CRONICA - JOE ZAWINUL | Zawinul (1971)

 

Ao acompanhar Cannonball Adderley e Miles Davis, o organista/pianista Joe Zawinul esquece sua carreira solo. Depois de ter contribuído com o famoso trompetista para o nascimento do jazz elétrico, em nome da Atlantic decidiu lançar seu terceiro trabalho ^solo nas lojas em maio de 1971. Embora ao mesmo tempo tenha formado um grupo chamado Weather Report. Para isso, ele se cerca do pianista elétrico Herbie Hancock, dos contrabaixistas Miroslav Vitouš e Walter Booker, dos flautistas Hubert Laws e George Davis, dos trompetistas Woody Shaw e Jimmy Owens, dos saxofonistas Earl Turbinton e Wayne Shorter e dos bateristas/percussionistas David Lee, Billy Hart e Joe Chambers. Muitos se conhecem durante as sessões de In A Silent Way e Bitches Brew de Miles Davis, como o baterista Jack Dejohnnette que toca uma faixa melódica (instrumento de sopro em formato de teclado).

Sobriamente intitulado Zawinul , o pianista eléctrico austríaco sabe que o jazz tocado durante as horas gloriosas em que prestou os seus serviços ao saxofonista Cannonball Adderley acabou. É óbvio que ele deve seguir os passos de Miles Davis. Assim ele nos oferece em cinco faixas uma excelente fusão jazzística atmosférica, mais contemplativa do que técnica.

Iniciamos esta viagem sonhadora com os etéreos e flutuantes 13 minutos de “Doctor Honoris Causa” (dedicado a Herbie Hancock) onde os metais e a flauta nos colocam na leveza. A trombeta é habitada por Mile Davis. Os teclados são sedutores e perturbadores, o saxofone encantador e misterioso enquanto a secção rítmica nos cativa num transe exótico. Depois deste magnífico passeio mágico e vaporoso continuamos o nosso cruzeiro com “In a Silent Way”. A música que deu nome a um dos álbuns de Miles Davis. O mesmo que viu nascer o jazz rock em julho de 1969. Só que na época Miles Davis transformou a composição do austríaco, pedindo-lhe que carregasse menos os acordes para revelar a melodia escondida. Transformação que perturbou Joe Zawinul, mas teve que cair na frente do chefe. Aqui, ele nos dá sua verdadeira versão para um título diluído, monótono, nostálgico e outonal.

O que se segue será mais atormentado. “His Last Journey” é estranha, nebulosa, vagamente perturbadora em alguns lugares, às vezes melódica com essas trombetas celestiais, esses pianos caleidoscópicos e essas percussões incomuns. Os 10 minutos de “Imagem Dupla” parecem seguir o mesmo caminho. Mas agora um contrabaixo galopa trazendo um swing impenetrável enquanto seu irmão desenvolve refrões intangíveis. Longe dos bombardeamentos de metais fantasmagóricos que nos transportam para um free jazz frenético, por mais acessível que seja, mas elusivo. A travessia termina com a curta “Chegada a Nova Iorque” onde os instrumentos imitam a chegada de um transatlântico ao novo mundo num cenário barroco e curioso.

Resumindo, Joe Zawinul cria uma obra fascinante e mágica. Observe que este disco é lançado no mesmo dia do primeiro LP Weather Report.

Títulos:
1. Doctor Honoris Causa
2. In A Silent Way
3. His Last Journey
4. Double Image
5. Arrival In New York

Músicos:
Joe Zawinul: Piano, Piano Elétrico
Herbie Hancock: Piano Elétrico
George Davis, Hubert Laws: Flauta
Woody Shaw, Jimmy Owens: Trompete
Wayne Shorter, Earl Turbinton: Saxofone
Miroslav Vitouš, Walter Booker: Baixo
Joe Chambers, Billy Hart, David Lee : Bateria, Percussão
Jack DeJohnette : Mélodica, Percussão

Produzido por: Joel Dorn

Spectral Wound - Songs of Blood and Mire (2024)

Songs of Blood and Mire (2024)

Spectral Wound

Mais uma vez, Spectral Wound entrega um álbum que é um banquete de Black Metal: agressivo e abrasivo, mas melódico e meticulosamente arranjado. Uma composição de primeira linha que pertence aos mestres do gênero, mas que possui a estética dos movimentos underground mais intrigantes.

