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MUSICA É VIDA

segunda-feira, 4 de novembro de 2024

1976 The Manhattan Transfer – Coming Out


Coming Out é o terceiro álbum do The Manhattan Transfer , lançado em 19 de agosto de 1976 pela Atlantic Records.

O single “Chanson d'Amour” alcançou o primeiro lugar no Reino Unido por três semanas.

A música “Zindy Lou” contou com Ringo Starr e Jim Keltner na bateria, Dr. John ( Mac Rebennack ) no piano e Doug Thorngren na percussão. A música “Poinciana (The Song of the Tree)” contou com um solo de Michael Brecker .

Tracks

1  Don’t Let Go (Jesse Stone) 02:44
2  Zindy Lou (Eddie Smith; Johnny Moore) 02:54
3  Chanson D’amour (Wayne Shanklin) 02:53
4  Helpless (Brian Holland; Lamont Dozier; Edward Holland) 02:57
5  Scotch And Soda (Dave Guard) 03:00
6  The Speak Up Mambo (Cuentame) (Al Castellanos) 03:01
7  Poinciana (The Song Of The Tree) (Buddy Bernier; Nat Simon) 04:09
8  S.O.S. (Gerry Shury; Phillip Swern) 03:08
9  Popsicle Toes (Michael Franks) 04:12
10  It Wouldn’t Have Made Any Difference (Todd Rundgren) 03:27
11  The Thought Of Loving You (David White) 02:54


Musicians

VocalsTim Hauser
VocalsLaurel Massé
VocalsAlan Paul
VocalsJanis Siegel

Other Musicians

1 Don’t Let Go

BassAndy Muson
DrumsRoy Markowitz
GuitarIra Newborn
OrganPaul Griffin
SaxMichael Brecker
TrumpetRandy Brecker
PercussionBobbye Hall


2 Zindy Lou

BassAndy Muson
DrumsJim Keltner
DrumsRingo Starr
GuitarIra Newborn
PianoMac Rebennack


3 Chanson D’amour

BassAndy Muson
DrumsJim Gordon
GuitarIra Newborn
PianoJohn Barnes
AccordionSteve Paietta
SaxJay Migliori


4 Helpless

BassAndy Muson
DrumsRick Shlosser
GuitarIra Newborn
PianoClarence McDonald
SaxJackie Kelso
PercussionRalph MacDonald


5 Scotch And Soda

BassAndy Muson
DrumsJim Nelson
GuitarIra Newborn
PianoBill Payne
PianoRoger Steinman


6 The Speak Up Mambo (Cuentame)

BassAndy Muson
DrumsRoy Markowitz
GuitarIra Newborn
PianoArthur Jenkins
BongosJohnny Rodriguez
CongasRalph MacDonald
CowbellJohnny Rodriguez
TimbalesNicky Marrero


7 Poinciana (The Song Of The Tree)

BassAndy Muson
DrumsDavid Kemper
GuitarIra Newborn
GuitarBob Bowles
PianoBill Payne
SaxMichael Brecker
PercussionBobbye Hall


8 S.O.S.

BassAndy Muson
DrumsJim Keltner
DrumsRingo Starr
GuitarIra Newborn
PianoClarence McDonald
SaxJackie Kelso


9 Popsicle Toes

BassAndy Muson
DrumsJim Gordon
GuitarIra Newborn
GuitarBob Bowles
ClavinetDave Frishberg
PianoDave Frishberg


10 It Wouldn’t Have Made Any Difference

BassAndy Muson
DrumsDavid Kemper
GuitarIra Newborn
GuitarBob Bowles
AutoharpIra Newborn
PianoBill Payne
CongasBobbye Hall


11 The Thought Of Loving You

BassAndy Muson
DrumsRick Shlosser
GuitarIra Newborn
PianoMike Melvoin
PercussionRalph MacDonald

