CRONICA - HERBIE HANCOCK | Death Wish (1974)

 

Foi a conselho de sua namorada fascinada pelo LP Head Hunters que o diretor Michael Winner chamou Herbie Hancock para compor a trilha sonora de Death Wish , filme que estreou nos cinemas em

Longa-metragem que conta a história de Paul Kersey, arquiteto interpretado por Charles Bronson, um pacifista que odeia violência e armas. Porém, tudo muda quando ele descobre que sua esposa morre no hospital após brutalidade em sua casa por bandidos que também estupraram sua filha. Consumido pela vingança, ele caminha por Manhattan à noite para perseguir criminosos e matá-los com uma arma. 

Herbie Hancock já se destacou no BOF com Blow Up de Michelangelo Antonioni em 1966 e The Spook Who Sat By The Door (que ainda não teve reedição em CD) de Sam Greenlee em 1973.

Para este exercício, o jazzman afro-americano será auxiliado pelos Headhunters que o acompanham tanto em palco como em estúdio ( Head Hunters em 1973 e Thrust em 1974). Encontramos, portanto, o baixista Paul Jackson, o percussionista Bill Summers, o saxofonista/clarinetista/flautista Bernie Maupin e o baterista Mike Clark. Juntando-se à colaboração estão Jerry Peters nos arranjos e o guitarrista Melvin Ragin, também conhecido como Wah Wah Watson (que Herbie Hancock conheceu durante as sessões de Let's Get It On de Marvin Gaye enquanto trabalhava em Head Hunters ).

Composto por 9 faixas, Death Wish impresso em outubro de 1974 em nome da Columbia permite uma bela mistura de jazz funk que se tornou marca registrada de Herbie Hancock, mas também de suas experiências posteriores. Como evidencia a última peça, “Fill Your Hand”, com 6 minutos de duração, onde se alternam groove e sequências de orquestrações angustiantes onde se sente a caça ao vigilante vingador nesta selva urbana mergulhada na escuridão da noite.

O LP abre com os 6 minutos de “Death Wish (Main Title)” que amplia a experiência adquirida com Head Hunters e Thrust para um lânguido jazz funky. Só que é atravessado por arranjos misteriosos e charmosos além de um violão com efeitos travessos. No entanto, um sentimento terrível é palpável. O encanto continua com “Tema da Joanna”, mais romantizado.

Mas o atrativo dessa trilha sonora é a suíte de 9 minutos em cinco partes, “Suite Revenge”. Longa peça que será obra de Herbie Hancock no piano de cauda e Jerry Peters. Mas os membros do Headhunter estarão presentes em alguns lugares, em particular na percussão de estilo tribal de Bill Summers e na magnífica flauta de Bennie Maupin. Numa trama com comentários sombrios e maliciosos que se transformam em pesadelo, todos os sentimentos se cruzam: da melancolia ao sofrimento, passando pela dúvida, pelo desespero, pela raiva e pelo desejo de vingança.

Com exceção do bucólico “Rich Country” que cheira a espaços abertos e exotismo, o resto são peças curtas (“Do a Thing”, “Paint Her Mouth”, “Ochoa Knose”, “Party People”) angustiantes, experimentais , estranhos, inusitados, lúgubres que nos mergulham num suspense onde paira uma ameaça ou a morte espreita.

Em suma, Herbie Hancock nos dá uma excelente música para cinema.

Títulos:
1. Death Wish (Main Title)
2. Joanna’s Theme
3. Do A Thing
4. Paint Her Mouth
5. Rich Country
6. Suite Revenge       
7. Ochoa Knose
8. Party People
9. Fill Your Hand

Músicos:
Herbie Hancock: Piano, Piano Elétrico, Clavinete, Sintetizadores
Bennie Maupin: Saxofone, Clarinete, Flauta
Paul Jackson: Baixo
Mike Clark: Bateria Bill Summers: Wah Wah
Percussão Watson: Guitarra Jerry Peters: Arranjos

Produzido por: Herbie Hancock, Dave Rubinson

CRONICA - MILES DAVIS | Get Up with It (1974)

 

Após a publicação do duplo Big Fun em abril de 1974, composto por recuperações de sessões anteriores, Miles Davis decidiu de vez em quando entrar em estúdio entre junho e outubro para algumas gravações. Mas sendo o resultado muito hermético para um simples LP, com a ajuda do produtor Teo Macero que se tornou um profissional de colagem, decidiu-se vasculhar novamente os arquivos para recuperar o que pudesse ser utilizável. Vemos as sessões de A Tribute (1970) e At The Corner (1973), de Jack Johnson , bem como uma peça de 1973 com a qual não sabíamos o que fazer na época.