Como o anterior "A Diabolic Thirst", o novo material é movido por uma série incrível de texturas de guitarra, variando da parede rítmica magmática do som às linhas frias de tremolo que criam paisagens sonoras arrepiantes. As inserções acústicas ocasionais, bem integradas ao contexto enegrecido, evocam uma abordagem orientada para o sueco ao som da segunda onda.

“At Wine-Dark Midnight In The Mouldering Halls” serve como um lembrete do trabalho significativo, inspirador e inovador do Dissection, uma influência quintessencial presente em “Songs Of Blood And Mire”, evidente no tremolo abundante de “The Horn Marauding” enquanto se mistura perfeitamente com os aspectos mais crus e abrasivos da tradição finlandesa e um renovado instinto Black 'n' Roll, às vezes beirando uma urgência quase punk.

A bateria é igualmente essencial para definir o som do Spectral Wound: devastadora em seus ataques explosivos implacáveis, mas criativa e tecnicamente proficiente nos muitos preenchimentos explosivos que expandem o som geral, às vezes de maneiras inesperadas, como os "solo drumming breaks" colocados no meio da abertura, “Fevers & Suffering”. Uma ótima maneira de começar, definindo a trajetória estilística para todo o álbum e introduzindo sua abordagem visceral.

Tudo é ainda mais aprimorado por uma produção perfeita que permite que todos os detalhes sonoros sejam ouvidos de uma forma extremamente satisfatória.
“Songs Of Blood And Mire” representa a sublimação do Black Metal tradicional trazido ao presente com dedicação, respeito e perícia.

Melhor Faixa: The Horn Marauder

Anciients - Beyond the Reach of the Sun (2024)

Beyond the Reach of the Sun (2024)

Anciients

Estou ciente do Anciients há um período considerável. Seus álbuns anteriores não ressoaram comigo, pois não lhes dei a oportunidade que mereciam. No entanto, "Beyond the Reach of the Sun" apresenta um novo começo para minha apreciação desta banda. Muitas das frases de guitarra evocam os estilos de Mastodon e Dvne, capturando aquela energia bruta que admiro nesses grupos. O que se destaca ainda mais para mim é a performance vocal. Sempre lutei para abraçar totalmente os vocais das bandas mencionadas, pois muitas vezes me pareciam desagradáveis. Mastodon apresenta três vocalistas, resultando em uma experiência variada; me encontro ambivalente em relação a Hinds e não gosto particularmente de Sanders, enquanto prefiro as contribuições de Dailor. Os vocais de Dvne possuem uma qualidade nasal peculiar que acho desagradável. Em contraste, os vocais de Anciients me lembram Loic do The Ocean. A consistência deles ao longo do álbum é louvável, e eu os acho mais envolventes do que os do Mastodon e do Dvne, pois ocupam uma posição mais proeminente na mistura. O artesanato das músicas é meticulosamente executado, complementado por alguns vocais ásperos impressionantes que têm uma semelhança com os do Opeth, o que considero um elogio significativo. Além disso, certos riffs ecoam o estilo do Opeth. Este álbum encapsula os melhores atributos de várias bandas, mantendo uma sensação de frescor e envolvimento contínuo.

Goldfrapp - Felt Mountain (2000)

Felt Mountain (2000)

Goldfrapp

Quando o CD de estreia de Goldfrapp foi publicado, ficou claro que este não era apenas mais um descartável eletrônico downbeat, como tantos lançamentos naquela época que tinham faixas que apareciam e reapareciam repetidamente em compilações chill-out, coisas agradáveis, fáceis de ouvir, mas descartáveis.
Felt Mountain imediatamente soou especial, simultaneamente glamoroso e cansado do mundo, novo e antigo, embora (ou porque) visitasse lugares de lembrança, porque fez isso com tanta certeza de estilo. Alucinações de naves espaciais flutuam, assim como alusões a Spaghetti Westerns (lembrando Ennio Morricone ), Film Noir, Paris existencialista, música-tema de James Bond (à la John Barry ), a estética de aço da perfeição de Leni Riefenstahl .

