Há 8 anos, em 31 de março de 2017, o Mastodon lançava Emperor Of Sand, sétimo álbum de estúdio da banda americana.
Conceitual, Emperor Of Sand apresenta a história de um andarilho do deserto que foi condenado à morte. Temas como a morte e sobrevivência estão presentes nas letras das músicas, que foram inspiradas nas experiências que os membros da banda tiveram quando familiares e amigos foram recentemente diagnosticados com câncer. A sonoridade se encontra entre o stoner rock e o metal progressivo, enquanto a produção ficou a cargo de Brendan O'Brien, que já havia colaborado com o Mastodon anteriormente em Crack The Skye (2009).
Emperor Of Sand foi lançado pela Reprise Records em março de 2017 e bem-recebido pela crítica e fãs, atingindo o #7 na Billboard 200 -- a melhor estreia do Mastodon nos Estados Unidos até então. O álbum foi promovido por dois singles, "Show Yourself" e "Steambreather", além de uma turnê.
Os Burroughs, os fornecedores leais de “Sweaty Soul Music” do Colorado, lançaram um 45 digital no novo selo Color Red de Eddie Roberts (The New Mastersounds) , que traz duas novas faixas. Fãs de funk e soul old-school certamente apreciarão esta oferta do talentoso conjunto de nove integrantes.
“The Slip” é uma faixa de funk profundo inspirada em James Brown. O vocalista Johnny "RedBird" Burroughs oferece uma performance vocal dinâmica que captura o espírito do Padrinho do Soul até os gritos de gelar os ossos e grunhidos funky. Ele também injeta um pouco de humor perverso na mistura e exibe suas grandes habilidades de contar histórias. A música é um conto irônico sobre como se esquivar das muitas pressões e aborrecimentos da vida moderna. A banda solta fogo puro neste groove funkalicious — linhas de sopro super apertadas, baixo forte, guitarra base suja e uma batida escaldante. E podemos falar sobre essa ponte? O próprio Padrinho tiraria o chapéu para esse monstro de ponte, que eleva o nível de funk da faixa às alturas. Os Burroughs mergulham em um pouco de soul retrô dos anos 60 na suave jam de verão “Forever In Love”. Esta faixa tem um arranjo de metais fantástico que mostra os talentos da incrível seção de metais da banda. E Johnny entrega uma performance vocal brilhante, que é ainda mais adocicada pelos vocais de fundo suaves. Esta é a faixa perfeita para explodir em um churrasco de verão. “Forever In Love” define uma vibração nostálgica e relaxante que traz à mente clássicos vintage de R&B dos anos 1960 e início dos anos 70. As duas faixas do 45 digital foram produzidas por Kim Dawson da Matador Soul Sounds e Mike Tallman, Diretor Criativo da Color Red.
Formada em 2013, The Burroughs ganhou a reputação de uma das bandas ao vivo mais emocionantes e dinâmicas do Colorado. A banda emociona o público com sua potente marca de soul e funk e construiu uma base dedicada de seguidores que se estende por todo o estado e além. Os membros são Johnny Burroughs (vocalista principal, líder da banda); Mary Claxton (bateria, vocais); Sean Hagemeister (guitarra); Tom Amend (teclados); Jeremy Fallis (trombone); Brian Claxton (baixo); Alec Bell (trompete); Briana Harris (saxofone alto); e Hayden Farr (saxofone barítono). O carismático vocalista da banda, Johnny Burroughs, cresceu na igreja e trabalha como ministro licenciado e pastor musical; ele traz a mesma paixão e inspiração de seus cultos para o palco. Os shows do Burroughs são celebrações emocionantes e emocionantes, onde os membros da audiência são elevados e energizados. A banda sempre arrasa nos shows e nunca deixa de eletrizar o público.
Os Burroughs se apresentaram em vários festivais e locais de música renomados, incluindo Bohemian Nights New West Fest, The Block Party, The Greeley Blues Jam, Boulder International Film Festival, The Fox Theatre, Denver Day of Rock, The Aggie Theatre, The Underground Music Showcase, entre muitos outros.
E eles dividiram o palco com nomes da música nacional como Zapp, Steve Miller Band, Orgone, The Reminders, Southern Avenue, Lil' Ed and the Blues Imperials, Walter Trout e Samantha Fish.
