BIOGRAFIA DE Michel Delpech

 

Michel Delpech

Jean-Michel Delpech ; 26 de janeiro de 1946 - 2 de janeiro de 2016),conhecido como Michel Delpech , foi um cantor, compositor e ator francês.

Família

Jean-Michel Bertrand Delpech nasceu em 26 de janeiro de 1946 em Courbevoie , uma cidade localizada nos subúrbios parisienses. Parte do baby boom , ele era filho de Bertrand Charles Delpech, um cromador de metal e Christiane Cécile Marie Josselin, uma dona de casa. Ele tinha duas irmãs mais novas chamadas Catherine e Martine.

Sua família materna (Josselin) é viticultora em Gyé-sur-Seine, no departamento de Aube . A casa ancestral de seu pai fica em Sologne , mais especificamente em Dhuizon , onde seu avô cabeleireiro morava e também em La Ferté-Saint-Cyr , onde seus tios e primos trabalhavam como merceeiros, madeireiros e fazendeiros. O jovem Michel passava fins de semana e feriados com sua família provinciana, às vezes trabalhando na mercearia de sua tia.

Estreias na carreira

Seus pais se mudaram para Cormeilles-en-Parisis em Seine-et-Oise (hoje conhecida como Val-d'Oise ), e Jean-Michel Delpech estudou no colégio Chabanne e no colégio Camille-Pissarro de Pontoise entre 1961 e 1964.

Na adolescência, apaixonou-se por cantores clássicos famosos como Luis Mariano , e depois por grandes nomes dos anos 1950 como Gilbert Bécaud e Charles Aznavour . Em 1963, enquanto cursava o ensino médio, criou uma pequena orquestra com seus colegas de escola.

Antes de fazer seus exames finais, ele deixou o ensino médio em janeiro de 1964 para se concentrar no canto. Ele arriscou ao comparecer a uma audição em Paris para se juntar à gravadora Vogue. Aos 18 anos, ele lançou seu primeiro disco chamado Anatole, e conheceu o compositor Roland Vincent. Ao ir à casa de Roland em Saint-Cloud para uma sessão de trabalho, ele repensa sobre seus anos de ensino médio e sobre o café que costumava ir com seus amigos depois do dia escolar. No trem, entre Saint Lazare e a estação de trem Saint Cloud, ele escreve a letra de Chez Laurette, pela qual Roland Vincent se sentiu seduzido e inspirado e rapidamente encontrou uma melodia. Lançada em 1º de maio de 1965, durante o período yé yé , essa música adolescente nostálgica não foi um sucesso em seu lançamento, mas graças às inúmeras transmissões de rádio, ele começou a experimentar uma ligeira celebridade.

Em 1965, Michel Delpech assistiu a uma comédia musical Copains-Clopant, que foi apresentada por 6 meses, antes no teatro Michodière e depois no Teatro Gymnase em Paris : a integração do Chez Laurette Music o ajudou a ser famoso. Durante esta comédia musical, Delpech conhece Chantal Simon, com quem cantou uma música. Então ele se casará com ela aos 20 anos em 1966.

No mesmo ano, sob o selo Festival, ele gravou suas 2ªs 45 voltas: Inventaire 1966, novo trampolim para o status de estrela. Como Jacques Prévert e como uma homenagem à poesia, ele compila no verso da música, uma lista de novidades como a Guerra do Vietnã , a minissaia , as botas Courrèges, a tendência Cacharel, as camisas de flores, etc. Ainda em 1966, ele fez a primeira parte durante 38 shows de Jacques Brel que disse adeus ao Olympia.

Sucesso

Em 1967, Johnny Stark , o empresário de Mireille Mathieu, assume o comando de Michel Delpech e o ajuda a construir sua imagem de estrela. Como o abridor de “La chanteuse d'Avignon”, ele inicia uma turnê internacional da Alemanha Ocidental, para a URSS e Estados Unidos. No mesmo ano, ele sai da gravadora Festival e se muda para Barclay.

Em 1968, ele recebeu o Grande Prêmio da Canção Francesa, por sua canção “Il ya des jours où on ferait mieux de rester au lit”, (Há dias em que é melhor ficar na cama), escrita com Jean Jacques Debout.