Em novembro de 1974, foi lançado o duplo Get Up with It com mais de duas horas de música com toda uma série de músicos (na guitarra John McLaughlin, Reggie Lucas, Dominique Gaumont, Pete Cosey e Cornell Dupree, na bateria Al Foster, Billy Cobham e Bernard Purdie, na percussão James Mtume e Billy Cobham, na flauta Dave Liebman e Sonny Fortune, nos teclados Keith Jarrett, Herbie Hancock e Cedric Lawson, no baixo Michael Henderson, no saxofone Steve Grossman, na cítara elétrica Khalil Balakrishna e também ' nas tablas Badal Roy).

Neste disco descobrimos um trompetista abrindo o seu jazz rock para outros horizontes que obviamente não tinham lugar nos discos anteriores. Como por exemplo o lado B que começa com “Maiysha”. 14 minutos onde Miles Davis se transforma em bossa nova no ácido com uma flauta com sabores tropicais e órgão corrosivo. Tudo termina num funk tangoide, futurista e insano. Fazemos uma incursão no blues com o funky stoner “Honky Tonk” com efeitos Hendrixianos (único momento em que se ouve o sax) e também “Red China Blues” com gaita (tocada por Lester Chambers) e seção de metais (liderada por Wade Marcus) dando a impressão de que Muddy Water e BB King estão tendo uma viagem ruim.

O resto são peças dedicadas ao ritmo obsessivo com os alucinantes 15 minutos de “Mtume” para um festival de wah wah e percussão onde estão em evidência os tímpanos (madeira, metal, vidro, etc.). Concluindo encontramos “Billy Preston” para finalizar com uma raga interestelar. Mas o clímax é alcançado com o tribal “Rated X”. Peça agressiva que nos prende numa catedral cósmica insana com este órgão de igreja esmagador e estes tempos esquizofrênicos bons para a camisa de força.

Porém, este disco cabe nos lados A e C, cada um ocupado por uma faixa superior a meia hora. Começamos com a altiva “He Loved Him Madly”, uma peça quilométrica onde a música se instala lentamente, influenciada pelas experiências do compositor alemão Karlheinz Stockhausen. Perturbador, aqui o espaço e o tempo se estendem. Miles Davis nos leva em uma viagem de coma para um fã de krautrock cheio de mistério. Uma guitarra que tenta ocupar o espaço sonoro relembra os estranhos delírios do líder de Ash Ra Tempel, Manuel Göttsching, enquanto a outra guitarra eléctrica de seis cordas parece assombrada pelo fantasma de Hendrix. O órgão Farfisa (interpretado por Miles Davis) coloca-nos na leveza, evocando os primórdios de Tangerine Dream. O baixo traz um groove espectral. Metronómica, a bateria mergulha-nos num transe nebuloso. As percussões dão um toque de exotismo difuso. Nesta errância enevoada, aparecem uma flauta cativante e uma trombeta vaporosa. Resumindo, Miles Davis inventa para nós o ambient jazz fusion.

Mais adiante está “Calypso Frelimo”. Título fluvial dedicado aos combatentes da resistência angolana contra o colonizador português. Na verdade, isto nos mergulha numa África urbana, rítmica, frenética, dançante, caótica, galopante, festiva, fascinante, intrigante, estimulante, fascinante, tecnóide, motorizada, febril...

Assim como seu antecessor, Get Up with It passou quase despercebido. No entanto, foi o último álbum de estúdio de Miles Davis em algum tempo. 

Títulos:
1. He Loved Him Madly
2. Maiysha
3. Honky Tonk
4. Rated X
5. Calypso Frelimo
6. Red China Blues
7. Mtume
8. Billy Preston

Músicos:
Miles Davis: Trompete, Órgão
Carlos Garnett, Steve Grossman, John Stubblefield: Saxofone
Keith Jarrett, Cedric Lawson: Piano Elétrico
John McLaughlin, Reggie Lucas, Pete Cosey, Cornell Dupree,
Dominique Gaumont: Guitarra
Khalil Balakrishna: Cítara
Michael Henderson: Baixo
Al Foster, Billy Cobham, Bernard Purdie: Bateria
James Mtume, Airto Moreira: Percussão
Badal Roy: Tabla
Dave Liebman, Sonny Fortune: Flauta
Herbie Hancock: Clavinet
Wally Chambers, Gaita
Wade Marcus: Orquestração

Produção: Teo Macero

CRONICA - TERJE RYPDAL | Whenever I Seem To Be Far Away (1974)

 

Terje Rypdal normalmente não nos lança um LP a cada 3 anos. Só que após o lançamento de What Comes After (1974) ele produziu When I Seem To Be Far Away no mesmo ano, com alguns meses de intervalo, para a ECM. Talvez apenas para compensar o tempo perdido.