A banda lançou um álbum de estúdio completo, Got to Feel , em janeiro de 2018. E eles lançaram seu álbum ao vivo Sweaty Greeley Soul em 2015. O álbum foi gravado ao vivo no Moxi Theater no centro de Greeley, Colorado. Os Burroughs foram eleitos a "Melhor Banda" de Greeley em 2014. Quando os Burroughs não estão explodindo o palco ou gravando faixas no estúdio, eles se concentram no alcance comunitário em sua cidade natal, Greeley. Eles fizeram parcerias com organizações como Weld Food Bank, Greeley Boys and Girls Clubs e Habitat for Humanity. E a banda tem uma parceria contínua com as Escolas do Distrito 6 de Greeley-Evans com o objetivo de levar educação musical a alunos de todas as origens. Para informações sobre novos lançamentos musicais e datas de turnê, visite o site dos Burroughs . "The Slip"
Os membros fundadores da Average White Band em 1974
Os anos 1970 foram a era de ouro da música funk. O estilo explosivo e rítmico que James Brown criou nos anos 1960 se tornou uma grande força na música contemporânea nos anos 70. E o funk não era apenas música para as pessoas balançarem seus traseiros na pista de dança. Era também uma declaração política poderosa. O funk era uma expressão sonora de liberdade, protesto e identidade cultural para os negros americanos. E os antigos ritmos tribais de seus ancestrais africanos eram aparentes nos grooves potentes do funk. Talvez essa fosse uma das razões pelas quais os artistas de rap eram tão atraídos pelo funk.
Uma série de bandas de funk incríveis surgiram nos anos 70. E uma das principais bandas de funk daquela década foi a ironicamente chamada Average White Band. Quando a banda lançou seu sucesso de 1974, "Pick Up The Pieces", muitos fãs de funk ficaram inicialmente chocados ao saber que um grupo de músicos brancos da Escócia conseguiu capturar a essência da música funk com tanta precisão e com tanta paixão e alma. Os seguidores predominantemente negros da AWB e o amor e apreço genuínos da banda pelo funk e R&B ilustraram mais uma vez que a música é a verdadeira linguagem universal e tem o poder de quebrar barreiras raciais, sociais e culturais.
A AWB lançou muitas músicas excelentes naquela época, incluindo a extremamente funky "School Boy Crush", um single do terceiro álbum da banda indicado ao Grammy, Cut The Cake (1975). Embora tenha sido apenas um sucesso moderado nas paradas de singles da Billboard — pop (#33), R&B (#22) —, tornou-se um clássico do funk e uma grande fonte de samples para muitos artistas de hip-hop e R&B. Foi sampleado em um total de 151 músicas .
A linha de baixo monstruosa da faixa e a batida mortal chamaram a atenção de jovens artistas e produtores em busca de grooves fortes para samplear. “School Boy Crush” também ostenta licks de guitarra base desagradáveis, linhas de sopro de sopro e clavinete superfunky. E não vamos esquecer aqueles sinos de trenó! Os sinos de trenó nunca soaram tão funky. Só esse pequeno toque acrescentou muito à faixa e a levou a um outro nível. Também realçou a vibração infantil da música de uma criança experimentando sua primeira paixão.
O compositor e produtor vencedor do Grammy Dallas Austin sampleou esses sinos de trenó funky com efeito ótimo no single de estreia de platina do TLC, "Ain't 2 Proud 2 Beg". Os sinos de trenó também aparecem em "Halftime" de Nas, um single de seu álbum de estreia Illmatic . O produtor Large Professor fez um trabalho magistral ao incorporar perfeitamente os sinos de trenó na batida poderosa da faixa. E a lendária dupla de hip-hop Eric B. & Rakim sampleou os sinos de trenó e o riff de guitarra principal de "School Boy Crush" para sua faixa icônica "Microphone Fiend". Além disso, a faixa "Life Is… Too Short" do famoso rapper da Costa Oeste Too $hort apresenta uma interpolação dinâmica da linha de baixo, riff de guitarra principal e outros elementos sonoros de "School Boy Crush".
Além de “School Boy Crush”, várias outras faixas do AWB também foram sampleadas, incluindo seus maiores sucessos “Pick Up The Pieces” e “Cut The Cake”. No total, sua música foi sampleada em um total de 447 músicas , tornando-os o décimo quinto ato mais sampleado de todos os tempos.
Average White Band teve um grande impacto tanto na música funk quanto no hip-hop. A criação do sampling permitiu que a banda alcançasse um público totalmente novo de jovens ouvintes que sentiam falta da revolução do funk dos anos 70.