A chave para o sucesso é a ligação da cantora Alison Goldfrapp , que tem uma voz treinada, instantaneamente reconhecível, sedutora e que domina a arte de cantar perto, quase beijando, o microfone, e o instrumentista Will Gregory , cujos talentos engenhosos lhe permitem transformar praticamente qualquer ideia menor em um grande evento. Seu estilo é caracterizado pelo uso simultâneo de instrumentos eletrônicos e reais, que ele orquestra de uma maneira altamente sofisticada. Os efeitos assim gerados têm uma qualidade cinematográfica. As

grandes expectativas associadas a este álbum de estreia eram apropriadas. As promessas foram cumpridas pela sequência de lançamentos subsequentes. Sua diversidade deslumbrante pode não ter encontrado a aprovação de todos os seus primeiros fãs, mas conquistou novos, pois todos foram produzidos pela mesma equipe vencedora. Os conceitos artísticos de Alison e Will se complementam idealmente.

Em retrospecto, Felt Mountain foi um dos álbuns mais importantes de Trip-Hop/Downtempo/Baroque Pop e o melhor álbum de Dream Pop da primeira década do novo milênio. Ainda soa tão original e emocionante hoje quanto soava em 2000. Goldfrapp nunca conseguiu repetir essa coerência artística em nenhum de seus lançamentos posteriores.

John Lennon - Imagine (1971)

Imagine (1971)

John Lennon

Eu poderia jurar que li uma entrevista com John onde ele criticou Imagine por ser muito meloso e suave quando deveria ter sido tão cru e nu quanto John Lennon / Plastic Ono Band . Isso não me surpreenderia, pois John sempre foi muito crítico de seu próprio trabalho. Mas o mais próximo que posso encontrar é ele dizendo que "Imagine" a música é "antirreligiosa, antinacionalista, anticonvencional, anticapitalista, mas porque é açucarada, é aceita". O que é tudo muito verdade. Há muitas pessoas que cantam junto com o refrão e, porque é tão bonito, não percebem que está pedindo a elas que desistam de seu Deus, seu país, suas posses. Como John também disse, a música é "virtualmente o Manifesto Comunista"; nenhum outro artista poderia ter gravado uma música tão anti-tudo e tê-la reverenciada como um hino universal e tocada em estádios de beisebol. É possivelmente a maior conquista da carreira de John pós- The Beatles , e certamente a mais renomada. É uma das poucas músicas populares tão amadas que poderia unir pessoas de todas as culturas. Simplesmente uma declaração linda e definidora.

E ei, o resto do álbum é muito incrível também. Para os fãs dos Beatles que nunca gostaram de Plastic Ono Band , deve ter sido um retorno bem-vindo à forma. Agora, a maioria das músicas é tão complexa quanto as do primeiro álbum, mas Phil Spector — produzindo ao lado de John e Yoko Ono — adota uma abordagem mais tradicional, embora, como ele é um gênio, ainda seja brilhante. "Crippled Inside", com o convidado George Harrison no dobro, é uma música country satírica que aborda o racismo e a intolerância de uma forma insanamente melodiosa. "Jealous Guy" é a música mais terna do álbum, a voz dolorosamente apologética de John envolta no piano de Nicky Hopkins . John era conhecido por algum comportamento chauvinista e cruel com as mulheres antes e durante seu relacionamento com Yoko, e aqui ele despeja cada grama de si mesmo no pedido de desculpas. "Oh My Love", coescrita com Yoko e com outra participação de George (desta vez na guitarra), empata com "Jealous Guy" como a música mais efetivamente reflexiva do álbum. A letra é muito simples, mas incrivelmente comovente em sua simplicidade: "Eu vejo o vento/Oh, eu vejo as árvores/Tudo está claro em meu coração."

