MUSICA&SOM

segunda-feira, 26 de agosto de 2024

DISCOS QUE DEVE OUVIR - Hypocrisy - Penetralia 1992 (Sweden, Death Metal)

Hypocrisy - Penetralia 1992 (Sweden, Death Metal)

Artista: Hypocrisy
De: Suécia
Álbum: Penetralia
Ano de lançamento: 1992
Gênero: Death Metal
Duração: 42:02

Tracks:
Music composed by Hypocrisy, lyrics written by Masse Broberg.
01. Impotent God - 3:44
02. Suffering Souls - 3:26
03. Nightmare - 4:27
04. Jesus Fall - 3:26
05. God Is A... - 2:57
06. Left To Rot - 3:33
07. Burn By The Cross - 4:45
08. To Escape Is To Die - 3:53
09. Take The Throne - 5:19
10. Penetralia - 6:32

Personnel:
- Masse Broberg (Carl Magnus Broberg) - vocals
- Peter Tägtgren - guitar, keyboards (10), drums (01-03,05-08), vocals (10), producer
- Jonas Österberg - guitar
- Mikael Hedlund - bass
- Lars Szöke - drums (04,09,10)

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Grandfather - Dear Mr. Time (Progresseive Rock UK 1971)

Melody Maker 1971: “À medida que as concepções dos álbuns se tornam mais ambiciosas, os padrões de julgamento se tornam mais severos. Este aqui consegue. É um álbum para ouvir. As ideias incorporadas nas letras são imaginativas. A música é cuidadosamente costurada na fibra do álbum. Embora uma grande quantidade de instrumentos seja usada, não há nada que seja superficial. A maioria das músicas é escrita por Chris Baker (guitarra solo). Suas letras são simples e eficazes.”"Alguns dos melhores psych/prog rock saíram do Reino Unido na década de 1970. Dear Mr Time é uma banda que nunca fez sucesso, mas na minha opinião eles deveriam ter feito. É um álbum conceitual baseado na vida de um homem. Então, sim, talvez a ideia seja um pouco cafona agora, mas, ei, isso é de 40 anos atrás.

A musicalidade e os vocais são excelentes e uma variedade real de instrumentos é usada - típico da época. Bom trabalho de guitarra e teclado (mellotron?). Algumas músicas suaves, bem como alguns roqueiros baseados em riffs reais. Melhores faixas? Your Country Needs You, Make your Peace, Light up a Light e as assombrosas Years and Fortunes. Se você encontrar isso em vinil, compre - é um item de colecionador de verdade e vale a pena ouvir." Altamente procurado no circuito de colecionadores por muitos anos, o álbum Grandfather do Dear Mr. Time é um exemplo obscuro, mas genuinamente impressionante do som do rock psicodélico tardio/rock progressivo inicial britânico, firmemente na mesma linha de nomes como Moody Blues e King Crimson. Originalmente lançado em fevereiro de 1971 pela pequena gravadora independente Square Records, agora finalmente recebe uma primeira reedição oficial. Tirado das fitas master originais, este lançamento definitivo adiciona um lote de demos caseiras de safra semelhante pelo guitarrista e compositor chefe da banda, Chris Baker. Ele também conta a história da banda pela primeira vez e inclui muitas fotos inéditas.

"Como álbuns conceituais, Dear Mr Time's Grandfather poderia ser um parente distante de SF Sorrow, sendo um devaneio baseado na Primeira Guerra Mundial sobre o estilo de vida episódico de um homem. No exato minuto em que a flauta taciturna King Crimson e as harmonias piedosas dos Moodies entram em cena em 'Birth, The Beginning', fica imediatamente aparente de que lado esses desafiantes de Chelmsford gostavam de seu pão com manteiga.

Originalmente lançado em uma tiragem escassa de 1000 cópias no minúsculo selo independente Square em 1971, Grandfather pode muito bem usar suas influências como penas de pavão - veja também o riff de stop-time derivado de 'Schizoid Man' de 'Your Country Needs You' e 'A Distant Moonshine', e as ardentes passagens de palavra falada no estilo Graeme Edge em 'On A Lonely Night' - mas ganha sua própria validade graças à propensão do guitarrista Chris Baker em escrever vinhetas acústicas incomumente bonitas ('Yours Claudia', 'Years And Fortunes). Além disso, você não encontraria o banjo risonho e o pisão de bota flexível do excelente single 'A Prayer For Her' em nenhum álbum do King Crimson.”