Pedro Bell, o artista e ilustrador responsável pelas icônicas e alucinantes capas de álbuns do Funkadelic, morreu em 27 de agosto. Ele tinha 69 anos. A causa de sua morte não foi divulgada. A arte de capa imaginativa de Bell desempenhou um papel significativo na experiência P-Funk e contribuiu imensamente para a mitologia da banda. Para as capas dos álbuns do Funkadelic, Bell criou um universo afrofuturista alternativo repleto de imagens psicodélicas de ficção científica e diversos personagens freakazoides. Ele também escreveu as notas do encarte dos álbuns do Funkadelic sob o nome Sir Lleb, que é seu sobrenome escrito ao contrário. Em homenagem ao artista, escrevi pequenas resenhas das minhas três melhores capas de álbuns do Pedro Bell. Hardcore Jollies – Funkadelic (1976) Esta é a minha capa de álbum favorita do Pedro Bell. Ela é adornada com cores ricas e vivas e imagens de arregalar os olhos. A imaginação selvagem de Bell estava no seu auge durante a criação desta deslumbrante arte de capa. Ela simplesmente salta aos seus olhos. A capa do álbum é estranha e sobrenatural, mas também muito bonita. Não é apenas uma das melhores capas de álbum de Bell; é uma das melhores capas de álbum, ponto final.
Cosmic Slop – Funkadelic (1973) Cosmic Slop foi a primeira capa de álbum de Bell para o Funkadelic, e é uma obra-prima fria como pedra. É ao mesmo tempo horripilante, estranho e brilhante. Ele capturou visualmente o que a banda era — irreverência ousada, não convencional e pura invenção. E tudo isso é coroado com amplas porções de esquisitice. Depois que Bell começou a fazer a arte da capa do Funk Mob, curtir um novo álbum do Funkadelic não era mais apenas uma experiência auditiva, mas também visual. Os donos de novos álbuns do Funkadelic se debruçavam sobre a arte da capa bizarra e surrealista de Bell enquanto ouviam as novas faixas da banda.
One Nation Under a Groove — Funkadelic (1978)
A incrível arte de capa de Bell para o álbum de referência do Funkadelic, One Nation Under a Groove, dá um toque afrocêntrico à icônica fotografia Raising the Flag on Iwo Jima. Bell substitui os fuzileiros navais dos EUA por uma equipe de funk heterogênea de homens e mulheres levantando uma bandeira pan-africana com R&B estampada nela. É uma declaração bastante poderosa sobre identidade negra e empoderamento. É também uma declaração forte sobre o poder da música negra e como ela sempre foi o pulso e a base da música americana. Há muito menos acontecendo aqui do que na maioria das capas de álbuns Funkadelic de Bell, mas é igualmente eficaz em chamar sua atenção.
Pedro Bell deixou para trás uma riqueza de grandes obras de arte, e ele sempre será lembrado pelos Funkateers por sua incrível arte de capa. Descanse em paz, Capitão Draw.
O lendário grupo de funk/soul da Costa Oeste Tower of Power abriu um buraco na funkmosfera com esse groove supersônico em 1974. Esse é um funk dinâmico e pesado como só o Tower of Power poderia fazer. O trabalho de baixo ágil de Rocco Prestia surge no groove como uma corrente elétrica, e David Garibaldi incendeia o funk com uma batida insana. Seu padrão de bateria complexo e rápido foi considerado uma das piores batidas de funk já gravadas. Além disso, a celebrada seção de metais do TOP coloca um ponto de exclamação no funk com algumas rajadas explosivas de metais. E não vamos esquecer de Lenny Pickett, que encerra com um fantástico solo de sax tenor. A faixa também apresenta um trabalho de órgão fumegante de Chester Thompson. Esse é o funk puro em sua forma mais crua e emocionante, e mostra por que o Tower of Power tem uma reputação de longa data como uma das bandas de funk mais coesas de todos os tempos.
“Oakland Stroke” foi escrita por Garibaldi, Emilio Castillo e Stephen Kupka. É uma faixa do quarto álbum do Tower of Power, Back to Oakland , lançado na primavera de 1974. A faixa encerra o álbum — parte 1 na introdução, com a parte 2 fechando o álbum. É curta e doce, apenas 0:53 para a introdução, e a parte 2 chega a 1:08. É incrível o quanto de funk a banda conseguiu colocar em tão pouco tempo. Nem uma gota de funk foi desperdiçada neste corte.
