E mais uma surpresa musical de alta qualidade, vamos apresentar o primeiro álbum de um jovem compositor e músico que é um verdadeiro artista, e para resumir todo esse álbum vou copiar um comentário de terceiros que o define completamente: "Muito parecido com o clássico Steven Wilson, o que é feito neste álbum é algo que já foi visto antes, mas a maneira como é feito neste álbum ainda é fantástica, não é único, mas é um trabalho de qualidade inigualável do mesmo jeito. 5/5." E assim apresentamos à família o homem que se destaca como um dos grandes músicos que continuaremos a apreciar ao longo dos anos, e seu trabalho em 2025 é a prova disso. Cuidado com o piolho, isso parece sério e significa negócios. Aqui temos o primeiro trabalho deste novo gênio musical que é mais que uma promessa, é uma revelação do presente.
Embora haja muitos artistas progressivos por aí hoje em dia com álbuns excelentes sendo lançados todos os dias, é sempre uma surpresa agradável ouvir um artista de vinte e poucos anos lançar um álbum tão cativante, especialmente se for sua estreia. Um jovem músico que se inspira em bandas clássicas inglesas como King Crimson , Pink Floyd e Marillion , entre muitas outras. Em fevereiro de 2023, Sanderson lançou seu álbum de estreia intitulado "Impermanence", um álbum conceitual influenciado pelo som clássico do rock progressivo dos anos 70, mas com um toque contemporâneo, e vários músicos de primeira linha dedicaram seu tempo para moldar as melodias de Sanderson e fazer de sua estreia um sucesso que prova que o futuro do rock progressivo está em boas mãos. Este é um excelente exemplo de como uma geração mais jovem está encontrando inspiração no legado progressista do passado, sem mencionar alguns dos atuais protagonistas do gênero.
E vamos com um comentário real...
“Impermanence” de Dominic Sanderson, o legado de Steven Wilson começa a ser notado no mundo (2023) Acho que não é preciso falar de Steven Wilson, ele é uma figura que atualmente é uma lenda não só do rock progressivo, mas da música em geral, desde liderar a banda cult Porcupine Tree, passando pela produção de alguns dos melhores álbuns da banda de death metal progressivo Opeth, até seus projetos solo que (numa opinião muito pessoal) são os melhores que ele já fez em sua carreira musical. Seus três primeiros álbuns solo tinham um som jazz fusion e uma vibe muito depressiva, ao mesmo tempo em que ele tinha predominância de criar uma atmosfera por meio de todos os tipos de instrumentos, fossem de corda, eletrônicos, de sopro e similares. Só neste ano seu terceiro álbum solo, “The Raven That Refused To Sing (And Other Stories)”, completa 10 anos, e parece que o que poderia ser chamado de “sequência” saiu este ano de outro músico. Dominic Sanderson, um artista do Reino Unido como Steven Wilson, vinha criando seu primeiro álbum há vários anos, após o lançamento de um primeiro EP chamado “Discarded Memories” em 2020, os frutos de seu trabalho foram vistos em fevereiro deste ano, com o lançamento de seu primeiro álbum de verdade, Impermanence, um álbum que na minha opinião compartilha tantas semelhanças com “Raven” que é quase impossível para mim não chamá-lo de uma sequência. Com apenas 7 músicas, este álbum é repleto de momentos que lembram tanto “Raven” quanto “Grace For Drowning”, começando pelos momentos acústicos, a flauta característica, uso do saxofone, uso de teclados com efeitos de piano ou mellotron, guitarra elétrica para solos belíssimos, um baixo que lembra muito o usado por Nick Beggs, etc., sem deixar de adicionar coisas que Wilson não usava tanto na época, como cordas com violoncelo, violinos, violas, etc. Abrindo este álbum com “I Don't Think I Can Get Over This After All”, o tom solene e deprimente do álbum fica evidente desde o primeiro minuto, abrindo com alguns acordes tristes do violão acústico de Dominic, da mesma forma que se adiciona o uso de mellotrons e piano, acompanhado de letras que parecem nos falar de um relacionamento em declínio, seja entre amigos ou um casal, o que importa é que sabemos que uma parte está culpando a outra por suas ações passadas, enquanto a outra se justifica dizendo que a escuridão o controla e que ele “não pode ser livre". Continuando com a desastrosa (no bom sentido) “The Twisted Hand Of Fate”, quando ouço essa música, penso em “Sectarian” e em “No Twilight Within The Courts Of The Sun” de Steven Wilson pelo quão catártica a mesma pode se tornar, começando de forma calma que aos poucos vai dando lugar a uma loucura incessante, mas não sem antes ter uma pequena narração antes da grande explosão, com rufar de tambores e o uso do saxofone de forma tão malévola e demoníaca que você sente todo o horror da música se repetindo novamente; “Ele me controla!” Dando lugar ao primeiro solo de guitarra do álbum, um solo lindo que demonstra o quão virtuoso Dominic é, talvez não no mesmo nível de Guthrie Govan em Drive Home ou Ancestral, mas certamente ainda um solo muito emocionante antes de terminar a música em violência absoluta. “This Night And The Wounds It Will Bring” abre de uma forma aterradora, quase lembrando como as músicas de Frances The Mute do The Mars Volta abriam e/ou fechavam, porém, não demora muito para se tornar uma linda balada acústica à primeira vista, porém assim que se tira um tempo para ouvir a letra entende-se o quão deprimente ela é, sendo uma música sobre o sentimento de alienação do mundo e como ele nos consome a ponto de quando queremos voltar para a vida que tínhamos antes, bem, não tem jeito, ela se foi para sempre. Terminando a música com um solo lindo que na primeira vez que ouvi, chorei, chorei muito de tão lindo que é e de como a música termina. Novamente como a música anterior, “Is There Calm Among This Chaos?” Ela abre de uma forma bizarra, porém conforme avança vai ficando cada vez mais sombria e agressiva de uma forma que me lembra muito “The Holy Drinker” do Steven Wilson, porém não demora muito para nos dar uma pausa acústica para nos entregar a letra, sendo esta uma música introspectiva, mostrando como a impotência na vida, como a esperança (ou a falta dela) traz ao homem raiva, dor, medo e no final, no final nasce a crueldade do homem, então não, não há calma em meio a todo esse caos. A segunda metade da música é uma das principais razões pelas quais chamo esse álbum de sequência de "Raven". Simplesmente não consigo deixar de pensar no Luminol com aquele final catártico, mas melódico. Passando para “An Empty Room”, é um interlúdio acústico desprovido de letras, mas ainda tem todo o