Roger Daltrey - Ride A Rock Horse (1975)

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Ride a Rock Horse é o segundo álbum solo do vocalista do The Who, Roger Daltrey . Foi lançado pela primeira vez em 1975. As músicas foram gravadas durante os compromissos de filmagem de Daltrey para o filme Lisztomania de Ken Russell.

A carreira de Roger Daltrey fora do Who difere da maioria dos empreendimentos solo. Em vez de competir com seu grupo, ele escolhe músicas muito fora do seu reino. Ride a Rock Horse, seu segundo empreendimento solo, difere também de seu Daltrey inicial, sugerindo que sozinho ele prefere experimentar. E embora ele possa não soar tão angustiado ou tão gentil quanto outros cantores, poucos podem igualar seu poder absoluto.

Assim como Dave Courtney e Leo Sayer dominaram Daltrey com tratamentos pop alegres e melódicos, Russ Ballard (anteriormente com Argent) comanda este disco através de material mais vigoroso. Daltrey inclui três músicas de Ballard, cada uma com mais do que uma pitada de rhythm and blues. Ballard também toca violão e piano fortemente aqui, e sua produção atinge uma superfície suave e clara. Uma abordagem frequentemente fria em sua perfeição, é excitantemente viva aqui.

Duas músicas do pianista Paul Korda são pontos altos. "Heart's Right" se baseia em uma série de acordes de piano assombrosos, sobe com orquestração poderosa e desliza para um refrão vocal relaxante e arejado no final. "World Over" também é satisfatória, embora de uma forma mais leve - uma melodia simples e cativante, entregue na extensão mais alta e delicada de Daltrey.

Ele dá a "Walking the Dog" uma carruagem mais gutural (há uma seção de percussão culinária também), mas "Oceans Away" é uma peça mais reservada com um arranjo de cordas majestoso. O ofício de todos os envolvidos, particularmente Ballard, permite que escolhas aparentemente inadequadas se misturem no álbum. A magia do estúdio, é claro, é um trabalho -- mas esta não é uma produção de linha de montagem. Ride a Rock Horse é, em vez disso, um raro exemplo de profissionalismo testado ligado à criatividade [Charley Walters, Rolling Stone, 11/09/75]

Críticas bônus
Versatilidade é a tônica do último esforço solo de "Tommy", de roqueiros brilhantes e emocionantes a produções de baladas no estilo Garfunkel. Mas corte por corte o conjunto usa a voz de Daltrey para doçura mais do que um álbum do Who faria. A maioria das músicas é direta e despretensiosa, com o produtor Russ Ballard fornecendo três das músicas. Melhores cortes: "Walking The Dog", "Come And Get Your Love", "Oceans Away", "Near To Surrender". [Billboard, 1975]

Quando Roger Daltrey estava pronto para fazer seu segundo álbum solo, Leo Sayer, em quem ele havia confiado para fornecer músicas para seu primeiro, havia lançado sua própria carreira de cantor de sucesso e estava guardando seu material para si mesmo. Daltrey, portanto, chamou seu produtor, Russ Ballard, que escreveu três músicas, incluindo o single das paradas "Come And Get Your Love", e um P. Korda, que escreveu outras três. Neste material, Daltrey adotou uma abordagem pop/rock, um pouco menos agressiva do que seu trabalho com o The Who. Ele também jogou um pouco de R&B com um cover de "Walking The Dog" de Rufus Thomas e cantou em algo mais próximo de seu sotaque britânico real no raveup cockney "Milk Train". Ride A Rock Horse não tinha a qualidade geral e a coesão de Daltrey, mas ainda era um esforço respeitável, especialmente porque a carreira solo de Daltrey continuava sendo uma questão secundária nessa época [William Ruhlmann, The All-Music Guide to Rock, 1995]

Este post consiste em FLACs extraídos do meu vinil (que comprei nos anos 70) e inclui arte completa do álbum e escaneamentos de rótulos. Também consegui a bandeja traseira para o lançamento do CD, que ainda não encontrei (pena, eu compraria sem pensar duas vezes). Também tomei a liberdade de incluir outra ótima faixa "bônus" chamada "Say It Ain't So, Joe", que ele lançou vários anos depois. [Nota: Gary Brooker (Procol Harum) fez outra versão fantástica dessa música em 1979, que acredito ter superado a versão de Daltrey].