Um disco feito de duas faces muito distintas. Pela primeira vez, o guitarrista norueguês é acompanhado pelo baterista Jon Christensen (já presente nas obras anteriores), pelo baixista Sveinung Hovensjø, pelo pianista eléctrico/mellotron Pete Knutsen e pelo trompista Odd Ulleberg.

Abre com os 14 minutos de “Silver Bird Is Heading for the Sun”. É a trompa que se ouve, seguida de perto pelo mellotron. Estes dois instrumentos mergulham-nos num cenário outonal e misterioso. Então chega um baixo pesado e saturado, dando lugar a um jazz funk gelado, higienizado, perturbador, tenso e espacial. Habitado pelo fantasma de Hendrix, Terje Rypdal segue os passos de John McLaughlin em solos destrutivos enquanto o mellotron corre atrás de Edgar Froese. À procura desta trompa que fala poeticamente e desta bateria com groove frio. É como se a Orquestra Mahavishnu encontrasse o Tangerine Dream em fiordes escuros. Curta e abrindo com percussão estamos na mesma atmosfera em “The Hunt” mas mais intensa, mais dramática com esta trompa que desencadeia melodias desiludidas tendo este mellotron desencantado como suporte.

Para o lado B, o guitarrista é apoiado pela Orquestra Sinfônica Südfunk liderada por Mladen Gutesha. O conjunto nos oferecerá uma fusão sinfônica de jazz nos 17 minutos da faixa homônima de beleza assustadora. Entre oboés e violinos o clima é sombrio, monótono, linfático, etéreo, doloroso, alarmante, polar. No meio dessa melancolia negra, as seis cordas elétricas esculpem refrões ácidos, arejados, pesados, abatidos e obscuros inspirados em David Gilmour e Robert Fripp.

Os fãs de rock progressivo irão gostar.

Títulos:
1. Silver Bird Is Heading For The Sun
2. The Hunt
3. Whenever I Seem To Be Far Away

Músicos:
Terje Rypdal: Guitarra                                      
Sveinung Hovensjø: Baixo
Odd Ulleberg: Trompa
Pete Knutsen: Piano Elétrico, Mellotron      
Jon Christensen: Bateria
Mladen Gutesha: Arranjos
Orquestra Sinfônica Südfunk: Orquestrações

Produção: Manfred Eicher

CRONICA - MAHAVISHNU ORCHESTRA | Apocalypse (1974)

 

Se o resultado de Birds Of Fire impresso em 1973 foi marcante, demonstrou um grupo formado por músicos com egos excessivos e que pouco tinham a provar. Levando o jazz rock ao seu auge, com exceção do guitarrista John McLaughlin, todos deixaram a Orquestra Mahavishnu. O baixista Rick Laird e o violinista Jerry Goodman iniciarão carreiras como músicos de estúdio. O baterista Billy Cobham e o tecladista Jan Hammer iniciam uma discografia solo.

Por sua vez, o guitarrista inglês, se não desistir do jogo, deverá revisar sua cópia. Para isso ele precisa de novos músicos. Para o dublê rítmico ele chamou dois desconhecidos, os americanos Ralph Armstrong no baixo (apenas 18 anos) e Narada Michael Walden na bateria. No teclado ele recruta a esposa de Chick Corea, Gayle Moran. Para o violino eléctrico trouxe o francês Jean Luc Ponty que, após uma colaboração com Frank Zappa, construiu uma sólida reputação que ultrapassou as fronteiras francesas ao ponto de assinar com a Atlantic para a sua carreira a solo.

Para se distinguir da Orquestra Mahavishnu original, John McLauglin teve a ideia de integrar uma orquestra nesta nova formação. Esta será a Orquestra Sinfônica de Londres dirigida por Michael Tilson Thomas (também tocando piano) com orquestra de Michael Gibbs. Esta fusão híbrida entre rock, jazz e música clássica já foi realizada com maior ou menor sucesso por Procol Harum, Deep Purple e Caravan. Em março de 1974, o conjunto gravou Apocalypse , lançado no mês seguinte e produzido por George Martin em nome da Columbia.

