DISCOGRAFIA - OREN AMBARCHI Eclectic Prog • Australia

 

OREN AMBARCHI

Eclectic Prog • Australia

Biografia de Oren Ambarchi
Natural de Sydney, Austrália, Oren Ambarchi (nascido em 1969) é um músico e compositor viajante, conhecido por suas desconstruções do rock e pela assinatura sonora única de sua guitarra elétrica processada digitalmente. Apaixonado pelos atos de fazer e colecionar discos, Ambarchi foi atraído pela música ainda jovem, começando como um baterista obcecado por rock clássico antes de se encantar pelo jazz (tanto free quanto fusion). A carreira de Ambarchi começou em 1986, tocando standards de Miles Davis e John Coltrane em conjuntos de jazz antes de se mudar para Nova York no final da década para estudar misticismo judaico em uma faculdade rabínica no Brooklyn. O interesse de Ambarchi pela guitarra foi despertado em 1993 após testemunhar uma apresentação de Keiji Haino do Fushitsusha na Knitting Factory, iniciando seu fascínio ao longo da vida pelo instrumento e todas as maneiras pelas quais seu tom poderia ser manipulado eletronicamente além do reconhecimento. Embora enraizado nos mundos da improvisação livre, ruído e técnica de guitarra estendida experimental, Ambarchi expandiu muito suas fronteiras musicais para se tornar um fornecedor emocionante do rock progressivo do século XXI.

Tão eclético em sua abordagem artística minimalista quanto em sua escolha de colaboradores, a discografia de Ambarchi conta com mais de cem álbuns, EPs ou singles de música eletroacústica, drone, jazz-rock, eletrônica progressiva, pós-rock e krautrock. As gravações de Ambarchi foram lançadas por dezenas de selos estimados variados como Touch, Tzadik, Southern Lord, Editions Mego e sua própria Black Truffle (em operação desde 2009). Ambarchi se apresentou ao redor do mundo ao vivo e em estúdio com uma grande variedade dos melhores músicos em suas áreas, como Fennesz, Keith Rowe, Phill Niblock, Z'EV, Charlemagne Palestine e Merzbow, com um número particular de artistas de avant-prog como Otomo Yoshihide, Fred Frith, Massimo Pupillo do Zu, Fire! e John Zorn, que foi um dos seus primeiros apoiadores durante seu tempo em Nova York. Até o momento em que este artigo foi escrito, Ambarchi lançou doze LPs ao vivo com seu barulhento trio de free-psych-rock com Keiji Haino e seu colega ícone do improviso Jim O'Rourke. Seu amor por frequências graves levou a uma temporada tocando na banda de cosmic-metal Sunn O))), junto com vários projetos de grupo em andamento com seus membros Greg Anderson e Stephen O'Malley.

Com o krautrock sendo um de seus muitos amores, as viagens de Ambarchi também o viram conviver com várias lendas, tanto clássicas quanto modernas. O ex-vocalista do Can, Damo Suzuki, fez uma série de visitas anuais à Austrália de 2002 a 2012, com Ambarchi atuando como um dos quatro "portadores de som" do músico itinerante para uma apresentação da Network em 2004 em uma loja de discos em Melbourne (com um LP ao vivo lançado como The Swiftsure Session em 2017). Suzuki mais tarde retribuiu o favor sentando-se com o projeto influenciado por Glenn Branca/Rhys Chatham do Ambarchi, The Husbands. O baterista do Guru Guru, Mani Neumeier, também fez algumas aparições ao vivo na Austrália em 2007 e 2009, com Ambarchi participando na guitarra em cada uma delas, demonstradas no CD de Neumeier de 2011, Smoking the Contracts. Em 2013, Ambarchi tocou um set com os kraut-droners britânicos Neil Campbell e Michael Flower da Vibracathedral Orchestra no TUSK Festival, documentado e lançado em vinil no ano seguinte. Ambarchi também passou 2013 no palco e no estúdio com a vanguarda da guitarra adjacente ao kraut Richard Pinhas, contribuindo para o LP solo Desolation Row deste último e cooperando para o álbum Tikkun de 2014. De 2015 a 2017, Ambarchi emprestou seus talentos como baterista para três sets ao vivo com outro pioneiro da guitarra espacial, Manuel Göttsching e sua Ash Ra Tempel Experience, unindo forças com os fãs Shags Chamberlain e Ariel Pink para tocar material de Schwingungen e Seven Up (o primeiro show foi lançado posteriormente em 2017 como Live in Melbourne).