É uma orelha de sucesso, na França e no exterior: Wight Is Wight (novembro de 1969) (em memória do festival de rock da ilha de Wight), Et Paul chantait ontem, (homenagem aos Beatles que estão se separando), Pour un flirt (maio de 1971). Wight is wight, em plena era hippie, está sendo vendido em mais de um milhã

o de peça

s na Europa.

O muito romântico Pour un flirt é um sucesso nos países de língua francesa e na Holanda. Sua versão alemã está nas paradas da Alemanha Ocidental, Áustria e Suíça. Em apenas 4 meses, mais de 4 milhões de unidades estão sendo vendidas. O próprio cantor está surpreso: "Eu não esperava que os versos tivessem tanto potencial", disse ele.

Em 1970, o cantor deixa seu empresário Johnny Stark para se beneficiar de uma liberdade artística muito mais ampla e, 2 anos depois, interrompe sua colaboração com Rolland Vincent em busca de outros escritores.

Agora uma grande estrela, ele tocou no Olympia durante 3 semanas seguidas em janeiro de 1972.

Em 1973, seu rompimento com Chantal Somin (que o deixou) e seu co-escritor Jean Michel Rivat rompem com Christine Haas o inspiram na música Les Divorcés, onde ele fala sobre um rompimento pacífico, enquanto na verdade é muito doloroso. Como essa música contrasta com o tom alegre e alegre das músicas anteriores de Michel Delpech, a empresa Barclay tem medo que essa música tenha um impacto negativo no cantor, e eles estão muito hesitantes em lançar a música. Eles finalmente aceitam. Bom para eles, é um sucesso com mais de centenas de milhares de vendas. O impacto da letra na sociedade é tão grande que a lei do divórcio por mútuo acordo será adotada 3 anos depois.

A partir de 1973, sucesso após sucesso, com Que Marianne était jolie, Le Chasseur (1974) ou Quand j'étais chanteur (1975).

Em 1977, ele canta Le Loir-et-Cher, uma canção que fala com ternura e ironia sobre os habitantes de Loire et Cher, onde ele nasceu. "On dirait que ça te gêne de marcher dans la boue, on dirait que ca te gêne de dîner avec nous" (Parece que você não quer andar na lama, parece que você não quer jantar conosco) é uma ilustração do relacionamento às vezes difícil e difícil entre cidades e campos.

Carreira

Ele nasceu em Courbevoie , França. ^[ 2 ] Em 1963, Delpech lançou seu hit de estreia "Anatole" no Disques Vogue . Em 1964, Delpech conheceu Roland Vincent, e uma longa parceria de canto e composição se seguiu, ^[ 3 ] com Delpech assinando com a gravadora francesa Festival.

Em 1965, ele participou da comédia musical Copains Clopant , que teve uma temporada de seis meses e o tornou popular, principalmente por sua interpretação de "Chez Laurette". ^[ 2 ] Ele foi o ato de abertura do concerto de despedida de Jacques Brel no Olympia de Paris . Em 1967, ele colaborou com Johnny Stark. ^[ 2 ] Em 1968, ele ganhou o prêmio "Grand Prix du Disque" por "Il ya des jours où on ferait mieux de rester au lit".

Depois ele deixou a Vogue para assinar com a Barclay Records . ^[ 2 ] No auge de seu sucesso, ele gravou " Wight Is Wight " em homenagem ao Isle of Wight Festival , um famoso festival de rock na Ilha de Wight que se tornou sua música mais conhecida. ^[ 2 ] Vendeu mais de um milhão de cópias na Europa e recebeu o status de disco de ouro . ^[ 4 ]

'Pour un Flirt' foi um segundo grande sucesso. ^[ 2 ] Ele alcançou sucesso nos países de língua francesa ao redor do mundo, bem como na Holanda, e uma versão em alemão lhe trouxe sucesso nas paradas da Alemanha Ocidental, Áustria e Suíça. Uma tradução em inglês, Flirt , chegou ao Top 20 no Reino Unido.

