser ouvido passivamente e que pode tomar conta do ouvinte - é mais imediatamente acessível e instintivo. Isso não quer dizer que os dois gêneros devam ser mutuamente inclusivos, ou uma pessoa não possa aproveitar o melhor dos dois mundos - como é o caso deste autor.

Conforme indicado na 'Nova Enciclopédia Rolling Stone de Rock & Roll' - o rock progressivo é “uma forma de música rock em que instrumentos elétricos e formatos de bandas de rock são integrados com motivos e orquestrações clássicas europeias formando suítes extensas, intrincadas e multissetoriais. ”. Que em termos leigos eu interpretaria como músicas pop-rock estendidas em duração e ampliadas em alcance, com uma instrumentalidade mais virtuosa. Ou dito de outra forma, as canções pop-rock são contos com um enredo simples e menos personagens, enquanto o rock progressivo é literatura clássica com toda a sua pompa e regalia. As raízes do movimento do rock progressivo estão nos movimentos britânicos de rock psicodélico e acid rock da época - como uma extensão natural do aventureirismo do primeiro e dos temas cósmicos do último.

Por sua própria natureza, dado o tempo de reprodução prolongado e a natureza conceitual da maioria das faixas de rock progressivo, é um gênero orientado para álbuns. As rádios comerciais estão menos inclinadas a transmitir obras de sete minutos, especialmente quando fazem mais sentido no contexto do tema de um álbum inteiro. Um dos primeiros e mais inovadores desses álbuns conceituais de rock progressivo foi 'In The Court Of The Crimson King' (1969) de King Crimson. Mas esse foi um álbum cuja textura e estrutura se baseou em influências do Moody Blues (veja postagem separada) e do Procol Harum por seu “classicismo sinfônico” (como a Rolling Stone o descreve) e do estilo de guitarra “cósmico” de Jimi Hendrix. Entre as bandas britânicas de rock progressivo mais notáveis, se não totalmente comercialmente lucrativas, do início dos anos 70 e além estavam - Nice; Rei carmesim; Foco; Emerson, Lago & Palmer; Gênesis da era inicial (leia os anos de Peter Gabriel), e o assunto desta postagem, Sim. Yes pode ser considerado uma das bandas britânicas de rock progressivo mais duradouras e bem-sucedidas. Eles aperfeiçoaram uma fórmula de musicalidade virtuosa, sem estruturas clássicas semelhantes a suítes, e sobrepostas por harmonias de três partes, para produzir um todo elaborado, porém atraente. Os críticos desprezaram-no como sendo uma indulgência nobre com pouca relevância para o homem (e mulher) comum, mas os devotos do gênero estavam firmemente apaixonados pelo som.

O Yes veio a Londres em 1968 e incluía a lista de chamada de Jon Anderson (vocal/percussão), Peter Banks (guitarra/vocal), Tony Kaye (teclados), Chris Squire (baixo/vocal) e Bill Bruford (bateria). ). Anderson se encontrou com Squire em uma boate do Soho e planejou formar uma nova banda - a genealogia das origens da banda, por mais complexas que sejam, serve como um indicador de quão diversificada a história pessoal da banda se tornaria ao longo dos anos. Todos os membros originais da banda tinham uma experiência considerável com outras bandas, o que contribuiu para o perfil do Yes crescer rapidamente, tão rapidamente que três meses após seu primeiro show eles foram a banda de abertura do concerto de despedida do Cream em novembro de 68 no Royal Albert Hall.

A banda assinou contrato com o selo Atlantic e lançou seu álbum de estreia com o mesmo nome em 1969 (OZ#38), que incluía alguns originais, ao lado de dois covers de Beatles e Byrds que foram expandidos em extravagâncias barrocas quase irreconhecíveis. O conjunto seguinte, 'Time And A Word' (UK#45/ OZ#22) evoluiu ainda mais o som da banda para incorporar arranjos de cordas complexos, embora também tenha atraído algum escárnio da crítica. O Yes foi prolífico nesse período, e após a saída do guitarrista Peter Banks (para formar o Flash - aaaaaahhhh!), Steve Howe (ex-Syndicate) veio a bordo para a gravação do 'The Yes Album' (UK#7/ US# 40/ OZ#20), no início de 71, uma fusão estilística de rock com arranjos de música clássica, com o uso de sintetizadores tornando-se cada vez mais predominante em um álbum com material totalmente original. O álbum recebeu alguma atenção nos EUA (alcançou o credenciamento ouro), com algumas estações FM adicionando Yes às suas listas de reprodução regulares.