Back to Oakland , produzido pela Tower of Power, apresenta o hit moderado "Don't Change Horses (In The Middle of a Stream)", que atingiu o pico de #26 na parada de singles pop dos EUA e #22 na parada de singles de R&B dos EUA. O álbum também apresenta o clássico instrumental de funk-jazz "Squib Cakes". A revista Modern Drummer Magazine elegeu Back to Oakland como uma das gravações mais importantes para bateristas ouvirem.
A formação do Tower of Power quando eles lançaram Back to Oakland era a seguinte: Lenny Pickett (1º sax tenor, sax alto, sax baixo, sax soprano, flauta, flauta alto, flautim); Stephen "Doc" Kupka (sax barítono, trompa inglesa, vocais de apoio); Francis "Rocco" Prestia (baixo); Greg Adams (trompete, fluegelhorn, sinos de orquestra, vocais de apoio); Mic Gillette (trompete, fluegelhorn, trombone, trombone baixo, vocais de apoio); Emilio Castillo (2º sax tenor, vocais de apoio); Bruce Conte (guitarra, vocais de apoio); David Garibaldi (bateria); Lenny Williams (vocais principais); Chester Thompson (órgão, pedais de baixo, piano, piano Fender Rhodes, clavinete, vocais de apoio); e Brent Byars (conga).
O Tower of Power foi formado em Oakland, Califórnia, em 1968 por Emilio Castillo e Stephen Kupka.
O single de Stevie Wonder de 1987, "Get It", marcou a segunda vez que ele e Michael Jackson fizeram um dueto em uma música. A dupla de superestrelas já havia trocado os vocais em "Just Good Friends", uma faixa do álbum multiplatinado de MJ , Bad (1987). "Get It" é um passo à frente de "Just Good Friends", que é uma peça um tanto pedestre de pop/soul fluff. "Get It", por outro lado, tem uma mordida real. Stevie e MJ entregam fortes performances vocais sobre um groove de dança potente; e Stevie ancora a faixa com uma linha de baixo de sintetizador desagradável e uma batida eletro vibrante.
A música é sobre uma mulher que tem medo de entrar em um novo relacionamento por ter sido magoada muitas vezes. Mas Stevie e MJ tentam convencê-la de que são diferentes dos outros caras e podem oferecer a ela mais do que apenas coisas materiais, desgosto e promessas vazias — e eles a cobrirão com toneladas de "amor terno e afeição". O ponto alto da música chega perto do final, quando MJ e Stevie se envolvem em um riff-off épico para conquistar a garota; os dois artistas se soltam com alguns fogos de artifício vocais. É uma pena que eles nunca tiveram a oportunidade de tocar essa música juntos ao vivo. Eles certamente teriam deixado o palco em cinzas se tivessem.
"Get It" foi escrita, arranjada e produzida por Stevie. Foi um single de seu álbum de platina Characters (1987). Ele tocou todos os instrumentos na faixa, exceto a parte da guitarra, que foi tocada por seu companheiro de longa data Ben Bridges. E Mary Lee Evans acompanhou Stevie nos vocais de fundo. A música teve um desempenho extremamente bom na parada de singles de R&B da Billboard, chegando ao 4º lugar. Também teve uma forte exibição na parada Adult Contemporary da Billboard, subindo para o 11º lugar. No entanto, só chegou ao 80º lugar na parada de singles Hot 100 da Billboard.
E "Get It" e "Just Good Friends" não foram as únicas colaborações musicais de MJ e Stevie. MJ e seus irmãos forneceram vocais de apoio para o hino de protesto de Stevie que liderou as paradas, "You Haven't Done Nothin'", um single da coleção vencedora do Grammy Fulfillingness' First Finale(1974). E Stevie escreveu e produziu um álbum inteiro do Jackson 5 em 1974, mas foi arquivado. Uma das músicas gravadas durante essas sessões foi "Buttercup", que apareceu na coletânea de 2009 I Want You Back! Unreleased Masters .
