CRONICA - NEW COLONY SIX | Colonization (1967)

 

Um ano após Breakthrough (1966), o New Colony Six retornou com Colonization , o segundo capítulo de sua odisseia pop de Chicago. Enquanto seu primeiro trabalho vibrava com a urgência típica de bandas de garagem flertando com o soft rock, Colonization soa mais como um esclarecimento, uma afirmação estilística. Os trajes coloniais ainda estão lá, mas por trás da ironia da indumentária, sentimos uma ambição maior: fazer de sua música algo duradouro, refinado e melódico.

Ainda fiéis à gravadora familiar Sentar, os seis membros refinam sua fórmula e personalidades musicais aqui. No baixo, Wally Kemp fornece uma base discreta, porém eficaz, enquanto seu irmão Craig Kemp tece tapetes de órgão cada vez mais suaves. Chic James, na bateria, pulsa com contenção e precisão. Jerry Kollenburg, na guitarra, às vezes troca riffs distorcidos por arpejos claros e melodiosos. Patrick McBride, com seu canto expressivo e gaita sensível, permanece um pilar vocal. Por fim, Ray Graffia Jr., ainda uma figura de proa, traz seu toque percussivo e timbre quente.

O fuzz é mais discreto, as harmonias vocais mais refinadas. O álbum marca, portanto, uma mudança em direção ao sunshine pop do Centro-Oeste, às vezes flertando com a sofisticação do Left Banke ou os devaneios do The Association. Uma estética mais vibrante, quase barroca em alguns pontos, mas ainda impulsionada por uma sinceridade juvenil.

No entanto, Colonization se distingue de seu antecessor com esta faixa de encerramento arrebatadora: "Mister You're A Better Man Than I". Este cover de oito minutos dos Yardbirds, movido a querosene, é uma viagem alucinante que começa com um som pop generoso. Uma faixa elástica, entre refrãos eufóricos, efeitos sonoros estranhos, um riff e solo de guitarra com fuzz hipnótico, um ritmo que lembra transe e palavras faladas alucinantes... Uma espécie de mantra psicodélico, ao mesmo tempo desconcertante e fascinante, que encerra o álbum com uma nota ousadamente experimental. Um mergulho no desconhecido, anunciando a transformação da banda em territórios ainda mais pop, mas nunca triviais. Ao lado do The Doors, o The New Colony Six assina seu "The End" de uma forma mais direta e menos mística. 

Em torno deste clímax final, Colonization desdobra uma série coerente e cativante de canções que estendem apropriadamente o espírito de Breakthrough . Do pop lúdico de "Love You So Much", "My Dreams Depend On You" e "Let Me Love You" à melancolia abafada de "Hello Lonely" ou "My Dreams Depend On You", o grupo refina suas melodias sem nunca perder sua energia juvenil. "Warm Baby" e a estridente "I'm Just Waitin' (Anticipatin' For Her To Show Up)" trazem de volta explosões de doo-wop, pop e soul açucarado, enquanto "Elf Song (Ballad Of The Wingbat Marmaduke)" e "I'm Here Now", UFOs leves e excêntricos, adicionam um toque de psicodelia infantil ao conjunto. "You're Gonna Be Mine", "Woman" e "Accept My Ring" nos lembram que a banda não abandonou suas raízes garage, mas as revestiu com um verniz pop cada vez mais assertivo. Sem mencionar "The Power of Love", uma balada com forte romantismo que completa este afresco sonoro tão polido quanto sincero. Colonization não é uma ruptura, mas sim uma sequência lógica, mais brilhante e mais segura de Breakthrough .

"Colonization" marca o amadurecimento do New Colony Six, combinando sua energia garage com sons mais refinados e melódicos. Este álbum reflete uma evolução para um pop mais sofisticado, mantendo o espírito jovem e sincero que os caracteriza.