O Yes então recrutou um de seus membros mais influentes, com o tecladista Rick Wakeman (ex-Strawbs) entrando no lugar de Tony Kaye (que formou uma nova banda - Badger). Com sua formação clássica, Wakeman adicionou outra camada de arranjos complexos e instrumentação sinfônica ao perfil sonoro do Yes. No final de 1971, a banda lançou seu quarto álbum, 'Fragile' (UK#7/ US#4/OZ#29), que gerou os primeiros singles de sucesso da banda, 'Your Move' (OZ#32/US#40). e 'Roundabout' (uma versão editada da faixa do álbum - US#13). 'Fragile' também foi o primeiro álbum do Yes a apresentar a arte da capa de ficção científica/fantasia de Roger Dean e o logotipo do Yes.

O quinto álbum da banda, 'Close To The Edge' empurrou o Yes para um novo e exuberante território criativo, e contou com apenas três faixas estendidas, uma das quais era uma suíte ornamentada de quatro peças. Após a gravação de 'Close To The Edge' (UK#4/ US#3/ OZ#21) no final de 1972, o baterista Bill Bruford deixou a cena para se juntar ao King Crimson e mais tarde estabelecer uma carreira de sucesso como jazz-rock. líder da banda, e foi substituído por Alan White (ex-Plastic Ono Band). A produção criativa do tecladista Rick Wakeman foi nada menos que prolífica durante esse período, e ele lançou seu primeiro solo no início de 1973, 'The Six Wives Of Henry VIII' (UK#7/ OZ#12). Entre as sessões de gravação, Wakeman foi um componente chave na tradução do complexo cancioneiro orquestral do Yes em sets ao vivo, capturados pelo álbum triplo ao vivo de 1973, 'Yessongs' (UK#7/ US#30 /OZ#8) - é difícil conceber qualquer artista lançando um álbum triplo ao vivo atualmente, mas os sets “ao vivo” estavam no auge de sua popularidade em meados dos anos 70.

Inspirado nas escrituras Shastric, o álbum duplo do final de 1973, 'Tales From Topographic Oceans', tornou-se o primeiro líder das paradas britânicas do Yes (US#6/OZ#13) no início de 1974. Logo depois que Rick Wakemen abandonou o navio para seguir uma carreira solo de pleno direito - houve uma tensão crescente entre Wakeman e o resto da banda por questões de 'estilo de vida'. Ele obteve sucesso instantâneo com o conceitual 'Journey To The Center Of The Earth' (UK#1/ US#3/ OZ#2) em meados de 74, seguido em 75 por 'The Myths And Legends Of King Arthur And The Nights'. Of The Round Table' (UK#2/ US#21/ OZ#2) - possivelmente um dos títulos de álbum mais longos da história da música popular. O apelo de Wakeman diminuiu um pouco nos anos seguintes, mas como artista conceitual ele teve poucos pares durante os anos 70 e início dos anos 80. Yes recrutou Patrick Moraz (ex-Refugiado e futuro Moody Blues - veja a postagem separada de Moody Blues), para substituir Wakeman, e lançou o conjunto 'Relayer' no final de 1974 (UK#4/ US#5/ OZ#15).

Durante este período, o Yes era quase exclusivamente uma 'banda de álbuns', embora continuasse a lançar singles que não entraram nas paradas (isso mudaria com o lançamento do próximo álbum). A banda fez uma pausa durante a maior parte de 1975/76 com quatro de seus membros, Howe, Squire, White e Anderson, todos lançando álbuns solo. Rick Wakeman retornou às fileiras do Yes em 1976, com Moraz se unindo ao revivido Moody Blues.