Liner Notes

Producer – Richard Perry
Producer (Associate) – Tim Hauser
Arranged By – Arthur Jenkins (Track 6)
Arranged By (Vocals) – The Manhattan Transfer (Track 1)
Arranged By (Vocals) – Janis Siegel, Tim Hauser (Tracks 2, 3, 4, 6, 7, 8, 11)
Arranged By (Vocals) – Ira Newborn (Tracks 5, 9)
Arranged By (Vocals) – Laurel Massé (Track 10)
Engineer (Assistant) – Dana Latham, Dennis Devlin, Rush Fielden, Tim Sadler
Mastered By – Allen Zentz
Recorded By – Doug Botnick, Howard Steele, Lew Hahn, Rick Rowe, Tony Sciarrotta
Remixed By – Howard Steele

Art Direction – Abie Sussman, Bob Defrin
Photography – Suze Randall

Recorded At Studio 55, LA
Recorded At Atlantic Studios
Recorded At Sound Ideas Studios
Recorded At Cherokee Studios
Recorded At A&M Studios
Phonographic Copyright Atlantic Recording Corporation
Copyright Atlantic Recording Corporation

By Vitor Rodrigues Musica&Som - novembro 04, 2024 Sem comentários:
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STEVE BRENNER - Signals (1985/ SYNC)

 

Continuamos investigando a Idade das Trevas ou tempos sombrios para a Escola de Berlim. E os anos 80 não foram nada favoráveis. Uma massa enlouquecida de crianças adotou os sintetizadores como uma nova “expressão jovem”.  E isso não poderia trazer nada de bom. Entre outras coisas, porque a sua filosofia se baseava na estética e na moda e não na música. Isto era claramente secundário. E feito por pessoas com zero treinamento. Ainda assim, houve exceções notáveis. 


Por outro lado, havia os condenados às sombras, nas catacumbas do subsolo. Sintetistas e músicos apaixonados por correntes anteriores, ainda recentes, pessoas que admiravam Klaus Schulze, Tangerine Dream ou Ash Ra Tempel. Que se recusou a ser arrastado por aquela multidão de figuras elegantes saídas diretamente de uma revista de moda.  E a modesta cassete foi o meio ideal para a sua fuga artística do ostracismo mais esquecido.

O canadense Steve Brenner foi claro. Logo um futuro e sólido sintetizador, sozinho ou com projetos como Kolab ou Venal Equinox, ele tem uma carreira respeitável fora da moda blowgaite.

Baseado em Yamaha CS15, Polivoks, Juno 106, SVC 350 Vocoder, Korg 2DD 1000 Delay e Roland DEPS, este primeiro assalto a cassetes ficou marcado cheio de vontade e boas esperanças. A ilusão dos começos. Uma força irresistível. E isso já se nota nas primeiras notas de “Signals” (11’11), onde o rasto da Tangerina Sonolenta continua presente no seu firmamento estilístico. Nebulosas Froese e ritmicidade sequencial de Baumann, para algo surpreendentemente muito adulto e preparado. Aqui temos melodias misteriosas e sinuosas que vão mudando aos poucos, invadindo a psique indefesa do ouvinte em reiterações evolutivas de encanto sugestivo. Mínimo, mas eficaz.

Incorpora elementos de synth-rock para "Electronic" (7'00), que aqui foi incorretamente chamado de "techno"....Até o Tangerine Dream adotou formas no início dos anos 80. Nada preocupante, se você tiver o bom gosto de incorporar como. mais um elemento, sem deixar que a euforia do hype te pegue. Como é o caso aqui. Coloque-se entre "Logos", "Polónia" ou "Le Parc". Febre sequencial, como espinha dorsal do tema.

Lado B do filme com "Locomotive" (12'09), repleto de exploração espacial kosmische à moda antiga. Sugere um filme de terror no Ártico, como “The Thing”. Tem o caráter de uma partitura e poderia ter sido uma magnífica trilha sonora ao estilo de John Carpenter. É um dos pontos altos do álbum K7. Ele acrescenta sons pré-industriais à fórmula e parece confortável com a experimentação espacial de Berlim.

Temos mais uma verdadeira homenagem a Tânger no final “Project 707” (7’30), que denota um futurismo decadente não isento de ameaças, com um verniz de lirismo debussiano, com abordagens Kraftwerk e um forte sabor alemão. 