sentimento que Sanderson vem nos dando ao longo do álbum; é simples, mas bonito. Continuando com “A False Sense Of Promise”, essa música é uma das minhas favoritas de todo o álbum, porque se a anterior foi um interlúdio acústico, essa é uma música acústica completa, MUITO deprimente, porque, até onde eu consigo entender a letra enigmática, essa é sobre ir lentamente em direção à luz, ir em direção ao além, como temos medo disso, como isso nos traz tristeza pelo que deixamos para trás, mas ao mesmo tempo como ir para o além não significa perder nossa identidade, não significa nos perder no vazio, é apenas mais uma fase da existência. Estando agora na reta final, temos o que poderia ser considerado um épico progressivo de verdade, sendo este “Like Glass Of Shards Falling Through My Fingers”, que nos recebe com uma atmosfera de respirações por um minuto e meio até chegarmos a um órgão junto com Dominic cantando, então daqui podemos dizer que a música começa definitivamente, com diferentes momentos que a fazem brilhar, como a bateria sendo o mais agressiva possível, o baixo se destacando o máximo possível, seções acústicas que são notadas com muito sentimento e o último solo de guitarra do álbum no meio da música que me lembra muito o do final de “The Holy Drinker” de Steven Wilson, mas vamos parar de falar do instrumental por um momento, vamos falar dos vocais, o que me leva ao trecho da letra que quero falar agora, porque é nada menos que a conclusão lógica de todos os temas que foram vistos ao longo do álbum, como solidão, alienação de outras pessoas, fingir ser algo que você não é, síndrome do impostor, etc., não sei explicar isso, só resta dizer que essa é de longe a música com a melhor letra de todo o álbum, pois depois de fechar todos os problemas levantados anteriormente, ela também abre outros novos que não são alheios a eles… Então o EPIC finaliza com alguns sintetizadores acompanhados da voz de Dominic junto com um belo violão acústico, para nos últimos 2 minutos e meio agora sim, nos dar o último solo de guitarra do álbum… Um belo álbum, talvez não tão belo quanto “This Night And The Wounds It Will Bring”, mas é sem dúvida belo, melódico e um final perfeito para essa obra-prima do progressivo contemporâneo. Que conclusões podem ser tiradas? Bom, esse não é um álbum original como eu quero repetir, é MUITO parecido com “The Raven That Refused To Sing (And Other Stories)” como eu venho dizendo ao longo da resenha. No entanto, este é um álbum tão bem feito, com tanto trabalho, esforço, alma e amor investidos nele, que quando você o ouve, fica claro, perfeitamente claro, que este é um trabalho de altíssima e espetacular qualidade. Também devemos ter em mente que este é o primeiro LP do Sr. Sanderson, então, se este é o seu primeiro, só podemos ficar animados com o que ele pode alcançar no futuro. Por enquanto, só nos resta esperar e curtir essa obra-prima que, se me perguntarem, está, sem dúvidas, entre os 5 melhores álbuns de 2023 (até agora neste ano). Avaliação final: 10/10
Eu acrescentaria que, na minha opinião, o álbum tem apenas uma falha, ou melhor, algo que poderia ter sido melhor, e tem a ver com a qualidade da produção. Mas digamos que, com a qualidade da música aqui, isso passa despercebido.
Mas é melhor você ouvir por si mesmo, isso é muito bom...
E reparem que esse foi o primeiro álbum dele, e esse ano ele lançou seu segundo trabalho, que segundo as pesquisas do Progarchives o coloca diretamente como o melhor trabalho de 2025. E em breve faremos a resenha daquele álbum que vocês não podem perder...
Lista de faixas: 1. I Don't Think I Can Get over This After All (3:44) 2. The Twisted Hand of Fate (5:09) 3. This Night and the Wounds It Will Bring (4:43) 4. Is There Calm Amongst This Chaos? (6:12) 5. An Empty Room (3:15) 6. A False Sense of Promise (4:51) 7. Like Shards of Glass Falling Through My Fingers (19:51)
Formação: - Dominic Sanderson / guitarras elétricas e acústicas, vocais, Mellotron Com: Tristan Apperley / baixo, órgão Hammond, Mellotron, sintetizadores, teclados, violino, viola Jacob Hackett / bateria, congas, percussão, vocais de apoio Aaron Butterworth / violoncelo, Mellotron Tyler Swindley / piano Joshua Joyner / sintetizadores Dan Ratcliffe / violino Abi Clark / flauta Beatrice Overend / saxofone barítono
A ressurreição do Van der Graaf Generator: É a nossa vez de apresentar o álbum que atualmente está classificado como o melhor álbum de rock progressivo de 2025. Ontem, apresentamos o primeiro álbum de um novo gênio do rock progressivo chamado Dominic Sanderson, um artista de 25 anos cujo aclamado álbum de estreia de 2023 já foi considerado um dos álbuns favoritos daquele ano por vários críticos. E enquanto em seu álbum de estreia dissemos que ele bebeu musicalmente do trabalho de Steven Wilson, aqui ele expande muito sua gama de estilos (progressivos) e arrebata tudo, porque Sanderson agora retorna com seu segundo trabalho, onde as influências de bandas setentistas como Van der Graaf Generator (principalmente, e com muitos vocais ao estilo de Peter Hammill) não são apenas evidentes, mas são orgulhosamente exibidas, mas também há sinais de sons como King Crimson, Caravan, Pink Floyd, Genesis, Yes e muitos outros, mesmo com a complexidade e estruturas não convencionais de Gentle Giant, fazendo com que o álbum pareça nostálgico e surpreendentemente fresco. Se alguma obra de 2025 superar essa beleza em qualidade, será porque estamos diante de uma obra de arte universal para todos os tempos... e se você não acredita em mim, ouça e se surpreenda com o quanto!
Este não é mais um álbum completamente solo porque o cara, a essa altura, já tem seu próprio grupo fixo, os meninos estão crescendo!
Impermanence, a estreia de Dominic Sanderson em 2023, revelou um músico de enorme potencial, devoto dos clássicos, mas com os pés firmemente ancorados no presente. Mas se naquele trabalho a dívida com o King Crimson (entre outros) era evidente, neste segundo lançamento parece ter absorvido os ditames de Peter Hammill, entregando um álbum mais ambicioso, alongando a duração das músicas e transitando entre uma infinidade de ideias tão inusitadas quanto ameaçadoras. Ele ainda não entregou sua obra principal, mas certamente está trabalhando nela.
E para que vocês vejam que não estou falando bobagem, vou focar esse post nos comentários de terceiros, porque teve muita gente surpresa que continuou escrevendo e recomendando esse trabalho, então vamos começar com o nosso eterno comentarista involuntário, que nos diz o seguinte...