'Ride A Rock Horse' é meu álbum favorito de Daltrey e, em alguns aspectos, contém alguns de seus melhores trabalhos (mesmo contra seu material do Who). Acho que o sucesso deste álbum se deveu principalmente à produção brilhante e às contribuições musicais do ex-guitarrista do Argent, Russ Ballard, que também escreveu 3 das faixas deste álbum. No geral, este é um álbum brilhante e não deve ser perdido.
Ótimo cover, por sinal (e felizmente ele não acabou usando uma cadeira de balanço de verdade, o que teria sido horrível)
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Lista de faixas:

01 – Come and Get Your Love
02 – Hearts Right
03 – Oceans Way
04 – Proud
05 – World Over
06 – Near to Surrender
07 – Feeling
08 – Walking the Dog
09 – Milk Train
10 – I Was Born to Sing Your Song
11 - Say It Ain't So, Joe [Bonus Track]

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Créditos:

Vocais – Roger Daltrey

Vocais de apoio – Kokomo, Paul Gorda, Russ Ballard, Sweedies

Baixo – Dave Wintour 

Congas – Tony Meehan

Bateria – Henry Spinetti, Stuart Francis

Guitarra – Russ Ballard 

Guitarra [Solo] – Clem Clemson (faixas: B2)

Chifres – Tony Meehan

Teclados – Russ Ballard

Órgão – Russ Ballard

Percussão – Tony Meehan

Piano – Paul Korda, Philip Goodhand-Tait, Russ Ballard

Saxofone – Phil Kenzie

Trompete – Alan Brown

Produzido por Russ Ballard

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MUSICA&SOM

Muddy Waters - King Bee (1980)

Muddy Waters foi o Rei do Chicago Blues, uma grande influência em sua própria comunidade e, nos últimos anos, para gerações de músicos brancos que reconheceram sua eminência. Nascido no Mississippi (nome real McKinley Morganfield) em 1915, Waters aprendeu gaita e violão, este último com o trabalho de Son House e Robert Johnson. Mudando-se para Chicago em 1943, ele manteve companhia com Sonny Boy Williamson e Big Bill Broonzy.

Seus primeiros discos comerciais, incluindo 'I Can't Be Satisfied' (1948), apresentavam slide guitar, a emoção crua do Delta blues revitalizando convenções existentes. Suas sessões foram aumentadas pelo tocador de gaita Little Walter, o pianista Otis Spann e o guitarrista Jimmie Rodgers. 'I'm Your Hoochie Coochie Man' (1954) estabeleceu sua banda de blues de Chicago por excelência.

Sua aparição no Newport Jazz Festival de 1960 foi um prenúncio do boom do blues dos anos 60 e ele passou a década em turnê pela Europa e pelos EUA. 'Fathers And Sons' (1969), com Paul Butterfield e Mike Bloomfield, e 'The London Sessions' (1971), com Steve Winwood, Rory Gallagher e Mitch Mitchell, enfatizaram a estima em que ele era tido por seus adeptos mais jovens. 'Hard Again' (1976), produzido por Johnny Winter, reviveu uma carreira então decadente. 'I'm Ready' (1977), 'Live' (1978) e o álbum de destaque 'King Bee' (1980) foram um canto de cisne estendido para um personagem muito amado e gracioso. Muddy Waters morreu em Chicago em 1983. [Trecho de The Ultimate Encyclopedia of Rock, Carlton Books 1994, por Michael Heatley, p27]

Crítica
Após uma longa carreira que durou desde os anos 40, Muddy Waters gravou seu último álbum em 1981, com o título "King Bee", em homenagem a uma música escrita por Slim Harpo, que também é a primeira faixa. Este seria o terceiro álbum de estúdio gravado sob o selo Blue Sky/Sony com o guitarrista Johnny Winter (o primeiro sendo Hard Again e o segundo I'm Ready).

No entanto, nem tudo foi um mar de rosas como os álbuns anteriores. Nessa época, a saúde de Muddy estava começando a se deteriorar e, devido a isso, menos apresentações ao vivo foram feitas. Isso não foi bem com seus companheiros de banda (incluindo Bob Margolin, um grande guitarrista por direito próprio), porque eles precisavam dos shows para ganhar dinheiro. As sessões eram cheias de tensão e, para isso, não foram gravadas muitas músicas novas. Em vez disso, material não utilizado de Hard Again foi usado junto com algumas músicas que foram feitas.

Isso reflete a qualidade geral da música, embora soe soberba, mas a crueza encontrada nas duas primeiras parece ausente. Esta parece mais sombria... especialmente em músicas como "Sad, Sad Day", que apresenta um solo de guitarra incrível de Johnny Winter.

Há um número acústico "throwback" também, em "Feel Like Going Home", com Winter tocando em uma guitarra National Steel ressonadora; o resultado final não é tão coeso quanto "Can't be Satisfied" de Hard Again. (Esta música foi usada dessas sessões).