O início da década de 1970 trouxe a separação de Johnny Stark por dois anos e o fim da longa colaboração com Roland Vincent, seu primeiro escritor. ^[ 2 ] Ele teve alguns novos lançamentos, mas com sucesso limitado. Na década de 1980, ele teve um retorno e lançou o álbum Loin d'ici . Um álbum de compilação veio em 1989. Ele continuou lançando álbuns e fazendo shows. Em dezembro de 2006, ele lançou um álbum de duetos Michel Delpech e que liderou a parada de álbuns francesa por uma semana (semana de 21 a 27 de janeiro de 2007). Ele também se envolveu em uma turnê francesa.

Vida pessoal

• Em 1966, ele conheceu Chantal Simon, com quem se casou. Mais tarde, o casal se divorciou, e Delpech sofreu de depressão. Ele buscou alívio em religiões, principalmente no budismo e, mais tarde, na fé católica.
• Na década de 1970, também houve muitos rumores sobre tentativas de suicídio, mas ele negou esses rumores em uma biografia posterior.
• Em 1983, ele conheceu Geneviève Garnier-Fabre, uma artista francesa, com quem se casou em 1985.
• Em 1990, ele teve um filho, Emmanuel. Ele se tornou um talentoso guitarrista e se juntou ao pai em seus shows desde 2007.
• Em 2007, Pascal Louvrier escreveu uma biografia sobre ele intitulada Michel Delpech - Mis à Nu publicada nas Edições Perrin.
• Em 2011, ele desempenhou o papel de Françoit Gouriot em Beloved (título francês: Les Bien-aimés)
• Em 2011, ele foi o convidado de honra da sexta temporada de Âge tendre et Têtes de bois, transmitida na França, Bélgica e Suíça.

Morte

Delpech era um fumante inveterado há muito tempo, fumando um maço de cigarros por dia desde os 18 anos e parando somente após seu diagnóstico de câncer de garganta em 2013. ^{[ 5 ] [ 6 ]} Ele morreu em um hospital em Puteaux , França, em 2 de janeiro de 2016, aos 69 anos. 

Discografia

Albums

Year	Titulo
1966	Inventaire 66
1969	Il y a des jours où on ferait mieux de rester au lit
1970	Album
1974	Le chasseur
1975	Quand j'étais chanteur
1979	5000 kilomètres
1986	Oubliez tout ce que je vous ai dit
1991	Les Voix du Brésil
1997	Le roi de rien
1999	Cadeau de Noël
2004	Comme Vous
2006	Michel Delpech &
2009	Sexa

Compilations

Year	Titulo
1990	J'étais un ange
1999	Fan de toi (2 CDs)
2008	Fan de toi (3 CDs)
2008	Les 100 plus belles chansons
2009	Best of

Live albums

Year	Titulo
1990	J'étais un ange
1999	Fan de toi (2 CDs)
2008	Fan de toi (3 CDs)
2008	Les 100 plus belles chansons
2009	Best of

Singles

Disques Vogue

Year	Titulo
1964	Anatole
1965	Chez Laurette

MUSICA&SOM

Belle & Sebastian – If You’re Feeling Sinister (1996)

 

Ao segundo disco, os Belle & Sebastian trazem-nos a melancolia das letras envolta em doces canções pop. Um álbum para consumir se estivermos a sentir-nos sinistros, ou em qualquer outra circunstância.

Os Belle & Sebastian lançaram o seu segundo álbum em Novembro de 1996, uns escassos cinco meses depois de se terem estreado com Tigermilk. Desta vez com uma editora por trás, a banda demorou sete dias a gravar as 10 canções que compõem If You’re Feeling Sinister, depois dos cinco dias de estúdio do disco de estreia.

Este segundo álbum dos Belle & Sebastian tem no título uma espécie de posologia: If You’re Feeling Sinister, ouça estas 10 canções durante os cerca de 40 minutos em que elas se estendem. Repita as vezes que forem necessárias. É quase possível imaginar a amiga de Stuart Murdoch, retratada na capa pelo próprio, a pousar a sua cópia d’O Processo, de Kafka, e testar a eficácia do tratamento. Quero acreditar que funciona, e que ela guarda o disco e a ele volta de vez em quando, porque, se me permitem um acrescento à bula, If You’re Feeling Sinister é um álbum que serve para qualquer estado de espírito, hora do dia ou condição meteorológica. Fica sempre bem.