Steve Brenner deixou claro que essa herança não poderia ser perdida, nem mesmo nos coloridos e cafonas anos 80. E fez uma estreia sincera, uma verdadeira declaração de princípios de um torcedor que defendeu até a morte sua causa perdida.



Temas
"Signals" 0:00
"Electronic" 11:22
"Locomotive" 19:04, &
"Project 707 (I Talk Like You)" 31:25.



By Vitor Rodrigues Musica&Som - novembro 04, 2024 Sem comentários:
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Franco Battiato - Fetus

 



Talvez a primeira obra-prima de Franco Battiato. Uma mistura fascinante de pop barroco e experimentação eletrônica de vanguarda. Tons dispersos de influências de David Bowie da era Space Oddity também estão presentes. Conceitualmente inspirado no nascimento e no mistério da existência, dois temas sempre presentes na discografia e na jornada espiritual pessoal de Battiato.

Meu álbum italiano favorito e definitivamente no meu Top Ten de todos os tempos. O casamento perfeito entre pop e vanguarda. “Cariocinesi” me faz chorar toda vez que ouço. Além disso, Battiato tem uma voz tão reconfortante quanto um cobertor quente. Parafraseando a crítica de Julian Cope no Head Heritage, outros artistas se contentam em ter dez ideias em um álbum; Battiato enfia dez ideias em cada música, e cada uma delas é incrível.

Primeiro filme de Franco Battiato  (O Cantor-compositor, músico e diretor) que nasceu em plena corrente progressista, era 1972 e o álbum   expressava uma proposta muito interessante; O conceito deste álbum   era um cenário "eletro-sinfônico-progressivo"  que apresentava passagens atmosféricas em tons claros e escuros, melodias trílicas cheias de vocais sublimes, passagens de música eletrônica antiga, arranjos vaidosos, mudanças de tempo, harmonias sinfônicas e um som bem equilibrado. postura voltada para a apresentação do ART-ROCK. Fetus é uma obra conceptual de uma riqueza inestimável mas apesar de ter todos os elementos necessários para se forjar como uma obra de enorme proposta vanguardista, não consegue atingir uma dimensão absoluta, a obra perde-se nas sombras de outras propostas. É uma pena que tenha sido ofuscado por outros "musters" da sua época, mas o tempo conseguiu dar-lhe reconhecimento e hoje é um álbum CULT que toca as cordas do coração como nenhum outro álbum experimental poderia fazer. Aqui minhas impressões.

Já faz muito tempo que toquei as portas do delicado e elegante movimento italiano e com este álbum posso mergulhar em suas   vastas águas. A obra é uma aventura sonora onde o progressismo e a eletrónica coabitam e onde as paixões mais ferozes pululam em ambas as passagens. É uma obra-prima de riscos ousados, um álbum além de qualquer definição, um cenário eclético de dimensões oníricas e experimentações sombrias. Através de oito músicas, Battiato nos leva aos éteres mais sublimes mas dentro deste universo encontramos algumas decepções e isso porque diante de uma performance tão cuidadosa o conceito de postura ART não se manifesta muito, há trabalhos mais elaborados e ambiciosos de sua hora. Fetus tem muitos elementos que fazem dela uma performance de rock progressivo mas há   momentos em que não é possível atingir essa expressividade absoluta, porém tem algo muito característico do RPI e que é a sensibilidade e aquele manto de escuridão que faz o trabalho e o eleva a outra dimensão. Por isso a   magia do FETUS está presente em cada groove e podemos respirar a vanguarda em cada música. Até nos vermos novamente. 

Mini fatos:
*Na década de 70, este álbum foi lançado originalmente pelo influente selo italiano Bla-bla. Enquanto a maior parte da produção de Franco Battiato foi lançada em seu próprio nome, os álbuns Fetus e Pollution foram lançados apenas pela 'Battiato', no estilo rock pesado da época.
 
*Franco Battiato passou para o "berço" do rock progressivo nos anos 70 e foi nesse período (71-72) que nasceram 2 projetos de vanguarda (Fetus e Pollution). Battiato assinou brevemente com a Island Records e foi nesse período que a versão em inglês de Fetus germinou. Franco Battiato tinha planos de ter sucesso na Grã-Bretanha; Ele apareceu no Roundhouse em Londres abrindo primeiro para Magma e depois para Ash Ra Tempel. Diz a lenda que Frank Zappa, ao ouvir Pollution, descreveu o trabalho de Battiato como "gênio".

