Vamos fazer uma viagem de volta ao início dos anos 80 para ouvir um excelente grupo florentino, Gli Hopo, que propôs um prog clássico com muitas referências às grandes bandas do passado, em primeiro lugar o Banco del Mutuo Soccorso. As pérolas do álbum, na minha opinião, são a suíte "Per strada" e a muito doce e curta "Nascondino della luna", mas o álbum todo é muito agradável de ouvir, mesmo sendo muito curto (no sentido de que dura pouco mais de 25 minutos). A esse respeito, sei que há uma reedição em CD datada de cerca de dez anos depois, também contendo gravações ao vivo do grupo. Se alguém as tiver e quiser compartilhá-las conosco, ficaremos muito felizes. Quanto ao Hopo, eles têm outro álbum no currículo, além deste: "Dietro la finestra", de 1991
O HOPO :
Giuseppe Antenucci / baixo
Marino Baccini / órgão, sintetizador
Enrico Barbieri / bateria, flautas
Carlo Poggini / guitarras clássicas e elétricas, baixo, trompete
08 The green's man (bonus track - lato A, 45 giri, 1973)
Fui pescar esse álbum antigo de 1972, gravado por um trio de caras (na época!) romanos, porque me lembrei da suíte inicial, um pouco no estilo de Le Orme. O Exploit também contou com uma formação de trio, teclado, baixo, bateria, na esteira do EL&P, pioneiros dos sons progressivos onde a guitarra também podia ficar no banco e fazer apenas algumas aparições fugazes. O Exploit era uma banda pouco conhecida que lançou apenas um álbum, Crisi, pela pequena gravadora CGO, que teve algumas centenas de cópias impressas e foi totalmente sem promoção. O vinil original é considerado raro e tem um valor razoável para colecionadores (pouco mais de 2.000 euros). O álbum tem dois lados bem diferentes: o lado A contém uma longa suíte em três partes, decididamente progressiva, enquanto o lado B contém seis músicas, um pouco mais comerciais, mesmo que eu honestamente não as ache descartáveis. Quatro delas também foram lançadas em 45 rpm no mesmo ano: "Il campanile della cattedrane / Giochiamo insieme" e "L'anima nuda / La tua pelle scotta". O destaque fica por conta da suíte "Crisi", com mais de 20 minutos de duração, dividida em três movimentos, com destaque para os teclados de Carlo Crivelli. Uma das três partes é cantada em inglês, o resto em italiano. O álbum foi relançado em vinil em 1989 e em CD em 1994. A faixa bônus "The green's man" já havia aparecido no vol. 35 da coleção, série rara de 45 rpm
Não sabemos muito sobre essa banda de Turim, mas é mais um exemplo de um notável jazz-rock italiano, na minha opinião talvez não no mesmo nível de conjuntos muito mais incisivos no gênero, como Area, Perigeo, Arti & Mestieri, Napoli Centrale, Agorà ou Baricentro, só para citar os mais importantes, mas certamente interessante e apreciável do ponto de vista da pesquisa e da experimentação, tanto na composição quanto nos arranjos. Ainda é um álbum muito agradável de um grupo que provavelmente merecia mais sucesso e difusão na época.
…apresenta um CD adicional de 60 minutos de música não incluída no álbum final e uma versão orquestral especialmente encomendada de 'Objects Outlive Us', de 23 minutos de duração. Se o lugar de Coheed e Cambria no firmamento do prog-rock é questionável, então as credenciais de Steven Wilson são indiscutíveis. O músico do Reino Unido é festejado como o moderno portador da tocha do prog, primeiro com a banda Porcupine Tree, depois como artista solo. Ele também é o remixador de álbuns relançados, incluindo a trilha sonora para a próxima reformulação do filme-concerto do Pink Floyd de 1972, Live at Pompeii . O tema do Overview é viagem espacial, um grampo dos álbuns de prog de busca de antigamente. A música compreende duas suítes de canções, “Objects…
…Outlive Us” e “The Overview”. Cada um dura cerca de 20 minutos, um design semelhante ao dos discos de vinil. Há ecos de Pink Floyd, King Crimson, Rush e Vangelis. Mas essas referências nunca diminuem em pastiche ou cosplay. A consciência de Wilson — sua inteligência musical — está na frente e no centro.