Hoje é dia de apresentar "Blazing Revelations", o novo álbum do músico e compositor britânico Dominic Sanderson, que foi lançado no último dia de fevereiro. Com SANDERSON encarregado das guitarras elétricas e acústicas, mellotron e vocais, seus companheiros de viagem constantes são Tristan Apperley (baixo e violino), Jacob Hackett (bateria e percussão), Embiye Adalı (órgão Hammond, mellotron, clavinete, pianos clássico e Fender Rhodes) e Andy Frizell (saxofones tenor, alto e barítono e flauta). Ocasionalmente, eles também são apoiados pelo percussionista Joshua Joyner e pelo pianista Massimo Pieretti. O próprio Joyner cuidou da engenharia de som para as sessões de gravação do material de “Blazing Revelations”, bem como do processo de mixagem; Posteriormente, Jon Astley realizou o trabalho de masterização no Close To The Edge Studios. Matthew Sanderson é o autor da capa do álbum particularmente fascinante. Este álbum foi lançado em CD e vinil verde em 28 de fevereiro. No início de 2023, SANDERSON já nos havia surpreendido positivamente com “Impermanence”, que sucedeu uma série de singles e EPs que ele vinha lançando de forma constante desde 2020. Podemos, portanto, apreciar “Blazing Revelations” como o álbum que marca a consagração do bom DOMINIC como figura-chave na cena progressiva britânica destes anos, mas é melhor finalmente rever os detalhes do seu conteúdo. Os primeiros 12 minutos do repertório são ocupados por 'From The Weeping Cradle', uma música que desde o início demonstra claramente sua vitalidade sistemática e consistente. Os grooves e cadências que definem os quatro minutos e meio de abertura são articulados em torno de um discurso jazz-rock com evidentes conotações progressivas expandidas na maneira altamente estilizada com que os instrumentos interagem, bem como em algumas variações rítmicas arranjadas para acomodar tempos incomuns. As cores capturadas nos floreios da flauta ajudam consideravelmente a preservar a aura sofisticada dentro do vigor predominante. No segundo momento, a engenharia sonora se desloca para uma solenidade envolvente que não lhe falta na dose adequada de muscularidade, embora esta permaneça em um nível mais ou menos contido. A aura retrô dessa passagem está em algum lugar entre QUATERMASS e GNIDROLOG, além de algumas dicas de EGG e KING CRIMSON de 1970-71. Assim, o cenário está pronto para uma explosão posterior de neurose veemente, que se baseia em fundamentos razoavelmente complexos: já existem semelhanças familiares com WOBBLER e MOTORPSYCHO a caminho de uma conclusão retumbante. Depois dessa odisseia vem outra, um pouco menos extensa, chamada 'Faithless Folly', uma música cujo prólogo é composto por algumas frases lentas e tênues de guitarra, após as quais se constrói um misterioso preâmbulo em compasso 5/4, abrindo caminho para um corpo central dinâmico e denso que nos remete ao legado do VAN DER GRAAF GENERATOR (e indiretamente nos lembra do inesquecível AREKNAMÉS). Isso é construído em variações de atmosfera cuidadosamente tecidas para exibir declarações de inquietação e raiva sob trajes meticulosamente refinados. Uma seção de fusão entra para adicionar algum brilho ao mecanismo instrumental em andamento. Menção especial deve ser feita aos sucessivos solos de órgão e saxofone que surgem no meio, os quais reforçam a aura distinta inerente ao pathos predominante. O epílogo reflete uma implosão poderosa antes que figuras sóbrias de violão acústico marquem brevemente o círculo musical iniciado por aquelas frases inaugurais de violão. 'A Rite Of Wrongs' é bastante pastoral desde sua introdução no mellotron e o estabelecimento inicial do dueto vocal e de violão acústico, apropriadamente ornamentado pela flauta. O enredo é enriquecido pelas adições do violino e da percussão, embora seja verdade que a delicadeza essencial da composição permanece intacta. O álbum termina com sua faixa mais longa: 'Lullaby For A Broken Dream', que dura cerca de 16 ¼ minutos. Há também alguns acordes de violão acústico na passagem de abertura, mas o foco central desta extensa composição é reforçar e capitalizar os climas de inquietação emocional e fogo espiritual que já caracterizavam a música nº 2. Aproveitando sua extensão, a abordagem expressiva de 'Lullaby For A Broken Dream' abre bastante espaço para realçar os contrastes entre as seções explicitamente intensas e as seções introvertidas e bucólicas do tenor. Por volta do sétimo minuto, uma atmosfera sinistra e flutuante começa, convidando a um crescendo delirante de rock que se traduz em uma feira brilhante onde o Crimsonian, o Emersonian e o Genesian coexistem. Parece que os enquadramentos compartilhados entre o órgão e o mellotron direcionam a maioria dos registros temáticos que se seguem. Após essa jornada penetrante por vários lugares de acuidade apaixonada, o epílogo vê o bloco instrumental mudar para um sistema de cadências lentas onde a majestade reina e uma atmosfera cativantemente solene é estabelecida. É esta a calmaria depois da tempestade? É uma elegia? Ou talvez o retrato de uma emancipação? No entanto, funciona como uma evocação de declarações graciosamente gentis. Tudo isso nos foi oferecido com “Blazing Revelations” da sede do jovem maestro DOMINIC SANDERSON, uma obra repleta de vigor e versatilidade dentro da mais autêntica essência do ideal do rock progressivo. Totalmente recomendado.
E enquanto avançamos com mais comentários, também deixarei para vocês ouvirem, o que é o mais importante...
Continuamos com comentários de terceiros. Se você cansar de tantas letras, vá direto para a música e pronto.
Eu ia falar sobre o novo álbum de Steven Wilson hoje, mas como o resto do mundo já está fazendo isso, ele não precisa de nenhuma promoção, então prefiro promover alguém novo que (também) merece. De West Yorkshire, Dominic Sanderson (guitarras, vocais, Mellotron) estreou em 2023 com a já impressionante (e recomendada, faixa de 20 minutos incluída) "Impermanence". Um jovem (que acabou de fazer vinte anos) que está deixando qualquer fã de prog que não se deixa levar pelo prog mainstream sem palavras. Existe, sim, existe. Nada de "hypes" aqui. Ele é acompanhado por Tristan Apperley (baixo, vocal), Jacob Hackett (bateria), Embiye Adali (Mellotron, Hammond, Clavinet, Fender Rhodes, piano) e Andy Frizell (saxofones, flauta). Quatro temas. Uma média de dez minutos por barba. Imaginar. Eu vou te contar. "From the Weeping Cradle" (12'00) reúne a herança do Crimson, com clavinete e saxofone funk, entre Belew dos anos 80 e "Starless" dos anos 70. Adicione uma flauta de Canterbury no estilo de Jimmy Hastings e uma estrada pavimentada para um prazer libidinoso. Não há espaço para "atualizações" ou porcaria medíocre aqui. Isso seria como colocar autotune em Miles Davis (mas quem sabe, quando ele estava vivo...!!!). O estresse auditivo em cada mudança de microfusa é profundamente prazeroso para mim, em seu masoquismo distorcido. Luxúria progressiva, rebelde e sem remorso. Um cara que defende a pureza do estilo. E sua voz, com sua autenticidade progressiva no estilo de Wetton/Lake, marca um manifesto absolutamente rebelde. Porque eu acredito nisso. Acho que hoje em dia se você não faz "algo progressivo", você não é bem visto. A caça às bruxas continua. Talvez mais sibilino e secreto. Mas eles vão tirar todos os sucessos se você for um prog-prog dos anos 70. Sua voz também captura o histrionismo niilista de Peter Hammill, e ele já me tem à sua mercê. Sim, este é VDGG/KC em plena raiva existencial. Terrorismo melotrônico, não necessariamente violento, mas cerebral. Veja bem, isso é ainda mais subversivo. Eles diminuem a tensão para entrar em "Faithless Folly" (10'27), onde as reflexões arpejadas podem nos levar a Terje Rypdal. Eles se desenvolvem por meio de sussurros estilo Suzuki, tons vermelhos paranoicos (com toda a atmosfera escandinava-prog que isso acarreta), uma melodia de gentileza gigantesca, carne estridente, Fripp vs. Halsall, agências governamentais EGG, British Free à la Surman/Skidmore, teclados de museu em constante exibição clínica... Devo continuar? Ou o leitor astuto já tem uma ideia. Isso é obscuro porque é puro prog. Então a poesia sonora de "A Rite of Wrongs" (6'19) é perturbadora em sua beleza, como a de uma gostosa que vai te provocar. Pete Sinfield gostaria de ter colocado a mão nisso. E a gostosa. Convidado violinista incluído, contador de histórias rurais sombrias, taverna folk de terror. Incrível Blondel-Spirogyra-Comus em uma tarde de sábado de inverno. Plano maravilhoso. Fim da (longa) jornada com "Lullaby for a Broken Dream" (16'17). O romantismo geneésico se vestia como uma raposa que joga críquete com cabeças de crianças. Um monstruoso "Experimento Filadélfia" que une artistas da equipe Charisma... VDGG/ Genesis/Lindisfarne/Audience/Capability Brown... Uma teoria, entre muitas sugeridas. O que essas chamadas "gravadoras progressivas" estão pensando, para que essa obra-prima continue sendo um CD de produção própria?... Na ART, posso te dizer que não.