É uma coleção de doces canções pop, no melhor sentido do termo. Arranjos leves e sem grandes pretensões, que apelam a um bater de pé ou a um discreto abanar de anca, com nuances que conferem a cada faixa dimensão e uma textura deliciosas e nos deixam a certeza de que nada foi deixado ao acaso. É sobre este intrincado pano de fundo que Stuart Murdoch nos conta as suas histórias melancólicas, numa aparente contradição com a jovialidade das melodias. O letrista atormentado proporciona-nos, em cada um dos extensos poemas cantados, um olhar claro para o interior da mente das personagens com que nos vamos cruzando, algumas tão palpáveis que têm direito a nome próprio, numa experiência quase cinematográfica. Digo aparente contradição porque, vendo bem, rapidamente percebemos que a conjunção inesperada faz todo o sentido e que as suaves melodias que ficam no ouvido só acrescentam substância à ironia dos poemas de Murdoch, sendo “If You’re Feeling Sinister”, a canção que dá nome ao disco, um brilhante exemplo disto mesmo: Hillary contempla o suicídio porque não sabe nunca o que dizer, já que os seus interesses envolvem sadomasoquismo e estudos bíblicos e isso não é “everyone’s cup of tea”. Tudo isto ao som de crianças a brincar e uma melodia bem-disposta. No refrão entoa-se alegremente a solução (que se revela pouco útil): “but if you are feeling sinister, go off and see a minister, he’ll try in vain to take away the pain of being a hopeless unbeliever”.

É um álbum que merece ser ouvido de uma ponta à outra. Sem que nenhuma seja igual à anterior, há em todas as canções a dose adequada de ironia e crítica e, claro, refrões que fazem querer juntarmo-nos às bonitas harmonias. Vejam-se as óptimas “Seeing Other People” ou “Dylan in the Movies”, em que é dito a Lisa para, se for seguida, não olhar para trás, como o Dylan no cinema. A meio do álbum surge “The Fox In The Snow”, e tudo fica mais cru, mais calmo, como se a banda parasse para respirar antes de continuar. “Get Me Away From Here, I’m Dying” não demora a trazer de volta a vontade de dançar. Segue-se “If You’re Feeling Sinister”, já referida e, para mim, a melhor do álbum, e ainda “Mayfly”, antes de uma segunda belíssima respiração em “The Boy Done Wrong Again”. O disco termina sem fugir à norma, com “Judy and the Dream of Horses”, outra canção agridoce porque Judy (ou Stuart?) só se sente verdadeiramente bem quando dorme e sonha com cavalos, mas tudo fica melhor quando faz disso uma canção.

1996 foi já há mais de duas décadas, mas dir-se-ia que o tempo não passou por If You’re Feeling Sinister, que continua a soar a promessa de que tudo fica melhor. O tratamento recomenda-se, façamo-lo mais vezes. Termino com o verso de “The Boy Done Wrong Again” em que Stuart Murdoch tão bem resume este meu disco de estimação: “All that I wanted was to sing the saddest songs, and if you would sing along I will be happy now”. And sing along we do!

Liam Gallagher – As You Were (2017)

 

O primeiro disco a solo do mais novo dos irmãos Gallagher traz-nos o vocalista em topo de forma e a pisar terrenos que lhe são familiares, num álbum que não deslumbra mas que dá para matar bem as saudades dos tempos em que a britpop mandava no mundo.

O puto está de volta. Liam Gallagher, o conflituoso e descarado mano mais novo das traves-mestras dos Oasis, acaba de lançar o seu primeiro álbum a solo, depois de dois discos com os Beady Eye (que contava com membros da sua antiga banda, mas não com o fundamental irmão Noel).

Liam tem afirmado sempre a necessidade de estar numa banda, num clã, num gang, num grupo unido e organizado contra o mundo. Mesmo agora, enquanto insulta o irmão e compositor-mor dos Oasis, continua a dizer que juntaria a sua velha banda num ápice, tendo mesmo sugerido um concerto de regresso com os Verve e os Stone Roses (não vai acontecer, diz Noel). Daí que seja curiosa esta investida a solo de Liam, que admite ser muito estranho e até algo solitário ter o seu nome sozinho, lá no alto.