As únicas músicas que realmente soam raivosas desta vez são "Gimme Some Truth" e "How Do You Sleep?" "Gimme Some Truth" é um discurso contundente contra políticos mentirosos e manipuladores. Vindo durante os últimos anos da Guerra do Vietnã e logo antes do escândalo de Watergate, a música capturou o sentimento da época. Harrison assume a guitarra solo, entregando o melhor de suas excelentes contribuições para Imagine. George também aparece em "How Do You Sleep?", uma peça muito mais controversa. É um antepassado da faixa diss do hip-hop, John se referindo diretamente e vomitando veneno em Paul McCartney . John menospreza Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band , "Yesterday", o single de sucesso de Paul "Another Day", a lista continua. John admitiu mais tarde que algumas linhas, especificamente "Jump when your mama tell you anything", eram críticas à sua própria vida na época, mas os ataques a McCartney são impossíveis de ignorar e, sim, musicalmente, se não moralmente perfeitos. Ainda assim, não é para fãs enjoados dos Beatles; Ringo Starr passou pelo estúdio quando estava sendo gravado e ficou tão chateado que comentou: "Já chega, John".

Há duas músicas no álbum que poderiam ter se beneficiado da produção mais crua da Plastic Ono Band . Liricamente, "It's So Hard" e "How?" estão bem alinhados com músicas como "I Found Out" e "Hold On". A produção comparativamente exuberante, no entanto, os derruba um pouco. "It's So Hard" se entrega um pouco ao saxofone que logo se tornaria uma grande parte da música de John, e adicionando cordas em cima disso, parece um pouco relaxado demais para entregar com força total, apesar de um vocal atrevido. A natureza contemplativa de "How?" foi obviamente influenciada pela terapia do grito primal, mas, novamente, as cordas - e a bateria estranhamente ecoante - ameaçam abafar seu impacto total. Essas ainda são ótimas músicas, no entanto. A faixa mais fraca é "I Don't Wanna Be a Soldier", na qual o eco e a reverberação são discados para 11 enquanto John descreve todas as coisas que ele não quer ser: um soldado, um fracasso, um homem pobre, um homem rico, etc. Novamente, esta não é de forma alguma uma música ruim, mas um pouco decepcionante em comparação com o resto do álbum.

Talvez o maior exemplo da diferença entre Imagine e Plastic Ono Band sejam suas respectivas faixas de encerramento. Plastic Ono Band terminou com a arrepiante "My Mummy's Dead", enquanto Imagine termina com "Oh Yoko!", uma alegre ode à outra mulher em sua vida. É lindo, folclórico e cheio de vida. É uma delícia, enviando o álbum com a nota perfeita e estridente.

Doechii - Alligator Bites Never Heal (2024)

Alligator Bites Never Heal (2024)

Doechii

Esta é uma mixtape incrível, uma das melhores que ouvi na memória recente, mas suponho que seja sempre uma declaração qualificada quando se trata de mixtapes de grandes gravadoras: esta não é Doechii fazendo rap em Lemonade de Gucci Mane para uma base de fãs do Soundcloud em constante crescimento; esta é uma fita com tempo, dinheiro, previsão e um barco cheio de pessoal investido nela.

Então, considerando o investimento, o que esta fita pode nos dizer sobre Doechii e para onde ela está indo dentro do cenário do Hip-Hop contemporâneo?

Em quase todos os aspectos, esta é uma grande graduação de seus esforços anteriores. Ela dá passos mais ousados ​​para solidificar Doechii como uma criadora e estudante do Hip-Hop com sons boom-bap mais sombrios e paletas sonoras temperamentais tendo precedência sobre os formatos pop.