Claro que as opiniões variam, nem todos dizem a mesma coisa e, às vezes, as visões de todos são contraditórias, mas essa é a riqueza de uma obra de arte, onde cada um dá a ela a vida e a dimensão que deseja e que ressoe em sua alma...
“Blazing Revelations” de Dominic Sanderson: uma imersão elegante entre o prog clássico e o contemporâneo Dominic Sanderson, um artista de rock progressivo de 25 anos radicado em Liverpool e originalmente de Wakefield, surgiu como uma figura promissora no cenário musical atual. Após o lançamento de seu aclamado LP de estreia em 2023, "Impermanence", que foi aclamado por vários críticos como um dos álbuns favoritos daquele ano, Sanderson retornou cerca de dois anos depois com seu segundo álbum completo, "Blazing Revelations". Este novo trabalho, lançado em 28 de fevereiro de 2025 e disponível nos formatos digital, CD e vinil, traz quatro faixas: "From the Weeping Cradle", "Faithless Folly", "A Rite of Wrongs" e "Lullaby for a Broken Dream". A rápida sucessão de lançamentos sugere uma forte veia criativa por parte de Sanderson, que parece estar rapidamente construindo um catálogo significativo dentro do gênero rock progressivo. O título do álbum, "Blazing Revelations", evoca imagens de descobertas importantes e experiências musicais intensas, preparando o ouvinte para uma jornada sonora que promete ser emocionante e reveladora. A arquitetura musical de "Blazing Revelations" está firmemente enraizada no gênero rock progressivo, com os críticos classificando-o como "prog eclético". As influências das bandas clássicas de rock progressivo dos anos 1970 não são apenas evidentes, mas orgulhosamente exibidas, fazendo com que o álbum pareça nostálgico e surpreendentemente original. Entre as principais influências que aparecem em diversas análises, destaca-se o Van der Graaf Generator (VDGG), cuja marca é ainda mais pronunciada neste álbum do que em sua estreia. Essa influência é evidente tanto na instrumentação quanto no estilo vocal de Sanderson, cuja interpretação é frequentemente comparada à de Peter Hammill. Outra influência significativa é King Crimson, perceptível nos contrastes musicais acentuados, ritmos complexos e passagens com influências vanguardistas, com menções específicas às guitarras no estilo Crimson. Elementos do Genesis também são evidentes, especialmente nos aspectos pastorais e sinfônicos iniciais de seu som, às vezes evocando uma paisagem sonora de "pasto alpino suíço". A cena de Canterbury, com bandas como Caravan explicitamente mencionadas, é outra influência perceptível, particularmente nos humores "melancólico" e "rápido", bem como em certas formas de apresentação vocal. O lado mais atmosférico e melódico do Pink Floyd também é sugerido, com uma crítica identificando uma direção "floydiana" em uma das faixas. Além disso, são feitas referências às complexas estruturas instrumentais e à execução energética do Yes, e a complexidade e as estruturas não convencionais das músicas do Gentle Giant são sugeridas por meio de descrições de complexidade e mudança constante. Influências mais modernas, como Porcupine Tree, são perceptíveis, especialmente nos aspectos mais sombrios e iniciais do som de Sanderson, e atos de avant-prog também são mencionados em relação às passagens mais discordantes e experimentais. Além dessas influências principais, semelhanças também foram notadas com Jethro Tull, Wobbler (na instrumentação complexa da faixa de abertura), Daal (em um motivo que lembra King Crimson e Van der Graaf Generator em "Faithless Folly"), Ambrosia, Orion 2.0, Kevin Ayers ou Blood, Sweat & Tears (em uma seção influenciada por jazz rock em "Faithless Folly"), Patrick Moraz, Motorpsycho e Be-Bop Deluxe, folk renascentista, com comparações com Comus ou Harmonium (em "A Rite of Wrongs"), RPI (Rock Progressive Italiano) (em motivos dentro de "Lullaby for a Broken Dream"), Gracious (em um interlúdio em "Lullaby for a Broken Dream") e Nexus (banda argentina, em outra passagem de "Lullaby for a Broken Dream"). O próprio Sanderson cita Steven Wilson e Marillion como influências. O estilo musical do álbum é caracterizado por estruturas e arranjos instrumentais complexos, muitas vezes apresentando "compassos confusos". Contrastes, muitas vezes marcantes, entre passagens delicadas e pomposas são frequentes, assim como mudanças de humor e dinâmicas que variam da fantasia à angústia. Sanderson emprega melodias incomuns e escreve de uma forma que serve à música, incorporando tanto canto quanto palavra falada. A inclusão de elementos de jazz, às vezes descritos como “fusion prog com infusão de jazz” ou “loucura de jazz”, acrescenta outra camada de complexidade. Momentos de “caos controlado” são criados intencionalmente, muitas vezes por meio da interação do saxofone e outros instrumentos. Em certas seções, elementos de blues psicodélico emergem, mostrando a habilidade de Sanderson na guitarra. Tendências folk ácidas são evidentes em pelo menos uma faixa, ampliando a paleta sonora. Abordagens sinfônicas são usadas, particularmente nas faixas mais épicas, criando paisagens sonoras grandiosas e expansivas. O álbum apresenta trechos com compassos incomuns, o que contribui para sua natureza progressiva. Embora as influências sejam inegáveis e orgulhosamente exibidas, Sanderson consegue sintetizar esses elementos em algo que parece distintamente seu, em vez de uma mera imitação de mestres do passado, inspirando-se e moldando-a em algo "surpreendentemente bom" e "surpreendentemente novo". O som e a produção do álbum parecem evocar deliberadamente a atmosfera do rock progressivo dos anos 1970, possivelmente por meio do uso de calor analógico e instrumentação clássica. From the Weeping Cradle, a faixa de abertura de 12 minutos, começa de forma impressionante com um motivo de clavinete distinto e energético. Os primeiros seis minutos são em grande parte instrumentais, mostrando uma interação complexa entre os membros da banda. Apresenta riffs de guitarra discordantes, uma seção rítmica intensa com bateria e baixo, e contribuições melódicas de flauta sobre uma obra de Mellotron. A instrumentação inclui guitarras rápidas e emocionantes, teclados variados (órgão Hammond, Mellotron) e a seção rítmica orgânica de baixo e bateria. O saxofone e a flauta de Andy Frizell acrescentam “toques de cor” e uma sensação de “caos controlado”. A faixa atravessa vários estados de espírito, da fantasia à angústia, incorporando passagens melódicas com Mellotron vibrante, flauta vibrante e guitarra ácida, bem como seções com percussão complexa e um groove funk. Faithless Folly, essa faixa de mais de 10 minutos começa com uma vibração mais