Além disso, Stevie e Susaye Greene coescreveram a balada assombrosa "I Can't Help It" para o álbum de referência de MJ Off The Wall (1979). Pouco depois disso, MJ cantou vocais de apoio em "All I Do", uma faixa do LP de Stevie de 1980 Hotter Than July. E em 1985, Stevie e MJ se juntaram a uma série de outros grandes artistas musicais para o single beneficente "We Are The World" para ajudar a arrecadar dinheiro para o combate à fome na África. A música, que foi coescrita por MJ e Lionel Richie, vendeu 20 milhões de cópias em todo o mundo e arrecadou milhões para o combate à fome.
MJ e Stevie tiveram trajetórias profissionais semelhantes: ambos eram crianças prodígios que começaram suas carreiras musicais profissionais muito jovens; e ambos começaram na Motown. Os dois tiveram carreiras musicais de grande sucesso quando ainda eram pré-adolescentes e tiveram um sucesso ainda maior quando jovens adultos. Ao chegar à idade adulta, eles pressionaram com sucesso por mais controle criativo sobre sua arte, o que resultou em seu melhor e mais completo trabalho. E a música de ambos os artistas ajudou a definir uma década — os anos 70 para Stevie e os anos 80 para MJ.
Stevie e MJ também eram amigos próximos; e mantiveram essa amizade próxima até a morte de MJ. A lenda do pop/soul aprendeu muito sobre gravação de música e composição com Stevie. Isso foi principalmente observando Stevie trabalhando no estúdio, e ele simplesmente absorvia tudo como uma esponja. Na verdade, MJ estava no estúdio quando Stevie estava montando sua magnum opus Songs in the Key of Life (1976). E que melhor professor para aprender sobre fazer música do que o próprio Wonder Man? MJ sempre se inspirou no melhor e aplicou isso em seu próprio trabalho, seja no estúdio, no palco ou em seus videoclipes.
A cantora/compositora/intérprete Niki J. Crawford vem eletrizando a cena musical da Costa Oeste com seus impressionantes dons vocais, performances dinâmicas e rico gumbo sonoro de funk, soul, rock, reggae, indie, pop, R&B e blues. A artista multitalentosa de Los Angeles traz honestidade e autenticidade para suas gravações e performances; e ela sempre forma uma forte conexão com seu público em seus shows. Seus talentos lhe renderam seguidores dedicados e entusiasmados que se estendem pela Califórnia e além.
Crawford dividiu o palco com luminares da música como Al Green, Carlos Santana, Snoop Dogg, Aaron Neville, Macy Gray, The Roots e Sharon Jones. E ela se apresentou em programas populares de televisão noturnos como Late Show with David Letterman , Conan , Saturday Night Live e The Tonight Show with Jay L e no .
Uma cantora versátil, os vocais de Crawford podem ser suaves e reconfortantes em um minuto e fortes e impetuosos no outro. Ela faz chover fogo puro em faixas como a soul/rock "What If", então se vira e entrega uma performance vocal elegante e discreta na majestosa "No Fear".
Crawford nasceu em uma pequena cidade do interior em Springhill, Louisiana. Ela desenvolveu um interesse por música desde cedo e começou a cantar quando tinha apenas seis anos. A talentosa jovem cantora eventualmente se tornou a solista principal no coral da igreja de sua cidade natal. E a música tem sido uma grande parte de sua vida desde então.
Crawford foi a vocalista principal do aclamado grupo de funk/soul de Los Angeles Orgone por três anos antes de abrir suas asas como artista solo. Ela tem anos de experiência em turnês e iluminou palcos em todo o mundo com seu imenso talento. Ela é realmente uma força no palco.
Em 2015, Crawford lançou seu EP Genesis Block , uma coleção de músicas de primeira linha. E ela lançou seu primeiro álbum completo, The Second Truth , em 2018. Este álbum também ostenta material realmente forte, todo escrito por Crawford.
Além de ser uma artista de gravação, Crawford tem uma carreira florescente como atriz; ela apareceu em filmes como Ele Não Está Tão a Fim de Você , Revival , American Dreamz , Love Ranch , Mr. Sophistication e Killer Diller, que lhe renderam muitos elogios dos críticos de cinema. E ela estrelou como convidada em séries de TV populares como Ally McBeal e Wanted .
Para saber mais sobre Crawford, obter datas de turnê ou informações sobre quaisquer projetos de filmes que ela possa ter em andamento, visite seu site .
A música original de Crawford "What If"
Crawford apresenta "It's a Man's Man's Man's World" no Long Beach Jazz Festival 2016
O brasileiro Bonifrate traz-nos cinco novos capítulos da sua viagem tranquilamente psicadélica, num curto EP feito de camadas, boas ideias e energia cósmica.