Uma das novas faixas de destaque é "Champagne and Reefer", que Muddy escreveu para agradar o público mais jovem (veja o vídeo abaixo).

Na Deluxe Edition de 2004, mais duas faixas foram adicionadas: "I Won't Go On" e "Clouds in my Heart", que agregam mais valor. Eu não recomendaria começar sua coleção aqui, mas ainda tem um ótimo blues. [obrigado a speaktheblues.blogspot.com ]
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Notas do encarte
King Bee foi a última gravação de estúdio de Waters, composta de sessões conduzidas em maio de 1980, aumentadas com out-takes das sessões para o lançamento de Hard Again de 1977. Esta edição de reedição expandida de King Bee foi remasterizada e apresenta duas faixas bônus adicionais, ambas out-takes das sessões de Hard Again de 1977 que não foram incluídas no lançamento original do álbum de 1981.

No final dos anos 1970, Johnny Winter produziu quatro álbuns de novas gravações de Muddy Waters - Hard Again, I'm Ready, Muddy "Mississippi Waters-Live e King Bee. Houve algumas novas músicas escritas para as sessões, alguns novos covers foram gravados e algumas das músicas mais antigas de Muddy foram revisitadas com arranjos atualizados e vigor renovado. Este período marcou um aumento na carreira de Muddy em geral, mas também efetivamente encerrou sua carreira de gravação com o lançamento de King Bee.

King Bee foi feito em uma época em que a banda de longa data de Muddy, da década de 1970, estava se desintegrando, principalmente devido a pressões financeiras/gerenciais. Foi o último álbum que ele fez com Luther Johnson, Bob Margolin, Pinetop Perkins, Jerry Portnoy, Calvin Jones e Willie Smith, que deixaria Waters logo após terminar o álbum para formar The Legendary Blues Band (menos Pinetop Perkins).

Em geral, as músicas em King Bee são mais profundas, com um som mais triste, do que nos álbuns anteriores produzidos por Johnny Winter. Enquanto os outros álbuns foram banhados em uma vibração positiva de "vamos festejar", King Bee foi gravado durante um período de turbulência na gestão da banda e o declínio da saúde de Muddy. Não entenda isso como se as músicas em King Bee fossem ruins; elas certamente não são. Elas apenas têm uma sensação mais melancólica - blues mais profundo, se preferir.

1) I'm A King Bee
Muito poderoso; é óbvio que os HOMENS do blues estão se apresentando aqui. É o mais distante possível da versão de Slim Harpo e ainda tem um cover reconhecível. Por outro lado, é realmente feito no estilo robusto de Waters, então é quase uma música cover de qualquer maneira. 2) Too Young To Know Blues de conjunto profundo e pesado de andamento médio. A remasterização neste álbum permite que o ouvinte ouça cada músico - muito bom. 3) Mean Old Frisco Blues Eu normalmente gosto muito de “Mean Old Frisco”, mas a versão de Muddy aqui parece estar faltando alguma coisa. Sua entrega vocal parece estar faltando um certo entusiasmo. Johnny Winter toca um solo muito bom no meio da música, no entanto. 4) Forever Lonely Um blues lento. Sabendo o que estava acontecendo na vida de Muddy na época, é fácil imaginar essa turbulência influenciando seus vocais nesta faixa. Muddy canta isso com paixão e Johnny Winter toca alguns ótimos solos de guitarra. A banda arrasou nessa!

5) I Feel Like Going Home
Uma faixa de blues acústico lento que na verdade foi uma tomada não utilizada das sessões de Hard Again. Muddy está nos vocais, com Johnny Winter e Bob Margolin nos violões, Willie Smith na percussão muito esparsa. É um lado legal do repertório de Muddy que ele não mostrou muito depois do início dos anos 1950. O blues acústico profundo é realmente as raízes de Muddy - confira suas gravações da Biblioteca do Congresso-Lomax para comprovar. 6) Champagne & Reefer Este é um shuffle lento que é uma ode a dois dos "melhoradores de humor" favoritos de Muddy. Uma história conta que depois que o médico de Waters disse que ele tinha que parar de beber uísque, ele (Waters) decidiu que champanhe seria um substituto OK. E quando ele queria ficar realmente tranquilo, bem...  7) Sad Sad Day Este é outro blues lento - Muddy os amava. O bebê de Waters pegou e foi embora... e isso o deixou tão triste. Há um trabalho de slide pungente nesta; faz você sentir a dor de Muddy. 8) (My Eyes) Keep Me In Trouble Esta música se move em um ritmo mais rápido do que as últimas músicas. Há uma harpa estridente ouvida por toda parte, forte ataque de guitarra e uma sensação ligeiramente desconexa em tudo. Essa sensação desconexa me faz gostar ainda mais dela. Esta música tem uma boa sensação de juke-joint country.