Liam é uma rock star, uma das poucas que ainda existem. Nasceu para o ser, e aquela que em tempos chegou a ser a maior banda do mundo foi finalmente o veículo para aquela energia, aquela pose arrogante, aquele carisma. E é um dos grandes vocalistas pop-rock dos últimos anos. Só tem um problema: não é um compositor, e uma banda faz-se de muitas coisas, começando pelo material que tem para apresentar.

Quando assinou com a Warner, em 2016, descansou a editora: já tinha canções escritas. Mais exactamente, duas. De imediato, a Warner começou a pensar com quem o podia juntar para ajudar na composição e na atribuição de um foco musical a toda a fome que Liam apresentava. Este As You Were é, por isso, um trabalho conjunto, de Liam com vários compositores e produtores, em que o cantor é, no fundo, o fio condutor.

Apesar disso, o disco acaba por conseguir ter uma coesão temática e musical bastante apreciável. Os terrenos que pisa são, na sua esmagadora maioria, aqueles dominados em tempos pelos Oasis. Não se espere por aqui nenhuma revolução. Liam Gallagher não é exactamente muito original, mantendo-se perto daquilo que são as suas forças, os seus clichés líricos, o seu timbre e a sua forma de cantar. E, por falar nisso, há que destacar a belíssima forma da sua voz. Continua a ser um vocalista de excepção, transpirando carisma e confiança, e este disco só vem confirmar que isso continua lá, isso e a sua ‘star quality’.

Os pontos fracos são alguma falta de consistência na qualidade de alguns temas, no fundo algo que os próprios Oasis já demonstravam nos seus últimos discos. Ainda assim, é uma obra que com certeza ecoará fundo nos fãs da britpop dos anos 90, nos saudosistas dos Oasis (entre os quais nos assumimos) e, genericamente, em quem quer ouvir um bom disco pop-rock com sangue na guelra. A reacção, essa, também foi bastante positiva. As You Were chegou ao sempre almejado número um do top britânico e tem recebido críticas maioritariamente encorajadoras.

Entre os 12 temas da edição normal, e entre os 15 da edição deluxe, destacamos o single de avanço “Wall of Glass”; a belíssima balada “Paper Crown”; a muito Oasis “For What’s Worth”; e a britpop maior que a vida de “Come back to me”, entre outros.

Num momento em que Noel Gallagher está prestes a editar um novo disco com os seus High Flying Birds, não conseguimos deixar de pensar no que seria se os velhos irmãos se conseguissem juntar de novo. Com o carisma e a voz de Liam, e com as composições e a guitarra de Noel, quem sabe que presentes ainda poderiam dar ao mundo? Provavelmente nunca saberemos, mas neste As You Were há momentos em que quase podemos imaginar os solos fluidos e melodiosos de Noel a entrar em cena e a elevar tudo a um nível superior. Não acontece, e assim ficamos com um disco bom, quando podia ser um disco óptimo.

The Cure – Disintegration (1989)

 

A obra-prima gótica dos Cure: triste como a chuva a cair, grandiosa como o fim do mundo.

No final dos anos oitenta, o pós-punk gótico estava em vias de extinção. Apenas uma aldeia gaulesa resistia, os Cure, continuando a crescer em popularidade, talvez porque nunca aceitaram ficar fechados na gaveta gótica, namorando, sempre que lhes apeteceu, com a pop mais soalheira.

Mas em 1989 decidiram regressar às raízes, mergulhando de novo na sepulcral escuridão. Em boa hora o fizeram. Disintegration é uma das maiores criações do rock gótico e a incontestável obra-prima dos Cure. Disintegration foi um inesperado sucesso, com mais de três milhões de discos vendidos no mundo inteiro. Porque é que aconteceu esta anomalia? Porque a sua beleza é tanta que galgou as próprias circunstâncias históricas. Mesmo que o disco tivesse saído na pré-história, estamos convencidos de que não haveria teenager neanderthal que não o ouvisse no seu quarto.