01.Fetus
02.Una cellula
03.Cariocinesi
04.Energia
05.Fenomenologia
06.Meccanica
07.Anafase
08.Mutazione





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SAPO - SAME

 



O último dos grandes grupos de Rock Latino.
Não quero ouvir mais uma palavra sobre isso.
Santana, Azteca, Malo, El Chicano e Sapo.
Então pare com isso.
Qualquer banda fora desta é apenas uma referência ao gênero, mas não será aprovada.
Sapo é um álbum poderoso, vindo de ex-membros do Malo e de outros gatos talentosos da Bay Area.
Na verdade, o Sapo soa como uma mistura de cada uma das bandas citadas, reunindo-as com um estilo incrível.
Ótimas trompas, solos de guitarra e som vintage.
Timbales rítmicos e salsa soul funky.
Um álbum fantástico, heavy jazz latino garantido para fazer você se emocionar quando não estiver curtindo...infelizmente esse seria o único álbum já lançado pelo grupo.

Ótimo blog camarada; Mas eu entendo que os chicanos são filhos de um pocho e de um mexicano, um pocho é filho de um americano e de um mexicano. Vi isso em um álbum justamente de um grupo chamado El Chicano e gostaria de contribuir para o entretenimento de nós que acompanhamos este blog...
Saudações

A palavra "Chicano" deriva do termo depreciativo e pejorativo mechicano. Dentro desse ambiente, uma nova cultura tomava forma, já que o surgimento do rock & roll quente produziu um fenômeno não visto nas comunidades negras e/ou brancas: a paixão pelas antigas canções de R&B .

Sapo é um verdadeiro exemplo do rock chicano e indiscutivelmente filho de fusões e ritmos que de alguma forma se transformam numa nova explosão de ritmos tropicais que decantam num swing cheio de sabor e virtualidade. Não há dúvida de que a banda está comprometida com a cultura urbana e a transforma em um coquetel muito venenoso composto por elementos de Rock, Jazz e salsa; Tudo isso se mistura e você obtém um som tão multicolorido, cada peça é intensa, rítmica e respira “nuyorica” por toda parte. A performance é MASTERFUL e cheia de nuances que valorizam muito o álbum e o tornam uma experiência muito agradável e bastante interessante.a música doSapoé única, talvez semelhante até certo ponto a outras bandas do seu “estilo” mas estas destacam-se muito acima delas. Essa sonoridade peculiar que a banda adquire é produto das influências de seus integrantes mexicanos. Portanto você pode saborear uma espécie de “Jazz Rock Latino” mas a questão não está nesse termo pois é ainda mais amplo, nele você pode apreciar sons Montuno, jazz latino, salsa dura, rock chicano puro e simples e fusões experimentais. É realmente um álbum exótico para todos verem.

Contracapa em acetato onde a faixa pode ser vista

Ouvir novamente esse álbum antigo tem sido muito revigorante para mim, é um tônico que te enche de muita vitalidade e, acima de tudo, recarrega as baterias. Se você é fã de ritmos e fusões, dos emocionantes sons de vanguarda hispânica e do swing do chamado "som nuyorica", vai gostar muito deste álbum. Na minha opinião é um must-have e é o meu top 3 de bandas de fusion rock, junto com o terceiro álbum de Santana e o álbum solo de Jose “Chepito” Areas. Até nos vermos novamente.

Mini fato:
*A banda era formada por americanos e mexicanos que viviam na América do Norte. Em 1974 lançaram o seu primeiro e único trabalho intitulado SAPO pela editora Bell.