O título do álbum é tirado do “efeito de visão geral” que os astronautas experimentam de seu poleiro celestial, observando a Terra como divindades ou exilados. “Objects Outlive Us” é mais fortemente enraizado no rock clássico do que a suíte flipside. Ele muda o ritmo e a intensidade no jeito agitado do prog, mas sem parecer superestimulado ou exibicionista.
Acompanhado pelo tecladista Adam Holzman, o guitarrista Randy McStine e o baterista Craig Blundell, Wilson canta com sentimento e propósito. As letras, parcialmente escritas por Andy Partridge do XTC, têm uma perspectiva dividida entre vidas cotidianas e vastidão cósmica, uma ligação que amplia em vez de diminuir os indivíduos nos versos. Solos de guitarra majestosos se erguem como pontos concentrados de luz, enquanto a percussão sutil traz à tona os padrões no esquema musical de Wilson.
Para “The Overview”, ele assume a perspectiva de um astronauta, acompanhado por sua esposa, Rotem Wilson, que recita nomes astronômicos e unidades de medida. O som é eletrônico ambiente e música cósmica. O estilo remonta ao apogeu otimista da exploração espacial na década de 1970, mas carrega um senso moderno de pesar pelo que estamos fazendo na Terra. A coda é sem palavras, sem batidas e meditativa, uma bela, mas sombria intimação do grande além
Encontramos Mary Kouyoumdjian pela última vez com 2 Suitcases , que contava a história de um casal fugindo da Guerra Civil Libanesa. O assunto é bastante expandido em WITNESS, que junta o compositor ao Kronos Quartet. …A suíte contém quatro composições: dois instrumentais mais curtos e duas peças mais longas de várias fontes. “Groung (Crane)” introduz suavemente o ouvinte no projeto, com tons melancólicos e uma sensação de perda profunda e duradoura. Aqueles familiarizados com o assunto – a Guerra Civil Libanesa e o genocídio armênio – já devem estar traçando paralelos com a crise de hoje, que só piorou nas últimas semanas com proclamações de ocupação eterna e reassentamento de moradores. Com tantos perdidos, para sempre incapazes de contar suas…
…histórias, a necessidade de narração nunca foi tão grande. Neste álbum, a tristeza desce como uma nuvem antes que a primeira palavra seja dita.
“Bombs of Beirut” é dividido em três seções: “Before the War”, “The War” e “After the War”. Uma tristeza ainda maior chega com o pensamento de que não há um depois da guerra; há apenas guerra. As reminiscências da família de Kouyoumdjian decoram os corredores. “Você era livre para ir a qualquer lugar, a qualquer hora”, relembra um narrador melancólico. “Eu me lembro dos meus vizinhos, eu me lembro de cada cômodo da nossa casa, do quintal, das galinhas”. Alguns dos que fugiram foram inundados pela tragédia por pais que os protegeram, enquanto outros foram mergulhados na “noite mais escura”. O Kronos Quartet cerca os narradores com densos matagais de som rodopiante: dramático, agourento, ocasionalmente violento. A tensão aumenta a um nível quase insuportável até que, em um segmento feroz, é dividida ao meio por uma barragem de bombas caindo. Esta gravação de campo implacável dá apenas uma pequena indicação do medo e tremor reais. Mesmo quando a música começa a se infiltrar novamente, o ouvinte, assim como o cidadão, continua nervoso.
“I Haven't the Words” não tem palavras , porque o que dizer diante de tais atrocidades? Somente música e talvez poesia podem capturar tais emoções impossíveis. Em vez disso, há respeito, reverência, um peso apropriado. Os narradores retornam nas quatro partes de “Silent Cranes”, que é destacado pela interpretação comovente de “Groung” de Armenak Shah Muradian. A letra é um apelo por notícias da terra natal, o tom é de tristeza presciente. A voz soa desgastada, como se estivesse gravada em um cilindro de cera, viajando de falante para falante como um nômade. Atrás de Muradian, o quarteto fica cada vez mais agitado. Há mais horrores por vir, horror após horror, até que o coração de alguém seja dominado.
