D'Atra Hicks é o álbum solo de estreia da atriz e cantora americana D'Atra Hicks , lançado em 1989 pela Capitol Records. Alcançou a posição # 63 nas paradas de R&B dos EUA.
Tracks
1 Sweet Talk(Gary V Brown; Steve Cullo) 04:57 2 You Make Me Want To Give It Up (Liz Jackson; Narada Michael Walden) 04:41 3 Something About You (Narada Michael Walden; Walter Afanasieff) 04:26 4 Palm Of Your Hand (Jon Rosen; Karen Manno) 04:14 5 Until Forever (Glen Ballard; James Newton Howard; Narada Michael Walden) 04:09 6 Love And Happiness (Al Green; Mabon Hodges) 03:48 7 Heart Of Gold (Jeffrey Cohen; Narada Michael Walden) 04:56 8 I Wanna Be Loved (Jeff Koz; Richard Ellison) 04:28 9 If My Heart Could Lie (Karin Patterson; Kevin O’Neal) 04:24 10 Wait (Elliot Wolff) 03:29 11 One Touch (Leads To Another) (D’Atra Hicks; Gary V Brown; Kery Davis; Steve Cullo) 05:14 12 Everything I Feel (Jon Rosen; Karen Manno) 05:01 13 Sweet Talk (Extended Mix) (Gary V Brown; Steve Cullo) 08:00
Musicians
1 Sweet Talk
Bass
Walter Afanasieff
Drums (programming)
Walter Afanasieff
Keyboards
Walter Afanasieff
Synthesizer
Walter Afanasieff
Synthesizer
Ren Klyce
Background Vocals
Claytoven Richardson
Background Vocals
Kitty Beethoven
Background Vocals
Skyler Jett
Background Vocals
Liz Jackson
Vocals
D’Atra Hicks
2 You Make Me Want To Give It Up
Bass
Walter Afanasieff
Drums (programming)
Walter Afanasieff
Keyboards
Walter Afanasieff
Synthesizer
Walter Afanasieff
Synthesizer
Ren Klyce
Background Vocals
Melisa Kary
Background Vocals
Skyler Jett
Vocals
D’Atra Hicks
3 Something About You
Bass
Walter Afanasieff
Drums (programming)
Walter Afanasieff
Keyboards
Walter Afanasieff
Synthesizer
Walter Afanasieff
Synthesizer
Ren Klyce
Background Vocals
Kitty Beethoven
Background Vocals
Melisa Kary
Background Vocals
Skyler Jett
Vocals
D’Atra Hicks
4 Palm Of Your Hand
Drums
Odeen Mays
Drums
Randy Cantor
Guitar
Randy Bowland
Keyboards
Odeen Mays
Keyboards
Randy Cantor
Vibraphone
Odeen Mays
Background Vocals
Cynthia Biggs
Background Vocals
Christopher Walker
Background Vocals
Regina Belle
Background Vocals
Steve Wise
Vocals
Peabo Bryson
Vocals
D’Atra Hicks
5 Until Forever
Bass
Walter Afanasieff
Drums (programming)
Walter Afanasieff
Guitar
Vernon Black
Keyboards
Walter Afanasieff
Synthesizer
Walter Afanasieff
Synthesizer
Ren Klyce
Cymbal
Gigi Gonaway
Background Vocals
Claytoven Richardson
Background Vocals
Kitty Beethoven
Vocals
Evan Rogers
Vocals
D’Atra Hicks
6 Love And Happiness
Drums
Jim Salamone
Guitar
Randy Bowland
Keyboards
Curt Dowd
Keyboards
Donald Robinson
Keyboards
Jim Salamone
Keyboards
Odeen Mays
Keyboards
Randy Cantor
Background Vocals
Annette Hardeman
Background Vocals
Charlene Holloway
Background Vocals
Cynthia Biggs
Vocals
D’Atra Hicks
7 Heart Of Gold
Bass
Walter Afanasieff
Drums (programming)
Walter Afanasieff
Guitar
Corrado Rustici
Keyboards
Walter Afanasieff
Synthesizer
Walter Afanasieff
Synthesizer
Ren Klyce
Sax
Marc Russo
Background Vocals
Claytoven Richardson
Background Vocals
Kitty Beethoven
Background Vocals
Melisa Kary
Background Vocals
Skyler Jett
Vocals
D’Atra Hicks