• Bass Guitar, Backing Vocals – Dave Sewell
• Lead Guitar, Acoustic Guitar, Backing Vocals – Chris Baker
• Organ, Piano, Harpsichord, Lead Vocals – Barry Everitt
• Percussion, Drums – John Clements
• Saxophone, Flute, Acoustic Guitar, Backing Vocals – Jim Sturgeon
• Vocals – Chris Baker (tracks: 03)

01. Birth - The Beginning 03:58
02. Out Of Time 04:30
03. Make Your Peace 05:22
04. Your's Claudia 02:53
05. Prelude (To 'Your Country Needs You?') 03:02
06. Your Country Needs You? 03:37
07. A Dawning Moonshine 03:48
08. Years And Fortunes 04:07
09. A Prayer For Her 02:53
10. Light Up A Light 03:25
11. On A Lonely Night 04:18
12. Grandfather 02:42

Bonus Tracks
13. Only Fooling 02:39
14. Henrietta Hall 02:03
15. Not Now At All 02:16
16. Victorian Blue 01:04
17. This Place Was Us Was Home 03:28

White Boy and the Average Rat Band - Selftitled [Remastered] + Bonus Tracks (US 1980)

Agora, depois de todos esses anos, este álbum finalmente ganhará uma reedição adequada, totalmente remasterizada digitalmente a partir das fitas originais e lançada em CD limitada a 500 cópias em todo o mundo, com um livreto contendo letras e notas de encarte do guitarrista Mike Matney. A versão em CD também incluirá 5 faixas bônus que estarão disponíveis apenas na versão em CD.

Também o LP de estreia do White Boy And The Average Rat Band será relançado pela primeira vez oficialmente em vinil em uma prensagem limitada de 500; 100 coke-clear e 400 peças pretas. O álbum será totalmente remasterizado a partir das fontes de fita originais para garantir a melhor qualidade de som possível. Esta será a única reedição oficial deste lançamento, outros são bootlegs não oficiais masterizados de fontes de vinil.

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Fãs dos primeiros Sabbath , Priest , Motorhead , Axe , Wicked Witch , A Band Called Death , Roky Erikson , The MC5 e Iggy and the Stooges certamente acharão isso atraente.

♣ Mike Matney - Guitarras solo e vocais
♣ Tommy Altizer - Baixos
♣ Seth Kelly - Ritmos
♣ Tim Gilbert - Percussões

[Tracks 01-13 Update & Remasteed 2017]
01. Prelude 01:30
02. Neon Warriors 04:47
03. Sector 387 03:24
04. Maybe I'm a Fool 02:03
05. The Prophet Song 04:25
06. Leaving Tonight on Vacation 02:47
07. Blue Moon 04:16
08. Oriental Doctor 06:10

Unreleased Tracks on The Remastered 2017 Version:
09. Tell Someone 02.34
10. Will to Fight 05.25
11. Smokehouse Blues 06.26
12. Phone Call From New York 03.02
13. If I Found Love 03.35

Memories of Machines "Warm Winter" (2011)

No bom sentido, tal lançamento tem um lugar perfeito no selo Kscope - um reduto do pós-progressivo moderno. No entanto, a publicação foi dirigida pela empresa holandesa Music Theories Recordings. E isso, francamente, é estranho, porque os principais atores do Memories of Machines (o guitarrista/tecladista Giancarlo Erra e o vocalista Tim Bowness ) são rostos familiares da festa “casescape”. O primeiro deles é liderado pelo projeto italiano Nosound , o segundo tem sido um refúgio para o conjunto experimental No-Man . (No entanto, as atividades de Bowness para além do limiar do Milénio adquiriram um toque de espontaneidade e, portanto, limitar o artista a limites específicos não é muito correto.) Os caminhos do género de ambos cruzaram-se em meados dos anos 2000. Então nasceu a ideia de uma estreita colaboração em estúdio. Como resultado, as sessões de gravação duraram cinco anos inteiros. Mas não por estar excessivamente ocupado, mas principalmente por causa do desejo de envolver pessoas com ideias semelhantes na órbita do MoM . A lista VIP de convidados resultante seria um crédito para qualquer equipe bem promovida. Julgue por si mesmo: Robert Fripp , Peter Hammill , Jim Mateos ( Fates Warning ), Peter Chilvers , Colin Edwin , o onipresente Steven Wilson e uma dúzia de outras pessoas respeitáveis. Para completar o quadro, só faltou o trompista Theo Travis . Mesmo assim, o saxofonista Mike Clifford ( Henry Fool , Samuel Smiles ), que substituiu o mestre, não lidou pior com o papel de responsável.