Para Disintegration, a tristeza que há num coração adolescente é tudo; preciosa matéria-prima com que é construída a maior das epopeias. Por isso, as suas canções são longas, com épicas introduções instrumentais que agigantam a nossa infelicidade. Ouvindo Disintegration, sabemos que a nossa melancolia é nobre e a dos outros- plebeia. Os outros cometem a vulgaridade de só terem o coração um pouco beliscado. Nós somos os únicos que temos o coração despedaçado de cima a baixo. O absolutismo da nossa tristeza é a marca que nos distingue e eleva. A felicidade dos outros: baixa e grosseira.

Disintegration é tão triste e grandioso como a chuva a cair. Por isso, tudo soa como a própria chuva. Cada nota da guitarra e do baixo é clara e redonda como os primeiros pingos gordos de chuva que pingam na nossa cabeça. A bateria é fria e repetitiva como a chuva de inverno. O sintetizador é triste e esborratado como o limpa pára-brisas de um carro tentando, em vão, lavar a chuva. Muita desta música tenta abrigar-se debaixo do telheiro de “Atmosphere” e “Love Will Tear Us Apart”; mas tudo é tão belo e tão certo que sentimos que foram os Cure de 1989 a influenciarem os Joy Division de 1980, e não o contrário.

Ouvir, tantos anos depois, Disintegration, é sentir pena da vida adulta ter um dia chegado. Maldita serenidade e sentido de medida, que vieram sem ninguém os chamar. Quem nos dera chorar novamente debaixo da chuva, como se o mundo estivesse a acabar outra vez.

Courtney Barnett & Kurt Vile – Lotta Sea Lice (2017)

 

Lotta Sea Lice é um disco de um conforto íntimo que não revoluciona o som de nenhuma das partes mas que é uma adição bem conseguida à carreira até agora imaculada de Kurt Vile e de Courtney Barnett.

É o sonho molhado de qualquer fã do indie-rock que se preze: a junção em disco de Kurt Vile e Courtney Barnett, duas das vozes mais inspiradas dos últimos anos e que, até agora, nunca nos desiludiram com qualquer passo em falso.

É fácil de entender a razão pela qual Lotta Sea Lice, este disco colaborativo, era aguardado com tanta antecipação. Como eventualmente teria de acontecer, o disco foi acontecendo. Trocas de canções de um lado do mundo para o outro, demos, alguns períodos curtos de gravação e de ensaios, letras escritas em cima do momento em várias músicas.

A questão fundamental à partida era: vai soar mais a Vile ou a Barnett? Ou vai ser criada uma coisa totalmente nova? E, assim sendo, será superior à simples junção de dois grandes talentos com voz própria?

Na verdade, acaba por ser Vile a força mais dominante. Lotta Sea Lice tem, ambientalmente, mais daquelas preguiças slacker de Vile do que o rock letrado e relativamente mais enérgico de Barnett. O que não tem nada de errado e, de certa forma, ajuda a formar o carácter deste disco, a sua aura outonal e confortável, como uma tarde de um domingo frio passada em casa, no quentinho da flanela que ambos os músicos adoram.

Nos nove temas de Lotta Sea Lice há canções novas, sendo o grande destaque o arranque com “Over Everything”, escrito obviamente por Vile e marcado pela sua personalidade, com um brilho acrescido pela troca de vozes entre ambos. Outro momento alto está no acústico “Continental Breakfast”, escrito por Vile mas com a australiana a ser decisiva e dar um luminoso contraponto ao tom grave e arrastado do comparsa.

Há covers trocados, com Barnett a dar nova vida a um velho tema bem conhecido de Vile, aqui baptizado de “Peepin’ Tom”, e o americano a atirar-se a “Outta the Woodwork”, com a ajuda de Barnett.  Há “Fear is Like a Forest”, uma versão de uma canção de Jen Cloher, a esposa de Barnett, o momento mais tenso e mais “Crazy Horse” de todo o disco. E há até, a fechar, uma versão de “Untogether”, das Belly, uma canção de que Kurt Vile muito gosta e que mostrou pela primeira vez à australiana, que se deixou conquistar.