8 I Wanna Be Loved
Drums
John Benitez
Drums (programming)
Walter Afanasieff
Guitar
Felicia Collins
Synthesizer
David LeBolt
Synthesizer
Ed Terry
Sax
Lenny Pickett
Trumpet
Randy Brecker
Percussion
John Benitez
Background Vocals
Alfa Anderson
Background Vocals
Fonzi Thornton
Background Vocals
Miriam Hicks
Background Vocals
Robin Clark
Vocals
D’Atra Hicks
9 If My Heart Could Lie
Bass
Doug Grigsby
Drums
Daryl Burgee
Guitar
Randy Bowland
Fender Rhodes
Donald Robinson
Synthesizer
Randy Cantor
Percussion
Daryl Burgee
Background Vocals
Annette Hardeman
Background Vocals
Charlene Holloway
Background Vocals
Cynthia Biggs
Background Vocals
Barbara Ingram
Background Vocals
Carla Benson
Background Vocals
Evette Benton
Vocals
D’Atra Hicks
10 Wait
Drums (programming)
Elliot Wolff
Guitar
Mike Landau
Keyboards
Elliot Wolff
Synthesizer
Elliot Wolff
Background Vocals
Delisa Davis
Background Vocals
Melanie Jackson
Vocals
D’Atra Hicks
11 One Touch (Leads To Another)
Drums (programming)
Gary V Brown
Drums (programming)
Steve Cullo
Guitar
Mike Ciro
Acoustic Guitar
Andy Bloch
Keyboards
Wesley Naylor
Keyboards
Gary V Brown
Keyboards
Steve Cullo
Background Vocals
Miriam Hicks
Background Vocals
Will Downing
Vocals
Gary V Brown
Vocals
D’Atra Hicks
12 Everything I Feel
Bass
Doug Grigsby
Drums
Daryl Burgee
Guitar
Randy Bowland
Fender Rhodes
Donald Robinson
Synthesizer
Randy Cantor
Percussion
Daryl Burgee
Background Vocals
Annette Hardeman
Background Vocals
Charlene Holloway
Background Vocals
Cynthia Biggs
Background Vocals
Barbara Ingram
Background Vocals
Carla Benson
Background Vocals
Evette Benton
Vocals
D’Atra Hicks
13 Sweet Talk (Extended Mix)
Bass
Walter Afanasieff
Drums (programming)
Walter Afanasieff
Keyboards
Walter Afanasieff
Synthesizer
Walter Afanasieff
Synthesizer
Ren Klyce
Background Vocals
Claytoven Richardson
Background Vocals
Kitty Beethoven
Background Vocals
Skyler Jett
Vocals
D’Atra Hicks
Liner Notes
Producer – Narada Michael Walden (Tracks 1, 2, 3, 5, 7, 13) Producer – Nick Martinelli (Tracks 4, 6, 9, 12) Producer – John Benitez (Track 8) Producer – Gary Brown, Wesley Naylor (Track 10) Co-producer – Walter Afanasieff (Tracks 1, 3, 7) Co-producer – D’Atra Hicks, Kery D. Davis, Steve Cullo (Track 11) Co-producer (Additional) – Jeff Lorber (Track 13) Arranged By – Curt Dowd Jr, Jim Salamone, Nick Martinelli (Tracks 4, 6) Arranged By (Backing Vocals) – Skyler Jett (Tracks 2, 3) Arranged By (Horns, Strings) – Rick Kerber, Ron Kerber (Tracks 9, 12) Arranged By (Strings) – Wayne Lewis (Track 11) Arranged By (Vocals) – Wesley Naylor (Track 10) Edited By (Additional) – Scott Folks Engineer – David Frazer (Tracks 1, 2, 3, 5, 7, 13) Engineer – Bruce Weeden (Tracks 4, 6, 9, 12) Engineer – Dave McNair (Track 8) Engineer – Glenn Barratt (Tracks 9, 12) Engineer – Craig Burbidge, Dave Koenig, Elliot Wolff (Track 10) Engineer – Iris Cohen, Jim Singer, Mike Harlow, Rory Young (Track 11) Engineer (Remix) – Jeff Lord-Alge (Track 13) Engineer (Assistant) – Dana Jon Chappelle (Tracks 1, 2, 3, 5, 7, 13) Engineer (Assistant) – Chris Bubacz, Joe Pirrera (Track 8) Engineer (Assistant) – Adam Silverman, Al Vaggnoli, John Sullivan, Rick Spackman, Sal Viarellie Engineer (Assistant) – Barry Conley, Gregg Barrett (Track 10) Mixed By – David Frazer (Tracks 1, 2, 3, 5, 7, 13) Mixed By – Dave McNair, John Benitez (Track 8) Mixed By – Craig Burbidge (Track 10) Remix – T.C. (Track 13)