O material inicial de Ambarchi, começando com Stacte de 1998, pendia mais para improvisação livre, glitch e reducionismo na veia de suas inspirações Alvin Lucier, Alan Licht e selos como Mego e Staubgold, embora fãs de eletrônica progressiva monótona como Andrew Chalk e Mirror devam gravitar em direção a Suspension and Persona de 2001 e Mort Aux Vaches de 2002. Comparado pelos críticos a Labradford, Grails e Bohren & der Club of Gore, Grapes from the Estate de 2004 e In the Pendulum's Embrace de 2007 foram trabalhos inovadores em sua obra que borraram as linhas entre seu ambiente de guitarra eletroacústica e o minimalismo pós-rock jazzístico.

2012 foi um ano especialmente prolífico em que Ambarchi começou a realmente soltar suas inclinações progressivas, deixando para trás o ruído acadêmico livre de seus dias mais jovens para uma paleta sonora mais colorida, continuando nessa direção até os dias atuais. Álbuns notáveis ​​foram Audience of One e sua variedade de experimentos kraut/avant/eletrônicos (principalmente sua peça central "Knots") e seu sucessor, Sagittarian Domain, uma única faixa estendida de minimalismo motorik inspirada em Faust, Mahavishnu Orchestra, Gavin Bryars e a coda de "Purple Rain" do Prince. Ambarchi nunca deixou suas inclinações prog-eletrônicas para trás, demonstradas em longas-metragens como Sleepwalker's Conviction de 2015, Hotel Record de 2017 (feito com seu parceiro crys cole) e Orgon Day de 2019 (com Mark Fell, Will Guthrie e Sam Shalabi). Ele mudou com Simian Angel, de 2019, uma síntese ambiente da música brasileira e jazz-fusion favorita de Ambarchi do século XX, criada com o percussionista Cyro Baptista, na qual a revista britânica The Wire detectou influências de Jon Hassell/Fourth World e a descreveu como "um congresso imaginário da estética Cluster e ECM do final dos anos 1970". Ambarchi também continuou a explorar suas tendências minimalistas de post-rock/krautrock com Quixotism, de 2014, Hubris, de 2016, e Shebang, de 2022, bem como os LPs colaborativos Aithein (2016; com Stefano Pilia e Massimo Pupillo) e a duologia Ghosted (2022, 2024; com Johan Berthling e Andreas Werliin, do Fire!).

OREN AMBARCHI discografia

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OREN AMBARCHI top albums (CD, LP, )

3.00 | 1 ratings Stacte 1998	4.00 | 1 ratings Stacte.2 1999	4.00 | 1 ratings The Alter Rebbe's Nigun (with Robbie Avenaim) 1999	2.00 | 1 ratings Insulation 1999
0.00 | 0 ratings Mort Aux Vaches 2002	0.00 | 0 ratings Stacte.4 2002	0.00 | 0 ratings Oystered (with Günter Müller & Voice Crack) 2003	4.00 | 1 ratings Vigil (with Martin Ng) 2003
5.00 | 1 ratings Grapes From the Estate 2004	5.00 | 1 ratings Lost Like a Star 2007	4.00 | 1 ratings In the Pendulum's Embrace 2007	3.00 | 1 ratings Spirit Transform Me (with Z'EV) 2008
0.00 | 0 ratings Audience of One 2012	3.00 | 1 ratings The Mortimer Trap (with Thomas Brinkmann) 2012	0.00 | 0 ratings In the Mouth - A Hand (with Fire!) 2012	3.00 | 1 ratings Black Plume (with Crys Cole & Keith Rowe) 2012
0.00 | 0 ratings Connected (with Robin Fox) 2012	4.00 | 1 ratings Behold (with Jim O'Rourke) 2015	0.00 | 0 ratings Subsound Split Series #4 (with Massimo Pupillo) 2015	4.00 | 1 ratings Sleepwalker's Conviction 2015
2.00 | 1 ratings Pale Calling (with Kassel Jaeger & James Rushford) 2016	3.00 | 1 ratings Hubris 2016	0.00 | 0 ratings Hotel Record (with Crys Cole) 2017	3.00 | 1 ratings Face Time (with Kassel Jaeger & James Rushford) 2018
3.00 | 1 ratings Hence (with Jim O'Rourke) 2018	3.00 | 1 ratings The Vanishing (with Martin Ng & Ensemble Offspring) 2019	0.00 | 0 ratings Oglon Day (with Mark Fell, Will Guthrie & Sam Shalabi) 2019	3.00 | 1 ratings Simian Angel 2019
0.00 | 0 ratings Ghosted (with Johan Berthling & Andreas Werliin) 2022	0.00 | 0 ratings Shebang 2022	0.00 | 0 ratings Ghosted II (with Johan Berthling & Andreas Werliin) 2024

OREN AMBARCHI Live Albums (CD, LP, MC, SACD, DVD-A, )