01.Been Had
02.Can't Make It
03.Ritmo Del Corazon
04.Get It On
05.Nina
06.It's the Music
07.Sapo's Montuno
08.Wishbone




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ROCK AOR - 98DA - Gun To Head Blues [EP] (1991)

 





País: Canadá

Estilo: Hard Rock

Ano: 1991


Integrantes: 


Mars - lead vocals

Dave Clark - guitars

Rick Osley - guitars

Rick Barnes - bass

Jeff Shoebridge - drums 


Tracklist:


01. Crackhouse in my Neighbourhood

02. Gun to Head Blues

03. Psychoactive Wildcard

04. Lil` Doll 

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Alice – Cosa resta…un fiore (1978)



 Sejam bem-vindos a este evento com música italiana; Hoje recuamos no tempo até 1978, quando a CGD publicou o segundo álbum de Alice (nome artístico de Carla Bissi), álbum que não teve grande sucesso apesar da excelente produção de Giancarlo Lucariello. Seis das dez músicas do álbum já haviam sido lançadas como singles: “…e respiratório”, “Un fiore”, “Un'isola”, “Alberi”, “Mondo a matita” e “Io voglio vivere” que foi também incluído em seu primeiro álbum. É por isso que o álbum acaba sendo menos homogêneo, mas a voz maravilhosa de Alice consegue unir tudo bem.
Os autores das músicas são Lopez, Brioschi e Carla Vistarini, os arranjos musicais são de Danilo Vaona que também rege a orquestra, e a própria Alice está ao piano.
Como faixa bônus você encontrará “Piccola Anima”, single de dois anos antes, mas que nunca foi lançado em álbum antes. Certamente uma das canções mais bonitas é “Un'isola”, uma canção dotada como poucas de grande poder evocativo; O curioso é que quando saiu como single Alice estava mudando de gravadora, da CBS-Sugar para a CGD, por isso algumas cópias trazem o logo da CBS na capa enquanto o álbum tem o logo da CGD, embora o número de catálogo seja o mesmo em ambos.
Então desejo boa audição e me diga se gostou.
Esqueci de dizer que esta versão é a remasterização japonesa.


***

Lista de faixas:

01. Intro
02. Un fiore
03. Un'isola
04. Una mia semplice storia
05. Chi mi apprezza e chi disprezza
06. Io voglio vivere
07. Senza l'amore
08. Alberi
09. Sew
10. …e respite
11. Mondo a matita
12. Outro
Bonus Track
13. Piccola anima




By Vitor Rodrigues Musica&Som - novembro 04, 2024 Sem comentários:
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Alice – The Platinum Collection (2011)



Já falamos sobre Alice e partilhamos vários dos seus trabalhos  mas para quem ainda não a conhece ou apenas ouviu alguns dos seus álbuns, este CD triplo é um excelente recurso.

Para a edição de "The Platinum Collection" , Alice participou pessoalmente na seleção das músicas, portanto não é um típico álbum de grandes sucessos, e inclui músicas como Carla Bissi, Alice Visconti e Alice , com as quais dizemos que cobre toda a sua carreira, de 1972 até hoje. Além dos duetos com Stefan Waggershausen e Franco Battiato , está incluída uma música inédita: "Open your eyes". O arquivo contém a arte completa.

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By Vitor Rodrigues Musica&Som - novembro 04, 2024 Sem comentários:
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VALE A PENA OUVIR DE NOVO

 

                  Lupicínio Rodrigues - "Gravações originais" (1974)

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Caetano Veloso - "Transa" (1972)
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Gonzaguinha - "Luiz Gonzaga Jr" (1973)
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Mimmo Locasciulli - Quattro canzoni di Mimmo Locasciulli (Q-disc 12", 1980)


 

TRACKLIST:


01. Piccola luce- 4:35
02. Con un fiore tra i capelli - 2:38
03. Il treno della notte - 3:43
04. Un altro giorno - 3:05


MÚSICOS:

Mimmo Locasciulli - voz, órgão, piano
Douglas Meakin - guitarra
Sérgio Forésio – órgão
Mário Scotti - baixo
Massimo Buzzi - bateria