Desde a primeira faixa, fica claro que esta fita é a fita que Doechii estava esperando para fazer. Stanka Pooh contém a primeira de muitas provocações contra a conformidade obrigatória da indústria da música popular com as tendências descartáveis ​​do Tik-Tok. Isso sem dúvida trouxe a Doechii grande parte de sua atual base de fãs, mas criou uma sensação de profundo desconforto que é revelada por meio de letras sinceras, mas também em algumas escolhas de produção fatidicamente irônicas que desmentem suas performances.

Enquanto o lado 1 de Alligator Bites está em dívida com Leaders of the New School (Boiled Peanuts, Denial is a River), Kendrick (Boom-Bap, Hide N Seek), Tyler the Creator (Denial is a River) e Missy Elliot (Nissan Altimata), a segunda metade do disco se encontra firmemente de volta ao reino do trap-pop-rap, com algumas das músicas não ficando aquém dos lançamentos contemporâneos de Doja Cat (Fireflies e Beverly Hills em particular). Isso não é de forma alguma uma coisa ruim, Doja faz sucessos cativantes, mas é preciso se perguntar onde a artista começa e onde os mandatos da gravadora terminam?

É devido ao acima que vejo Doechii não apenas avançando neste projeto, mas completamente explodindo-o. À medida que ela ganha status e mais controle criativo dentro da indústria, estamos destinados a projetos ainda melhores do que este, se é isso que ela pode montar imediatamente. Em outras palavras: estamos apenas vendo a ponta do iceberg aqui.

As letras ao longo do tempo de execução são insulares, principalmente focadas em consolidar o lugar de Doechii no jogo do rap. Doechii "é tudo" é o conceito central transmitido. Como tal, não há muito em termos de escrita revolucionária, apenas brilhantismo no esboço. Ainda estamos para ver o foco de Doechii, porque ela ainda está se aventurando.

Este é o som de uma futura concorrente de GOAT aprimorando sua arte, e é mais do que emocionante pensar no que pode vir a seguir.

MJ Lenderman - Manning Fireworks (2024)

Manning Fireworks (2024)

MJ Lenderman

Entrei neste álbum com apenas pedaços e fragmentos sobre MJ Lenderman. Ele faz música há muitos anos e, nos últimos dois, lançou seu álbum de sucesso, Boat Songs, que eu lembro de querer tentar, mas nunca consegui. O mesmo aconteceu com seu lançamento autointitulado em 2019. Eu simplesmente nunca cheguei a ouvi-los, embora a ideia de slacker rock, alt-country, indie rock e fusões de cantores e compositores fosse a minha praia. Uma personalidade que mostra suas cores por meio de letras, som e musicalidade pode fazer um disco dessa estatura ir longe. Bright Future de Adrianne Lenker é um exemplo dos grandes discos de cantores e compositores deste ano, com composições intrincadas e em camadas combinadas com melodias folk sinceras e o canto dominante de Lenker, seja alto ou suavemente cantado. Eu não tinha certeza do que esperar quando coloquei Manning Fireworks, mas deixe-me dizer, fiquei bastante surpreso.

A qualidade e a variação da instrumentação de cada faixa são incríveis. É envolvente, transborda propósito e esforço. Cada música tem uma personalidade vibrante que compõe a identidade deste álbum. A mistura de slacker-rock alt-country aqui é fundamentada. É interessante, essas melodias e enfeites para temperá-lo fazem isso de uma forma que parece uma extensão de seu gênero. Uma carta de amor na forma da vida real. O lirismo o martela para casa. Cada música era poética de uma forma. Os cenários presentes nessas músicas são apresentados com imagens excelentes e memoráveis. Isso fez com que as cinco primeiras faixas fossem uma explosão para ouvir, cada elemento parecia atingir o alvo certo. O conteúdo lírico envolvente, a produção variada e cativante para ajudar no ritmo e uma lista de faixas que é enxuta e não ultrapassa o seu bem-vindo, mesmo a última faixa. Talvez eu tenha pensado que as duas faixas depois de She's Leaving You não atingiram tanto quanto o resto, mas ainda assim gostei muito delas e pude me ver encontrando coisas novas em audições repetidas.