3.00 | 1 ratings Clockwork (with Robbie Avenaim) 1999	0.00 | 0 ratings Thumb (with Keith Rowe, Sachiko M, Otomo Yoshihide & Robbie Avenaim) 2002	4.00 | 1 ratings Triste 2003	0.00 | 0 ratings Honey Pie (with Keith Rowe & Robbie Avenaim) 2004
0.00 | 0 ratings ה​ו​פ​ע​ה ב​א​ו​ג​נ​ד​ה 2008	3.00 | 1 ratings Live at Corsica Studios 2010	0.00 | 0 ratings Tima Formosa (with Jim O'Rourke & Keiji Haino) 2010	0.00 | 0 ratings Hit and Run (with Joe Talia) 2011
3.00 | 1 ratings Dream Request (with Robbie Avenaim) 2011	3.00 | 1 ratings Wreckage (with James Rushford) 2012	0.00 | 0 ratings Nazoranai 2012	3.00 | 1 ratings いみくずし (with Keiji Haino & Jim O'Rourke) 2012
0.00 | 0 ratings まだ　暖かい内に　この今に　全ての謎を　注ぎ込んでしまおう (with Keiji Haino & Jim O'Rourke) 2013	0.00 | 0 ratings The Just Reproach (with John Tilbury) 2013	4.00 | 1 ratings Live at Tusk Festival 2013 (with Neil Campbell & Michael Flower) 2014	0.00 | 0 ratings ただ 美しく 溶けて しまいたいのに、まだまだ満ち足りて いないから、まだ見えていないはずの ものの ほうが 愛おしく 思えてしまう (with Keiji Haino & Jim O'Rourke) 2014
0.00 | 0 ratings Live Knots 2015	0.00 | 0 ratings Aithein (with Stefano Pilia & Massimo Pupillo) 2016	0.00 | 0 ratings 君は気がついたかな 「すみません」 という響きがとても美しいことに それ以上悪くしないように (with Keiji Haino & Jim O'Rourke) 2016	0.00 | 0 ratings 燦燦と輝く　誠の 「異なること」 さて何処へ行く (with Keiji Haino & Jim O'Rourke) 2017
0.00 | 0 ratings 昔は 天才と呼ばれていた者だけが完全犯罪（時には革命と呼ぶ）を企てた 今は誰でもボタンひとつで事を成すことが出来てしまう (with Keiji Haino & Jim O'Rourke) 2019	3.00 | 1 ratings Gallivant (with Crys Cole) 2021	0.00 | 0 ratings 一辺が5秒の深さ　横に並ぶ水玉模様　上下に移動する点滅 (with Keiji Haino & Jim O'Rourke) 2021	4.00 | 1 ratings Live Hubris 2021
0.00 | 0 ratings 1.7.22 (with Jules Reidy) 2022	0.00 | 0 ratings Double Consciousness (with Eric Thielemans) 2023	3.00 | 1 ratings いいこいいこがたつた一つだけ足りないと悪　たつた一つだけ多と善　そんなもんさ (with Keiji Haino & Jim O'Rourke) 2024

OREN AMBARCHI Videos (DVD, Blu-ray, VHS )

5.00 | 1 ratings Fateless (with Martin Ng) 2006

OREN AMBARCHI Boxset & Compilations (CD, LP, MC, SACD, DVD-A,)

4.00 | 1 ratings Intermission 2000-2008 2009

OREN AMBARCHI Official Singles, EPs, Fan Club & Promo (CD, EP/LP, MC, Digital Media )

0.00 | 0 ratings Der Kleine König 2002	0.00 | 0 ratings Lynx 2002	4.00 | 1 ratings My Days Are Darker Than Your Nights (with Johan Berthling) 2003	0.00 | 0 ratings Worried Friends / Nervous Enemies (with Lasse Marhaug) 2007
4.00 | 1 ratings A Final Kiss on Poisoned Cheeks 2008	4.00 | 1 ratings Raga Ooty / The Nilgiri Plateau 2012	0.00 | 0 ratings The Seven Inch, Vol. 2 (split with Luminance Ratio) 2012	3.00 | 1 ratings Stacte Karaoke 2014
0.00 | 0 ratings Panama / Suez (with Konrad Sprenger & Phillip Sollman) 2018 0.00 | 0 ratings Viscount Gort 2021	0.00 | 0 ratings Tokyo Knots 2020	3.00 | 1 ratings Sbagliato 2020	2.00 | 1 ratings Tummypen42 (with Robbie Avenaim) 2020

Pink Floyd – Atom Heart Mother (1970)

 

Os Pink Floyd chegam ao inicio da década de 1970, apostados em continuar a experimentar. Saem os as canções psicadélicas da era-Barrett e entram as orquestras, os coros, o rock progressivo e as vacas.

Acidentalmente, a vaca Lulubelle III entrou para a história da iconografia rock ao ter sido fotografada por Storm Thorgerson para capa de um dos álbuns mais ambiciosos de toda a carreira dos Pink Floyd.