“O que o quarteto pode oferecer em resposta a esse pesadelo?”, escreve Atom Egoyan em suas pungentes notas de encarte. “Harmonia. Dissonância. Movimento. Estrutura rítmica.” Com o maior respeito pelo cineasta armênio, dizemos não o suficiente. Nada é o suficiente. Por mais que se tente, por mais que se trabalhe, por maiores que sejam as intenções, não há como colocar um laço arrumado no álbum, ou deixar um pouco de luz brilhar. Não hoje, quando a história se repetiu, quando tudo é entulho, quando a resposta de um líder mundial é arrasar quaisquer estruturas restantes e transformar a área em um centro de varejo. A tristeza é uma reação razoável; assim como a indignação.
Kouyoumdjian e Kronos Quartet criaram uma obra essencial e inabalável que é quase demais para suportar. Sugerimos permitir que a primeira faixa toque novamente após a última, fornecendo o espaço que o coração precisa para reflexão, a ausência de palavras falando novamente à alma, dando testemunho
The Near End, the Dark Night, the County Line não poderia ser uma introdução mais acolhedora ou descontraída a Takuro Okada como artista solo. Selecionado a dedo de sessões de gravação na última década, esta pesquisa nunca antes lançada da carreira do músico baseado em Tóquio funciona como um álbum de paisagens sonoras ambientais e improvisações experimentais examinando como evoluímos ao longo do tempo. Depois que sua banda da faculdade Mori Wa Ikiteiru se dissolveu, Okada continuou seus estudos autodidatas, tornando-se um reverenciado guitarrista experimental e colaborando com Haruomi Hosono, Jim O'Rourke e Nels Cline. Agora ele acumulou um catálogo grande o suficiente para vasculhar trabalhos anteriores como um diário musical. As gravações desempoeiradas em seu 9º álbum solo entrelaçam-se entre o sem esforço…
…dream-pop e jazz minimalista introspectivo de um virtuoso esquecido.
Cada música em The Near End, the Dark Night, the County Line começa com violão. Frequentemente é o único instrumento, embora suas diferentes aplicações permitam textura e profundidade de campo. Okada desaparece na vista com a abertura “Following Morning”, uma gravação de 2022 que evoca o calor de um nascer do sol com guitarra elétrica e, simultaneamente, o zumbido desorientador da memória, conforme capturado por suaves rolos de címbalo e sintetizadores de guitarra que vibram ao contrário. Embora a inconstância da memória seja um tema recorrente, o álbum mantém sua presença calmante por meio de trabalho de base ambiente sem barreiras e licks de jazz suaves. Em um exercício de duas partes apelidado de “Ohme”, Okada primeiro toca violão dedilhado com a atenção exigente de um intrometido; na parte dois, ele pega um clarinete, violino e xilofone — todos os quais, paradoxalmente, aliviam a carga e diminuem o ritmo.
Não fique envergonhado se não conseguir decifrar quando a guitarra de Okada imita outro instrumento. Em "The Room", uma faixa sonolenta e feliz que estende as notas como bocejos, ele invoca um brilho country não muito diferente das intuições meditativas da falecida Susan Alcorn. Pode soar como pedal steel, mas não é — exceto quando, duas faixas depois em "Before", ele realmente usa pedal steel. Desta vez, ele toca mais rápido, cortando entre notas que saltam para cima e para baixo na escala em uma sequência alucinante, estilo theremin. O som da água escorrendo, discreto, mas inconfundível, derrete no redemoinho de acrílico neon de uma visão de LSD. (Okada provavelmente poderia fazer uma matança marcando banhos sonoros privados de luxo.) A música que se segue, "Mizu", embora gravada cinco anos depois, evoca exatamente esses sons de água — tilintando, pingando, correndo. Mas desta vez, Okada está capturando isso com sua guitarra elétrica e nada mais, manipulando notas com tranquilidade em mente.