9) Deep Down In Florida
Estamos desacelerando de novo; coloque suas perneiras, pois há blues profundo à frente. Isso tem um pouco daquela vibração desconexa, juke - então você sabe que eu gosto dessa música. Mais uma vez, a remasterização fez maravilhas para este álbum. Só para que todos vocês saibam, mesmo que eu diga que a vibração é desconexa, a execução não é. Verdadeiro blues de conjunto - tem algo melhor do que isso? 10) No Escape From The Blues Esta música foi o encerramento do set no lançamento original do LP King Bee. É um shuffle de andamento médio, no estilo de Chicago.

Johnny Winter e Águas Muddy

O veredito:
Embora não seja o primeiro lugar para começar quando se entra na música de Muddy Waters, King Bee definitivamente vale a pena e é um álbum sólido. Se você gosta de blues profundo, tocar em conjunto pesado e cantar apaixonado, então você certamente gostará deste álbum. Certifique-se de pegar a edição remasterizada em CD de 2004 de King Bee, pois o som é muito melhorado em relação ao original, e duas faixas bônus estão incluídas (uma das quais, Clouds In My Heart, pode ser a melhor música do CD)

Além disso, as notas informativas do encarte de Bob Margolin quase valem o preço do CD por si só.
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Este post consiste em FLACs extraídos do meu lançamento em CD deste álbum. Inclui a arte completa do álbum para vinil/CD e scans de rótulos, como de costume. Não postei muitos álbuns de blues neste blog, então este lançamento do Muddy Waters ajudará a preencher a lacuna.
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Lista de faixas
01 - I'm A King Bee
02 - Too Young To Know
03 - Mean Old Frisco Blues 
04 - Forever Lonely
05 - I Feel Like Going Home 
06 - Champagne & Reefer
07 - Sad, Sad Day
08 - (My Eyes) Keep Me In Trouble
09 - Deep Down in Florida #2 
10 - No Escape From The Blues
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MUSICA&SOM

FADOS do FADO...letras de fados

 

A tua porta

António Cálem / Carlos da Maia

Repertório de Teresa Siqueira

Se o bater da tua porta
Fechou a vida de alguém
Porque voltas, se é já morta
A saudade de ninguém?

Na rua ouço os teus passos 

Talvez que o teu coração
Mas fecharam-se os meus braços 

Dentro desta solidão

E agora nem sei se vivo 

Já que a esperança em mim morreu
Tu foste o sonho perdido 

Em que a perdida fui eu

Mais tarde, tempos passados 

Repara, repara bem
Se eu trago os olhos pisados 

Pela saudade de alguém

Morte ou vida, que me importa 

Depois da tua partida
Se o bater da tua porta 

Me pôs entre a morte e a vida

À tua procura

Tó Moliças / Frederico de Brito *fado dos sonhos*
Repertório do Rodrigo

Enlouqueci, mas senti
Que o meu corpo ia p'ra ti
Como os rios vão pró mar
Agarrado a mil desejos
Fiquei ali nos teus beijos
Fiquei ali p'ra te amar

E o amor aconteceu
Fomos loucos, tu e eu 

No leito da felicidade
Bebemos rios e fontes
Sem medos nem horizontes 

Nem medo de ter saudade

Disseste adeus nos meus braços
E o mundo foi nos teus passos 

Como o fumo vai no vento
E agora vivo a loucura
De andar à tua procura 

A toda a hora e momento

A tua sina

António Cálem / Popular *fado corrido*
Repertório de João Braga

Para quê sonhar futuros
Na sina que não leremos?
Sonhar são os quatro muros
Desta casa onde vivemos

Para quê montes distantes 

Pedaços da cor do céu
Viver são estes instantes 

Do meu corpo ao pé do teu

A palma da tua mão 

Depois das linhas que li
Trago-a eu no coração 

Desde a hora em que te vi

A sina da tua mão 

Aquela que Deus te deu
Por mais que digas que não 

A tua sina sou eu

RARIDADES

Schrott und Spott - Mir Stinkt's (1980)

don't hang around, enjoy good music!

Jane's Addiction - Élysée Montmartre, Paris, France 2003

Track List:

01 Up The Beach

02 Stop

03 Ain't No Right

04 True Nature

05 Been Caught Stealing

06 Three Days

07 Everybody's Friend

08 Just Because

09 Strays

10 The Riches

11 Ocean Size

12 Mountain Song

13 Jane Says

A banda de rock de Los Angeles Jane's Addiction no Élysée Montmartre em Paris em 25 de outubro de 2003.