Yes - Owners Of A Lonely Heart - the Commercialisation of a Prog Rock Band - Pt.2

 O Yes então lançou um de seus álbuns de maior sucesso comercial em meados de 77 com 'Going For The One'. O álbum fez jus ao seu título nas paradas britânicas (US#8/OZ#16) e rendeu os primeiros singles de sucesso significativos da banda, 'Wonderous Stories' (UK#7) e 'Going For The One' (UK#7). 24). Durante este período, o Yes estava enfrentando o mesmo desafio que outras bandas de rock progressivo, enfrentando a torrente de bandas new wave e pós-punk que explodiam na cena musical britânica (com o disco sendo a onda correspondente nos EUA). O álbum 'Tormato' de 1978 (UK#8/ US#10/ OZ#22) produziu o hit menor 'Don't Kill The Whale' (UK#36 - é bom ver os rapazes apoiando a libertação animal) e ostentava uma lista de faixas de canções mais curtas e compactas, com o objetivo de competir por apoio com gêneros mais lucrativos comercialmente.

O Yes então passou por uma grande mudança no pessoal, com a saída de Wakeman (mais uma vez) e do vocalista Jon Anderson. Ambos seguiram carreiras solo, com Jon Anderson colaborando com o maestro do teclado Vangelis como Jon e Vangelis em vários álbuns. Eles marcaram seu maior sucesso junto com 'I'll Find My Way Home' de 1982 (UK#6/ OZ#22). O Yes então recrutou a dupla Trevor Horn (guitarras) e Geoff Downes (teclados) - ambos ex-Buggles (veja posts separados) - para o álbum de 1980 'Drama' (UK#2/ US#18/ OZ#69). Na conclusão de outra turnê mundial (capturada no álbum 'Yes shows' - UK#22/ US#43), o Yes divulgou um breve comunicado à imprensa anunciando que a banda havia desistido. Steve Howe e Downes tocaram ao lado de Carl Palmer e John Wetton no supergrupo Ásia (veja postagens separadas).

Chris Squire e Alan White partiram para gravar seu próprio material, mas precisavam de um guitarrista para completar o som. Entra Trevor Rabin, ex-jogador de coelho com formação clássica. Rabin recusou uma oferta para ingressar na Ásia e também recusou um contrato solo com a RCA para formar a nova banda Cinema, ao lado de Squire e White. O trio recrutou o tecladista original do Yes, Tony Kaye, e realizou sessões de álbum com Trevor Horn cuidando das tarefas de produção. Rabin estava cuidando dos vocais nesta fase, mas a química não estava certa. Após sua colaboração com Vangelis, Jon Anderson foi abordado pela banda para intervir e regravar algumas das faixas vocais. A essa altura, já havia caído a ficha de que, em essência, a coleção de cinco músicos era um Yes reformado. Então a banda abandonou o apelido de Cinema para reviver a marca Yes. Para sobreviver no mundo dos anos 80, o renascido Yes também adotou um som renovado, optando por abandonar um pouco da pompa clássica ornamentada e da temática intrincada, em favor de um som pop-rock mais acessível e simplificado.

O novo estilo 'descolado' do Yes não ficou melhor em evidência como no lançamento do single, 'Owner Of A Lonely Heart', que chegou às paradas no final de 1983. Com guitarras pesadas, bateria forte, sobreposta por ganchos de sintetizador e vocais em falsete de Jon Anderson, 'Owner Of A Lonely Heart' foi escrita por Rabin, Anderson, Squire e Horn. Foi apoiado por um impressionante vídeo promocional em escala de cinema, mas mesmo com tantas coisas a seu favor, a questão permaneceu - poderia o Yes ter um single de grande sucesso nos EUA? A resposta veio afirmativamente no início de 1984. 'Owner Of A Lonely Heart' substituiu 'Say, Say, Say' de Paul McCartney e Michael Jackson em #1 (OZ#14/ UK#28), e após um reinado de duas semanas foi substituído por 'Karma Chameleon' do Culture Club '.

E a mudança no Yes de roqueiros progressivos baseados em álbuns para criadores de sucessos pop-rock foi de fato camaleônica (um tema refletido no videoclipe). O álbum seguinte, 'Leave It' (UK#56), foi um sucesso menor, mas o álbum original '90125' (nomeado após seu número de catálogo), provou que o Yes ainda poderia vender álbuns em grandes números (UK#16/US #5/ OZ#27). Como o Genesis antes deles, o Yes alienou uma porcentagem de sua base de fãs de longa data com sua nova vantagem 'comercial', mas 'vender' tinha mais vantagens do que não.