Bonifrate, o nosso fauno preferido do Brasil, está de volta. Depois de, em 2013, nos ter levado em visita guiada ao seu Museu de Arte Moderna, e um ano depois ter entrado no EP da Toca do Cosmos (só para falar dos trabalhos em nome próprio), o músico de Paraty traz-nos Lady Remédios.
É um EP de cinco temas, ou quatro e meio, se quisermos ser mais exactos. É uma homenagem à cidade no qual habita Pedro Bonifrate, com a sua natureza a influenciar mais uma vez os ambientes a que o artista já nos habituou.
Temos aqui mais uma viagem, em 17 minutos, pelo particular universo psicadélico de Bonifrate, que não carrega necessariamente na guitarra eléctrica como ferramenta para abrir caminho. A sua música tem algo de pastoral, de diáfano, num exercício a lembrar, por exemplo, o recomendável Jacco Gardner.
Em Lady Remédios, há um certo ar barroco na composição e gravação de alguns dos temas. São camadas e camadas de instrumentos, o baixo, a bateria, a guitarra, mas também fitas manipuladas, cordas, efeitos, teclas de vários feitios. A voz, essa continua processada mas ainda assim simples e directa. Ouça-se a abertura com “Microcosmos”, toda ela em crescendo de pompa e contra-ritmo, a versão sambista muito própria de “Rã” ou a mais lenta e majestosa faixa-título do EP, que concentra em si todos os pontos fortes deste trabalho.
Mais uma rodela deliciosa, ainda que breve, desta voz que urge ser mais conhecida em Portugal. Continuaremos a espalhar a palavra e a fazer por isso, enquanto Bonifrate continuar a fazer-nos sonhar.
Os Broken Social Scene regressam ao fim de 7 anos, mostrando-se melhores que 87% da música que é ouvida por aí.
Chegados ao ano de 2017, creio que já pouca gente dê por um novo álbum de Broken Social Scene. Pouca gente lhe dará tempo de audição, no meio de uma lista cada vez mais infinita de lançamentos de discos, desde bandas recém criadas a bandas antigas que se mantêm como portos seguros para os que se vão desligando, perdidos num oceano de novas melhores bandas que aparecem a cada semana.
Há que reconhecer que os Broken Social Scene sempre foram, para a grande maioria, uns perfeitos desconhecidos, mas mesmo assim encheram praticamente uma Aula Magna no já longíquo ano de 2010, inserido na tour de Forgiveness Rock Record. Já para a minoria que os segue desde os primórdios (que é como quem diz vá, 2003, altura de You Forgot it in People) foram a melhor banda que o mundo não conhece. Por um momento, ali por volta de 2006 e sobretudo com a magnífica “Shoreline (7/4)”, parecia que iam explodir e seguir os passos de outra banda canadiana que atingiu os escaparates nessa altura, uns tais de Arcade Fire. As semelhanças eram muitas, para além da referida nacionalidade, o número elevado de elementos, o registo sonoro, portanto tudo se enquadrava para serem a next big thing. Mas, por alguma razão, assim não o foi, o destino traçou-se por outras linhas e eles mantiveram-se como a melhor banda que o mundo não conhece.
Fast forward para 2017 – após um ano marcado por desaparecimentos de grandes nomes do mundo da música, estamos perante um ano de regressos aos álbuns de nomes que marcaram a década anterior, tais como LCD Soundsystem, Fleet Foxes, Grizzly Bear, National, Queens of the Stone Age, Phoenix, Spoon. E, claro, os Arcade Fire, e o seu Everything Now, que muita discórdia gerou. Com diferentes opções, uns a serem conotados mais do mesmo, outros a mudarem radicalmente,a meu ver o principal é manter-se a honestidade criativa, e neste quesito os Broken Social Scene conseguiram fazê-lo, inovando enquanto mantendo-se eles mesmos. Para próprio benefício talvez conte o modus operandi de colectivo e não de banda, ou seja a contribuição de inúmeras pessoas (18 no total creditadas) foi aqui utilizada da melhor forma por Drew e Canning, os membros residentes dos Social Scene.