Títulos:
1. Love You So Much
2. Let Me Love You
3. Hello Lonely
4. Warm Baby
5. My Dreams Depend On You
6. Elf Song (Ballad Of The Wingbat Marmaduke)
7. I’m Here Now
8. I’m Just Waitin’ (Anticipatin’ For Her To Show Up)
9. You’re Gonna Be Mine
10. Woman
11. Power Of Love
12. Accept My Ring
13. Mister You’re A Better Man Than I

Músicos:
Wally Kemp: Baixo
Chic James: Bateria
Patrick McBride: Vocal, Gaita
Jerry Kollenburg: Guitarra
Craig Kemp: Órgão
Ray Graffia: Vocal, Percussão

Produção: The New Colony Six

Ennio Morricone ‎– Gestazione / Totem Secondo (1982, LP, Itália)

Lista de faixas:

A. Gestazione (24:00)

B. Totem Segundo (14:32)

Músicos:

Fagote – Alfio Poleggi (faixas: B), Eliseo Smordoni (faixas: B), Maurizio Venturini (faixas: B), Ottorino Malavasi (faixas: B), Pasquale Sabatelli (faixas: B)

Maestro – Franco Tamponi

Contrafagote – Ermenegildo De Vincentis (faixas: B), Rocco Sgambetterra (faixas: B)

Contrabaixo – Franco Petracchi (faixas: A)

Engenheiro – Leandro Leandri (faixas: B), Sergio Marcotulli (faixas: A)

Produtor Executivo – Benito Vassura

Orquestra – Orquestra RCA Italiana (faixas: A)

Produtor – Ennio Morricone

Viola – Luigi Sagrati (faixas: A)

Voz – Gloria Banditelli (faixas: A)

Composto por – Ennio Morricone RIP

Gestazione é composta para voz feminina, sons eletrônicos e orquestra de cordas. Gravada no Studio Forum, Roma, em maio de 1982. Totem Secondo é composta para 5 fagotes e 2 contrafagotes. Gravada no Studio B, RCA Roma, em junho de 1982.

Ennio Morricone ‎– Il Diavolo Nel Cervello (1972, LP, Italy)

Tracklist:
A1 La Ragione, Il Cuore, L'Amore 3:26
A2 Viaggio Primo 2:05
A3 Prima Della Rivelazione 5:06
A4 Oltre Il Silenzio 3:28
A5 Viaggio Secondo 2:24
B1 Il Diavolo Nel Cervello 2:56
B2 Viaggio Terzo 2:25
B3 Vita Sospesa 5:30
B4 Viaggio Quarto 2:05
B5 La Ragione, Il Cuore, L'Amore 3:16

"Il Diavolo nel Cervello" (O Diabo no Cérebro) é um filme dirigido em 1971 por Sergio Sollima e lançado no início do ano seguinte; é um thriller psicológico em que a tensão é determinada mais pela psique dos personagens do que por suas ações. Naquela época, o público de filmes de terror estava interessado nos thrillers de suspense de Dario Argento, compostos por assassinos em série, assassinatos ferozes e uma pitada de erotismo.

Depois de três filmes no gênero "spaghetti western" e do noir "Città violenta", Sollima decidiu fazer algo imprevisível e pagou as consequências de sua decisão: seu filme passou quase despercebido e foi reavaliado recentemente, juntamente com a trilha sonora de Ennio Morricone, que já havia composto as trilhas sonoras de obras anteriores de Sollima.

"Il diavolo nel cervello" funciona em um registro sinfônico quase completo: sobre um fundo de cordas, temos piano, cravo, flautas e instrumentos de sopro. É uma obra muito leve que cria momentos de tensão, onde o ritmo é ditado apenas por uma bateria jazzística tocada com vassourinhas. Sem dúvida, uma das melhores produções do Maestro do início dos anos 70, incluindo Bruno Nicolai como maestro e os maravilhosos coros de Edda Dell'Orso.

Ennio Morricone ‎– Opposte Esperienze (1977, LP, Italy)

LATO A
A1. Grande Ouverture ‎– 3:49
A2. Larghetto ‎–  2:00
A3. Rondò Capriccioso ‎– 1:50
A4. Adagio Primo ‎– 2:00
A5. Largo ‎– 2:27
A6. Allegretto ‎– 2:40
A7. Adagio Secondo ‎– 1:42
LATO B
B1. Ricerca Notturna ‎– 2:10
B2. Città Di Notte ‎– 4:18
B3. Caccia Notturna ‎– 1:18
B4. Angoscia Sopra La Città ‎– 2:56
B5. Volo Solitario ‎– 3:10
B6. Finalmente L'Alba ‎– 1:07

Composed By, Orchestrated By – Ennio Morricone

Esta bela e rica trilha sonora, escrita especialmente para "Experimentos Opostos", demonstra uma sensibilidade artística incomparável no complexo mundo do cinema, pois reflete as paixões que se cruzam e se sobrepõem em contexto, e é particularmente atenta aos sentimentos que perturbam a vida dos seres humanos que se revezam no filme. Somente um estudioso atento das fragilidades humanas pode relatar, na pauta musical, todos os sentimentos que afligem o mundo diariamente, e Ennio Morricone, com toda a sua experiência, é isso.