O Yes então tirou outro período sabático (durante o qual os membros da banda exploraram caminhos criativos externos), mas se reuniram novamente em 'Big Generator' de 1987 (UK#17/ US#15/ OZ#44), que gerou os singles de sucesso 'Love Will Find A Way'. (US#30/ OZ#80 - que comprei em vinil 45), e 'Rhythm Of Love'. Anderson então deixou a briga mais uma vez e em 1989 já havia se juntado aos antigos companheiros do Yes, Rick Wakeman, Bill Bruford e Steve Howe. Seguiu-se então uma batalha judicial pelo controle da marca Yes. Em 1989, Anderson, Wakeman, Bruford e Howe tocaram músicas do Yes ao vivo e lançaram um álbum com material novo, mas sob a estranha bandeira de Anderson Bruford Wakeman Howe. Em 1991, esse quarteto resolveu sua disputa com o outro grupo do 'Yes', composto por Rabin, Squire, White e Kaye, e eles gravaram um novo álbum 'oficial' do Yes, apropriadamente intitulado 'Union' (UK#7/US# 15), com a aparentemente complicada formação de oito pessoas embarcando em uma turnê mundial de enorme sucesso.

Mais uma combinação de músicos (Anderson, Kaye, Rabin, Squire, White) reunidos para o álbum 'Talk' de 1994 (UK#20/ US#33), uma combinação que excursionou por 1996, resultando no set ao vivo 'Keys To Ascension ' (Reino Unido # 48). Depois de mais um hiato, o Yes retornou em 1999 com o set #36 do Reino Unido, 'The Ladder'.

Ao longo da década seguinte, o Yes lançou o álbum de estúdio 'Magnification', seguido por duas grandes turnês (apresentando o retorno de Wakeman), a turnê de 2004 marcando o 35º aniversário da banda como unidade de gravação. Várias encarnações do grupo trabalharam tanto em estúdio quanto em coletivos ao vivo ao longo dos anos, levando à produção de 'Fly From Here' por Trevor Horn em 2011.

Aquela fera marrom chamada Frank Zappa

 

“Frank Zappa, por sua vez, inventou uma linguagem de sinais digital para seu conjunto: há passagens anotadas e outras previamente fixadas. Algumas das coisas que parecem completamente espontâneas, como ruídos coordenados, foram previamente organizadas através de sinais que eu faço com meus dedos.

 

Meu conjunto é especialmente treinado para reconhecer sinais digitais em determinados momentos, para que interpretem sons previamente arranjados e ensaiados a qualquer momento e em qualquer alternância.

 

Em muitos casos, porém, o acordo prévio desempenha apenas um papel mínimo. Assim, por exemplo, a orquestra pop de Zappa improvisou durante cinco horas num clube de Los Angeles, quando em julho de 1968 ele preparava alguns discos."

BLUE ÖYSTER CULT - Agents of fortune (1976)

 

Eric Bloom........................Vocais, guitarra, teclados, percussão

Donald Roeser..............Guitarra, sintetizador, percussão, voz

Allen Lanier....................Teclados, guitarra, baixo e voz

Joseph Bouchard..........Baixo, piano, voz

Albert Bouchard...........Bateria, percussão, violão, gaita, vocal principal

1º lado:

- This ain't the summer of love

- True confessions

- (Don't fear) the reaper

- E.T.I (Extra terrestrial intelligence)

- The revenge of vera Gemini

2º lado:

- Sinful love

- Tattoo vampire

- Morning final

- Tenderloin

- Debbie Denise

Quarto álbum da carreira desses nova-iorquinos com muita bagagem, devido à longa existência como grupo ao longo do tempo. Não é o melhor, mas representa a sua filosofia de trabalho. O hard rock em que se movimentaram bem tinha referências esotéricas na temática de suas letras, uma marca registrada, adotaram até um símbolo que aparecerá em todas as suas pastas, ora visíveis, ora escondidos e que se tornará o logotipo oficial da banda , (que lembra vagamente uma suástica), foram equiparados a uma seita por seus detratores.