Art Direction – Tommy Steele Design – Glenn Sakamoto Photography – Adrian Buckmaster
Recorded At Tarpan Studios Recorded At Sigma Sound Studios Recorded At The Hit Factory Recorded At Aire L.A. Studios Recorded At The Sound Factory Recorded At Acme Recording Studios Recorded At The Sandbox Studios Recorded At Minot Sound Phonographic Copyright Capitol Records Inc Copyright Capitol Records Inc
Pearl Days é o quinto álbum de estúdio da cantora italiana Elisa . O álbum foi lançado em 15 de outubro de 2004 e estreou em segundo lugar na parada de álbuns italiana. Pearl Days é um álbum de rock que ecoa o álbum de estreia de Elisa, Pipes & Flowers. O álbum ganhou dupla platina na Itália.
O primeiro single do álbum foi o single promocional "Together", seguido pelo single promocional "The Waves". O último single foi o hit “Una poesia anche per te (Life Goes On)”. Esta canção estreou na sétima posição no Italian Singles Chart e logo chegou à primeira posição, tornando-se o single italiano mais vendido de 2005 por uma artista feminina.
Tracks
1 Together (Elisa Toffoli) 04:21 2 Better Words (Elisa Toffoli) 03:19 3 Pearl Days (Elisa Toffoli) 04:22 4 Life Goes On (Elisa Toffoli) 05:15 5 Joy (Elisa Toffoli; Glen Ballard) 03:27 6 Written In Your Eyes (Elisa Toffoli; Glen Ballard) 04:08 7 City Lights (Elisa Toffoli) 03:52 8 In The Green (Elisa Toffoli) 04:52 9 I Know (Elisa Toffoli) 04:11 10 The Waves (Elisa Toffoli) 04:21 11 Una Poesia Anche Per Te (Life Goes On) (Elisa Toffoli) 05:26
Musicians
Bass
Jimmy Johnson
Bass
Lance Morrison
Bass
Sean Hurley
Drums
Matt Chamberlain
Guitar
Mike Landau
Guitar
Tim Pierce
Guitar
Glen Ballard
Chamberlin
Benmont Tench
Keyboards
Glen Ballard
Keyboards
Randy Kerber
Keyboards
Elisa Toffoli
Organ
Benmont Tench
Piano
Randy Kerber
Piano
Benmont Tench
Piano
Elisa Toffoli
Programming
Jez Collins
Percussion
Matt Chamberlain
Vocals
Elisa Toffoli
Other Musicians
Bass – Don Ferrone (Tracks 4, 10) Cello – Maurice Grants, Paula Hochhalter (Tracks 4, 10) Viola – Andrew Duckles (Tracks 4, 10) Violin – Josefina Vergara, Michele Richards (Tracks 4, 10)
Liner Notes
Producer – Glen Ballard Arranged By (Strings) – Suzie Katayama (Tracks 4, 10) Conductor – Suzie Katayama (Tracks 4, 10) Coordinator – Stephanie Kubiak, Jolie Levine-Aller Edited By – Stewart Whitmore Engineer (Assistant) – Kevin Mills, Mark Valentine Mastered By – Stephen Marcussen Mixed By – Bill Malina Mixed By (Vocals) – Roberto Rosu (Track 11) Recorded By – Scott Campbell, Bill Malina Recorded By (Vocals) – Roberto Rosu (Track 11)
Artwork – Studio Convertino & Designers Photography – Fabio Lovino
Edited At Marcussen Mastering Mixed At Aerowave Studios Recorded At Henson Recording Studios Recorded At Studio Quattro 1, Roma Phonographic Copyright Sugar s.r.l.