Ennio Morricone – Revolver (Colonna Sonora Originale) (1973, LP, Itália)

Revolver é uma das melhores trilhas sonoras de suspense de Ennio Morricone, composta em 1973 para o giallo Revolver, do grande Sergio Sollima: sem temas arrebatadores, sem efeitos peculiares, sem sons dissonantes, apenas ideias simples, executadas com perfeição.
Contém "Un Amico", o belo tema ouvido em Bastardos Inglórios, de Quentin Tarantino, e a obra-prima Revolver, uma obra de ação de 13 minutos que deslumbra com seu brilho: uma música de ação dramática incrivelmente tensa e do mais alto calibre.

Astrolabio ‎– Spirit Folet (1978, LP, Italy)

Arrangiamenti a cura di Astrolabio

Registrazione effettuata nello Studio "Dinamo" Torino
Tecnico del suono: Marco Cimino
Stampa e riproduzione a cura della "Prince" Torino
Grafica: Studio Vista / Bronzino
Copertina liberamente tratta da un illustazione di Arthur Rackham
Giuliana Galli: voce, percussioni
Lorenzo Brondetta: hornpipe, schalmeien, flauti
Beppe Costa: ghironda, arpa, chitarra
Tullio Parisi: fisarmonica, mandolino, voce
Marco Robino: violoncello
Beppe Turletti: fisarmonica (track 5)

... Vamos tentar descrever a música. É folk piemontês com evidentes influências celtas. É tocada com muita habilidade e a instrumentação é rica (acordeão, violão, violoncelo, bandolim, harpa, gaitas de fole, flauta transversal, diferentes tipos de flautas).
Um sutil véu de melancolia é o traço mais peculiar das nove faixas que compõem o álbum. Alguns de vocês podem se lembrar do LP homônimo de Malvasia que publiquei há alguns anos: embora bastante distante de um ponto de vista puramente geográfico (e, portanto, musical), acho que "Spirit Folet" guarda algumas semelhanças impressionantes com ele no que diz respeito ao humor.

Em ambos os álbuns, o grande refinamento musical se une a um cativante fascínio nostálgico, que lança uma sombra até mesmo sobre os episódios mais solares. Parece que a retomada de tradições seculares não é mais uma forma de revivê-las no presente – como foi para muitos artistas nos anos 70 –, mas sim uma metáfora para tudo o que chegou ao fim.
Tanto para Malvasia quanto para Astrolabio, isso pode ser lido como a crescente conscientização de que o clima intelectual e social dos anos 70 havia desaparecido quase completamente, com sua cultura, envolvimento político e utopias".

FLESHGOD APOCALYPSE - OPERA (NUCLEAR BLAST, 2024)

 

Existem álbuns bons e ruins. Alguns você ouve até a exaustão porque são realmente bons. Mas há álbuns que literalmente mudam a sua vida. Isso aconteceu comigo com "Opera Apocalypse", do Fleshgod . Não porque seja musicalmente excelente, o que é, mas por causa da história por trás deleFalar deste álbum é falar do acidente sofrido por seu vocalista e líder, Francesco Paoli . Durante a escalada, uma das âncoras se soltou e ele sofreu uma queda de vários metros. Ele ficou pendurado de cabeça para baixo, com o braço despedaçado, sangrando até a morte por horas até que as equipes de resgate conseguissem chegar ao local. Ele quase perdeu a vida primeiro, e depois o braço. Este incidente inspira a maioria das músicas do álbum.

O álbum abre com Ode à Arte (De´ Sepolcri) , uma introdução operística na qual a voz lírica de Verônica Bordacchini brilha acompanhando a melodia do piano e dos violinos.