Nos anos 80, as novas estéticas e novas tendências da New Wave Of British Heavy Metal (NWOBHM) não passavam pela sua porta. O som deles ficará mais pesado, mas a musa de sua magia original os abandona, fazendo com que nada volte a ser como era antes. Patti Smith , a punk, irá colaborar com eles já que está romanticamente ligada ao tecladista Allen Lanier. Já na década de 90 a sua carreira era errática com álbuns muito distantes no tempo e embora mantenham um ar aceitável, a verdade é que o seu momento já passou.

O álbum mostra uma banda que inquestionavelmente baseia sua força em guitarras poderosas com composições que na maioria das vezes duram no máximo 4 minutos, com uma estrutura simples, geralmente com refrão, em que são introduzidos brilhantes solos de guitarra levados a cabo por Bloom ou Roeser . Sem cair no fácil, alguns temas entram em território comercial, mas sem perder o interesse pelos desenvolvimentos originais.

Começa com uma música que nos mostra a assinatura do grupo ao contemplar guitarras pesadas e dominantes, mas dentro de estruturas com características semelhantes às dos Rolling Stones , mas com solos elétricos no centro da peça. True Confissões também segue de perto com um estilo de canto típico do próprio Jagger , com arranjos de rock and roll no piano utilizado por suas majestades. Depois vem Don't Fear the Reaper , um corte novo e flexível com o qual eles entrariam nas paradas e alcançariam grande sucesso nas rádios, traduzindo-se em vendas e shows notáveis. Apoiados em um violão que dedilha a mesma série, uma melodia bem tratada com bons teclados, um conjunto de coros vocais e um segundo violão que proporciona agressividade e força, eles encontram a chave para alcançar o sucesso rapidamente. Junto com alguma outra banda serão precursores do que se chamará "Guitarras Paralelas" , onde duas guitarras líderes tocarão os solos juntas, obtendo resultados surpreendentes quando ninguém acreditava que o recurso estava correto.

Esta não é apenas uma típica banda de hard rock, o que os diferencia é o tratamento que dão às melodias. Afastam-se do primitivismo do hard rock mais purista, estabelecendo melodias que contêm harmonias e arranjos trabalhados com seriedade, principalmente com piano muito incisivo. Em algumas ocasiões encontraremos até a surpresa de um troço de vento. Os teclados assumem o controle em algumas fases permitidas pelas guitarras, como em Tenderloin , música onde as guitarras são seguradas para que Lanier conduza, construindo a parte principal que leva a uma segunda em que Bloom e Roeser explodem sensacionalmente. Sem falar em Debbie Denise , talvez o ponto mais fraco do álbum, construído sobre sintetizadores com violões no acompanhamento, onde se ouve um mellotron e a voz em falsete de Bouchard.

Certamente não é um dos melhores e mais sólidos trabalhos da banda, oferece luzes e sombras ao longo de seus sulcos, poupando ao mobiliário alguns lampejos de interesse. Poderíamos dizer que no momento em que foi criado estava na órbita de bandas country como JOURNEY ou KANSAS , lembrando em fragmentos alguns lúcidos ZEPPELIN.

The Electric Flag: Old Glory - The Best Of Electric Flag 1995 + The Trip (Original Soundtrack) 2011

 

The Electric Flag foi uma banda americana de soul rock, liderada pelo guitarrista Mike Bloomfield, o tecladista Barry Goldberg e o baterista Buddy Miles, e contando com outros músicos como o vocalista Nick Gravenites.

e o baixista Harvey Brooks. Bloomfield formou o Electric Flag em 1967, após sua passagem pela Butterfield Blues Band. A banda atingiu seu auge com o lançamento de 1968, A Long Time Comin', uma fusão de estilos de rock, jazz e R&B que teve bom desempenho na parada de álbuns pop da Billboard. Sua gravação inicial foi a trilha sonora de The Trip, um filme sobre uma experiência com LSD de Peter Fonda, escrito por Jack Nicholson e dirigido por Roger Corman.
                                               

Com seu apreço pelo blues, soul e R&B, Bloomfield queria criar seu próprio grupo

apresentaria o que ele chamou de "música americana". Ele foi inspirado não apenas pelas big band blues de BB King, T-Bone Walker e Guitar Slim (Eddie Jones), mas também pelos sons soul contemporâneos de Otis Redding, Steve Cropper, Booker T. & the MG's e outros. Artistas de gravação da Stax. Ele também se inspirou nas formas tradicionais de country, gospel e blues.
                                      

Inicialmente chamada de American Music Band, Bloomfield organizou a banda que ficaria conhecida como

The Electric Flag na primavera de 1967, não muito depois de ele produzir uma sessão com o gaitista de blues de Chicago, James Cotton, que apresentava uma seção de sopros. Bloomfield decidiu que sua nova banda também teria trompas e tocaria um amálgama da música americana que ele amava.
                             