Atom Heart Mother inicialmente tinha o nome de Amazing Pudding e já era tocado ao vivo desde os meados de 1969. Contudo, o quarteto (sempre um passo à frente nestas coisas) achou que seria interessante acrescentar uma orquestra e um coro à performance. Uma toada que acompanhava o “sonho” sinfónico de muitos grupos à época (Deep Purple, Moody Blues ou Barclay James Harvest são outros exemplos) mas que rapidamente se transformou num pesadelo logístico.

Incapazes de ler pautas, o grupo contratou o compositor avant-garde Ron Geesin para fazer a ponte de ligação entre o mundo rock e o clássico. Tendo em conta a tecnologia da época, Geesin até nem se safou mal nos arranjos. Mas o que dá a Atom um toque especial é o coro dirigido por John Aldiss que a meio desta sinfonia espacial faz um “tour de force” pelos confins das constelações do universo Pink Floyd.

O trabalho de guitarra de David Gilmour também é soberbo pois consegue alternar as escalas nos solos sem dificuldades, entre os blues, o jazz e o clássico, sem se tornar pretensioso. Com direito a louvor aparece em destaque também a secção rítmica de Nick Mason e Roger Waters que, em abono da verdade, gravaram as suas partes sem o “input” directo da orquestra e do coro tentando imaginar o som “cacofónico” nas suas cabeças. Ouvir as master-tapes de Atom Heart Mother deve ser exercício interessante com 23 minutos só de bateria e baixo.

“Atom Heart Mother Suite”, (dividida em seis movimentos á boa maneira do género progressivo) pode soar um pouco “a barroco” e sombrio quando escutado nos serviços streaming de hoje. Não duvido que, se o grupo dispusesse da tecnologia dos estúdios de hoje, o som teria sido mais limpo, menos reverb, muito mais cinemático e abrangente.
Só no lado B é que aparecem as canções no sentido convencional. “If” é provavelmente a última canção em que ouvimos Roger Waters num estado de espírito sereno antes de se atirar aos temas mais depressivos sobre a vida do homem comum em Dark Side of The Moon ou paranóicos de The Wall.

Segue-se o quase esquecido “Summer of 68”, composto por Richard Wright que volta a recorrer aos arranjos da orquestra. Uma canção quase pop com pano de fundo sobre um amor entre uma rockstar que se despede de “groupie”.

Mas em termos de canções individuais, a mais bem trabalhada é sem dúvida a de David Gilmour. A sua inspiração brilha mais alto ao som de “Fat Old Sun”. E talvez um dos últimos títulos da curta fase “pastoral”, que os Pink Floyd experimentaram após a saída de Syd Barrett entre 1968 e 1970.

O disco fecha com “Alan’s Psychedelic Breakfast” (com a participação especial do roadie Alan Stiles) e que tal como “Atom” começou por ser uma coisa que os Floyd ao vivo chamaram “A Man and the Journey” no qual o grupo recriava em palco os vários tempos das rotinas da humanidade. Uma mini opereta rock que incluía (ou não fossem eles britânicos) uma pausa para o chá. Da hora do chá para o pequeno-almoço foi um passo e o grupo quase que criava outro género musical: “o rock macrobiótico”! Como é que ninguém ainda se tinha lembrado de colocar guitarras acústicas que soam a raiar do sol; pianos com toque de uma alvorada calma e um roadie maluco a falar de ovos e bacon? A palavra de ordem era: “experimentar”. Um espirito que só durou mais um par de anos depois do abandono de Household Objects, disco nunca editado onde a banda usava objectos comuns como instrumentos.

Atom Heart Mother pode até ser um dos álbuns mais menosprezados pela crítica e pelo próprio grupo. Mas foi o primeiro disco dos Pink Floyd a chegar a número 1 no Reino Unido. Um marco de um tempo passado em que as bandas de rock se podiam dar aos excessos e aventuras sonoras. Mas ninguém pode negar a sua ousadia e o contributo que deu ao desenvolvimento das técnicas experimentais de estúdio.
Resta saber é se até as vacas sorriem ao escutá-lo…

Pink Floyd – Meddle (1971)

 

Quando se ouve Meddle e, principalmente, a faixa “Echoes” percebemos até onde nos estamos a aproximar do verdadeiro som dos Pink Floyd.

A frase pertence a David Gilmour, inserida DVD comemorativo do trigésimo aniversário de Dark Side of the Moon, explicando a importância que o álbum Meddle teve na transição da alquimia sónica do quarteto. Uma transformação que os transportaria do lado mais underground para os estádios do mundo.

Depois das experiências mais ou menos bem-sucedidas do som sinfónico de Atom Heart Mother ao cacofonismo de Ummagumma, os Pink Floyd estavam preparados para dar “o salto” qualitativo e quantitativo.