Lotta Sea Lice é, assim, um objecto bem curioso e dotado de personalidade própria, que fica como mais um tiro certeiro de ambos os músicos. Não foi dado o salto para a criação de algo inteiramente novo e distinto do que Vile e Barnett têm feito, mas isso talvez fosse esperar um pouco demais.

O que nos fica é um disco caseiro, no sentido de familiar e confortável, a celebração de uma amizade musical. Lotta Sea Lice promete ser um bom companheiro para muitos fins de tarde, sem qualquer pretensiosismo de querer mudar o mundo, como aquela boa camisa de flanela que pode não ser o último grito da moda mas que ainda nos faz sentir muito bem.

John Maus – Screen Memories (2017)

 

Há uma certa dose de frieza sombria que habita a música de John Maus que é, no mínimo, fascinante. Talvez não se perceba num primeiro contacto, mas ela existe e nela que reside a sua genialidade.

Há muito que sabemos que John Maus é, ao mesmo tempo, compositor, cantor e um sui generis académico de carreira. Figura de apreciável culto (o concerto que dará este ano em Lisboa já se encontra esgotado há algum tempo, o que revela que essa veneração também por cá existe), é inegável que o músico de Minnesota e colaborador de Ariel Pink vai conseguindo conciliar todas as suas valências de forma extraordinária e tantas vezes inesperada. Assente em ambientes lo-fi e em sintetizadores a lembrar boas bandas dos anos 70 e 80, a música de John Maus é densa, fria, claustrofóbica, embora nunca perca de vista um apurado sentido melódico e rítmico. Ouvir John Maus é jogar ping-pong com Alan Vega, Suicide, Joy Division, Nick Nicely, Gary Numan e tantos outros ao mesmo tempo, sabendo, no entanto, que à partida é Maus que sairá a ganhar em todas as jogadas, tal o cunho particular que, mesmo com tantas influências, consegue impor a cada canção. Mas se quisermos ir um pouco mais longe neste name dropping de artistas, poderemos acrescentar Ariel Pink (claro), Molly Nilsson, The Legends, Slow Steve e por aí fora. Tudo boa gente, rapaziada para nos bater à porta dos ouvidos com agrado e sem necessidade de pedir licença para entrar. Entremos, portanto, em Screen Memories.

O disco é composto por doze temas, mas funciona como um todo orgânico. Ou seja, não há uma canção em particular que possa destacar-se por apresentar grandes diferenças em relação às restantes. No entanto, se por conveniência de escrita quisermos fazê-lo, então “The Combine”, a que abre Screen Memories, terá forçosamente de ser a escolhida. De contornos góticos, escuros, inquietos, convida-nos à dança, mas sem grandes espalhafatos de estilo e forma. É um tema de John Maus, que diabo! Há em “The Combine” e em todos os outros onze momentos do álbum, uma vibração constante que intimida, galopante e disposta a levar-nos num certo desassossego desde o início até ao fim. Os versos minimalistas e diretos dizem quase tudo: “I see the combine coming /
I see the combine coming / It’s gonna dust us all to nothing” e pouco mais se canta para além disto. Segue-se a arielesca “Teenage Witch”, curta, com pouco mais de dois minutos, e dela saímos cantanto “Teenage with! / Want to start a fire, witch?”. Depois vem “Touchdown”, mais sóbria, com aquela voz típica de John Maus que pode amedrontar os ouvidos menos conhecedores do seu particular timbre. Mais do que uma voz, parece um eco que vem de longe… Não sentir em todos eles (nos doze temas e não apenas nos três aqui apresentados) a presença dos míticos Joy Divison, é não ter ouvidos que prestem, apenas orelhas para acumular pêlos e lixo. A sombra da banda pós-punk de Ian Curtis não nos larga um único instante, notando-se um pouco menos em “Decide Decide” e “Sensitive Recollections”. Mas o fio condutor que liga todas as canções é, afinal, o da poderosa e omnipresente guitarra baixo, de braço sempre dado com linhas fortes e melódicas de sintetizadores endiabrados, não esquecendo o ritmo mais ou menos frenético das batidas secas, mecânicas e meio krautianas que parecem ter, também elas, o dom da ubiquidade.