Sua estreia ao vivo foi no Monterey Pop Festival de 1967 (embora eles não tenham aparecido no documentário do evento; eles aparecem nas cenas bônus da versão em DVD), mas seu primeiro álbum de estúdio propriamente dito não foi lançado. até a primavera de 1968.
                                 

A Long Time Comin' foi um assunto errático, anterior a Blood, Sweat & Tears e Chicago como uma espécie de tentativa de um som de rock de big band. Chamar isso de uma das primeiras apresentações do jazz-rock não é exatamente correto; era

mais como a psicodelia soul-rock do final dos anos 60 que às vezes (mas nem sempre) empregava trompas proeminentes. Na verdade, às vezes nem sempre soava como o trabalho da mesma banda - ou, pelo menos, você poderia dizer que parecia dividido entre o blues-rock, o soul-rock e as influências psicodélicas da Califórnia. O sucesso do álbum é ainda mais difícil de julgar à luz do fato de que Gravenites realmente não era um vocalista de primeira linha e que as habilidades instrumentais dos membros da banda ofuscavam suas habilidades de composição.
                                          

O álbum era promissor o suficiente para merecer uma exploração mais aprofundada, mas ele mal havia sido lançado

NICK GRAVENITES

antes que a bandeira começasse a cair. Goldberg saiu, seguido logo por Bloomfield, o componente mais importante da visão do grupo. Uma banda fragmentada gravou um acompanhamento inferior, mas em 1969 o Electric Flag havia se separado. Eles se reuniram (com Bloomfield) em 1974 para um álbum produzido por Jerry Wexler que recebeu pouca atenção.
                                        

MIKE BLOOMFIELD

Uma reunião ocorreu em 1974, com o Electric Flag lançando The Band Kept Playing, mas a gravação não foi um sucesso comercial ou de crítica e a banda rapidamente se separou após vários meses de shows esporádicos. Esta formação da banda contou com Bloomfield, Goldberg, Miles e Gravenites, junto com o novo membro Roger Troy no baixo e na voz.

MEMBROS

                                             

Mike Bloomfield - guitarra solo, voz (1967-1968, 1974; falecido em 1981)
Barry Goldberg - teclado (1967, 1974, 2007)
Harvey Brooks - baixo (1967-1969)
Buddy Miles - bateria, voz (1967-1969, 1974; morreu em 2008)
Nick Gravenites - guitarras rítmicas, vocais (1967-1969, 1974, 2007)
Peter Strazza - saxofone (1967-1969)
Marcus Doubleday - trompete (1967-1969)
Michael Fonfara - teclados (1967; falecido em 2021)
Herbie Rich - teclados, saxofone (1967–1969; falecido em 2004)
Stemsy Hunter - saxofone (1968–1969, 2007)
John Simon - teclados, arranjador (1969)
Roger Troy - baixo, voz (1974)

Electric Flag – Old Glory: The Best Of Electric Flag
Etiqueta: Legacy – CK 57629, Columbia – CK 57629
Série: Rock Artifacts From The Vaults Of Columbia/Epic Records
Formato: CD, Compilação
País: EUA
Lançado: 1995
Gênero: Rock, Blues
Estilo: Blues Rock

TRACKS

                                                                        