Em termos de conteúdo, "Warm Winter" é um padrão mágico de tendências da arte neopsicodélica em uma nobre tapeçaria ambiental. Não há surpresas especiais aqui. Para os ideólogos do MoM , o processo criativo é, antes de tudo, uma tentativa de escapar da realidade para o mundo dos sonhos vagos. E o ponto de partida da jornada é a reprise de “New Memories of Machines” com a orquestração comedida de teclado de Erra, acordes acústicos salpicados e o monólogo leve de Tim. Este último permanece fiel ao papel de um vocalista-contador de histórias sabiamente cansado. Exigir dele uma barragem emocional equivale a esperar um grito desesperado de um punhado de neve derretida: uma tarefa impossível. Na peça reflexiva "Before We Fall", os membros do Nosound Alessandro Luci (baixo) com Paolo Martelacci (teclados), o baterista Huxflux Nettermalm ( Paatos ) e a backing vocal Julianne Regan ( All About Eve ) juntam-se aos seus colegas ; o resultado pode ser colocado com segurança na categoria “rock”: os atributos necessários estão lá. As partes de violoncelo de Marianne de Chatelain adicionam solidez à estrutura da balada da faixa "Beautiful Songs You Should Know", e as suaves passagens de guitarra de Wilson em "Lucky You, Lucky Me" conferem a esta versão da obra um charme estético único. "Change Me Once Again" é um derivado do estilo No-Man combinado com o fator elétrico astral do Porcupine Tree de meados dos anos noventa ; coisinha legal. E o drama romântico “Something in Our Lives” não causa reclamações: uma composição digna, alimentada pelas cordas atmosféricas de Jim Mateos . O estudo de paisagem sonora "Lost and Found in the Digital World" é agraciado pela presença de sintetizadores de Fripp e pelas revelações de trompete de Alexey Sax ( Slow Electric ). A fusão espacial "Schoolyard Ghosts" é trazida à vida pelos membros do extraordinário conjunto Henry Fool . Para a sobremesa - uma viagem lírica de 7 minutos "At the Center of It All" com técnicas de produção de som de guitarra absolutamente originais do único maestro Hammill.

Resumindo: um panorama sonhador, em aquarela, sem pretensões desnecessárias de progressividade. Um exemplo expressivo de relaxamento cósmico em meio ao movimentado círculo da Terra. Recomendado para amantes da psicodelia ambiental moderna e para aqueles que buscam contemplação sonora.

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Wapassou "Wapassou" (1974)

O direito de considerá-los “nossos” está sendo contestado por progers, engenheiros eletrônicos e amantes da música de câmara. O que, em geral, não surpreende: as obras mais ambiciosas de Wapassou foram gravadas com total desrespeito ao fator seção rítmica. O centro de atração instrumental neste caso eram os teclados. No entanto, o álbum de estreia é radicalmente diferente de outras criações conceituais do conglomerado francês. Aqui, o compositor principal Freddie Bruhat (órgão, piano elétrico, piano, sintetizador) tentou de uma forma muito inovadora encontrar o ponto de equilíbrio entre o modelo sonoro psicodélico e a arte sutil do rock de câmara. Com a ajuda de colegas ( Karin Nickerl - guitarra, voz; Jacques Licti - violino; Fernand Landmann - equipamento acústico) e seis membros convidados, construiu um esquema estranhamente original, embora com reservas, mas ainda assim enquadrado na definição de 'proto-vanguardista'. -prog' '. Vamos tentar ouvir a excêntrica série melódica do primogênito Wapassou .