Com Screen Memories, John Maus criou um objeto sonoro que faz apelo à expressão trabalhada por Freud nos finais do século XIX. Todos os temas (e as curtas letras de todos eles) parecem aproximar-se do paradoxo estudado pelo famoso austríaco, misturando elementos que a memória lembra, esquece, reprime e volta a tornar presente numa batalha sem sangue no espaço da infância e da sua (in)consciente fantasia. É, portanto, um disco conceptual, algo que não estranhamos em John Maus. Mas, mais do que tudo isto, é um dos melhores discos saídos ao longo deste ano de 2017.

Protomartyr – Relatives in Descent (2017)

 

O rock está morto, o rock vive. Das poucas bandas que o mantêm vivo (ainda que ligado às máquinas), os Protomartyr fazem-no com cabeça, tronco e membros.

É das tarefas mais difíceis, esta de analisar e contextualizar um disco dos Protomartyr. A quantidade de camadas, referências, ligações que Joe Casey coloca nas suas letras tem seguimento na sonorização que os seus comparsas Greg Ahee (guitarra), Alex Leonard (bateria) e Scott Davidson (baixo) fazem ao redor do seu discurso. É um problema recorrente, já no anterior The Agent Intellect entravam referências a Aristóteles, ao Papa, a questões do cérebro e de Alzheimer. Há que admitir que não é qualquer banda que, hoje em dia, incorpora nas suas letras temas vitais e na ordem do dia.

Logo na primeira música, “A Private Understanding”, que nos convida a entrar com um pequeno extracto de bateria, acumulam-se as referências – Elvis Presley, Stalin, Heráclito, Trump, tudo metido ao barulho questionando-se, questionando-nos como raio chegámos aqui, ao ano de 2017 quando o que a ciência diz deixou de ser importante, quando a verdade de ontem já não é a de hoje. Usando alguns versos de um livro do século XVII, “Anatomia da Melancolia” de Robert Burton, Casey mostra-nos quão recorrente os problemas humanos são, como nada aprendemos com a História. Isto enquanto um corpo de som nos entra ouvido dentro, denso, inconstante, umas vezes mais calmo, outras mais intenso. São 5 minutos profundos e de perfeita amostra do que a banda é capaz.

Passamos para “Here is the Thing” e a problemática é a mesma, mas segundo as palavras do próprio Casey, nesta quis ir a um nível mais concreto: “I woke up and it seemed like everybody walking around town was an ‘innovator’ or a ‘creative.’ It all feels like something out of science-fiction and I wanted a little bit of that feeling in the song. Whether it’s good or bad, I don’t know.”. “My Children” entra no tema a que se refere este Relatives in Descent, mais especificamente sobre o que deixaremos aos nossos filhos. Casey foi desta feita buscar Bowie, e o seu verso “Don’t lean on me, man” de “Suffragette City” para ilustrar que há que pôr os miudos quanto antes a encontrarem o seu próprio caminho, em vez de ficarem para sempre dependentes dos pais.

Poderíamos continuar a entrar em cada música, a remexer cada recanto, e em cada um deles iríamos encontrar uma ideia pertinente, importante, actual. Mortalidade, o entorpecimento quase generalizado de uma população de 7 biliões de humanos que vão levando o dia a dia, são mais alguns exemplos. Em termos musicais são uma banda irrepreensível, sendo um excelente exemplo “Don’t Go to Anacita”, a canção mais apunkalhada do álbum.

Como vêm, a dificuldade acima referida é constante. As canções dos Protomartyr nem sempre têm um começo, meio e fim, já que Casey dá-nos pontas soltas de uma estória que corre na sua cabeça. Por vezes corre muito bem porque conseguimos juntá-las e captar a mensagem, noutras perdemo-nos no meio de tantas referências. Este álbum da banda de Detroit não é em si nada de novo relativamente a álbuns anteriores – uma amálgama de pensamentos que correm na cabeça de um sujeito que tenta à sua maneira perceber o que se passa num mundo lá fora que faz cada vez menos sentido. Casey levanta um pouco um véu, enquanto que os restantes membros tornam a experiência de visita ao interior da sua mente cativante e intensa.