Francisco Buarque de Hollanda (Rio de Janeiro, 19 de junho de 1944), mais conhecido como Chico Buarque , é um poeta, músico, compositor, dramaturgo e romancista brasileiro.
É conhecido principalmente por suas canções de harmonia refinada, em parte devidas a Antonio Carlos Jobim , e por suas letras, que vão desde temas intimistas até questões como a situação cultural, econômica e social do Brasil. Ao longo de sua vida alternou sua carreira musical com a de romancista e dramaturgo.
A estreia pública de Buarque como músico e compositor ocorreu em 1964 e logo ganhou notoriedade através da participação em festivais de música e programas de televisão. Seu primeiro álbum, Chico Buarque , mostrou o trabalho que estava por vir, com sambas cativantes, caracterizados por jogos de palavras criativos e uma corrente de nostalgia trágica.
Sua crescente atividade política contra a ditadura militar brasileira lhe rendeu a prisão em 1968 e o levou ao exílio na Itália em 1969. Chico Buarque retornou ao Brasil em 1970, onde usou sua fama e habilidade para escrever canções como protesto contra a ditadura. Nessa época seu single de protesto (levemente disfarçado) “Apesar de você” de alguma forma passou despercebido pela censura militar e se tornou o hino do movimento democrático. Depois de vender 100 mil cópias, o single acabou sendo censurado e todas as cópias foram retiradas do mercado. Embora seja verdade que as suas letras também abordam questões de carácter mais pessoal, com um ar subtil e num contexto musical profundo e requintado.
***
Chico Buarque não se alistou em nenhum dos dois movimentos da década de 60 no Brasil: a bossa nova e o tropicalismo. Embora ele evidentemente mantivesse laços com ambos.
Em 1966, a música "A banda" estava pronta para ser apresentada por Nara Leão no festival de Música Popular Brasileira da TV Record . Mas no último minuto o produtor decidiu deixar Chico cantá-la. “A Banda” foi uma explosão, a música pop do ano. Chico foi elogiado pela crítica, adorado pelas câmeras e dando autógrafos. O astro tinha 22 anos, morava “em uma boate” e para dar entrevistas fingia morar no Copacabana Palace: a produtora alugou para ele uma suíte para as reportagens.
As músicas deste EP (na verdade, a primeira gravação) também foram incluídas no primeiro álbum, lançado em 1966.
Minha única gripe com 2112 é que sinto que o pico é muito cedo. A faixa título, um épico rock de 20 minutos que ocupa todo o A-Side, é uma das melhores músicas que já ouvi. O que vem depois disso, porém, realmente não se compara. Não me interpretem mal, nada do que está aqui é ruim - caramba, eu adoro coisas como "Passage to Bangkok" e a surpreendentemente emocional "Tears", mas se você está vindo logo atrás de uma das faixas mais lendárias da história do prog , então você sempre terá alguns erros e oportunidades perdidas em comparação.
Um álbum incrível, o pensamento inovador e as ideias inventivas exibidas pelo Rush até agora, antes de se tornar comum na música, são muito legais...