Um som cru de “garagem”, uma “coceira” uniforme de órgão, a bateria mais animada, além de distorções desagradáveis de partes de guitarra elétrica - esta é a imagem convencional da música de abertura “Femmes-Fleurs”. Não há “câmara” aqui, mas há uma versão psicopata “ácida” da era absolutamente sessenta nas tradições de Arzachel e similares. Um começo pouco convencional, considerando as pretensões classicistas dos álbuns posteriores de Wapassou . No entanto, é ainda mais interessante desta forma. As simples entonações “florais” do estudo “Borgia” são enriquecidas pela intervenção de cordas do Maestro Likti, dando a nitidez necessária ao encharcado “Hammond” de Monsieur Bruhat. A triste nobreza do afresco "Melopée" é grandemente realçada pela presença da flauta de Geneviève Merlant ; o velho romantismo na leitura dos membros da brigada de Estrasburgo parece bonito e não desprovido de graça. A peça de 10 minutos “Rien” é uma fusão bizarra de poética confessional feminina, brilho acadêmico de violino e piano, “vibrato” progressivo e uma atmosfera emocional única (à beira da melancolia e do desespero). Ecos folclóricos de menestréis medievais errantes ganham vida na tela "Musillusion", onde uma das funções discretas, mas importantes, é desempenhada pelo clarinete do músico convidado Jean-Jacques Bac . "Châtiment" é um drama artístico de desenvolvimento lento à la France com os vocais sussurrantes característicos de Karin Nickerl , a paisagem de sintetizador de fundo do inventor Freddie, bateria de Jean-Michel Biget , flauta e clarinete. O final épico de “Trip” não deixa pedra sobre pedra em pretensão de esteticismo. Em vez disso, Wapassou revive o espírito livre da era hippie, combinando-o com extensos exercícios de teclado do mentor, toques de violino em alta velocidade de Likti e exercícios de guitarra e cítara extremamente apropriados de Christian Laurent sobre o tema “chapado” de ritmo e blues misturados. com raga indiana perene.

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Fuchsia "Fuchsia, Mahagonny & Other Gems" (2005)

Depois de dias felizes com Fuchsia , Tony Duran passou por momentos conturbados. O artista ficou completamente abalado e acabou pregado no teatro. Aqui, o cabeçudo formado pela Universidade de Exeter sentiu novamente a necessidade de criar. Ao longo de 1975-1976, esteve intimamente envolvido na composição de composições para produções de peças de livros didáticos de Bertolt Brecht e Kurt Weill . Ao mesmo tempo, encontrei inspiração no meu trabalho. Tendo decidido reviver o Fuchsia em um nível diferente, Tony chamou seu velho amigo Michael Gregory (bateria). Amigos do Royal College of Music de Londres estiveram envolvidos no processo. Encontramos um estúdio em Cambridge, onde trabalhamos ativamente na gravação de cinco faixas. O projeto, chamado Mahagonny , inicialmente contou com a ajuda de um influente funcionário de uma grande gravadora. Mas o assunto não foi além de um acordo verbal. Porque o punk entrou na moda e todas as esperanças de um renascimento da composição artística cult desapareceram como fumaça. Na companhia dos ritmistas Fuchsia , do baixista Michael Day e do baterista Gregory, bem como do tecladista Andrew Wilson, Duran (guitarra) ajudou seu amigo Bob Chudley a realizar algumas de suas músicas. Em 1978, o inquieto Tony já colaborava com cineastas. E mais tarde ele se mudou para morar na Austrália. No entanto, esta é uma história completamente diferente.