"I Can Never Die" é uma homenagem à arte, à forma como uma pessoa pode deixar este mundo, mas sua obra viverá até o fim dos tempos. Uma música rápida e furiosa, com bateria pulsante e arranjos orquestrais incríveis, onde os vocais alternados entre Francesco e Veronica se harmonizam perfeitamente. Esta última será um contraste ao longo do álbum.

Pendulum narra o tempo que Francesco passou pendurado na corda, daí a analogia. A obra aborda o arrependimento e a culpa que ele sentiu por estar tão perto da morte. Tem um ritmo muito mais pesado, onde os refrões brilham intensamente. Menção especial ao "duelo" entre o piano de Francesco Ferrini e o violão de Fabio Bartoletti no final.

Bloodclock fala de lutar contra tudo, de se agarrar à vida até o fim, de como, no momento mais crítico, ele repetia para si mesmo que ainda não estava morto. A abertura, com a introdução de Veronica na harpa, é assombrosa, evoluindo para um ritmo acelerado característico, no qual Eugene Ryabchenko demonstra todo o seu potencial na bateria, preenchendo mais do que adequadamente o vazio deixado por Francesco Paoli. Tudo isso é acompanhado por arranjos de cordas e corais, conduzindo ao refrão, onde o já mencionado "I'm not dead yet!!!" (Eu ainda não estou morto!!!) é repetido.

Em "At War With My Soul", ele fala sobre a luta interna consigo mesmo, sobre como é difícil lidar com pensamentos intrusivos quando suas forças estão se esgotando e você tem o inimigo interior. É uma música pesada e densa, acompanhada por coros e orquestração, num dueto entre sua alma e ele mesmo, numa luta eterna.

Morphine Watltz é, como o próprio nome sugere, uma valsa death metal. Por mais estranho que pareça, soa brilhante. Desta vez, a voz de Veronica soa mais rouca, rompendo com sua voz habitual e demonstrando sua amplitude vocal. Fica claro que a canção foi originalmente escrita para o ex-baixista e vocalista limpo Paolo Rossi cantar. Também digno de nota é o solo de guitarra de Fabio Bartoletti no meio da música. É sobre o vício em morfina, sobre como, ao usá-la, ele esquece todos os seus problemas e fica instantaneamente feliz.

Em Matricide 8.21, eles rompem com o tom habitual e ousam adotar um som mais acessível, com guitarras destacando-se nos vocais e um piano proeminente. É uma carta aberta à mãe, expressando arrependimento por se colocarem em perigo e por fazê-la acreditar que estavam mortos.

Per Aspera Ad Astra é uma jornada rumo à recuperação. Desde a música de abertura, "salve o mundo com um e", fica claro do que se trata: superar a dor e lutar contra si mesmo para seguir em frente. É Fleshgod Apocalypse em todo o seu esplendor: velocidade, força e um ritmo mais lento no refrão, com um belo interlúdio de piano no meio.

"Till Death Do Us Part" é a glória máxima do álbum. Conta a história de como ele finalmente faz as pazes com a esperança e jura chegar ao fim com ela. É uma música em ritmo mais lento, com Verônica brilhando em todo o seu esplendor, acompanhada pelos guturais do refrão. Termina com um final espetacular, com a guitarra de Fábio acompanhada pelo cantarolar de Verônica, enquanto distorce como se fosse o fim de um disco de vinil (neste caso, não é como se fosse XD).

Ópera é o encerramento habitual de todos os álbuns do Fleshgod, em que Fabio Ferrini encerra o LP com uma faixa apenas para piano.

Em suma, é uma jornada de superação de adversidades, de não desistir diante das adversidades e de mostrar que existe um caminho para a luz. Minha jornada não foi a mesma; minha situação não era nem de longe tão grave quanto a de Francesco. Mas este álbum chegou em um momento difícil e me inspirou. Ele me fez colocar minha vida em perspectiva e lutar por mudanças, por felicidade, e até agora, parece que estou conseguindo. E por isso, serei sempre grato a Francesco Paoli.