O primeiro sinal de que as coisas estavam a mudar era o crescente papel de Roger Waters no grupo. O baixista passava a assinar todas as letras de Meddle e daqui para frente seria ele o impulsionador criativo da máquina dos Pink Floyd. Temas como a alienação, a arrogância, a pressão da sociedade sobre o indivíduo ou o distanciamento crescente nas relações humanas (e que apareceriam anos mais tarde em Dark Side of the Moon ou The Wall) começavam a ganhar força e expressão.

A lógica ainda hoje patente do “Nós vs Eles” (e que ainda atormenta Roger Waters), faz aqui a sua estreia em “Echoes””: “Strangers passing in the street/ By chance two separate glances meet/ And I am you and what I see is me/ And do I take you by the hand/ And lead you through the land/ And help me understand the best I can…”.

“Echoes” é sem dúvida a “obra-prima” da carreira dos Floyd. No saudoso tempo do vinil como único meio de transmissão musical, ocupava por inteiro o lado B, tal era a imponência dos seus 23 minutos. Curiosamente este colosso sónico surgiu de 25 melodias diferentes compostas pelos vários membros da banda que depois de muita pesquisa e experimentação decidiram unir as várias secções do título original da peça “The Return of the Son of Nothing”. Começa vagarosamente com pingos de sons “aquáticos” que depois desembocam numa melodia crescente onde a Fender Stratocaster de Gilmour tem um papel proeminente. Pelo meio há uma espécie de “jam funk-espacial” com a guitarra cósmica a ir ao sétimo dos céus. Genial…

Virando o lado do disco, e voltando ao início escuta-se o vento com “One of These Days” puxado por um baixo hipnótico de Waters. Não é apenas um, mas dois baixos, Gilmour está também lá a dar o seu contributo. E no meio aparecem os teclados de Wright que com uma subtileza muito discreta arrebatam o ouvinte para as profundezas das viagens inter-galácticas. Facto assinalável é também o facto de aparecer pela primeira a voz do baterista Nick Mason.

O resto do álbum é um pouco mais ecléctico e terrestre. “Pillow of the Winds” contem grandes dedilhados de guitarras acústicas sonhadoras. “Fearless” é um hino dedicado aos fãs do futebol (no final até se ouve o tradicional “You’ll Never Walk Alone” cantado por adeptos do Liverpool).

Cantado por Waters, “San Tropez” é uma canção ideal para quem vai de férias para a praia. “Seamus” é um blues dedicado ao cão do agradável Mariott, guitarrista dos Humble Pie e amigo de Gilmour que ocasionalmente ladrava no estúdio quando gostava de uma música.

Ao fim de mais de 30 anos, Meddle ainda soa a fresco e encantador. Foi quase êxito global não fosse o contínuo fracasso de vendas que a banda enfrentava nos Estados Unidos desde 1967. O grupo não contente com a situação, acusava a editora (Capitol Records) de má gestão promocional. A editora por seu turno achava que a banda não fazia música para passar na rádio e consequentemente tinha um produto extremamente difícil de comercializar. Mal eles sabiam que dois anos depois, a vida deles estava prestes a dar uma volta de 180º graus. Mas por enquanto os Floyd ainda se mantinham escondidos “no lado oculto da lua”…

ROCK ART

 

Bo Hansson ● Sagan Om Ringen (Music Inspired By Lord of the Rings) ● 1970 ● Suécia [Symphonic Prog]

 

Bo Hansson (10 de abril de 1943 - 23 de abril de 2010), foi um músico sueco oriundo da cidade de Gotemburgo, mais conhecido por seus quatro álbuns de estúdio de Rock Progressivo instrumental lançados ao longo da década de 1970.

Esse é seu primeiro álbum, lançado em 1970, posteriormente relançado pelo selo Charisma, sob o nome "Music Inspired by The Lord of the Rings" e com um nome original. Como tantos outros álbuns do cenário Progrerssivo, "Sagan om Ringen", foi inspirado pelo romance de  J.R.R. Tolkien, "O Senhor dos Anéis", leitura praticamente obrigatória para todos os cabelos longos dos anos 60 e 70. Referências a ele abundam na música da época. Bo Hansson era um visionário musical que traz os verdadeiros "cavalos de guerra" do Prog dos anos 70, o órgão Hammond e o sintetizador Moog, criando paisagens musicais exuberantes, embora sombrias, que, claro, se adaptam às várias fases do conto épico. A música varia de leves guitarras psicodélicas suaves até Prog sinfônico conduzido por órgão, criando assim paisagens de sonho soberbas, como se você estivesse em um conto de fadas! , mas é assim que esse conceito poderia realmente funcionar. Um fantástico esforço de conceito inventivo de um dos gênios da Suécia!