Encomendado sem uma linha do tempo aparente em mente, The Near End, the Dark Night, the County Line deriva de composições mais antigas para as mais recentes como um cérebro piscando de uma memória para a outra. A primeira gravação do álbum data de 2014: "Evening Song", um número romântico e despojado com melodias de blues em escala que John Mayer iria secar. Okada toca suavemente, soando com os olhos estrelados, como se estivesse sob o feitiço do amor. Imediatamente depois vem "Taco Beach", um exercício de 2023 em pop árabe furtivo, onde seu Korg Mini POP e baixo elétrico cortejam um tipo diferente de romance lascivo. Apesar da natureza em grande parte sem palavras do álbum, momentos evocativos não podem deixar de entrar no quadro: um riff de guitarra de blues ondulado que é interrompido pelos latidos estridentes de um cachorrinho em "Howlin' Dog", ou os ecos translúcidos de guitarra elétrica em "Mirror" que se espalham em ondas de desilusão. Por um segundo, podemos sentir que podemos distinguir uma cena do passado de Okada. Os saltos do álbum através do tempo são sua própria fonte de congruência: ele fala sobre como a intuição do artista não mudou ao longo dos anos, apenas se aguçou.
O trompetista Takuya Kuroda, nascido em Kobe e radicado no Brooklyn, continua a encontrar seu groove e essência expressiva em Everyday . Por meio de sua inspirada fusão de jazz, funk, hip-hop e neo-soul, este lançamento exibe uma habilidade de pensar além do chato e básico, para ver o que está por vir. Estas nove composições energizadas, mas equilibradas, são ainda mais intensificadas por vários músicos talentosos, incluindo Corey King, o pianista Takahiro Izumikawa, o baixista Rashaan Carter, o baterista David Frazier e outros. Com quase 30 anos de experiência musical, Kuroda sabe do que se trata. Algumas faixas depois, “Car 16 15 A” é um destaque claro, oferecendo uma peça de ritmo mais rápido que mantém a melodia sem reciclá-la muito para o ouvinte…
…prejuízo. Uma vez que começa, não olha para trás. Há momentos de calma, mas a energia e o ritmo iniciais são sempre mantidos no bolso de trás, retornados em momentos-chave para impulsionar a música para a frente. “Must Have Known” segue em seu rastro. O ritmo mais lento proporciona um contraste claro que acentua ambas as faixas. Com vocais do multi-instrumentista King, uma atmosfera de R&B comovente assume o controle. Dicas de Robert Glasper e até mesmo Erykah Badu se dobram no clima e ritmos mais sensuais.
Embora Kuroda sempre tenha tido afinidade por grooves e batidas funky, seu estilo floresceu em Rising Son (Blue Note, 2014). Sua faixa-título se encaixaria muito bem em Everyday . Mais tarde em sua carreira, com Midnight Crisp (First World, 2022), Kuroda adicionou um som mais ousado ao seu estilo, algo mais parecido com The Comet Is Coming, mas um pouco menos extraterrestre ou cósmico. Neste álbum, ele se encaixa com seus contemporâneos, mas ainda consegue se destacar e ser ele mesmo sem pedir desculpas. Embora haja outros trabalhando para confundir as linhas do jazz, a mistura específica de Kuroda, a maneira como ele incorpora um Rhodes ou uma flauta ou uma guitarra, apenas o diferencia.
É seu senso de som que o ajuda ainda mais a equilibrar cada álbum, explorando em uma direção diferente sem perder o fio narrativo do todo. “Off to Space” é um pouco mais tradicional, com sensibilidades pós-bop que lembram Steve Davis, Charles McPherson ou Eddie Henderson. “Hung Up on My Baby” tem uma inflexão quase afro-cubana, contando com percussão e teclado para manter a batida firme e em movimento. A maioria das composições é assiduamente elaborada e cuidadosamente organizada. Everyday é pontuado com diferentes sotaques, diferentes texturas que ainda funcionam dentro de toda a estrutura da narrativa musical mestre. Kuroda mantém o ouvinte envolvido e querendo mais de seu som característico
Há uma encantadora falta de cinismo no novo álbum dos Manic Street Preachers, Critical Thinking . Apesar de se preocuparem explicitamente com o hipercapitalismo, declínio controlado e agitação política, James Dean Bradfield, Nicky Wire e Sean Moore não conseguem deixar de produzir algo que soa, bem, otimista. Mas esse é o otimismo carregado e penetrante do orador de palanque: as coisas estão ruins, mas podem melhorar, então é melhor você ouvir. Com cada mudança decisiva de acorde e melodia do tamanho de um estádio, o trio galês transforma ideias que você normalmente encontraria em um panfleto político ou tuíte indignado em slogans que poderiam ser grafitados em letras de cinco pés de altura em um viaduto. As legiões de fãs dos Manics ficarão satisfeitas em saber que Critical Thinking, o décimo quinto álbum do grupo…
…os vê em uma forma particularmente Manics-y. De fato, você quase consegue ouvir milhares de pessoas cantando os refrões de 'Brush Strokes of Reunion' e 'Hiding In Plain Sight' da mesma forma que fariam com 'Motorcycle Emptiness' ou 'A Design For Life'. Essas têm 'clássico' escrito por toda parte. É um álbum de versos e meio-oitavos claramente definidos, de ganchos de títulos de músicas e melodias de guitarra cantadas junto seguindo melodias vocais cantadas junto. A maneira como essas músicas orbitam e então chegam aos refrões tem uma espécie de inevitabilidade gravitacional para elas.