Black N Blue-Nasty Nasty (Geffen 1986)

 Com seu segundo álbum, "Without Love ", a banda buscou superar as estimadas 150.000 cópias vendidas de seu álbum de estreia e alcançar a certificação de Ouro, mas a orientação excessivamente melódica de " Miss Mistery", "Stop the Lightning ", etc., embutida na continuação das robustas "Autoblast" ou "Hold on to 18 ", acabou confundindo alguns fãs que viam mais uma Honeymoon Suite  naqueles Black N Blue de 1985. O terceiro álbum do Discord buscou recapturar o poder de sua estreia sem remover completamente as melodias glam-pop do álbum produzido por Bruce Fairbairn. Eles confiaram a tarefa a Gene Simmons e, embora as vendas permanecessem estagnadas (estimadas em não mais de 100.000 cópias), as músicas valeram a espera. O álbum abriu com a faixa-título, uma faixa de metal sleazy com uma volta de St James  no início do riff de guitarra, que oscilava loucamente. A verdade é que a introdução não poderia ter sido mais apropriada, com o fraseado afiado de St James, riffs de rock "ao estilo Pyroleppard" e um refrão macarrônico que recapturou parcialmente o lado metálico da estreia, mas com um som muito mais polido.

Em outras músicas eles até ficaram mais bobos, vejamos: " Kiss of Death" nos mostrou um heavy rock puramente americano, à altura do que Dokken, Rough Cutt entre outros faziam na época, Thayer-Woop Warner não brincava na hora de tapping ou dar velocidade nas guitarras, enquanto a base rítmica, principalmente a bateria de Pete Holmes, gritava com a bateria. Nas faixas " 12 O'clock High" e "Do What You Wanna Do ", a banda redobra os esforços para ser Heavy, mas sem perder um pingo de melodia, e conseguem isso novamente, na primeira, que também abre o segundo lado, destacando-se por um refrão brutal e um esforço mais que louvável nas seis cordas com Jaime St James no limite. A vocalista loira também se autoimola na segunda, ainda mais explosiva e brutamontes se possível que a anterior, sem dúvida duas músicas exaustivas que nenhum Heavy Rocker deveria ignorar e que sempre estiveram no topo do meu top de músicas dos do Oregon que se mudaram para a Califórnia.  Que Simmons esteja por trás dos controles técnicos e nas letras e partituras do álbum pode ser ouvido em "I Want it All I Want it Now" ou "Does She or Doesn't She" , mid-tempos rockerizados cujos refrões açucarados mereciam um single com seu posterior videoclipe para a MTV, a gravadora apostou em "I'll Be there for You" , uma balada composta e produzida por Jonathan (Journey) Cain que não impactou as paradas em nada e que fica manchada quando outras composições poderosas de St James e Tommy Thayer são mostradas à luz, como "Rules" ou "Best in the West", um fechamento legal do álbum com um refrão muito cativante e algumas guitarras rock 'n' roll entre as quais se destacam as do guitarrista de Keel, Marc Ferrari; também Ron Keel e Peter Criss fazem suas primeiras tentativas fazendo o refrão para Jaime St James.A cópia americana da Geffen que você vê na tela eu comprei em Madri, em uma dessas lojas que anunciavam na Heavy Rock ou Metal Hammer, mas nem lembro qual era, lembro que eles mandavam para casa um catálogo fotocopiado meio ruim, do tipo lista, e que tinham toneladas de vinil importado que eram bem difíceis de ver nas Astúrias no final dos anos 80 ou começo dos 90, álbuns do Sleazy, Glam ou AOR antes do Grunge incendiar tudo. " Nasty Nasty" era uma das minhas preferidas desde que o saudoso apresentador da Rádio Astúrias, Alberto Toyos, a colocava em cena como novidade no lendário " Derrame Rock ", programa inserido na programação regional dos 40 Principais e que era transmitido nos anos 80 às quartas-feiras, das dez às onze da noite, e que tinha muitos adolescentes grudados no rádio com suas fitas cromadas para gravar os últimos lançamentos de Great White, Dokken, Leppard, Ratt, Guns N Roses, Faster Pussycats...  ou esses Black N Blue dos quais ele tocava com bastante frequência o prodigioso "12 O Clock High". 