Então sim, para meu primeiro álbum do MJ Lenderman sendo este lançamento, é uma ótima primeira impressão a se ter, e me faz querer potencialmente visitar sua produção anterior para obter mais do que ele está lançando. 

Alvvays - Antisocialites (2017)

Antisocialites (2017)

Alvvays

Quanto mais antigo um gênero fica, mais coisas você precisa aperfeiçoar para se destacar. À medida que mais espaços entre o gênero e seus vizinhos sonoros são sombreados com discos e artistas clássicos, fica ainda mais difícil. O Hip Hop está a décadas desse problema, enquanto o jazz está lá há 30 anos ou mais, dependendo de quem você perguntar. Quer dizer, você basicamente tem que ser Kamasi Washington para fazer com que fãs que não são de jazz se importem com seu disco. O mesmo vale para o blues, clássico, folk real e, cada vez mais, indie rock. Se uma banda este ano vai transcender gêneros pálidos, é o Alvvays.

Vindo mais de três anos após sua deliciosa estreia autointitulada, Antisocialites é estudado em indie rock clássico e paciente, pois adiciona tons e momentos à sua paleta sonora. O single avançado "Dreams Tonite" mistura seu som mais fresco de Yo La Tengo com guitarras Slowdive e linhas de amor simples com muito sucesso. O refrão final adiciona harmonias assombrosas. “Plimsoll Punks” não é uma música punk, e não precisa ser.

Rankin adoça seu twee para o impacto máximo sem abandonar o jangle para a facilidade do pop-punk de dedilhado para baixo.
Contra a corrente, os refrões podem desaparecer em um solo que desaparece em uma pausa ambiente de quinze segundos direto para um movimento shoegaze. Provando não apenas inteligência pop, mas estruturas de música que têm as marcas de um talento individualista. As reproduções mais longas são reagidas imediatamente - “Your Type” mostra seu refrão por 21 segundos. A mudança de tom toca. Além disso, Rankin continua o legado de McCartney - se uma música precisa ter apenas dois minutos - faça dois minutos. Este é seu “Good Day Sunshine”.

Antisocialites mostra mais do que crescimento no método. O disco contém canais emocionais adicionais não presentes na estreia. “Not My Baby” é pensativo e profundo com um ritmo que o impede de se arrastar. Cada linha da melodia é torcida como uma esponja molhada até que todo o suco saia e o próximo gancho de dinamite apareça. Molly frequentemente canta na parte mais alta de seu registro, mas ela ainda pode pular oitavas de lá com facilidade, como Mario voando de uma montanha para uma nuvem, e andando sobre ela até que ele queira pular de volta para a civilização.

Essas fatias oníricas fizeram fãs de Ben Gibbard (que fez um cover de um single antigo) e Norman Blake do Teenage Fanclub que canta backing na faixa principal. A produção e as melodias seriam o suficiente, mas Rankin é uma letrista em crescimento também. Seus principais truques incluem discurso simples e sarcástico e histórias curtas de personagens, e aqui ela adiciona um arco de registro completo simples, traçando um relacionamento do término ao fim, explorando a fase pós-término em que muitos se encontram presos.

Em uma cultura musical que frequentemente falha em reconhecer a escrita e a produção dessas mulheres em favor de sua beleza e performance – as mulheres continuam a reenergizar um gênero que parecia fora de moda, Molly Rankin fica ao lado de Tina da Sheer Mag , Victoria da Beach House e Klara e Johanna do First Aid Kit .

Aos 32 minutos, Alvvays está desafiando o Weezer de 2000 em uma competição lacônica. Muito pouco é muito melhor do que muito, como dezenas de álbuns duplos superlotados ensinaram aos fãs de cada década. Cada música aqui é um sucesso e Antisocialites é brilhante.