Esta compilação permite que você toque no legado nunca antes lançado de Durand e companhia. Onze itens de lançamento estão organizados em ordem cronológica. Para começar - números de demonstração da coleção Fuchsia. A fusão do folk rock arrogante com cordas barrocas exuberantes se torna conhecida no contexto da introdução de “The Band”. O neoclassicismo elegíaco e a frivolidade do ritmo e do blues interagem coerentemente na vastidão da peça "Ragtime Brahms". O dedilhar do violão acordes em "Ring of Red Roses", embora sofra de franqueza, não estraga particularmente a impressão. Além disso, vem a seguir a vez dos brilhantes experimentos dramáticos de Mahagonny . Aqui somos presenteados com uma cavalgada cintilante de pseudo-opereta ("Prologue"), um baile de máscaras folclórico no espírito dos primeiros Stackridge ("Pirate Jenny"), poses progressivas de câmara glam ("Mr Munch's Interminable Lunch"), pomposidade pop boba sem o geralmente perceptível arranjo de violoncelo tipo violino (“Drunken Meanderings”) e o pop pretensioso “Behind Innocent Eyes”, disfarçado por uma questão de decência como um fragmento de um musical hipotético. No geral, não é ruim, mas não ousaria colocar isso ao lado do recorde de 1971. A ação folk psicodélica "Absent Friends" e a estrutura melódica extremamente clara de "Mary Used to Play the Piano" de Bob Chudley soam, é claro, mais interessantes. Só que praticamente não se correlacionam com os cálculos do Fuchsia . Como final positivo, é revelada a leve pastoral acústica "I'll Remember Her Face, I'll Remember Her Name" com acordeão e voz de John Tams , palhetada de guitarra de Tony, piano de Pete Bullock e percussão de Michael Gregory .
Resumindo: uma coleção agradável, embora não prometa revelações, mas ainda servindo como um lembrete indireto do passado notável do folk/art rock britânico.

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Soft Machine "Softs" (1976)

O fator de variabilidade é um dos pontos-chave na crônica da existência da Soft Machine . A rotação ativa de pessoal não poderia deixar de afetar o processo de escrita. Daí a variedade excepcional de formas composicionais e meios de autoexpressão radicalmente diferentes em diferentes estágios de atividade. Em meados da década de 1970, os “Reis de Canterbury” (como a imprensa os apelidou) haviam na verdade abandonado sua psicodelia antes próxima. Agora o jazz-rock concentrado estava em alta entre os membros do grupo. Claro, os talentos do virtuoso guitarrista Allan Holdsworth, que se juntou ao conjunto, foram muito úteis aqui . Porém, o entusiasmo do maestro só foi suficiente para o álbum “Bundles” (1975), após o qual ele se sentiu tentado pela chance de trabalhar com o baterista Tony Williams (ex- Miles Davis Group ) e fez o resto com sua caneta. Porém, foi Allan quem deu a proteção necessária para John Etheridge , que acabou conseguindo uma vaga quente com o combo player. A figura desse art rocker, que tocou com Wolf de Daryl Way , era desconhecida da maioria dos "maquinistas". Mas algumas jams depois, todas as dúvidas sobre a candidatura de Guitarrero desapareceram. Etheridge tornou-se um membro igual da equipe. E seu estilo solo expressivo influenciou o estilo de órgão característico de Mike Rutledge e o sistema de valores polifônicos do novo timoneiro Karl Jenkins (teclados, sintetizadores).

"Softs" é o último lançamento de estúdio da Soft Machine dos anos setenta. O programa não é uma obra-prima, mas é muito forte, feito por artesãos sofisticados. Sua característica distintiva são piruetas sonoras cuidadosamente pensadas (desde lindos estudos acústicos até fusão progressiva energética e escala de sintetizador cósmico estritamente dosada). O prelúdio é uma curta passagem "Aubade" - essencialmente um dueto de câmara para guitarra e saxofone ( Alan Wakeman ). A peça de 7 minutos "The Tale of Taliesin" demonstra as melhores qualidades instrumentais do quinteto: há os misteriosos acordes do piano elétrico de Jenkins e a competição espetacular de Etheridge em velocidade com a seção rítmica ( Roy Bebbington - baixo, John Marshall - bateria, percussão) e clímax orquestral arrebatador. O esboço com o título frívolo "Ban-Ban Caliban" revela a natureza camaleônica desta versão do SM . Jazz-rock de natureza francamente comercial é uma característica aparentemente incomum para eles antes. E ainda assim. Mas a viagem de transe astral “Canção de Éolo” está além do elogio; Talvez os menestréis planetários Pink Floyd não pudessem ter feito melhor. A delicadeza serena do afresco "Fora de Temporada" nos deixa entrar com relutância no universo artístico de Karl: a máxima precisão do esquema, a harmonia das linhas melódicas; em uma palavra, sem frescuras. A viagem ambiente "Second Bundle" é um doce exercício de eletrônica, precedendo a vanguarda percussiva étnica de Marshall sob o título "Kayoo". O número inserido "The Camden Tandem" - os cortes malucos de cordas de John tendo como pano de fundo a alegre bateria do homônimo. Do interlúdio poderoso de Canterbury, "Nexus", os lutadores se voltam para o reino do free jazz com os poderosos rolos de saxofone de Wakeman. E a ação é coroada por um intrincado esboço solo para violão clássico, brevemente denominado “Etka”.