Composta por 5 peças, esta mistura de estilo sinfónico largamente inspirado em Igor Stravinsky e jazz rock faz com que as duas músicas se alternem, respondam uma à outra, coexistam. O resultado será celestial, grandioso, mas também pomposo e bombástico.

Começamos num cenário estranho em “Power of Love” com este piano que é intrigante mas não preocupante. O pelotão de cordas instala-se num clima nostálgico como um lindo nascer do sol. Um delicado violão irradia enquanto o violino desperta.

O resto será mais sombrio e pesado com essas orquestrações ameaçadoras em “Vision Is a Naked Sword” com 14 minutos de duração. Visão apocalíptica onde os tambores se deixam levar nestes bombardeamentos de metais filarmónicos. A pressão aumenta apesar de um arpejo arejado, mas ainda assim sombrio, transmitido por este violino estratosférico e este teclado astral. Torna-se vertiginoso. Até que as seis cordas elétricas e o violino esculpem cenas ao estilo Hendrix acionadas pelo baixo e pela bateria com seu groove poderoso.

Depois de tanto tormento vem a sonhadora “Smile of the Beyond” cantada por Gayle Moran com voz suave e angelical. Canção perturbadora e rica em emoção cortada com uma pausa galopante rasgada por solos incisivos entre guitarra e violino além de majestosas harmonias vocais gospel.

Abrimos o lado B com “Wings of Karma” num cenário outonal, arabesco, teatral e dramático. Em seguida, o quinteto embarca em um funk mid-tempo onde a sombra de Jimi Hendrix se aproxima. Aqui novamente John McLaughlin e Jean Luc Ponty se superarão.

Chega o final, os 19 minutos de “Hymn To Him”. Passeio elástico sublime e radiante, em busca do divino. Peça épica pontilhada de sequências tensas mas transcendentais, passagens sedutoras e cativantes, momentos barrocos e incríveis, sabores do Extremo Oriente nos confins do cosmos. Ótima maneira de encerrar um grandioso disco de jazz de fusão progressiva.

Títulos:
1. Power Of Love
2. Vision Is A Naked Sword
3. Smile Of The Beyond
4. Wings Of Karma
5. Hymn To Him

Músicos:
John McLaughlin: guitarra, coro
Gayle Moran: teclados, vocais
Jean-Luc Ponty: violino
Ralphe Armstrong: baixo, coro
Narada Michael Walden: bateria, coro
+
Michael Tilson Thomas: piano, arranjos
Michael Gibbs: orquestração
Marsha Westbrook: violino
Carol Shive: Violino, Coro
Philip Hirschi: Violino, Coro

Produção: George Martin

Various Artists - Straight To Hell a Tribute To Slayer (1999)

 

Tracklist:

1. Necrophobic ~ Brutal Truth

2. South Of Heaven ~ Abbadon Of Venom

3. South Of Heaven ~ The Electric Hellfire Club

4. Black Magic ~ Hypocrisy

5. Altar Of Sacrifice ~ Hecate Enthroned

6. Piece by Piece ~ Mortician

7. Mandatory Suicide ~ Chapter 7

8. Fight Till Death ~ Jungle Rot

9. Behind The Crooked Cross ~ Gigantor

10. Blood Red ~ Naked Lunch

11. Angel Of Death ~ Brood

12. AntiChrist ~ Dissection

13. Chemical Warfare ~ Embraze

MUSICA&SOM

Beyond Belief - Towards The Diabolical Experiment (1993)

Tracklist:

1. Intro: Ave

2. Shapes of Sorrow

3. Stranded

4. The Experiment

5. The Nameless

6. Silent Are the Holy

7. Fade Away

8. Untouched

9. Prophetic Countdown

10. Kissing in XTC

11. The Finishing Touch

12. Outro: Never

MUSICA&SOM

Antidote - Total (1994)

Tracklist

1. Cold

2. Woe Betide Them

3. Life For A Lie

4. Rain

5. Multiverse

6. My Million Years

7. You Medicate

8. Slowmotion

9. Life Recall

10. Into The Dreamside

MUSICA&SOM

Psychic TV - Themes 2 (1985)

 

Temas 2 da Psychic TV, ah, eu estava evitando muito esses caras há muito tempo, não porque não gostasse deles, mas porque a gente já está farto de ouvir coisas. Houve outra versão deste álbum de 1998, então irei carregá-la lá mais tarde. Vamos por partes.