Alguns destaques são as faixas: "De Svarta Ryttarna - Flykten Till Vadstället (The Black Riders & Flight To The Ford)" (4:07), onde Hansson toca o tema marcial principal no Hammond e adiciona partes saborosas de Moog. Um bom solo de guitarra anuncia a parte final da perseguição ao vau... Ótima música. "Drömmar I Läkandets Hus (Dreams In The House Of Healing)" (1:58), apresenta uma parte de guitarra e sintetizador bastante eficaz e onírica que evoca visões de paz e descanso. Faixa altamente relaxante e mais uma prova de que Hansson combina o clima dos vários contos da história com paisagens musicais apropriadas.

Tracks:

01. Första Vandringen (Leaving Shire) (3:30)

02. Den Gamla Skogen - Tom Bombadill (The Old Forest & Tom Bombadil) (3:43)

03. I Skuggornas Rike (Fog On The Barrow-Downs ) (2:31)

04. De Svarta Ryttarna - Flykten Till Vadstället (The Black Riders & Flight To The Ford) (4:07)

05. I Elronds Hus - Ringen Vandrar Söderut (At The House Of Elrond & The Ring Goes South) (4:42)

06. En Vandring I Mörker (A Journey In The Dark) (1:12)

07. Lothlórien (Lothlorien) (4:00)

08. Skuggfaxe (Shaddowfax) (0:50)

09. Rohans Horn-Slaget Vid Pelennors Slätter (Horns Of Rohan & The Battle Of Pelennor Fields) (4:00)

10. Drömmar I Läkandets Hus (Dreams In The House Of Healing) (1:58)

11. Hemfärden - Fylke Rensas (Homeward Bound & The Scouring Of The Shire) (2:56)

12. De Grå Hamnarna (The Grey Havens) (5:07)

Time: 38:36

Bonus tracks on 1988 remixed CD release:

13. Findhorns Sång (1:49) *

14. Före Regnet (1:31) *

15. Fylke (1:50) *

16. Sluttningar (Lek I Nerförsbacke) (1:40) *

17. Vandringslåt (3:15) *

18. Utflykt Med Förvecklingar (Del Ett) (1:55) *

19. Kaninmusik - Intro (0:38) $

20. Funderingar På Vinden - Uppehåll (2:18) $

21. Funderingar På Vinden - Vandring (2:23) $

22. Kaninmusik - Femman (2:43) $

23. Lyckat Upptåg (3:11) $

* Taken from "The Magician's Hat" 1972 LP

$ Taken from "Attic Thoughts" 1975 LP

Time: 61:26

Bonus track on 2002 remaster:

13. Tidiga skisser från Midgård (Early Sketches From Middle Earth) (8:49)

Musicians:

- Bo Hansson: organ, Moog, bass, guitar, synth (13-23), slide bass (13-18), arranger & producer

With:

- Kenny Håkansson: guitar

- Gunnar Bergsten: saxophone, flute (13-18)

- Sten Bergman: flute

- Rune Carlsson: drums, congas, percussion (13-18)

- Finn Sjöberg: guitar (19-23)

- Rolf Scherrer; acoustic guitar (19-23)

- Göran Lagerberg: acoustic guitar & bass (19-23)

- Thomas Netzler: bass (19-23)

- Mats Glenngård: violin (19-23)

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CRESSIDA ● Cressida ● 1970 ● Reino Unido [Symphonic Prog]

 

CRESSIDA é um daqueles grupos que ficaram aquém da grandeza que poderia estar ao seu alcance. Apesar de ter sido lançado em 1970, esse primeiro álbum tem um distinto som proto-Prog (que não está totalmente ausente de seu sucessor!). As músicas, que são escritas pelo guitarrista John Heyworth ou pelo vocalista Angus Cullen, combinam uma forte influência e toques de Blues e de Jazz-Rock primitivo, mas com um som de órgão dominante (algo mem torno de MOODY BLUES e CARAVAN), mas não é uma maneira totalmente adequada de descrever o som de CRESSIDA). O tecladista Peter Jennings e o baterista Iain Clark (que mais tarde se juntariam a URIAH HEEP) são provavelmente os mais impressionante instrumentistas da banda, mas não é certo de que as composições sempre trabalhem a favor destes.

O álbum começa com músicas menos impressionantes. O canto Pop dos anos 60 e a sensação de falta de compromisso, no entanto! há uma qualidade real no quarteto de músicas no centro deste álbum ... a faixa titular do Pysch-Jazz, "Where Where Where the Lotting To Be" (que tem Jennings no cravo e um vocal principal de Heyworth que soa como um pouco Cullen!), Os "engarrafamentos" de depressão que emocionam absolutamente os fãs de artistas como COLOSSEUM.