Os trinta e nove anos do Manics como banda são mais evidentes em 'Decline and Fall', que lida com rock galáctico do coração, toda energia estrondosa e pianos vibrantes; Critical Thinking faz um comércio estrondoso nessa variedade de rock forte e carregado. No entanto, as coisas ficam mais interessantes quando o Manics muda as coisas. É por essa razão que músicas como 'People Ruin Paintings', com sua energia saltitante e estrutura (um pouco) menos convencional, e 'Late Day Peaks', que tem uma vibração inesperada, mas não menos bem-vinda, de pop urbano japonês (onde você pode ouvir Bradfield se esforçando para embalar letras em ritmos pré-escritos) são alguns dos momentos mais fortes do álbum.
Embora essas músicas sejam usinadas para o máximo impacto, há momentos em que o conteúdo lírico interrompe os procedimentos. Veja a faixa de abertura, 'Critical Thinking', uma melodia new wave gelada na veia de Kick-era INXS ou The Blue Aeroplanes. Versos sobre "portos livres", "medidores inteligentes" e "arranha-céus de inverdades" sugerem que os Manics podem ter contraído um caso leve de Matt Bellamies - embora deva ser notado que Bradfield recupera essa música com um "Fuck that!" bem sincronizado. 'One Man Militia', escrita no dia do funeral da Rainha Elizabeth II, me faz pensar se a frase "rigid dogma" tem algum lugar no rock.
Essas músicas funcionam melhor quando se preocupam com o particular em vez do universal. De fato, 'Dear Stephen', que se refere à vez em que Morrissey enviou um cartão postal de 'melhoras logo' para um adolescente Nicky Wire, funciona muito melhor como um comentário sobre o estado do mundo do que qualquer coisa sobre "dogma rígido". Os Manics fariam bem em lembrar que a sutileza pode dar tanto impacto quanto um discurso latido ou um slogan estridente. O velho ditado 'mostrar, não contar' é crítico. Como Anton Chekhov instruiu, "não me diga que a lua está brilhando; mostre-me o brilho da luz em vidro quebrado".
Para os não cínicos, o fedor lírico ocasional não distrai do que é amplamente uma coleção de músicas completamente agradável. Critical Thinking ainda é muito mais um álbum arrasador do Manics, um discurso sobre o estado da nação que fará com que muitos sintonizem e concordem.
CD1:
1. Critical Thinking (3:02) 2. Decline & Fall (3:46) 3. Brushstrokes Of Reunion (3:35) 4. Hiding In Plain Sight (3:34) 5. People Ruin Paintings (4:23) 6. Dear Stephen (3:31) 7. Being Baptised (4:02) 8. My Brave Friend (3:24) 9. Out Of Time Revival (2:56) 10. Deleted Scenes (3:24) 11. Late Day Peaks (3:14) 12. Onemanmilitia (2:55)
CD2:
1. Critical Thinking (Demo) (2:53) 2. Decline & Fall (Demo) (3:48) 3. Brushstrokes Of Reunion (Demo) (3:38) 4. Hiding In Plain Sight (Demo) (3:37) 5. People Ruin Paintings (Demo) (4:22) 6. Dear Stephen (Demo) (3:32) 7. Being Baptisted (Demo) (4:08) 8. My Brave Friend (Demo) (3:16) 9. Out Of Time Revival (Demo) (3:01) 10. Deleted Scenes (Demo) (3:30) 11. Late Day Peaks (Demo) (3:19) 12. Onemanmilitia (Demo) (2:43) 13. Decline & Fall (Steven Wilson Remix) (9:23)
- Stefan Neubauer / teclados, vocais, cítara - Stefan Papsthorst / órgão, cordas, cravo - Martin Vogel / guitarra, baixo - Thomas Honninger / bateria - Stefan Barnikel / percussão - Dieter Urbassik / sax tenor
1. Grandfather Sang It (7:00) 2. Innis Free (2:33) 3. After the Look (4:10) 4. His Phoenix (8:10) 5. The Happy Shepherd (6:11) 6. The Three Bushes (8:52) 7. The Last Confession (6:29)
A autoproclamada "única banda de prog de Dusseldorf" tem suas raízes em uma banda chamada Kawumm. Em 1993, eles adicionaram o vocalista/guitarrista Hans Juergen Klein, mudaram o nome para Shades of Dawn e viram a saída do guitarrista original. Em 94, eles gravaram material escrito anteriormente, mas a falta de finanças os forçou a colocar o projeto na prateleira.