Esta data fez parte de uma turnê mundial em promoção de Strays, seu terceiro álbum de estúdio. 

Logo uma nova separação aconteceria, mas o Jane's Addiction se reuniu em 2008 e gravou um álbum absolutamente esplêndido:  The Great Escape Artist .

Mesdames et Messieurs, dando voz ao Jane's Addiction.

Gary Clark Jr. LIVE @ Firefly Festival, 20-06-2015

 

 

LIVE 

LIVE 

@ Firefly Festival 

20-06-2015

SET LIST

01.Bright Lights.mp3

02.Ain't Messin 'Round.mp3

03.When My Train Pulls In.mp3

04.Hold On.mp3

05.Our Love.mp3

06.Numb.mp3

07.Next Door Neighbor Blues.mp3

08.Catfish Blues (Robert Petway cover).mp3

09.Don't Owe You a Thang.mp3

10.Please Come Home.mp3

MUSICA&SOM

Jack DeJohnette - 1980 [2008] "Special Edition"

 

Special Edition é um álbum do baterista e pianista Jack DeJohnette com o saxofonista tenor David Murray, o saxofonista alto Arthur Blythe e o baixista e violoncelista Slip Warren gravado em 1979 e lançado pela gravadora ECM em 1980. A análise da AllMusic por Scott Yanow afirma: "O primeiro (e mais poderoso) conjunto Special Edition de Jack DeJohnette ofereceu um som que, de muitas maneiras, foi revolucionário na música moderna contemporânea e improvisada criativa por volta de 1980... Este CD merece uma classificação definitiva de cinco estrelas pelo lugar elevado que ocupa na evolução do jazz em direção a novas alturas e horizontes". Um crítico do JazzTimes o selecionou em 2012 como um dos principais álbuns de DeJohnette.

O primeiro (e mais poderoso) conjunto da Edição Especial de Jack DeJohnette ofereceu um som que, de muitas maneiras, foi revolucionário na música moderna contemporânea e criativa improvisada por volta de 1980. Com o saxofonista alto Arthur Blythe e o saxofonista tenor enfant terrible e clarinetista baixo David Murray balançando, tecendo e contra-atacando, DeJohnette e o baixista Peter Warren poderiam facilmente ter recuado em deferência a esses pugilistas de peso. O resultado foi um veículo pelo qual DeJohnette podia impulsionar os dois com sua bateria de dois punhos e tocar piano ou melódica quando o humor lhe convinha, enquanto Warren podia simplesmente estabelecer uma base para que todos lançassem suas ideias espirituosas, extrovertidas e muitas vezes turbulentas na estratosfera. 

A gravação começa muito forte com duas faixas definitivas. "One for Eric", perfeitamente renderizada no espírito de Eric Dolphy, tem o clarinete baixo de Blythe e Murray decolando, voando e então subindo. Seus sons contrastantes, azedos e doces, se fundem lindamente, e não sem uma pitada de humor. "Zoot Suite" ostenta um ótimo groove de baixo 4/4 com acentos peculiares, enquanto o alto de Blythe e o tenor de Murray repetem uma linha de aceno de cabeça, então o sax de Murray ri como uma vaca, então eles flutuam sobre a melódica de DeJohnette, e na linha repetida o baterista impulsiona a banda até a linha de chegada. Ambas as faixas são tão completas, totalmente realizadas e totalmente únicas quanto qualquer outra no jazz moderno, e merecem status de padrões. Mas o rosto de John Coltrane não fica muito atrás na pacífica "Central Park West", com DeJohnette novamente na melódica subjacente, enquanto em "India" DeJohnette lidera com um motivo nativo e indiano oriental lúdico através de sua execução no piano. 

Blythe e Murray literalmente choram no clarinete alto e baixo. O final, "Journey to the Twin Planet", é uma improvisação de base livre, com o alto estridente de Blythe e o tenor longo de Murray com harmônicos exagerados mantidos na extensão do piano mezzo, e a melódica de DeJohnette evidenciando uma postura eletrônica. Uma ideia de bop escarpado, selvagem e livre fornece uma ponte (ou talvez um buraco de minhoca) para um outro planeta mais calmo e suposto. Embora não haja faixas extras nesta gravação — e elas seriam bem-vindas — esta primeira versão da Special Edition se destaca como uma das mais importantes e maiores montagens de músicos de jazz. Este LP merece uma classificação definitiva de cinco estrelas pelo lugar elevado que ocupa na evolução do jazz em direção a novas alturas e horizontes.