Nile - The Underworld Awaits Us All (2024)

 

The Underworld Awaits Us All (2024)

Nile

Poucas bandas e artistas me emocionam a ponto de eu realmente esperar por um novo lançamento, mas há alguns top dogs no meu mundo que ainda me dão aquela euforia vertiginosa que eu sentia quando era adolescente, totalmente hipnotizado pela majestade de sua produção musical. NILE é um desses top dogs e, para meus ouvidos, nunca lançou um álbum abaixo do padrão em toda a sua carreira, embora alguns álbuns sejam claramente mais fortes do que outros. Esta é uma banda que se esforça estridentemente pela qualidade em vez de números absolutos, então quando soube que um novo lançamento chegaria à cena em 2024, bem, acabei de receber a versão musical da febre NILE! Já se passaram cinco anos desde "Vile Nilotic Rites", que eu pessoalmente amei, mas aparentemente não ressoou com o resto da base de fãs tão fortemente. O mais novo ataque dos sentidos da banda vem da sobrecarga de pancadaria de seu décimo álbum THE UNDERWORLD AWAITS US ALL, que adiciona um novo membro ao status de quarteto do álbum anterior. O guitarrista Zach Jeter de bandas menos conhecidas como Doomsday Revival, Imperium, Lecherous Nocturne e Olkoth se junta à equipe adicionando um novo nível de grandiloquência ao fluxo de som traiçoeiro e cheio de crocodilos da equipe.

A banda é a realeza do death metal neste ponto de sua carreira e tem sido assim por mais de duas décadas atrás, mas como um punhado de bandas como Enslaved, Incantation, Moonsorrow e Esoteric, só para citar algumas, parece nunca ficar sem inspiração e paixão por entregar o mais alto calibre de metal em seu campo retrospectivo e, embora o NILE possa cair um pouco na qualidade geral de álbum para álbum, para meus ouvidos está sempre acima da média com uma cornucópia infinita de criatividade varrendo as correntes subterrâneas de cada riff de guitarra brutalmente entregue, groove de baixo brincalhão e rosnado gutural. Mais uma vez, a banda retorna com o que muitos estão considerando o melhor álbum da banda em anos, no entanto, acho que é simplesmente mais uma pena de primeira em um boné bem decorado. Com o peso extra de um segundo guitarrista, THE UNDERWORLD AWAITS US ALL libera um efeito sonoro ridiculamente completo com uma ginástica de guitarra galopante e um impulso percussivo frenético, bestial e guerreiro que impulsionou George Kollias ao topo da lista de bateristas técnicos do mundo moderno.

O álbum apresenta 11 faixas que somam cerca de 53 minutos e meio com as características usuais do NILE de ritmos retorcidos e tecnicamente infundidos nerds passando como um blitzkrieg no Cairo com as interrupções ocasionais em escalas musicais egípcias tradicionais afinadas em uma melancolia acústica. Para os não iniciados, uma forma incessante de música de dor de cabeça que soa como qualquer outra enxaqueca de death metal, mas para os totalmente doutrinados no culto do NILE, uma atualização massiva em técnica e expansividade como o primeiro álbum de cinco membros a aparecer desde "Black Seeds Of Vengeance" de 2000. O resultado é uma amplificação ainda maior da brutalidade absoluta que a banda entregou desde o início, juntamente com excursões de riffs labirínticos e um senso de realidade ligeiramente distorcido por meio de técnicas sincopadas bizarras e uma trama inabalável de uma seção transversal de anomalias contrapontísticas. O que parece um pouco novo para as minhas eras é que dois vocalistas convidados adicionam um pouco de apoio de apoio de vez em quando, o que introduz o NILE no mundo das harmonias vocais, embora seja imprevisível onde elas surgirão e bastante fugazes quando aparecem como uma miragem no deserto.