Dentro da diversificada discografia dos guasos, a saga dos Temas oferece o lado mais instrumental. Sem conhecê-los muito, na Parte 2 eles saem com efeitos de fita, loops e feedback de role-playing na Parte Um; uma bela guitarra, sinos e a percussão primordial de um ritual agradável na Parte Dois deste álbum; e para culminar, na Parte Três dá-se uma gargalhada que primeiro funciona como uma ponte entre essas duas partes... E a partir daí tudo vai para o inferno porque o riso estrondoso da bola torna-se ecos sombrios, canções tibetanas (?) e outros ruídos perversos . Boa viagem, crianças. Curiosidade: 1) A capa é uma foto dos Spirit Dancers da tribo Mescalero Apache. 2) Algumas palavras utilizadas na terceira parte pertencem à língua Enochiana, criada pelo ocultista maluco John Dee.  3) No verso do LP recomendam ouvi-lo com luz azul, então procure um reator nuclear  ou, na falta disso, uma pista de boliche para sentir esses sons como os deuses exigem. Continue acompanhando este blog até levarmos um tiro, obrigado.

1."Temas 2, Parte Um" – 9:43
2."Temas 2, Parte Dois" – 10:59
3."Temas 2, Parte Três" – 18:12

País : Reino Unido
Membros :
- Genesis P-Orridge – Intérprete, Produtora
- Paula P-Orridge – Intérprete
- Alex Fergusson – Intérprete
- John Gosling – Intérprete

Gênero : Ritual Ambient, eletrônica experimental

Adriano Pappalardo – Os Grandes Sucessos (2004)

Adriano Pappalardo é um cantor e ator italiano, nascido em 25 de março de 1945 em Copertino, província de Lecce.
Em 1968 conheceu Umberto Tozzi e formaram um grupo de 13 pessoas que percorreu toda a Itália com um show musical.
Foi popular na Itália e conhecido na Espanha e na América Latina com a música “Ricominciamo” (Vamos recomendar, 1979), e ainda gravou músicas em italiano e espanhol.
Também trabalhou como ator em diversos filmes e séries de televisão em seu país natal, quase sempre desempenhando o papel de “o durão” e às vezes de “o bom”.
Possuidor de uma voz peculiar, rouca e forte, é um performer cheio de vigor e com uma “agressividade” que atinge diretamente quem o ouve. Grande amigo de Lucio Battisti, gravou diversos discos para a gravadora “Numero Uno”, de propriedade do próprio Battisti. O primeiro single foi “Una donna/Il bosco no”, que foi bem recebido.
Mas o grande sucesso veio com o segundo single “È ancora giorno /Senza nome” lançado em março de 1972; A música “È ancora giorno”, claramente rhythm & blues, em plena harmonia com o timbre da voz de Pappalardo, foi escrita por Mogol-Battisti.
Outro single dessa época que também está nesta compilação é “Segui lui”, música inédita, também composta por Mogol-Battisti.
“California no” é um trecho de seu segundo LP, de mesmo título, de 1973.
“Ricominciamo” saiu em 1979 e é certamente seu maior sucesso também internacionalmente, especialmente na América Latina, onde ainda pode ser ouvido em estações de rádio.

Recomendado!

***

Lista de faixas:

01. È ancora giorno
02. Segui lui
03. Una donna
04. California no
05. Cavallo
06. Mi basa così
07. Donna mia
08. Voglio lei
09. Non mi lasciare mai
10. Ricominciamo
11. Giallo guale sole
12. Risalendo la sagola
13. Signorina

Mina & Adriano Celentano – Mina & Celentano (1998)

Com Massimiliano Pani como produtor, este dueto entre Mina e Adriano Celentano foi lançado em 1998 e foi o álbum mais vendido na Itália naquele ano. De qualquer forma, ainda é inédito em vários países da América Latina, e no resto do mundo já vendeu mais de dois milhões de exemplares. Sem dúvida o “hit” do álbum foi “Aqua e sale” , mas as minhas preferidas são as duas faixas seguintes: “Brivido felino” e a excelente “Io non volevo” . Um contraponto de amigos que resulta num disco brilhante.

MUSICA&SOM