suave e rápida, com acordes de guitarra amplos e espaçados que têm um calor incomum, possivelmente sugerindo influências da cena de Canterbury. Apresenta melodias incomuns e a variada entrega vocal de Sanderson, que vai do suave e doce ao apaixonado, incluindo tanto canto quanto palavra falada. A música se intensifica gradualmente, com um primeiro verso sussurrado freneticamente, que cresce com a entrada do resto da banda (saxofone, baixo, guitarra, vocais sem palavras). Ela se desenvolve em passagens de "loucura jazzística", com o saxofone de Frizell no centro do palco, relembrando momentos caóticos do King Crimson. Há seções contrastantes de relativa calma com flauta e slide ou violão. Uma passagem distinta apresenta uma assinatura de tempo incomum, com saxofone e violão criando um padrão estranho intercalado com explosões de Mellotron e estranhos riffs de jazz. A seção do meio adota uma direção mais melódica, ao estilo do Floyd, com órgão brilhante e licks de guitarra lânguidos, antes de retornar a temas mais intensos, influenciados pelo Van der Graaf Generator, perto do final. A Rite of Wrongs Sendo a faixa mais curta do álbum, com pouco mais de seis minutos, “A Rite of Wrongs” oferece um interlúdio mais conciso e predominantemente acústico. Começa com uma atmosfera misteriosa, evoluindo para enfatizar vocais melódicos sobre um estilo de flauta melancólico que lembra Peter Gabriel. Apresenta claras inclinações acid-folk, com uma maravilhosa flauta dançante e um excelente trabalho de violino de Tristan Apperley, criando uma paisagem sonora envolvente e atmosférica. O uso do violino e da percussão manual simples evoca comparações com atos como Comus ou Harmonium. Alguns críticos consideram esta a ideia mais coesa e totalmente realizada do álbum. Canção de ninar para um sonho quebrado A épica peça final de 16 minutos começa suavemente com violão acústico e o rico Mellotron. Essas texturas iniciais contrastam com linhas ásperas de guitarra elétrica e saxofone, criando uma atmosfera ameaçadora. A faixa aumenta gradualmente em intensidade, tornando-se mais ameaçadora antes de explodir em um "treino progressivo completo". O movimento de abertura apresenta versos de hard rock com riffs intensos, bateria propulsiva e arranjos de saxofone estridentes. A voz de Sanderson aqui também evoca fortemente Peter Hammill. A música atravessa paisagens em constante mudança, movendo-se entre luz e sombra, pesado e leve, melódico e estranho, com elegantes seções sinfônicas que criam tensão. Inclui uma passagem mais tranquila onde o baixista assume o centro do palco com riffs quentes apoiados pelo violão. Perto do meio, a suavidade se transforma em uma passagem tempestuosa e intensa, com um clavinete encorpado e percussivo contrastando com uma linha de guitarra solo cortante, enriquecida pela eventual inclusão do Mellotron. A faixa termina com um lindo fade-in do solo de guitarra de Sanderson sobre o exuberante Mellotron e a flauta dançante. O trabalho acima mencionado é literalmente "entrar em uma máquina do tempo progressiva". A decisão de estruturar o álbum com menos faixas, mas mais longas (quatro faixas totalizando cerca de 46 minutos) permite um amplo desenvolvimento musical e exploração de ideias, mas essa ambição também traz um risco estrutural de que a música possa parecer um tanto desconexa ou carente de coesão às vezes, um ponto importante a ser considerado por futuros ouvintes.
Se surgir outro álbum que o tire do topo da lista de álbuns de 2025, me avise, porque esse álbum deve ser algo como uma continuação de "Close To The Edge" ou algo parecido...
Um dos compositores e intérpretes mais diversos do Brasil, tanto no estilo folclórico quanto no acadêmico, e na fusão ou mistura de ambos. Ele gravou este álbum após sua primeira experiência de convivência com a tribo Yawaiapiti, no Alto Xingu, Amazônia. A guitarra de Gismonti soa como um animal selvagem correndo pela selva (ou, na sua ausência, pela savana). Gismonti captura a complexidade da alma brasileira, às vezes primitiva, às vezes sofisticada, e a projeta com uma visão muito pessoal, onde seus muitos anos de formação clássica estão presentes, e onde o papel do jazz desempenha um papel fundamental. Um álbum lindo, recomendo. Entre outros músicos, destacam-se nomes como Naná Vasconcelos (novamente), Ralph Towner, o saxofonista norueguês Ian Garbarek, grande expoente do jazz europeu, e o percussionista Collin Walcott. Altamente recomendado, obviamente. Imperdível, eu diria.
Artista: Egberto Gismonti
Álbum: Sol Do Meio Dia Ano: 1977 Gênero: Jazz Fusion / Latin Jazz Duração: 50:39 Nacionalidade: Brasil
Filho de pai libanês e mãe italiana, e criado na pequena cidade do Carmo, no interior do Rio — nome que homenageou com o nome de um de seus discos e com sua própria gravadora, que distribui a ECM —, ele baseia sua história nessas heranças. No Líbano, falava-se francês e a cultura francesa da Itália estava impregnada. O instrumento musical por excelência era o piano. E meu pai queria que eu o tocasse. As serenatas vieram da Itália e, como você sabe, são acompanhadas por violões, então minha mãe queria que eu tocasse esse instrumento. E o que veio da rua foi o frevo e o choro. Acho que acabei combinando tudo isso. Gismonti, em todo caso, não uniu apenas o piano e o violão, mas também tradições musicais populares e acadêmicas. Mas esse anseio tão caro ao século XX — uma arte popular com o nível de complexidade das formas elevadas — foi incorporado no caso de Gismonti de uma forma extraordinariamente feliz. Porque a abordagem brasileira permite a livre movimentação entre materiais e processos de diferentes fontes, mas é baseada em uma regra rígida que a maioria das pessoas ignora. Quando você desenvolve um material, você se apega ao que aquele material tem e propõe. Ele não faz enxertos. Se o seu tema for uma melodia de duas notas coletada pelo povo Xingu da Amazônia, os solos começarão dessa pequena escala e não de nenhuma outra. "Nada disso é consciente, é claro; um tema sempre dita como as coisas devem prosseguir."
Após sua estreia em 1976 pela gravadora ECM com a impressionante "Dança Das Cabeças" com o percussionista Naná Vasconcelos, Gismonti retornou no ano seguinte com este impressionante trabalho colaborativo. Na verdade, o álbum consiste em uma mistura de faixas solo e cortes com vários parceiros, tanto em formato de duo quanto de trio, onde ele compôs todo o material e brilha em todas as partes. Os convidados fazem o mesmo, com destaque para o guitarrista Ralph Towner, o percussionista Colin Walcott, o saxofonista tenor Jan Garbarek e Vasconcelos.
Aqui, um pouco da sua história...