Mimmo Locasciulli, natural de Penne em Abruzzo, nascido em 1949, faz parte daquele grupo de cantores e compositores que frequentava o Folkstudio de Roma desde 1971, ao lado de outros cantores e compositores que, ao contrário dele, ficaram famosos: estou falando de Antonello Venditti e Francesco De Gregori, em primeiro lugar. Locasciulli, um pouco como Giorgio Lo Cascio (além da semelhança do sobrenome), permaneceu nas sombras, apesar da ajuda que recebeu de seu famoso amigo De Gregori. Somente em 1975, justamente pelo selo Folkstudio, conseguiu lançar seu primeiro álbum, intitulado “Don't Stay There”. Muitos de seus discos foram produzidos por De Gregori. A sua produção musical relativa aos anos 70 consistia em apenas dois álbuns: ao acima mencionado, acrescenta-se "Cosa ci resta" de 1977. A partir daí a produção musical de Mimmo Locasciulli sofreu uma aceleração. Para uma leitura completa de sua biografia/discografia indico um dos inúmeros sites da web. 
O álbum que hoje proponho foi lançado pela RCA em 1980 como um EP de 12" ou melhor, como um Q-disc (lembra deles? Também os propusemos no passado no Stratosfera). Foi relançado em 2004 como um mini CD. Para apresentar esta obra, a terceira em ordem cronológica, proponho este belo artigo de Riccardo Rinetti, publicado no número 52 de 28 de dezembro de 1980 do lendário semanário "Ciao 2001".



"Quatro Canções" de Mimmo Locasciulli. Um título que pode parecer quase casual, um nome que para muitos representa algo novo. Quem se lembra, de fato, daquele menino dividido entre a adolescência de sua inspiração e a dura concretude de sua terra, Abruzzo, aquelas suas canções feitas de um profissionalismo artesanal muito particular? Poucos, provavelmente, se quisermos usar o fraco sucesso de seus dois primeiros álbuns como termo de avaliação. Mas aqueles que tiveram a oportunidade de ouvi-lo certamente não o esqueceram. É a sua genuinidade que chama a atenção, antes mesmo de uma originalidade que nunca procurou em detrimento da sua própria sinceridade, a sua forma de fazer canções mais parecidas com uma pacífica paisagem montanhosa do que com montanhas pontiagudas ou enormes extensões.


Quem o conhecia, dizíamos, esperava há mais de dois anos um novo álbum dele, desde que aquele "Cosa ci resta" foi maltratado tanto na fase de produção como na fase de promoção e distribuição. O álbum foi claramente influenciado pela formação musical e cultural de Locasciulli: Dylan, em primeiro lugar, mas também pela canção francesa e por um compromisso espontâneo, uma crença no cantor e compositor de uma forma talvez demasiado séria. No entanto, o disco tinha um encanto que ia além das palavras, completamente fora dos critérios comuns (muitas vezes completamente hipotéticos) de atualidade ou databilidade. “O que nos resta” foi assim seguido por um longo período de silêncio. Um relativo silêncio, restrito à indústria fonográfica, porque a sua actividade ao vivo continuou com a mesma paixão do início. “Precisamente dessa paixão - diz Mimmo -, do puro prazer de escrever e cantar minhas músicas sem finalizá-las previamente para uma possível gravação, nasceram as músicas que compõem os novos 33. Nos dois anos que acabam de se passar, por Para mim a ideia do álbum não representava um fim, mas apenas um meio para poder ter a oportunidade de tocar ao vivo".


Na verdade, o novo álbum de Locasciulli nasceu quase por acaso, de uma cantata entre amigos numa noite no Folkstudio por ocasião da celebração do vigésimo aniversário de actividade da famosa adega. No pequeno restaurante romano estavam naquela noite quase todos aqueles que animaram a sua actividade num passado mais ou menos recente, incluindo Francesco De Gregori. Este último foi um dos primeiros a se impressionar com as novas músicas de Mimmo e a se interessar por ele também no que diz respeito ao seu disco. Havia uma amizade de longa data entre os dois compositores consolidada pelo respeito mútuo que levou De Gregori a rapidamente montar um pequeno estúdio de gravação na RCA e a gravar algumas peças de Mimmo com o objetivo de fazer audições para apresentar às gravadoras. Surgiram quatro peças com o impacto elegante típico de certas coisas ali jogadas quase descuidadamente, canções que golpeiam com o imediatismo que no passado representava uma deficiência na produção de Locasciulli. Características que nos convenceram a realizar uma transformação que lembra um pouco a do “príncipe-sapo”; as audições se tornaram um verdadeiro recorde. O veículo escolhido representa uma interessante novidade-experiência tentada pela RCA: um disco de 12 polegadas e 33 rpm (o mesmo do LP tradicional) que contém quatro músicas e é colocado à venda ao preço de 4.500 liras. Esta nova fórmula de gravação foi chamada de "Q Disc" e cobre a lacuna existente entre os 45 rpm e o Long Playing, uma operação inteligente que permite lidar com um espaço mais completo e expressivo do que o oferecido por um single, selecionando-os melhor. do que as músicas que encontrariam lugar em um álbum tradicional.