Iron Maiden - Iron Maiden (EMI, 1980)

 

Se há pouco tempo eu vos falei do primeiro álbum do Van Halen ou da estreia a solo de Ozzy Osbourne , hoje é altura de trazer para o blog o primeiro LP do essencial – todos de pé, por favor – Iron Maiden , este igualmente intitulado Iron Maiden, que acaba de completar quarenta e cinco anos. Já é alguma coisa. E, como sempre, quando apresento um artista ou banda, e ainda mais se for o seu primeiro trabalho, é altura de resumir as suas origens. As origens do Maiden remontam ao início dos anos 70, quando um adolescente do norte de Waltham Forest, tão apaixonado por futebol como pela música da banda Genesis , que responde pelo nome de Steve Harris, decidiu comprar um baixo e acabou por tocar com amigos até criar uma banda chamada Influence , que pouco tempo depois mudou de nome para Gypsy's Kiss e que, apesar de ter ganho um concurso de talentos, logo desapareceu. Então, Harris se juntou ao Smiler , cujos membros são consideravelmente mais velhos que ele e que logo deixam claro que não estavam interessados ​​em deixá-lo contribuir para a composição do repertório do grupo. Foi o empurrão que o garoto precisava para seguir seu próprio caminho. Foi assim que o Iron Maiden nasceu no final de 1975, com Harris no baixo, Terry Rance e Paul Sullivan nas guitarras, e Paul Day nos vocais. Day foi rapidamente substituído por Dennis Wilcock , que recomendou um certo Dave Murray como guitarrista . Isso fez com que Rance e Sullivan saíssem, ofendidos, e levou à contratação de Bob D'Angelo como segundo guitarrista, completando a formação com Ron Rebel na bateria. Você pode ler novamente se não estiver claro para você. 

 

Com essa formação , o Iron Maiden tocou em vários pubs no East End de Londres ... até que Bob saiu e Dennis demitiu Murray , que foi para o Urchin com seu amigo Adrian Smith , talvez você já tenha ouvido falar dele. Terry Wapram foi então contratado como guitarrista — a coisa das duas guitarras foi arquivada por enquanto — e Tony Moore se juntou à banda nos teclados. Rebel não aguentou e fugiu, sendo substituído por Barry Purkis — isso mesmo, o posterior Thunderstick do Samson , de quem eu falei aqui — resultando em uma banda que... definitivamente não funcionou muito bem. Harris expulsou Moore , Wapram saiu porque ele não gostava de teclados, e Murray retornou à banda, então um Wilcock irritado deixou o grupo, seguido por Purkis . Com a banda no mínimo, Harris recrutou Doug Sampson na bateria e Paul Di'Anno nos vocais e em 1977 a enésima encarnação do Iron Maiden tomou forma – já perdi a conta – lutando para trilhar um futuro em meio a um panorama desanimador em que as gravadoras pareciam interessadas apenas em bandas de New Wave ou Punk . 

 

Eles teriam que esperar até o final de 1978 para que as coisas melhorassem e, com o objetivo de promover suas músicas na cena, gravaram uma demo perto de Cambridge na véspera de Ano Novo com Prowler , Invasion , Strange World e Iron Maiden . Eles eram tão pobres que não conseguiram nem comprar o master e, quando conseguiram o dinheiro e voltaram ao estúdio para pegá-lo, ele já estava arruinado. Longe de jogar a toalha, Dave Murray deu sua própria cópia em fita cassete da sessão de gravação sem polimento e sem mixagem para Neal Kay , um disc jockey de Kingsbury que estava organizando noites de hard rock de muito sucesso no The Soundhouse , um local ao lado do pub Bandwagon . Ele logo viu que quando tocava a fita do Maiden a multidão enlouquecia, então ele logo conseguiu que o grupo, que então tocava no Ruskin Arms , tocasse em seu quarto. Lá eles chamaram a atenção de Rod Smallwood , que se ofereceu para ser seu empresário e conseguiu vários shows para eles, não apenas na área de Londres. O Iron Maiden havia deixado de ser uma banda local e conquistava um número cada vez maior de seguidores. Nessa época, a banda já contava com Paul Cairns na guitarra , Paul Todd e, agora, um certo Tony Parsons , que acompanhava Dave Murray . 