Lista de faixas:

Todas as composições de Jack DeJohnette, exceto quando indicado

"One for Eric" - 9:52

"Zoot Suite" - 11:29

"Central Park West" (John Coltrane) - 3:16

"India" (Coltrane) - 6:02

"Journey to the Twin Planet" - 8:42

Recorded at Generation Sound Studios, New York in March, 1979

Personnel:

Jack DeJohnette – drums, piano, melodica

David Murray – tenor saxophone, bass clarinet

Arthur Blythe – alto saxophone

Peter "Slip" Warren – bass, cello

MUSICA&SOM

Larry Coryell - 1976 [2019] "Basics"

 

Este álbum de sobras das sessões do Vanguard é melhor do que parece, mas longe de ser essencial. A lista de pessoal é confusa (e inexcusavelmente deixa de fora o nome do saxofonista tenor Jim Pepper). A música, que varia do blues básico ao fusion inicial e dura apenas cerca de 31 minutos, também apresenta o organista Mike Mandel e várias seções rítmicas. Fãs do guitarrista Larry Coryell (um pioneiro do fusion) podem encontrar alguns momentos de interesse aqui.

Este álbum foi lançado em 1975, mas são algumas faixas restantes das sessões de gravação de Coryell na Vanguard de 1968-1969. São apenas 32 minutos e a qualidade do som é muito boa.

A música aqui é típica de Coryell durante esse período, misturando blues, jazz e rock com um toque de Southern Rock. Acho que é Coryell no seu melhor.

Acho que seu melhor período foi o início até 1974, quando ele mudou para um jazz fusion mais típico de meados dos anos 1970 (Mahavishnu Orchestra, Return to Forever, etc.). No final dos anos 1970, ele começou a experimentar todos os tipos de música. 

Acho que o título imposto a este álbum significa que ele se mantém dentro da alternância mais básica entre o riff principal de abertura e a improvisação subsequente. Pelo menos, essa parece ser a dinâmica que sustenta este disco, e para ser honesto, está bom para mim, a partir do momento em que está tudo bem: o grupo soa tão coeso quanto você tem o direito de esperar dos tremendos talentos musicais envolvidos, e a improvisação em si, mesmo passando por muitos altos e baixos em riqueza melódica e destreza instrumental, nunca se entrega a uma passagem maçante.

Quanto ao relato habitual de influências, devo dizer que em "Half A Heart", além do óbvio sabor latino, há algumas dicas inegáveis ​​de Peter Green no fraseado da guitarra elétrica e nos vocais, chegando com um ritmo muito parecido com "Black Magic Woman".

Originalmente, as faixas deste álbum foram gravadas em 68 e 69, e destinadas ao lançamento, mas não viram a luz do dia até 71 ou mesmo 76 (dependendo do país de lançamento), mas várias faixas foram lançadas em versões diferentes nos álbuns do LC do final dos anos 60/início dos anos 70. Elas foram reembaladas em um pacote psicodélico selvagem nas datas mencionadas, mas naquela época a música do LC era muito diferente, então algumas dessas músicas podem parecer bem datadas, mesmo naquela época.

Há algumas faixas de blues (lento), alguns rockers estilo Yarbirds do final dos anos 60 (Consciousness, Friday Night), outros psych-rock mais parecidos com Cream (Half A Heart, Sex, Jam With Albert) e rock levemente jazzístico (Tyrone & Organ Blues).

É difícil chamar esse "álbum" de essencial para fãs de proghead, mas, embora amplamente influenciado por seus heróis da época, Basics pode lhe dar uma pista de como um gigante do jazz navegou de suas raízes no rock para o jazz rock e, depois, para o jazz puro, mas não dará o impacto total dos melhores álbuns de rock de LC. 

Não é um monumento ao prog, mas, mesmo assim, é um disco muito agradável.

Lista de faixas:

1 Call to the Higher Consciousness 5:17

2 Slow Blues 4:22

3 Friday Night 2:22

4 Half a Heart 3:30

5 Sex 4:32

6 Tyrone 3:00

7 The Jam With Albert 2:55

8 Organ Blues 5:19

Personnel:

Larry Coryell — vocals, guitar, keyboards, synthesizer

Mike Mandel — organ, keyboards

Chuck Rainey — electric bass

Ron Carter — electric bass

Steve Haas — drums

Bernard "Pretty" Purdie — drums

Ray Mantilla — percussion

MUSICA&SOM

Collin Walcott - 1976 [2008] "Cloud Dance"

 

Cloud Dance é o álbum de estreia do sitarista e compositor americano Collin Walcott, lançado em 1975 pela gravadora ECM. Para este disco, Walcott foi acompanhado pelo grupo Gateway, composto por John Abercrombie, Dave Holland e Jack DeJohnette. Foi gravado em março de 1975, assim como o álbum de estreia do grupo, Gateway. Abercrombie havia trabalhado com Walcott no ano anterior em Drum Ode (ECM 1046) de David Liebman, e eles colaboraram novamente no álbum de Walcott de 1977, Grazing Dreams.