Um clássico da banda que nasceu numa época interessante mas que já entrava num certo declínio dentro das linhas progressivas porque o género estava a ser sobreexplorado e o surgimento do Punk entrava com força, eram tempos diferentes e a vanguarda O conceito -garde estava se desgastando, porém muitas bandas ainda contavam com uma imensa criatividade e é por isso que a aura do ART ROCK continuava a arder. O Rush havia trilhado um caminho ligado às posições do Hard Prog e após o fracasso comercial de seu último álbum , "Caress of Steel", a banda decidiu jogar pelo seguro e propôs uma nova fórmula, concebendo assim o clássico 2112 ; Este álbum tinha muita vitalidade e qualidades incríveis, em parte foi um trabalho inspirador e fonte de influência para as gerações futuras. O álbum foi concebido sob a visão da “vanguarda” e das posições do progressismo, portanto podem ser vistos dois lados bem marcados, o primeiro nos mostrou uma suíte composta por 7 partes com fundo conceitual (uma microópera rock) e a segunda 5 músicas com tons mais digeríveis, preservando a essência do Hard Prog mas sem tantas reviravoltas, foi um álbum equilibrado e muito digerível, o trabalho não decantou em posições complexas e arranjos abarrotados de fantasia platinada. Foi um álbum com personalidade que manteve a sua postura Hard Rock mas que bebeu um pouco daquela fonte que já estava estabelecida há anos e mesmo quando estava num ponto de "colapso final" a banda soube gerir o rumo e conseguiu para levá-lo ao próximo nível certo, o resultado disso foi que a banda amadureceu e nos deu um álbum épico, bem construído e com uma de suas melhores propostas, o Rush havia alcançado o sucesso, mas ainda estava no auge de sua carreira. , que viria mais tarde e a partir daí seria mais uma daquelas manifestações para o surgimento do metal progressivo.
Arte interna de 2112 mostrando Rush
Minhas impressões sobre esse álbum são boas, mas não tão altas se comparadas ao universo em que eu estava imerso naquela época, porém foi com esse álbum que minha percepção sobre o Rush mudou e embora na primeira vez que ouvi esse pastiche pesado/progressivo eu não consegui Para digeri-lo em toda a sua dimensão, uma das coisas que me atraiu foi o trabalho vocal de Geddy Lee, mas depois de repetidas sessões pude perceber que nem tudo estava perdido, o álbum teve uma ótima performance e a execução instrumental foi bem feita . As mudanças e arranjos que o trabalho vocal de Lee teve mais ele concebeu um trabalho ÉPICO que mais do que cumpriu o objetivo desejado e que é que o lado A é uma força enraizada em sons proto-metal enquanto o lado B é um Hard Rock sólido dos anos 70, portanto havia uma conexão muito forte, tudo no álbum era uma fantasia pesada transportada para um terreno iluminado que explodia em riffs selvagens, mudanças de ritmo/tempo e um conceito de natureza ARTI portanto adquiriu um "peso" extra que se tornou um álbum que superou o CULT , a banda conseguiu subir para o oeste. Uma experiência verdadeiramente enriquecedora: "o volume acima tocando impiedosamente 2112... uma voz ao longe dizendo para diminuir o volume." Vejo você em breve novamente.
Minidados: *Na capa interna do vinil original aparece uma nota ao lado da suíte titular reconhecendo os paralelos entre sua história e o romance “Anthem” de Ayn Rand (traduzido para o espanhol com o título ¡Vivir!). Suas letras, como quase todas as letras do Rush desde sua incorporação à banda, foram escritas pelo baterista Neil Peart.
*A banda, ainda sob pressão da gravadora (Mercury Records) para não fazer outro álbum conceitual (após o fracasso comercial de seu último álbum, "Caress of Steel", que continha duas dessas músicas), continuou com a ideia . original e compôs aquela que é considerada sua primeira obra-prima. O álbum foi o primeiro do Rush a entrar nas paradas dos "Top Pop Albums" nos Estados Unidos e alcançar vendas de discos de ouro em 16 de novembro de 1977 (enquanto promovia seu próximo álbum, "A Farewell to Kings"). O álbum ganhou disco de platina em 25 de fevereiro de 1981, logo após o lançamento de seu clássico "Moving Pictures".
01. 2112 a). Overture b). The Temples of Syrinx c). Discovery d). Presentation e). Oracle: The Dream f). Soliloquy g). Grand Finale 02. A Passage to Bangkok 03. The Twilight Zone 04. Lessons 05. Tears 06. Something for Nothing
2112: A história No ano de 2062, após uma guerra galáctica, os planetas foram unidos sob o domínio da “Estrela Vermelha da Federação Solar”. O mundo está sob o controle de computadores chamados “templos”, que regem assuntos de literatura, música e pintura. Neste mundo “pré-fabricado” um homem, protagonista da história, descobre um instrumento conhecido numa época remota como violão. O homem começa a dedilhar as cordas e a brincar com os botões e descobre que tem a capacidade de criar sua própria música, muito diferente daquela dos templos. O homem apresenta a sua descoberta aos “sacerdotes” do templo de Syrinx mas, para sua surpresa, os sacerdotes destroem o instrumento, pois não se enquadra no plano da Federação Solar.