Em 1974 aceitou um convite para dar um concerto em Berlim, para o qual convidou Hermeto Pascoal e Naná Vasconcelos. Durante essa viagem, conheceu o presidente da ECM, Manfred Eicher, que o convidou para gravar com eles em 1975. Sem saber da importância que essa gravadora teria a longo prazo, adiou o projeto até o final de 1976, quando aceitou pensando que gravaria com seu grupo "all-star" composto por Robertinho Silva na percussão, Luis Alves no baixo e Nivaldo Ornelas no saxofone e flauta. Mas o imposto de saída extremamente alto de US$ 7.000 imposto pela ditadura militar o levou a decidir empreender o projeto sozinho. Quis o acaso que, durante uma viagem à Noruega, ele tenha conhecido o brilhante percussionista Naná Vasconcelos, a quem contou sobre o projeto e que aceitou sem muito entusiasmo. O resultado foi seu álbum Dança das Cabeças, ainda muito refinado, embora inicialmente tenha provocado todo tipo de polêmica e confusão devido à natureza inclassificável de sua música. Na Inglaterra foi premiado como melhor álbum pop. Nos Estados Unidos como melhor álbum de música folk estrangeira. Na Alemanha, como uma grande obra de música clássica. A Dança das Cabeças mudou a vida de ambos. A partir de então, Nana passou a ser requisitada no mundo inteiro para gravações e shows. Egberto, porém, retornou ao Brasil e se dedicou a pesquisar a música da Amazônia, algo que Vasconcelos já havia feito profundamente antes dele. Seu interesse pela música indiana o levou a passar períodos na selva vivendo com tribos. Dois anos depois, ele também gravaria Sol do Meio-Dia na ECM com o saxofonista Jan Garbarek, o percussionista Colin Walcott e o guitarrista Ralph Towner, com grande aclamação internacional. Do seu próximo álbum, Solo, gravado no ano seguinte, mais de 100.000 cópias seriam vendidas somente nos EUA.
Para a ocasião, resgatamos as reportagens do "Expreso Imaginário" com Egberto e Hermeto em novembro de 78. Os pedaços de pau que eles jogam em Corea e McLaughlin são muito engraçados. Apresentamos aqui o relatório...
A DANÇA DAS CABEÇAS Neste momento, Egberto Gismonti está chegando à vanguarda do mundo dentro das novas tendências musicais. Críticos europeus esgotaram seus dicionários de sinônimos tentando descrever a música que ele apresentou, acompanhado pelo percussionista Nana Vaconcelos, durante sua turnê pelo velho continente, ao lado de Keith Jarret e o grupo Oregon. Aparentemente, eu forço os editores a acordar de sua letargia habitual com exclamações como: "Isso aqui é novidade!" E não é apenas um show prodigioso ou uma demonstração surpreendente de virtuosismo. Nem é aquele "exótico sul-americano" que parece um cartão postal. Ele é um homem simples que toca piano, flauta e violão com um sentimento incomparável, apresentando uma música harmonicamente rica, mas também cheia de vida e graça. Os álbuns deles têm esse mesmo calor, esse fogo interno impressionante. E também conquistam a crítica mundial. "Danza das cabeças" foi eleito o melhor álbum do ano pela prestigiada revista Down Beat, seu "Sol do Meio Día", baseado em suas experiências com os índios do Xingu, foi aplaudido na Europa. O mais notável disso é que Gismonti (assim como seus colegas Hermeto Pascoal, Airto Moreira e os irmãos Fatorusso) está sendo ouvido em todos os lugares, exceto em seu próprio continente, porque os sul-americanos ainda estão esperando as últimas notícias do exterior. Conversar com Egberto é um prazer. Para um homem no auge da sua carreira, ele é incrivelmente aberto, direto e sincero. Ele não tem como dizer o que pensa, e o que ele pensa é tão saudável e real que fica na sua cabeça por muito tempo, revigorando-a. Aqui está, então, Egberto Gismonti. Aqui está a dança das cabeças.
Gostaria que começássemos falando sobre a Dance Academy, seu grupo. Este grupo existe há quatro anos. A formação mudou bastante, porém, o nome "Academia" remete um pouco a essa possibilidade de variação. Começou com Robertinho, bateria, Luis Alves, contrabaixo, e Nivaldo Ornellas, saxofone. Depois saiu Nivaldo e entrou Mauro Senise. O Luis também saiu e o Waldecir entrou. Por fim, saíram o Waldecir e o Eobertinho e entraram o Zé Eduardo na bateria e o Zeca Azumpção no baixo. Uma das coisas interessantes sobre a Academia de Dança é que sempre que havia mudanças na formação, eu tinha muita sorte de encontrar músicos totalmente preparados para esse tipo de música. Robertinho Luis e Nivaldo já tocaram com Milton Nascimento, formando o grupo Som Imaginário. O Zé e o Zeca brincavam com o Hermeto Pascoal. Então eles já estavam muito treinados e acostumados a brincar juntos. Nos tópicos tudo vem escrito com antecedência? Veja bem: antes de tudo, não é a música que nos interessa tanto, mas a história que será contada através dessa música. Não tenho a música como objetivo. Não é nada mais que uma linguagem. Escalas, acordes, melodias, todas essas coisas estão aí para serem usadas. Como palavras. Ninguém está interessado em exibir sua capacidade de falar. O que importa é o que é dito. Há muitas pessoas que se concentram em técnica e linguagem, tanto no jornalismo quanto na música. Claro! (risos). Meu principal objetivo é estimular as pessoas a agirem criativamente. Parece-me muito mais importante do que fazer música, pintar, escrever poesia, ser capaz de viver criativamente. A vida é mais importante que a arte. E nossa música tem como objetivo estimular isso. Estou certo de que o que fazemos não apresenta, para o ouvinte, nenhuma dificuldade técnica. Não é uma música de malabarismo técnico. É uma música que pode ser feita com garrafas, pentes e batidas em mesas. Cada um de nós tem seus próprios limites. Pode ser um limite criativo, técnico, de inteligência, de conhecimento, seja o que for. E eu acho que o que importa é estar sempre no nosso limite. Isso é algo que aprendi com os índios do Xingu. Na medida em que alguém consegue eliminar todos os sentimentos de rivalidade, ele pode ser o que realmente é. Meu grande interesse é que minha música seja tão atual quanto o dia em que estou vivendo. Não quero me adiantar em relação a hoje, 17 de setembro. Estou no dia 17 de setembro. Não quero estar em 1980 ou 1961. Esse é o propósito do grupo. E aí vem a resposta para sua pergunta: Por tudo isso que estou lhe explicando, música não é escrita. Porque ser escrito torna essa relevância permanente impossível. Principalmente para nós, latino-americanos, que não temos uma tradição, uma história musical. Mas você cuida de todos os elementos de escrita e composição... Sim! Claro que posso lidar com eles! Mas, pelo meu conhecimento teórico e musical, por mais que eu pratique, nos sul-americanos, a intuição é muito maior que o potencial teórico. É claro que a escrita musical organiza os elementos que devem ser usados. Em vez de levar quatro horas para dominar um tópico, o grupo pode aprendê-lo em dez minutos lendo. Todo mundo lê música muito bem. Fiquei três ou quatro meses sem tocar com esse grupo, porque estava viajando pelos EUA e Europa. Ensaiamos apenas um dia para nos apresentar no Festival. Mas todos nós jogamos o tempo todo, mesmo quando estamos separados. E quando nos reunimos, saímos enriquecidos por todas essas experiências, E, sabendo ler, os tópicos são aprendidos rapidamente. Como você vê o ambiente musical nos Estados Unidos? Terrível. Como consequência da grande industrialização do mercado fonográfico, veio uma industrialização existencial. Como o americano médio não tem cultura própria, nem raízes, ele é levado pela massa de informações que o cerca. E o relacionamento entre as pessoas é mínimo. Eu não gostaria de morar lá. Eu tinha um contrato com uma empresa americana, mas cancelei. Agora gravo para uma empresa alemã, a SM, e a Warner os distribui nos Estados Unidos, Canadá e Japão. Rescindi esse contrato porque não sou forte o suficiente para suportar a pressão americana e continuar com minha música. Quando fico lá por seis meses, perco minha naturalidade. Há muito dinheiro extra circulando por aí. Não acredito