O disco é baseado em músicas com (comprimento máximo: pouco mais de 5 minutos e uma média abaixo da marca de 4 minutos), mas há um delicioso som do órgão e arranjos inventivos. Há alguns destaques aqui e ali, mas no geral, todas as 12 faixas são relativamente uniformes em qualidade. O vocalista tem um único timbre de voz e todos os músicos são competentes. Há uma melancolia feliz bastante peculiar ao longo do álbum, e certamente é uma parte importante de seu apelo.

Infelizmente, a curta carreira de CRESSIDA será despercebida, apesar de ter muitos trunfos nas mãos. Apenas dois álbuns, mas ambos buscam pequenas fortunas (em parte devido ao fato de terem sido lançadas no selo Swirl da Vertigo), mas a qualidade da música é muito interessante nos dois discos, embora haja diferenças muito notáveis entre eles. Este primeiro álbum traz também uma obra de arte perturbadora que começou de uma boa idéia, mas de alguma forma falhou, pois a colagem é bastante amadora, o que é bastante surpreendente, dada a gravadora Vertigo.

Uma estréia bastante promissora e original o suficiente para justificar a aquisição para os Progheads que amam o início dos anos 70.

Tracks:
01. To Play Your Little Game (3:15)
02. Winter Is Coming Again (4:42)
03. Time for Bed (2:18)
04. Cressida (3:57)
05. Home and Where I Long to Be (4:04)
06. Depression (5:02)
07. One of a Group (3:35)
08. Lights in My Mind (2:45)
09. The Only Earthman in Town (3:32)
10. Spring '69 (2:14)
11. Down Down (4:15)
12. Tomorrow Is a Whole New Day (5:19)
Time: 44:58

Musicians:
- Angus Cullen: vocals
- John Heyworth: guitar, vocals (5)
- Peter Jennings: harpsichord, organ, piano
- Kevin McCarthy: bass
- Iain Clark: drums

CURVED AIR ● Air Conditioning ● 1970 ● Reino Unido [Eclectic Prog]

 

O CURVED AIR evoluiu a partir da banda SISYPHUS que fez um de seus primeiros shows no salão de baile de Leith Hill Place, Surrey para um baile de máscaras e que foi formada por Darryl Way (que estudou violino no Dartington College e Royal College of Music) e Francis Monkman, membro da Royal Academy of Music. Enquanto vagava por uma loja da Orange Music Electronic Company, Monkman ficou intrigado com o som de Way testando seu primeiro violino amplificado eletricamente, e os dois "começaram a conversar". em 1969 convidou o pianista Nick Simon que, junto com o baixista Rob Martin e o baterista Florian Pilkington-Miksa, completaram a formação do SISYPHUS.  "Darryl e Nick gostavam muito do SPIRIT. Pode-se citá-los como uma influência formativa para o CURVED AIR", lembrou Monkman mais tarde. Muitas das primeiras canções do CURVED AIR foram escritas para SISYPHUS, entre elas "Young Mother in Style" e "Screw".

O SISYPHUS foi contratado para fornecer acompanhamento para a nova peça de Galt MacDermot, "Who the Murderer Was", no Mercury Theatre em Notting Hill Gate, servindo como pit band. Mark Hanau, um aspirante a gerente de banda na época, viu o show e decidiu que queria gerenciar o SISYPHUS. Ele sentiu que Sonja Kristina, uma aspirante a musicista Folk que ele tinha visto na produção teatral de Hair em Londres, era o ingrediente que faltava no grupo. Em 1º de janeiro de 1970, Hanau a contatou por meio do cantor e empresário Roy Guest. Ela ouviu uma fita cassete com a música da banda e ficou impressionada. Com a entrada de Kristina e a saída de Nick Simon, o SISYPHUS se metamorfoseou em CURVED AIR, cujo nome vem do álbum "A Rainbow in Curved Air", do compositor contemporâneo Terry Riley. O nome foi sugerido por Monkman que era um grande fã de Riley. O novo som da banda surgiu imediatamente, e o quinteto CURVED AIR nasceu, Sonja Kristina sendo a voz da banda e seu símbolo sexual.

Depois de uma série de ensaios intensivos na casa da família de Martin em Gloucestershire, o quinteto lançou uma bem recebida turnê, apoiando o BLACK SABBATH. A banda fez uma turnê com seu próprio engenheiro de som, Shaun Davies (mais tarde produtor da banda pós-CURVED AIR de Way, WOLF), o que lhes permitiu obter uma mixagem de som melhor no palco do que outros grupos com combinações incomuns de instrumentos. O pai de Shaun, Guy Davies, fez os violinos perspex usados ​​por Way e mais tarde Jobson. O publicitário da CURVED AIR, Tony Brainsby, estimulou a resposta entusiástica do público e uma guerra de lances pela banda se seguiu, e no verão de 1970 a a banda assinou com a Warner Bros., tornando-se a primeira banda britânica na lista da empresa. Receberam um adiantamento muito divulgado de £ 100.000 libras e seu álbum de estreia, "Air Conditioning", foi lançado em novembro, notável por ter sido lançado como o primeiro disco de imagem LP disponível comercialmente no Reino Unido. O álbum alcançou a 8ª posição no UK Albums Chart, precedido por um single, "It Happened Today". John Peel conheceu a banda e eles se apresentaram em várias sessões de rádio Peel e eventos Roundhouse 'Implosion'.