01. Killing Floor   4:11
Written-By – C. Burnett
02. Groovin' Is Easy   3:06
Written-By – R. Polte
03. She Should Have Just   5:03
Written-By – R. Polte
04. Goin' Down Slow   4:45
Written-By – J. Oden
05. Texas   4:47
Written-By – B. Miles, M. Bloomfield
06. Sittin' In Circles   4:16
Written-By – B. Goldberg
07. You Don't Realize   4:58
Written-By – M. Bloomfield
08. Movie Music-Improvisation   3:55
Written-By – J.Simon, Electric Flag
09. Another Country   4:04
Written-By – R. Polte
10. Easy Rider   5:32
Written-By – M. Bloomfield
11. Soul Searchin'   2:57
Written-By – B. Miles
12. See To Your Neighbor   2:42
Written-By – N. Gravenites
13. With Time There Is Change   3:15
Written-By – H. Brooks
14. Nothing To Do   4:19
Written-By – H. Brooks, N. Gravenites
15. Hey Little Girl   2:36
Written-By – N. Gravenites
16. Drinkin' Wine   2:28
Arranged By – M. Bloomfield/Written-By – Trad.
17. The Night Time Is The Right Time   5:26
Written-By – L. Carr

NOTES

                                        

Tracks 1, 5, 9, 10: Recorded Jan. 1968 A Long Time Comin' (CS 9597)
Track 2: Recorded July 1967 A Long Time Comin' (CS 9597)
Tracks 3, 7: Recorded Sept. 1967 A Long Time Comin' (CS 9597)
Track 4: Recorded Sept. 1967 Bonus track on CD release of A Long Time Comin' (CK 9597)
Track 6: Recorded Sept. 1967
Track 8: Recorded Dec. 1967
Tracks 11, 13, 15: Recorded June 1968 An American Music Band (CS 9714)
Track 12: Recorded Aug. 1968
Track 14: Recorded Aug. 1968 An American Music Band (CS 9714)
Tracks 16 & 17: Recorded live at The Monterey Pop Festival, Saturday afternoon, June 17, 1967

MUSICA&SOM

THE TRIP - ORIGINAL SOUNDTRACK

                                                                                             

Um dos maiores filmes de exploração de todos os tempos, The Trip foi a “visão” de Peter Fonda e Jack Nicholson (que escreveu o roteiro original). O filme finalizado não saiu exatamente do jeito que Fonda e Nicholson queriam, mas certamente teve seus momentos... todos em cores psicodélicas. Essa, a trilha sonora, também foi muito legal. Ele contém as primeiras gravações de estúdio do Electric Flag, o arrogante conjunto de soul/jazz/rock de Michael Bloomfield.
Escrever e tocar músicas alucinantes estava um pouco distante da área desse excelente conjunto (eles eram, na verdade, uma banda séria e descolada), mas tiveram um sucesso admirável. Considerando que foi lançado pela Sidewalk Records de Mike Curb (uma subsidiária da Capitol) e era um filme da American International, alguém se pergunta se o Flag viu algum dinheiro com isso? Não importa, já que algumas músicas são excelentes.
                                       

"Fine Jug Thing" e "Peter Gets Off" são rocks selvagens e jazzísticos, que marcam perfeitamente as aventuras de Fonda na Sunset Strip/viagem. O encerramento do álbum, "Gettin' Hard", é uma variação de "Hoochie Coochie Man" e encerra o álbum em um estilo funky. Além disso, há alguns esforços iniciais do pioneiro dos sintetizadores Paul Beaver, como "Synesthesia", que é bastante semelhante ao trabalho de David Bowie nos projetos Man Who Fell to Earth/Low - oito anos depois.
(Por Matthew Greenwald)
                                                

The Electric Flag – The Trip (trilha sonora do filme original)
Gravadora: Reel Time – RTCD1002
Formato: CD, álbum, reedição, remasterizado, lançamento não oficial
País: EUA
Lançado: 2011
Gênero: Rock, palco e
estilo de tela: Trilha sonora, Blues Rock

TRACKS

                                         

01. Peter's Trip    2:32
02. Joint Passing    1:04
03. Psyche Soap    0:52
04. M-23    1:12
05. Synesthesia    1:45
06. A Little Head    1:44
07. Hobbit    1:08
08. Inner Pocket    3:35
09. Fewghh    0:58
10. Green And Gold    2:45
11. The Other Ed Norton    2:51
12. Flash, Bam, Pow    1:26
13. Home Room    0:52
14. Peter Gets Off    2:23
15. Practive Music    1:25
16. Fine Jung Thing    7:25
17. Senior Citizen    2:56
18. Gettin' Hard    4:02

MUSICA&SOM