O protagonista retorna à caverna onde descobriu o violão e, em sonho, é guiado a uma terra de tão imensa beleza que, ao acordar, o homem não acredita que a visão tenha sido apenas uma fantasia. Ficando cada vez mais deprimido a cada hora depois de passar vários dias na caverna, o homem finalmente decide que não pode mais fazer parte da Federação e tira a vida. Ao mesmo tempo começa uma grande batalha interplanetária e no final da suíte ouve-se uma voz dizendo: “atenção, planetas da Federação Solar: assumimos o controle”, deixando o final da história ambíguo, talvez deliberadamente.
2112 começa com “Abertura”, um longo movimento instrumental no final do qual se ouve o verso “e os humildes herdarão a Terra”, uma citação do Novo Testamento. Esta abertura contém uma adaptação para violão de uma conhecida passagem musical da abertura de 1812 de Tchaikovsky.
Os Sacerdotes: O segundo movimento, “Os Templos de Syrinx”, apresenta um contraste imediato com a linha acima, ao apresentar os vilões arrogantes da história, os sacerdotes do templo de Syrinx. Eles são caracterizados nas letras por sua soberba declamação: “todos os presentes da vida são encontrados dentro de nossas paredes”. [1] Os sacerdotes governam a Terra e foram eles que, depois da guerra, uniram as colónias humanas sobreviventes sob a Estrela Vermelha da Federação Solar, e supostamente sob princípios de igualdade e fraternidade – a referência bíblica na abertura parece aludir à complacência da humanidade sob o domínio dos sacerdotes e da Federação Solar.
A voz cantada de Geddy Lee, cujo registo é atipicamente agudo, é ouvida neste movimento de forma quase estridente e processada com muitos efeitos, como parte da caracterização dos padres. Sua voz é ouvida com mais naturalidade no movimento seguinte, ao apresentar o protagonista.
O Protagonista : O terceiro movimento, “Discovery”, apresenta o protagonista e narra sua descoberta do violão dentro de uma caverna remota. Alex Lifeson começa com uma passagem simples que avança em complexidade, ilustrando o progresso do protagonista à medida que aprende a tocar o instrumento.
Confiante de que sua descoberta causará uma impressão favorável aos padres, o protagonista mostra-lhes o violão no quarto movimento, “Apresentação”. O diálogo entre o protagonista e os padres se reflete musicalmente no estilo delicado do violão e na voz clara do cantor como o “homem”, contrastando o estilo “pesado” e a voz mais estridente que correspondem aos padres, que terminam destruindo o instrumento dizendo que era “apenas mais um brinquedo que contribuiu para a destruição da antiga raça dos homens”.
O protagonista volta para casa deprimido e no quinto movimento, “Oráculo: O Sonho”, ele tem um sonho onde um oráculo o leva em uma viagem para visitar a “terra maravilhosa” da raça antiga, adornada com “o trabalho dos habilidosos”. mãos." O protagonista fica deslumbrado com a sua beleza e esplendor, e com a forma como os seus habitantes eram livres para fazer e criar o que quisessem. Além disso, em seu sonho ele vê o poder da raça antiga aumentando e seus preparativos para retornar ao presente e destruir os templos.
No sexto movimento, “Soliloquio” (“Soliloquy”), o protagonista acorda perturbado ao perceber que aquele mundo perfeito nunca existirá para ele, e tira a vida na caverna onde descobriu o violão, incapaz de suportar um vida sem as maravilhas que, como ele descobriu, a raça humana é capaz de criar. O sétimo movimento, “Grand Finale”, é instrumental e termina com a frase “atenção, planetas da Federação solar: assumimos o controle”. Alguns fãs interpretam este final como um indicador do retorno triunfante da raça antiga, enquanto outros concluem que representa o poder absoluto dos sacerdotes, uma vez destruído o seu último dissidente.