Lançado em novembro de 1970 "Air Conditioning" é uma estreia estelar para a banda que, sem dúvida, possui alguns dos melhores músicos da era Progressiva dos anos 70. A proeza incomparável de Darryl Way no violino elétrico é inconfundível no final de "It Happened Today" ou na introdução de "Stretch". Francis Monkman é um maravilhoso multi-instrumentista tocando guitarra solo escaldante, órgão, piano, mellotron, cravo elétrico e sintetizador VCS3. No baixo está Robert Martin e o baterista é Florian Pilkington-Miksa. Não se pode escrever uma resenha sobre um álbum do CURVED AIR sem mencionar os lindos vocais de Sonja Kristina. Nesta estreia, ela marca presença com um excelente canto, injetando a quantidade certa de inflexão e entonação em cada música.

Há boas harmonias em "Stretch" com o refrão cativante, "isso foi feito para você, isso foi feito para mim". Esta faixa é seguida por "Screw", com motivos criativos de violino e uma atmosfera taciturna apoiada por letras intensas; "Veja o parafuso girar lentamente, veja-o afundar sem fazer barulho, sinta sua cabeça escorregar a cada volta, sinta a maçaneta de aço começar a queimar, tudo está perdido agora parece assim." O Hammond brilha e distorce o som em alguns lugares, o que é uma mixagem de baixa qualidade, mas é preciso perdoar isso, dado o ano em que foi feito em 1970. Há alguns momentos monótonos nisso, incluindo "Blind Man", com Sonja gorjeando desnecessariamente, mas continua com a memorável e vivaz "Vivaldi"', a versão de 7 minutos e meio. É claro que "Vivaldi" foi um single estrondoso para a banda e com razão, com Way deslumbrante no violino, incluindo uma seção solo alucinante. O instrumental permaneceu com a banda ao longo de sua carreira marcada e, junto com "Back Street Luv" em seu próximo álbum, tornou-se um grampo ao vivo. o SKY ganhou um milhão recriando a faixa quando Monkman se juntou à banda. Esta versão original é incrível e a guitarra cintilante de Monkman é tão boa quanto a versão do SKY. O lado dois do álbum começou originalmente com o rock "Hide and Seek", apresentando um riff de guitarra pesado e mudanças rápidas de ritmo. Kristina é excepcional nisso e Monkman brilha nas quebras de vantagem. As muitas mudanças de sentimento e musicalidade virtuosa fazem deste um destaque da carreira da banda. "Propositions" tem uma ótima guitarra. "Rob One" é um lindíssimo instrumental curto. "Situations" é uma música lenta com uma Kristina mais reflexiva, "a vida não é tão simples quanto parece, e a noite é o único lugar para guardar um sonho." Gosto da maneira como muda com teclados brilhantes e Kristina em sua oitava mais alta. A guitarra psicodélica wah-wah é um enfeite bem-vindo, junto com as ondulações emocionantes do mellotron. Finalmente, "Vivaldi with Cannons" retorna à melodia de Vivaldi, mas desta vez acrescenta assobios eletrônicos em espiral e tiros de canhão estrondosos para uma boa medida. 

A estréia de CURVED AIR é um verdadeiro sucesso e um fracasso, com alguma produção ruim, mas demonstra a destreza virtuosa da banda e os vocais bem executados de Kristina. Foi um começo, mas o melhor ainda estava por vir nos próximos anos, consolidando a reputação da banda como vital para a cena Prog.

Tracks:
01. It Happened Today (4:55)  ◇
02. Stretch (4:05)  ◇
03. Screw (4:03)
04. Blind Man (3:32)  ◇
05. Vivaldi (7:26)   ◇
06. Hide And Seek (6:15)
07. Propositions (3:04)   ◇
08. Rob One (3:22)   ◇
09. Situations (6:17)
10. Vivaldi With Cannons (1:35)
Time: 44:33

Musicians:
- Sonja Kristina / lead vocals
- Francis Monkman / lead guitar, organ, piano, Mellotron, electric harpsicord, VCS3 synthesizer, Fx
- Darryl Way / electric violin, vocals
- Robert Martin / bass guitar
- Florian Pilkington-Miksa / drums