Como todo lançamento do NILE, a musicalidade é de primeira linha, com ginástica de guitarra afiada liderando o caminho apoiada pelas brincadeiras de baixo mais robustas e pela magia da bateria técnica que o mundo do death metal técnico tem a oferecer. Da mesma forma, os rosnados vocais de Karl Sanders soam tão pungentes como sempre, com a precisão penetrante de um enforcado proferindo suas últimas declarações de pescoço de corda. O fluxo incessante é implacável, o que agradará a todos os loucos por velocidade que lamentam o fato de bandas como Ulcerate terem desacelerado seu sistema frenético de entrega de death metal para um canto fúnebre e outras bandas como Gojira ou Behemoth terem se aventurado nas viabilidades mais comerciais de estruturas de canções baseadas em metal alternativo cativante. NILE continua fiel à sua arte com uma dedicação incessante ao fluxo caótico que sempre desencadeou com furor e, mesmo 25 anos depois de suas primeiras gravações, ainda não mostra sinais de que vai tirar o pé do acelerador.

Embora gritos de boiar na água possam vir de muitos que acham esses ataques violentos arrogantes e desgastantes para os ouvidos, deve-se lembrar que tais infortúnios de desespero emergem daqueles que só conseguem lidar com o death metal light em todas as suas variações diluídas e que o NILE é reservado para aqueles que querem que seu death metal entregue os bens mortais sem ter que adoçar sua bebida com cafeína em uma versão moderna de latte de sua antiga glória. Eu, por exemplo, admiro uma banda como o NILE que avança para o futuro aderindo destemidamente à sua mania de metal com temática egípcia sem comprometer seus princípios básicos de manter o death metal brutal e tão feio e mutilado quanto possível. Como em todos os lançamentos do NILE, as diferenças entre os álbuns estão nas sutilezas que para alguns podem levar algumas voltas para discernir, mas para meus ouvidos este álbum é claramente diferente do que veio antes, não apenas pelo status de quinteto que dá à banda um espectro de som mais completo e dinâmico, mas também nos motivos musicais, cadências inteligentes e uso de harmonias vocais limpas para adicionar um toque de contraste. Praticamente todo NILE é um vencedor no meu livro e este não é melhor ou pior do que a maioria de seu cânone. Simplesmente outra jornada agradável no melhor que o death metal técnico brutal tem a oferecer e o NILE é sempre uma banda que entrega.

Fat Dog - WOOF. (2024)

WOOF. (2024)

Fat Dog

Não consigo descrever o quão animado estou com este álbum. De todas as bandas emergentes do Reino Unido, Fat Dog é a que tenho assistido com mais entusiasmo. Clipes ao vivo incríveis e singles alucinantes os colocaram firmemente no topo da minha lista. Eles entregaram absolutamente.

WOOF. está repleto de algumas das linhas de sintetizador mais grossas e melhores melodias que ouvi o ano todo. Embora se baseie fortemente em EBM, Fat Dog tem um som muito único, misturando uma mistura igual de texturas orgânicas e sintéticas para criar um som que parece estar vivo e respirando. Cada música está se movendo em um ritmo alucinante, enquanto permite que as melodias que elas têm prosperem, sempre introduzindo novas texturas, mas sem abandonar as anteriores ao fazê-lo. Joe Love também é um vocalista perfeito para esta banda, uma entrega áspera e grossa que não nega a melodia, não há monotonia aqui, ele faz exatamente o que cada música precisa.

A banda está executando um equilíbrio apertado entre bangers diretos e experimentação e eles sempre conseguem. Do golpe direto de EBM de "All the Same" à intensa jornada textural do single principal "King of the Slugs", a quase todas as outras músicas tendo uma mistura desses dois lados, eles conseguem esse equilíbrio com graça. Até mesmo os cortes mais lentos aqui "Clowns" e "I am the King" são maravilhosos, eles acrescentam muito à atmosfera do disco enquanto conseguem parecer obras substanciais próprias acima de apenas serem interlúdios de conexão.

Ouvi reclamações de que a produção é muito comprimida e, embora eu possa entender de onde isso vem, para mim isso beneficia o som muito mais do que subtrai, soa tão sujo. Este é o som que tenho implorado por tanto tempo agora, como um fã de longa data de EBM e um grande apreciador de New Rave, tenho esperado por uma banda que pegasse os sons e criasse algo realmente especial na década de 2020 e Fat Dog fez isso. Isso vai ser muito difícil de superar.