Resumindo: deriva imaginativa nas profundezas da mente, longe das pequenas ilhas de emoções. Uma experiência de excursão musical bastante atípica. Eu aconselho você a ler.

Mahogany Frog "VS Mabus" (2004)

Uma coisa incrível: no início da carreira, Mahogany Frog tocava blues. Sim, sim, experimentadores inveterados já foram inspirados por coisas bastante tradicionais. No entanto, a perspectiva de uma continuação semelhante não agradou de forma alguma a Graham Epp (guitarra, teclado, trompete). Como um verdadeiro fã de Miles Davis e John Coltrane , ele tentou mudar a ênfase para o jazz convencionalmente improvisado. O resultado da sabotagem foi o disco "Mahogany Frog and The Living Sounds" (2003). Os canadenses gostaram da prática evolutiva, e aqui está o resultado: hoje o Mahogany Frog é uma das formações criativas mais originais do rock progressivo e gêneros relacionados. As fantasias dos winnipegianos são ousadas, imprevisíveis, às vezes brutais, mas sempre atraentes para o amante da música inclinado à busca. Naturalmente, os caminhos do grupo não se cruzam com os do mainstream progressivo. E graças a Deus. A sua “expansão controlada” para novos territórios sólidos tem continuado com sucesso durante a segunda década. Ao mesmo tempo, a pressão não diminui. Isto significa que devemos esperar novas descobertas num futuro próximo. Por enquanto, vamos rebobinar o filme e voltar à história chamada "VS Mabus".

Foi este terceiro programa que traçou o vetor de desenvolvimento do conjunto para os próximos anos. A principal característica distintiva é o desejo latente pelo som “Canterbury”. Além disso, os integrantes do grupo juram que naquela época não tinham ideia da existência de um ambiente rock tão específico. Eles sempre gostaram do Soft Machine e especialmente do órgão "fuzz" de Mike Rutledge . O desejo de introduzir um esquema semelhante na minha própria música deu frutos abundantes na forma de cinco faixas de grande escala. O número um é a maravilha de 12 minutos “Spooky”. As partes de guitarra de Jesse Warkentin e o fundo limpo do maestro Epp abrem caminho através do pântano eletrônico amostrado ritmicamente borbulhante . Peças claras de fusão instrumental encontram resistência ativa à psicodelia. Smur mostra seus dentes de forma impressionante, transformando-se em um monstro duro com garras e presas no final. O episódio "Santa Helga de Argyle" é baseado no diálogo entre Hammond e Moog. As cores aqui são várias ordens de magnitude mais quentes, mais radiantes e bem-humoradas como as de um velho. Uma bela peça nostálgica sem complicações desnecessárias. A extensa viagem astronômica “A Terceira Máquina” ressuscita do esquecimento as viagens espaciais dos anos sessenta e setenta. Numa atmosfera analógica detalhada (Hammond, Fender Rhodes, Moog, ARP) bate o coração atómico de uma unidade artística herdada dos seus titânicos antecessores britânicos. E como, por favor, diga-me, alguém pode manter a objetividade avaliativa? A peça épica "Paul's Macacão Hold Mold" é baseada nos truques de guitarra do dueto Warkentin-Epp. A forma livre permite que ambos vaguem livremente pelas ruelas do jazz psicodélico, sem se aprofundar nas especificidades das imagens e na verdade dos sentimentos. Tal, você sabe, sonatina em tons “ácidos”. O final "Boat Alone (We're Not Sailing in This...)" combina com sucesso o "brinquedo" da música ambiente com a graça de Canterbury (respeito à garota Antoinette pela flauta mágica) e a surra do proto-hard . As camadas ficam empilhadas umas sobre as outras (em cima do moderno tem retrô grosso e vice-versa). E você não entenderá imediatamente o que resta lá. Ah bem.

Resumindo: colorido, saboroso, relevante e absolutamente original. Uma alternativa válida aos clichês banais do nosso tempo. Eu recomendo.