Em 95, o tecladista e o baixista foram substituídos por Cyrill Stoletzky e Theo Labs (respectivamente). Isso adicionou uma nova dimensão ao som da banda e definiu o curso para sua direção musical.
Com a formação de Hans-Jürgen Klein nos vocais e guitarras, Peter Schneider nos teclados, Christopher Struwe na bateria, Theo Labs no baixo e Cyrill Stoletzky nos teclados, eles começaram a gravar seu primeiro álbum em 1997. Este se tornaria "The Dawn of Time" de 1998. Naquele ano, eles também tocaram no Burg Herzburg Festival. No entanto, o sucesso recém-descoberto não foi suficiente para manter Stoletzky e Labs na banda. Eles retornariam para aparições como músicos convidados.
Os anos seguintes viram mais mudanças de pessoal, com novas adições, membros retornando (como convidados ou permanentes) e saindo novamente. Durante esse tempo, eles gravaram a faixa "Plenty of Gold" para um álbum de samples, que se tornou um favorito cult entre os fãs. A banda também fez alguns trabalhos para trilhas sonoras de televisão. O material do primeiro álbum foi desenterrado, remasterizado e lançado como "The Slaughterhouse tapes". Durante todo o tempo, eles continuaram com apresentações ao vivo, mesmo com uma formação sempre fluida.
Em 2005, eles gravaram o álbum "From Dusk Till Dawn", que está programado para ser lançado mundialmente pela Musea em 2006.
Esta é uma banda moderna com fortes componentes sinfônicos. Eles trazem um som prog clássico (Yes, Camel, Eloy) para o presente. Para uma banda que parece não conseguir manter um grupo estável, eles conseguem continuar. Procurando uma banda para tocar? É provável que esses caras tenham uma vaga.
- Hans-Jürgen Klein / todas as guitarras solo, guitarra base, violões acústicos de 6 e 12 cordas, vocais principais e de apoio, todos os vocais (7) - Peter Schneider / teclados, baixo (8) - Christopher Struwe / bateria, vocais de apoio, vocais principais (4 e 8) - Wolfgang Schmidt / baixo, pedais de baixo, guitarra base (4, 6 e 8), violão (8) - Annette Schepermann / teclados
Pessoal em Faixas bônus, gravadas em 2004: Howling at the wind: - Peter Schneider / teclados - Wolke Peter Schneider / violão, teclados Prelúdio: - Peter Schneider / teclados - Hans-Jürgen Klein / guitarras - Chris Struwe / bateria Memórias: - Hans-Jürgen Klein / guitarras, vocais - Peter Schneider / teclados - Chris Struwe / bateria - Edzard Schmidt / baixo
1. Howling at the wind (1:14) 2. Confused (5:45) 3. President Why (5:40) 4. The silent death of a mother's heart (8:10) 5. I never thought (4:13) 6. Bombs (7:56) 7. Thunder (4:15) 8. Burning Drums (9:18) 9. Wolke (0:56) 10. Prelude (2:19) 11. Memories (5:33)
…apresenta um CD adicional de 60 minutos de música não incluída no álbum final e uma versão orquestral especialmente encomendada de 'Objects Outlive Us', de 23 minutos de duração.
The Near End, the Dark Night, the County Line