Os autores do Penguin Guide to Jazz Recordings deram ao álbum 4 estrelas, elogiando seu "frescor e originalidade" e afirmando: "'Prancing', apenas para tablas e contrabaixo, é uma das performances mais emocionantes do catálogo da ECM e uma evidência convincente do desejo de Walcott de estender o idioma da seção rítmica de Garrison/Jones... o álbum como um todo pode ser ouvido razoavelmente como um conjunto de peças relacionadas que dançam em direção à sua fonte temática na peça-título de encerramento."[7]

Escrevendo para o Vinyl Vault, Geoff Anderson comentou: "Os músicos eram todos de primeira linha e líderes por direito próprio. Eles se uniram e misturaram os sons orientais e ocidentais para criar algo como jazz-fusion acústico com um toque indiano. A guitarra elétrica etérea de Abercrombie, flutuando acima e ao redor do sitar de Walcott, é particularmente eficaz na criação de um ambiente onírico e semelhante a uma nuvem em várias músicas. No corte 'Prancing', Walcott na tabla e Holland no baixo colocaram a 'dança' em 'Cloud Dance' com uma performance particularmente energética e, sim, dançante."[8]

Em um artigo no Between Sound and Space, Tyran Grillo chamou a gravação de "um dos álbuns mais poderosos [de Walcott] a enfeitar os grooves de vinil da ECM", e escreveu: "Os fios telefônicos na capa são como as cordas de um grande instrumento, com o céu como sua caixa de som. Suas nuvens não dançam tanto quanto se apresentam, acariciando ondas infinitas de vozes que voam pelo éter. A alegria de Cloud Dance é que ele torna essas vozes inteligíveis. Fãs de Oregon, do qual Walcott era, é claro, parte integrante, não precisam procurar mais por contemplação com ideias semelhantes."

Collin Walcott definiu um canto da improvisação todo seu com sua abordagem única ao sitar e ao tabla. Quando o recém-formado trio Gateway de John Abercrombie, Dave Holland e Jack DeJohnette se juntou a ele para “Cloud Dance”, os resultados foram mágicos.

O falecido e grande Collin Walcott fez sua estreia adequada na ECM em Cloud Dance (após uma aparição três anos antes em Trios/Solos), onde foi acompanhado pela trindade Gateway — John Abercrombie, Dave Holland e Jack DeJohnette — para um de seus álbuns mais poderosos a enfeitar os grooves de vinil (e mais tarde, digitais, graças a uma reedição vital da série Touchstone) da ECM. O toque de aquecimento da medula do sitar de Walcott configura a abertura "Margueritte" para ser um longo raga, quando de repente o elétrico de Abercrombie aparece na mesma moeda, acenando para uma comitiva fria de baixo e bateria e desencadeando um par de solos graciosos de Abercrombie e Holland. O restante do álbum é complementado por uma variedade de configurações íntimas. "Night Glider" e "Vadana" apresentam guitarra, baixo e sitar, os dois últimos instrumentos alimentando-se lindamente um do outro, a guitarra entrando e saindo onde pode. Os dois duetos entre Walcott e Holland, no entanto, são realmente onde este álbum doura seu valor. Nosso vocalista estende tapetes felpudos de tabla e cítara em “Prancing” e “Eastern Song”, respectivamente, sobre os quais Holland faz um balanço de cada variação de padrão e contagem de fios. A segunda dessas peças, embora a mais breve do álbum, também é uma das mais hipnotizantes. Ao contrário do que os títulos podem nos fazer acreditar, todas essas são peças genuinamente realizadas, onde a palavra “exótico” é apenas mais uma baforada de fumaça na brisa. E assim, a tabla pesada e a guitarra tipo xale de “Scimitar” descrevem não a arma empunhada nas mãos de inúmeros atores brancos em produções cinematográficas desinformadas, mas sim uma exploração do objeto em seus próprios termos, traçando formas e histórias, batalhas e silêncios, com o devido abandono. O mesmo acontece com o corte final e o corte do título que traz DeJohnette de volta à mistura para um encerramento animado.

Os fios telefônicos na capa são como as cordas de um instrumento grande, com o céu como sua caixa de som. Suas nuvens não dançam tanto quanto se apresentam, acariciando ondas infinitas de vozes que correm pelo éter. A alegria de Cloud Dance é que ele torna essas vozes inteligíveis. Fãs de Oregon, do qual Walcott era, é claro, parte integrante, não precisam procurar mais por contemplação de mentalidade semelhante.