A banda, pressionada pela gravadora para não compor outro álbum conceitual (após o fracasso comercial de seu último álbum, “Caress of Steel”, que continha duas dessas músicas), deu continuidade à ideia original e compôs o que é considerado sua primeira obra-prima. O álbum foi o primeiro do grupo a entrar no Top 100 dos EUA e alcançar vendas de discos de ouro em 16 de novembro de 1977 (junto com o álbum seguinte, “A Farewell to Kings” e “All the World's a Stage”. ”O álbum ganhou disco de platina em 25 de fevereiro de 1981, logo após o lançamento de seu clássico “Moving Pictures”.
Ma é a palavra japonesa usada para identificar um espaço ou pausa entre duas partes. Sugere intervalo, une uma coisa a outra. Ma é também o segundo disco do quinteto paulistano Huey, sucessor do aclamado Ace, de 2014.
Quatro anos se passaram, e Ma, sob a perspectiva do Huey, é mais que intervalo: é conexão. Em 8 faixas, o disco nos traz variadas possibilidades de preencher o vazio e o espaço com riqueza instrumental, além de demonstrar trânsito fácil entre o peso e a sutileza. Muita teoria? Então imagina o silêncio valorizado pelas entradas e saídas das guitarras incandescentes de Vina, Dane e Minoru e pela cozinha furiosa de Vellozo (baixo) e Rato (bateria), evidenciado pela produção do norte-americano Steve Evetts (The Dillinger Escape Plan, Sepultura, The Cure), que capturou o vigor espontâneo da banda e o expandiu em camadas ainda mais definidas. A masterização, a cargo de Alan Douches (Baroness, Year of No Light, Earth), deixa a propulsão sonora do Huey ainda mais explícita.
Com um segundo álbum, as marcas próprias de uma banda se tornam mais nítidas, e uma que sobressalta no Huey são as admiráveis mudanças de dinâmica em cada música. Como se cada faixa se desmembrasse em três, quatro, cinco estruturas próprias, autônomas, mas que quando ouvidas juntas, estabelecem um corpo sonoro único e diferente. Um soco de vitalidade proposto em riffs rasgados, acordes proeminentes e graves em plena combustão com as batidas. É uma exaltação à criatividade permitida pela música, que consegue contar histórias diferentes a partir de bases comuns.
E qual história o Huey quer contar com as músicas de Ma? A julgar pelas emendas improváveis em cada compasso, conectando o que parecia então inconectável, assimilando o que é diferente sem colocar nele um véu de semelhança, é uma história de pluralidade e de reconhecimento das diferenças. Uma espécie de antagonismo às tendências, mas despretensioso. Quando o movimento mundial parece ser de se fechar em comunidades baseadas na concordância, inclusive na arte, o Huey propõe o apagamento de fronteiras como nota primordial de suas músicas.
O que traz peso, propulsão e relevância a uma música? Certamente é a forma com que melodias, linhas, batidas e riffs são costurados. Mas até que ponto as influências precisam traduzir, de maneira explícita, o som de uma banda? A resposta, em Ma, é imprevisível. Sabe aquele ponto imaginário onde o hard rock Sunset Strip se encontra com o nerdismo do Rush, com a brutalidade do Sepultura, com a visceralidade do Neurosis, com o experimentalismo do Faith No More? Com a delicadeza de Emma Ruth Rundle, a velocidade do thrash, com o sentimento calamitoso do Napalm Death, com a poesia do post rock e com a globalização do Asian Dub Foundation?
Acredite, esse imaginário é traduzido em canções. Mais especificamente, nas poderosas “Pei”, “Wine Again”, “Zero”, “Mar-Estar”, “Inverno Inverso”, “Adeus Flor Morta”, “Fogo Nosso” e “Mother’s Prayer”, que despertam peso a partir dos tempos, flertam com o blues e com o noise, abraçam o stoner e o doom como canal de comunicação do metal e fazem guitarra, baixo e bateria materializarem versos emocionantes, por vezes apoteóticos.