A primeira parte de Hug of Thunder é energia no seu estado mais puro. Canta-se “Protest Songs” como se a vida dependesse disso, “Skyline” em modo repetitivo mas ultra ritmado, “Vanity Pail Kids” em constante evolução a questionar a sociedade actual. Depois há “Hug of Thunder” música, com a levitante voz de Leslie Feist que serve de ponte a uma segunda metade mais introspectiva, lado que os Broken Social Scene também sempre souberam trabalhar (recorde-se “Anthems for a Seventeen Year Old”). “Mouth Guards” fecha o disco em registo quase circense, dando o toque final do álbum a desvanecer por entre as nossas mãos, os nossos ouvidos. São 52 minutos muito bem passados, que prometem ocupar esse mesmo tempo mais vezes por (pelo menos) 2017 fora.
Vinte anos depois do segundo disco, os Black Grape do mítico Shawn Ryder estão de volta, num disco cheio de groove, energia e boas vibrações.
Os Black Grape, de certa forma, sempre tiveram uma vida atribulada. Nascidos depois do fim dos Happy Mondays (que se voltariam a juntar), serviram sobretudo de veículo para a criatividade de Shawn Ryder, fundador e vocalista dos Mondays, ícone de Madchester, crónico toxicodependente, génio das ruas e das sarjetas.
Inicialmente, com Ryder estavam Bez, o dançarino frenético e agitador de maracas dos Happy Mondays, e Kermit, dos Ruthless Rap Assassins. Bez saiu entretanto, está de novo na sua antiga banda (tal como Ryder), pelo que, na prática, estes Black Grape são um duo.
Depois de dois discos tremendamente bem sucedidos no Reino Unido – It’s Great When You’re Straight…Yeah (1995) e Stupid Stupid Stupid (1997), como que desapareceram do mapa. Ryder reentrou, saiu e voltou a entrar nos Mondays (que andam há dois anos a prometer disco novo), largou as drogas, colaborou com os Gorilazz, entrou em reality shows em Inglaterra e tornou-se uma celebridade para toda uma nova geração que não o conhecia dos tempos loucos dos excessos de Manchester nos anos 80 e 90.
Agora terminou o silêncio, com este Pop Voodoo, que é uma lufada de ar fresco. Já tínhamos saudades do humor de Ryder, da sua escrita e fraseado de hooligan de meia tigela, e deste som baggy e boa onda que sempre foi a sua marca.
Entre os Mondays e os Black Grape nem sempre é fácil traçar uma linha divisória simples em termos de sonoridade. Estes últimos são um pouco mais (northern) soul (“Set the Grass on Fire” é um claro e óptimo exemplo), têm uns cheirinhos de pseudo-rap, apostam mais no groove, enfim. Na verdade, ambos os projectos partilham da matriz da pop de Manchester na viragem para os anos 90, um som gingão e dançável, com toques de acid jazz e soul.
Pop Voodoo vem na mesma linha que os antecessores. Tem talvez menos malhas assassinas (“Nine Lives” é um estrondoso som de Verão, ainda assim) e a northern soul está mais presente, sendo sobretudo um disco com uma coerência superior, disparando para menos direcções e mantendo sempre um nível bastante aceitável.
O álbum arranca com “Everything You Know is Wrong”, uma hilariante sátira à política norte-americana, com Trump como principal alvo, mas nem Clinton nem Obama (“He’s a knobhead”, diz Ryder) escapam. O baixo saltitão domina o tema do princípio ao fim, mostrando que as boas vibrações não ficaram lá atrás, há 20 anos.
Mas este não é um disco político nem conceptual, e quer é fazer as pessoas dançar e divertirem-se. O já citado “Nine Lives” encarrega-se disso mesmo, com efeitos demolidores. Temos ainda a soul preguiçosa de “Sugar Money” ou “Whiskey, Wine and Ham”, a fazer lembrar os melhores tempos dos duvidosos Fun Lovin’ Criminals; a energia quase mod de “String Theory”; ou a arqueologia dançável de “Pop Voodo”, a evocar os primórdios dos A Certain Ratio.
Tal como nos registos anteriores, e tal como em todos os discos dos Happy Mondays, os Black Grape não têm a pretensão de inventar algo novo ou ser muito eruditos. Fazem, aliás, gala das suas origens de classe trabalhadora. Não se espere aqui nada de muito inventivo. Apenas um disco muito apetitoso, para desfrutar o que resta deste Verão solarengo.
Mais, apostamos que quem meta Pop Voodoo a tocar no carro não o vai tirar de lá tão cedo, a não ser que esteja clinicamente morto da cintura para baixo.