Em apenas quatro canções Mimmo consegue dar-se a conhecer e ser reconhecido com uma nova fachada musical intensa e agradável, apaixonante sem ser intrusiva, marcada por uma cativante naturalidade que em nada desvaloriza as refinadas soluções harmónicas. Quattro Canzoni" é a síntese da actividade de Locasciulli animada por uma maturidade finalmente alcançada que significa simultaneamente uma maior humildade na consideração do canto e uma nova consciência dos próprios meios. O Q-disc de Locasciulli tem um charme estranho que em alguns aspectos lembra seu álbum de estreia, "Non restarì.", gravado com meios limitados, que inaugurou a série de discos Folkstudio; essencial, pobre, mas precisamente por isso tão intenso e credível. 
Desde então, muitas coisas mudaram em Mimmo, mas o que sobrevive é a sua concretude e espontaneidade, a vontade e a coragem de fazer um álbum em apenas 5 horas, abrindo mão da perfeição formal mas ganhando em dinamismo e substância.


Acreditamos que o salto de qualidade de Locasciulli também pode ser encontrado em seu retorno ao piano, seu verdadeiro instrumento abandonado desde o primeiro álbum em favor do violão. A técnica pianística do cantor e compositor abruzzo tornou-se uma característica dominante em "Ouattro Canzoni". “A primeira intervenção de Francesco De Gregori como meu produtor - sublinha Locasciulli - foi justamente para me convencer a voltar para trás do piano. De resto foi perfeito tanto em manter relações com a gravadora como em me fazer sentir à vontade na sala de gravação” . “Decidi produzir Mimmo só depois de conhecê-lo há muito tempo - diz De Gregori - porque até algum tempo atrás encontrava em suas canções uma tentativa de ser compositor a todo custo. pelo lado positivo, não existe mais o velho maneirismo, mas uma despreocupação, ou melhor, uma vontade de contar as próprias coisas e Minimo faz isso muito bem."


A presença de De Gregori transparece significativamente em "Quattro Canzoni" e, sobretudo, em "Il train della notte" onde o arranjo "train time" denuncia abertamente a colaboração de Francesco, e tendo um nome importante como o do cantor e compositor romano pode causar comparações desconfortáveis. Mas seria superficial insistir neste aspecto, Mimmo tem uma identidade precisa e autónoma ainda que a sua formação musical tenha a mesma linhagem da de De Gregori. Uma realidade inegável, mas também inevitável, dada a comunhão geracional que une os dois cantores e compositores. A forma de cantar de Locasciulli tem algumas semelhanças com a de Francesco, principalmente na forma de entregar as palavras, porém sua voz tem intensidade própria, profunda, ágil, em perfeita harmonia com o significado das canções. A verificação definitiva de sua personalidade deveria chegar nos primeiros dias de dezembro: Lucio Dalla, aliás, queria Locasciulli com ele durante sua turnê de inverno, mas infelizmente a turnê foi suspensa no último momento. No entanto, a nomeação é apenas adiada. Veremos como, em contato direto com um grande público, Mimmo Locasciulli poderá sair da premiada empresa Dalla – De Gregori”. 
Até agora o longo artigo que apareceu no "Ciao 2001" em 1980. Perdoem-me se me alonguei um pouco, mas queria publicá-lo na íntegra. Penso que voltaremos a Mimmo Locasciulli o mais breve possível, merecendo sempre a nossa mais elevada consideração. Isso é tudo por enquanto. Deixo-vos desejando-vos boa audição..


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