Dos repertórios distintos dos cinco amigos emerge uma identidade afeita à construção e à singularidade. O Huey assume uma personalidade cada vez mais… Huey. Com assinatura própria, a banda mostra um segundo disco confiante de seu ponto de partida e completamente aberto aos caminhos improváveis que a arte pode tomar. É o registro onde o quinteto lapida o peso de suas expressões mais desenfreadas e o reveza com momentos melancólicos e reflexivos, endossando a riqueza de emoções da vida.
FICHA TÉCNICA
Produzido por Steve Evetts
Gravado no Family Mob Studios por Steve Evetts
Mixado por Steve Evetts e masterizado por Alan Douches
Um daqueles “one-shots” bastante promissores embora falte uma certa carga de “PESADO” - pelo menos para o meu gosto - mas CUIDADO o que falta em “FORÇA” ganha em versatilidade composicional. A banda consegue equilibrar as coisas com a sua execução instrumental polida e os seus arranjos virtuosos, por isso o álbum consegue ascender através dos éteres mais apaixonados ao apresentar uma performance cativante ao adquirir uma dimensão avassaladora graças à alquimia dos seus mentores (Frank Zappa, Birth Control e Emerson Lake & Palmer) por isso a fórmula de Odin se desenvolve entre um Hard Prog melódico e um Jazz-Rock com certo sabor sinfônico; A sua “maquinação” revela-se repleta de momentos intensos: riffs eufóricos, solos de Hammonds, mudanças de tempo explosivas e uma certa loucura “zappiana” (Tribute To Frank).
Em resumo, este álbum é uma boa experiência mas não consegue decolar completamente, a falta de uma certa força e “dinamismo” em algumas frações da obra faz com que perca um certo encanto, porém, como havia dito antes, seu desempenho recompensa esses "penhascos" e faz de Odin um bom item de colecionador. Se gosta do som guitarra/órgão do início dos anos 70, este álbum deve estar presente para uma boa sessão porque estes alemães alcançam feitos sublimes como Life Is Only ou Clown, majestosas peças de artilharia progressiva que batem forte sem qualquer piedade.
Minhas impressões são boas, embora deva dizer que a princípio os considerei "debaixo do muro" porque não era o que eu poderia consumir naquela época em matéria musical, a atuação deles não me convenceu muito, mas com o passar do tempo comecei a pagar mais atenção a ele e em cada sessão pude perceber que emitia magia e que no longo prazo foi concebido como uma entidade melódica progressiva muito sugestiva; Hoje em dia é um álbum que costumo recorrer de vez em quando, a sua postura e a forma de criar música levam-me a experimentar um prazer caloroso. Dentro da sonoridade hammodelista isso se reflete bem, embora a virtualidade esteja presente, não se envolve em batalhas épicas mas está presente e isso detona um selo único no álbum, ou seja, o som insubstituível dos anos 70. Sem dúvida, uma experiência enriquecedora e uma eventual aventura sonora onde o maior feito é a fusão de conceitos e gadgets num vaivém de energia acumulada, não acreditem... ouçam Gémeos.
O álbum foi lançado pelo famoso (e agora altamente colecionável) selo Vertigo e recebeu o número de catálogo 6360, só foi lançado na Alemanha. Presumivelmente, concentraram-se na Europa continental e pouco mais se sabe sobre os seus futuros empreendimentos (se houver) na música. O álbum foi lançado em CD no início dos anos 90 pela gravadora alemã de repertório.
- Steve Kuhn - acoustic & electric pianos - Steve Swallow - electric bass - Jack DeJohnette - drums - Sue Evans - percussion - Manfred Eicher - producer
All tracks composed by Steve Kuhn. 01. Trance - 5:59 02. A Change Of Face - 4:58 03. Squirt - 3:00 04. The Sandhouse - 3:47 05. Something Everywhere - 7:47 06. Silver - 2:53 07. The Young Blade - 6:16 08. Life's Backward Glance - 3:08
D'Atra Hicks é o álbum solo de estreia da atriz e cantora americana D'Atra Hicks , lançado em 1989 pela Capitol Records. Alcançou a posição # 63 nas paradas de R&B dos EUA.