em coisas que vão além do natural. Se cinco anos atrás alguém tivesse me oferecido seis dólares por um show, eu teria aceitado porque era natural. Se me oferecessem seis hoje, eu não aceitaria porque seria muito menos, entendeu? Mas se me oferecerem seiscentos, pareceria muito. É um exemplo, mas significa que tento ficar dentro dos meus limites, não quero mais nem menos. Claro que esse critério é muito louco, porque sou eu quem determino meus limites, mas tenho absoluta certeza de que estou fazendo um trabalho gradual, progressivo , nesses dez anos que sou profissional. Não pretendo contestar a posição de ninguém, estou construindo a minha própria posição. Não tente ser o "melhor pianista" ou algo assim. Como foi a turnê europeia que você fez com Jarrett e Oregon? Os críticos europeus elogiaram muito seu trabalho. Aquela turnê foi muito importante. Ter Keith Jairett nos permitiu ter público para tocar em locais muito grandes, os melhores locais da Europa. E era um público disposto a ouvir. Apesar da industrialização? É essa música. O jazz-rock progressivo, ou latino, ou não sei que rótulo dar, faz parte dessa era. O que aconteceu nos últimos dez anos, histórica e socialmente falando, foi uma mudança radical. Somos filhos de uma sociedade altamente industrializada, mas esta geração precisa retornar à natureza. Em geral, essa necessidade é inconsciente, mas em muitos de nós ela é consciente. Parece-me que o mais importante para o homem é encontrar o equilíbrio entre natureza e cultura. Estamos agora muito desequilibrados. Temos muita cultura e pouca natureza. Quando digo natureza não me refiro a plantas e árvores, mas sim à natureza do homem. Felizmente, isso está reaparecendo lentamente, talvez por causa dos hippies. seja rock, Miles Davis ou Salvador Dalí. O público que existe hoje não está interessado em entender a música como algo técnico. O público não precisa "entender" as melodias se nós, que estamos tocando, mal as entendemos seis meses depois. O público percebe a emoção que essa música traz e, a partir disso, faz outras coisas. Há uma troca muito grande. O músico toca e o público responde com outra coisa que estimula o músico a tocar novamente. Isso está acontecendo, e os músicos estão refletindo a necessidade das pessoas de estarem juntas. Estamos muito mais próximos agora — como pessoas, músicos, tudo — do que há dez anos. No seu show do Festival, havia uma atmosfera muito especial, o público estava muito atento e concentrado... A mesma coisa aconteceu comigo nos Estados Unidos e na Europa. É um tipo de música que exige atenção, mas não atenção para entender... É como uma jornada... Eu senti como se fosse uma caminhada pela floresta, o ir e vir dos sons das árvores e o canto dos pássaros... Sim, exatamente! Você se sente muito bem! Essa é a história que estamos contando. É como a história de uma caminhada pela floresta. Há momentos em que há sol, há momentos em que há escuridão, há momentos em que há pássaros, há momentos em que os animais aparecem. Estou muito animado que as pessoas consigam perceber isso. Geralmente temos pressa e tiramos conclusões precipitadas. Há muita informação e as emoções são industrializadas. E é muito emocionante para mim entrar em uma sala e tocar por 45 minutos, e depois tocar por uma hora e quarenta minutos e o público ficar relaxado e querer continuar ouvindo. Tenho a impressão de que o pessoal desse grupo, "Academia de Danzas", e também o pessoal do grupo do Hermeto Pascoal, gostam de tocar. Isso é algo que normalmente não acontece com músicos brasileiros, que ficam tensos e sérios na hora de fazer música. Os argentinos também levam isso muito a sério. Meu objetivo de vida é alcançar a liberdade completa como músico e como homem, seja política, social ou economicamente. Como homem, não desfruto de muita liberdade nesta sociedade, e o mesmo vale para todos nós. Mas acho que uma das soluções é buscar a liberdade do ano em si. Trabalhemos pela nossa própria liberdade e então a nossa liberdade compartilhada será muito maior, parece-me. Eu tento ter essa liberdade mesmo quando toco; e cada músico tem a mesma liberdade que eu dentro do grupo. Estamos jogando juntos porque queremos a mesma coisa, não porque estou sendo bem pago ou tenho um bom contrato. Agora, o que eu faço é produzir benefícios econômicos, mas antes não era assim. Três ou quatro anos atrás, nós também estávamos juntos. O flautista também tocou com a Rio Jazz Orchestra, mas era nítido que ele se sentia mais livre em seu grupo . Claro! Porque essa música que estamos tocando tem um pouco de cada um de nós. Os arranjos são feitos pelos músicos, não pela música. Se eu escrevo algo bonito, mas um dos músicos não sente isso, não estou mais interessado. Porque a música tem que vir dos músicos, senão eu pararia de tocar e me dedicaria a compor música, sem me importar com quem toca. Ou se compõe pensando no grupo, junto com o grupo. Na minha opinião, não adianta deixar espaço para o músico tocar um solo que o satisfaça e nada mais. O músico tem que gostar de tudo que faz, tem que se sentir livre o tempo todo. O público percebe que tudo o que tocamos, tocamos com entusiasmo. E não temos limites para nada que fazemos. Então, no palco não há preocupação. Nós músicos estabelecemos convenções. Sempre há um esquema que determina se você passa de um instrumento para outro. Você viu nossa apresentação esta tarde no Festival? Lá eu esqueci como tocar aquele instrumento feito de palhetas, e peguei o violão. E os outros músicos me seguiram e começamos a tocar outras músicas. Tudo bem porque o que acontece é que a sociedade forma padrões de comportamento rapidamente. A gente se acostuma a repetir o próprio comportamento. A mídia coloca padrões na cabeça das pessoas. A beleza feminina tem que ser assim, a música tem que ser assim e assim, as artes visuais também têm seu padrão, sua medida fixa. E a indústria fonográfica? Chegou a um ponto de industrialização tal que tudo é permitido. Vou dar um exemplo da minha experiência pessoal. Alguns meses atrás, eu estava em turnê em Nova York e descobri que, entre outros prêmios, meu álbum "Danza das Cabezas" ganhou uma enquete de música pop. O que prova que tudo isso é loucura, porque minha música não tem nada de pop. Mas é ótimo, porque cheguei a um ponto na minha carreira profissional em que posso fazer o que quero. Em entrevistas posso falar do Xingu ou da vida em si, posso fazer qualquer coisa. Se eu quiser cantar por uma hora e meia, eu posso fazer isso. Se eu quisesse contar piadas no palco, eu também poderia fazer isso (risos). O que é esse instrumento de palheta? É uma flauta que vem da Tailândia. Não sei como se chama ou qual é o jeito tailandês de tocar. Eu o chamo de "bambuzar" porque são vários bambus agrupados. O primeiro que consegui foi em Nova York. Alguns acordes muito estranhos saem. Agora eu uso muitos instrumentos estranhos para substituir o sintetizador. Você está abandonando os teclados eletrônicos? Eu estava tocando de forma muito parecida com outras pessoas. Não senti que fosse minha praia. Eu ainda toco e procuro coisas, mas não as uso em shows ou gravações. Não vou usá-los até que me sinta mais confortável e apropriado, como o piano, a flauta ou o violão. Não quero imitar Herbie Hancock (faz uma imitação de Hancock com a boca), ou George Duke (imita Duke), ou mesmo o próprio Chick Corea, que eu acho terrível. Corea é um dos meus pianistas favoritos e, infelizmente, agora ele está fazendo essa música ruim. Digo infelizmente porque preciso de música para viver, e agora tenho uma a menos para ouvir. A última vez que a vi, era uma coisa muito elétrica. Não gosto, muito barulho (guinchos como um sintetizador). O cara que sabe usar esse instrumento com gosto e qualidade é Joe Zawinul, do Weather Report. Eu gosto dessa. Veja bem, não estou avaliando ou criticando a música deles. Estou dizendo que não gosto, não me dá nenhuma emoção. Não gosto de analisar as coisas técnica ou teoricamente. Gosto de ouvir e sentir.