Lista de faixas:

"Margueritte" - 8:32

"Prancing" - 3:24

"Night Glider" - 6:40

"Scimitar" (John Abercrombie, Walcott) - 2:46

"Vadana" - 7:00

"Eastern Song" - 2:34

"Padma" (Abercrombie, Walcott) - 2:47

"Cloud Dance" - 5:47

Personnel:

Collin Walcott — sitar, tabla

John Abercrombie — guitar

Dave Holland — bass

Jack DeJohnette — drums

MUSICA&SOM

Chick Corea Elektric Band - 2023 "The Future Is Now"

 

Fundada em 1986, a The Chick Corea Elektric Band há muito tempo mantém um alto padrão, com Eric Marienthal nos saxofones, Frank Gambale na guitarra, John Patitucci no baixo elétrico e Dave Weckl na bateria. É o conjunto com o qual o brilhante tecladista, Chick Corea, (pioneiro do gênero desde a criação da banda Return to Forever em 1972) conseguiu experimentar mais a escrita de jazz fusion - tanto em seus grooves quanto em suas texturas sonoras. Depois de mudar a composição do grupo várias vezes e reformar o grupo inicial por volta dos anos 2000 (veja To the Stars lançado em 2004), Corea liderou essa formação de estrelas em suas últimas grandes turnês "elétricas", entre 2016 e 2018 (antes de sua morte em fevereiro de 2021 de câncer). Este álbum The Future Is Now nos dá a oportunidade de ouvir trechos inéditos de sua turnê final.

Apresentando performances longas e épicas de alguns dos maiores sucessos da Coreia, enquanto deixa bastante espaço para improvisação individual, a Chick Corea Elektric Band aparece aqui no seu melhor e mais sedutor. Sua coesão orgânica, resultante de seus arranjos coletivos que são tão sofisticados quanto eficazes, é equilibrada com virtuosismo instrumental luxuoso que constantemente vai além da estrutura das músicas originais. O grupo oferece duas longas horas de música consistentemente lírica e acessível, lançada aqui pela primeira vez.

Liderada pelo lendário pianista e compositor Chick Corea - 27 vezes vencedor do Grammy® e mestre do jazz do National Endowment for the Arts - a Elektric Band irrompeu na cena do jazz em meados da década de 1980, causando um impacto imediato e duradouro no gênero. Com suas performances eletrizantes e mistura inovadora de jazz fusion, o grupo produziu uma série de álbuns que definiram o padrão de excelência no jazz contemporâneo.

Apresentando uma formação principal de músicos virtuosos - John Patitucci no baixo, Dave Weckl na bateria, Eric Marienthal no saxofone e Frank Gambale na guitarra - o grupo criou um som dinâmico e eletrizante que veio a definir o estilo jazz fusion. Sua musicalidade coletiva estava em plena exibição em cada álbum, pois eles misturavam perfeitamente composições complexas com improvisações cativantes.

Depois de lançar cinco álbuns lendários no período de seis anos, Corea, sempre interessado em expandir o escopo de seu trabalho, dedicou-se a uma infinidade de outros projetos musicais.

Compilado por Corea antes de sua morte em fevereiro de 2021, este álbum incrível e inédito de gravações ao vivo com a Elektric Band original reunida foi capturado durante as turnês de 2016 e 2017.

Produzido por Corea com o engenheiro de gravação original da Elektric Band, Bernie Kirsh, e masterizado por Bernie Grundman, este álbum apresenta notas de encarte detalhadas de Corea e de todos os membros da Elektric Band. É um capítulo de encerramento adequado, essencial para qualquer fã deste grupo dinâmico e revolucionário.

Apresentando notas de cada membro da banda e descrições de cada faixa pelo próprio Chick.

Este é o disco definitivo ao vivo da Elektric Band que o Chick preparou para o mundo ouvir, com faixas que abrangem sua discografia de décadas e servindo como uma celebração e um capítulo final adequado para o incrível legado da banda.

Lista de faixas:

CD 1

1. Charged Particles (7:48)

2. Trance Dance (15:41)

3. Cta (16:02)

4. Jocelyn - The Commander (7:59)

5. Beneath the Mask (6:15)

CD 2

1. Ished (11:34)

2. Alan Corday (16:06)

3. Johnny's Landing (18:37)

4. Got a Match (18:47)

Total Time 118:49

Line-up / Musicians

- Chick Corea / keyboards

- John Patitucci / bass

- Frank Gambale / guitar

- Eric Marienthal / saxophone

- Dave Weckl / drums

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