E agora vamos ouvir um pouco da música dele, que é o protagonista aqui...
O próprio Gismonti disse que, com esse disco, o cacique Sapain, do Xingu de Mato Grosso, lhe ensinou mais do que a muitos músicos. Ele dedicou esta obra de 1977 a ele, porque foi ele quem lhe ensinou o segredo da selva impenetrável. Quase tão impenetrável quanto o selo ECM, onde nem qualquer um consegue entrar, e é daqui que esse músico incansável seria gravado em fogo em suas futuras produções. Essa é a lenda que a gravadora conta sobre esse álbum...
Inspirado pelo tempo que passou com os índios do Xingu da Amazônia, a quem o álbum também é dedicado, Sol Do Meio Dia é um álbum de transição consistentemente intrigante do multi-instrumentista Egberto Gismonti. Com ele estão os percussionistas Nana Vasconcelos e Collin Walcott e o guitarrista Ralph Towner, além de Jan Garbarek no saxofone soprano por um breve período. Nesse ponto de sua carreira, Gismonti estava começando a preencher o som poroso de sua guitarra de 8 cordas. Para isso, Vasconcelos e Walcott desenvolvem muito do espaço rítmico vertiginoso que define seu som, enquanto o instrumento de 12 cordas de Towner completa o fundo com acordes mais explícitos. Walcott traça círculos mágicos em “Raga”, na qual Gismonti nos envolve com um ágil trabalho de dedos nos harmônicos mais altos da guitarra. Assim começa uma cadeia de explosões esporádicas atuando em diálogo. Com virtuosismo modesto, os músicos percorrem de mãos dadas esse caminho extático de fazer música em direção a um som ainda mais específico, dessa vez marcado pela kalimba e pelo piano de polegar. A flauta estridente e o canto sem palavras de Gismonti aqui lembram o trabalho de CODONA. “Coração” é um solo rico e, assim como o final do álbum, é uma exposição perfeita da escrita de Gismonti. O disco termina com uma suíte de 25 minutos. Garbarek faz sua única aparição na seção de abertura, que brilha com seus ululamentos tristes. Um solo convidativo de Towner abre os ouvidos para outra passagem flauta ancorada por percussão e palmas. É possível sentir a floresta nesses momentos como se ela estivesse viva e respirando ao nosso redor. A combinação de músicos é pura ECM e reflete a brilhante escalação do produtor Manfred Eicher. Por mais arejado que Sol Do Meio Dia pareça, ele também é carregado de uma certa nostalgia difícil de quantificar. Como uma memória, seus atores estão sempre fora de foco, mesmo quando suas intenções são claras. E no final das contas o que importa são as intenções.
Essa é uma daquelas coisas que não podem faltar no blog, e aqui está. Se você ainda não ouviu, é algo que você tem que fazer antes de morrer. Olha, você pode ir para o inferno... ou talvez para a Argentina, que é mais ou menos a mesma coisa.
Começamos o dia com uma breve entrada. Da Noruega apresentamos o segundo álbum de uma banda que tem um som jazz fusion muito particular. Um guitarrista de primeira linha, um baterista incrível, um excelente tecladista que cria uma atmosfera jazzística e um baixista incrível formam uma equipe de primeira linha, e não é pouca coisa, porque esses caras tocaram com praticamente todos os músicos de jazz da Noruega, então poderia facilmente ser considerado um supergrupo desconhecido, combinando os sons de Allan Holdsworth com Panzerballett, Deep Purple com Pat Metheny, Camel com Focus, tudo com muita improvisação virtuosa, e a verdade é que soa incrível. Então, para encerrar mais uma semana de pura música boa, trazemos mais uma surpresa para que você tenha tempo de conhecê-la e ouvi-la direitinho neste fim de semana. Altamente recomendado.
Artista: Soft Ffog Álbum: Focus Ano: 2025 Gênero: Jazz rock Duração: 36:40 Referência: Progarchives Nacionalidade: Noruega
Uma banda norueguesa com um nome estranho que toca jazz-rock progressivo, exibindo seu virtuosismo excepcional e alto nível musical. Eles fazem música baseada no jazz, mas com muita guitarra de rock, criando um bom contraste entre música poderosa e seções melódicas cativantes, combinando improvisação complexa de jazz com elementos de rock, criando uma experiência auditiva dinâmica e cativante que exala precisão e criatividade.
E pela capa linda a coisa parece muito boa, e quando você começa a ouvir, fica cada vez melhor. Um álbum com apenas quatro faixas bastante longas (todas com cerca de 10 minutos de duração e uma um pouco mais longa) onde a guitarra sempre se destaca. Há bons contrastes e todas as músicas valem a pena ouvir.
A banda começou como uma encomenda para um concerto no Kongsberg Jazz Festival em 2016. Em 2020 eles gravaram seu primeiro álbum, e aqui aparece seu segundo álbum, mais do que interessante, e está incluído na lista de bons álbuns deste ano. Seu líder é o guitarrista Tom Hasslan, membro do Krokofant (apresentamos esta banda com "Krokofant II" em 2015), enquanto na bateria há também outro Krokofant : Axel Skalstad (Krokofant). O baixista e o tecladista também têm suas próprias bandas, e todos têm muita experiência, isso é óbvio. Como eu disse, todas as músicas são compostas por Tom Hasslan, e a banda toca suas composições como se não houvesse amanhã.
Então, agora que eles estão sob os olhos do público, tudo o que resta é você ouvi-los, porque se você gosta da vibração que o bom e velho Allan Holdsworth sabia dar à sua música, acho que você vai gostar disso. Olhar...
Então, aqui estão algumas coisas que eu recomendo para suas aventuras de montanhismo, se você tiver a sorte de fazê-las hoje. Este álbum é realmente uma surpresa.
E vamos com um comentário real...