 

Era outubro de 1979 quando, em um show no Marquee , o sonho de Harris se tornou realidade: John Darnley , da EMI , ficou impressionado com a performance deles e quis contratá-los. A New Wave of British Heavy Metal havia nascido meses antes, graças ao trabalho e à graça do jornalista Geoff Burton, e o Iron Maiden se tornaria um de seus porta-estandartes... embora eles passassem por outra mudança de formação antes. No Natal, Sampson saiu devido a problemas de saúde (e é por isso que ele é o único ex-membro mencionado na lista de agradecimentos na contracapa do álbum que apresento a vocês aqui) e Parsons foi demitido, sendo substituído respectivamente por Clive Burr e Dennis Stratton . E é assim que finalmente chegamos ao álbum ao qual dedico a entrada de hoje e que - como seria habitual durante décadas - veria a luz do dia com uma capa de Derek Riggs , com o eterno Eddie como protagonista e que supostamente foi produzido nos Kingsway Studios por Will Malone, embora Harris afirme que nunca se sentiu verdadeiramente interessado pelo álbum e deixou a banda bastante livre para assumir a maior parte do projeto. 

 

O álbum começa de forma imbatível — pelo menos para aqueles de nós que estão mais do que acostumados a ele — com Prowler , uma faixa de heavy metal clássica com várias mudanças de ritmo e uma história sobre um perseguidor. É seguido pelo maravilhoso Remember Tomorrow , com um início lento, com vislumbres energéticos, mas vestido com riffs delicados e uma performance vocal emocional, até que leva a um poderoso interlúdio com guitarras de aço antes de retornar novamente à delicadeza de uma leve inspiração progressiva ... que termina com uma nova explosão de energia. Uma ótima música que Di'Anno coescreveu e que por décadas ele disse ter sido inspirada por seu avô doente até que, anos depois, ele reconheceu que apenas o título tinha uma conexão com algumas palavras que ele havia dito uma vez. Quem sabe. Então é a vez de Running Free , a segunda música para a qual Di'Anno escreveu a letra e que aparentemente desta vez é inspirada por sua adolescência. Acho que é uma mistura de glam rock e pós-punk , com aquele ritmo repetitivo de bateria que me lembra uma mistura de The Sweet e Adam and the Ants , acompanhado de guitarras duplas na melhor tradição do Thin Lizzy . E a faixa termina com o estupendo Phantom of the Opera , abertamente progressivo , com solos e refrãos magníficos e inúmeras mudanças de ritmo. 

 

O lado B começa com Transylvania , um instrumental com uma enorme presença de guitarra que se conecta a Strange World , outra ótima faixa — minha segunda favorita do álbum junto com Phantom of the Opera — que é atribuída a Steve Harris enquanto Paul Day , o vocalista do Iron Maiden inicial , sempre afirmou ser um co-autor da música. Tem guitarras sublimes e uma atmosfera quente e lisérgica como Whale & Wasp do Alice in Chains , com aquela sonolência envolvente que não é surpreendente, já que alguns fóruns dizem que a música é sobre heroína. Claro, em outros espaços é referido que o verdadeiro tema é o vampirismo. Português: Segue-se a mais rápida Charlotte the Harlot , escrita por Dave Murray e a única do álbum em que Harris não participou da composição - embora aqui novamente encontremos controvérsia já que Dennis Wilcock , o segundo vocalista da banda e a pessoa que facilitou a contratação de Murray , também parece ter tido algo a ver com isso - com flashes que me evocam um folk rock vitaminado e com uma parte central emocional e sentimental. Um clássico, realmente. E o vinil termina com Iron Maiden , o hino, com suas linhas de bateria impactantes onde noto novamente uma inspiração do Thin Lizzy junto com toques de prog e um espírito um tanto punk , principalmente atribuível ao timbre vocal carismático, embora limitado, de Di'Anno . 

 

Faixa bônus: Não aparece na minha cópia, pois foi adicionada em reedições posteriores, mas o segundo single lançado deste Iron Maiden foi Sanctuary –originalmente de Bob D'Angelo , que vendeu seus direitos– e apesar de não aparecer no álbum original, chegou às lojas quase ao mesmo tempo que parte da coletânea Metal for Muthas . 

 

E é basicamente isso. Após o lançamento do álbum e após uma turnê de divulgação do KISS , Dennis Stratton percebeu que não era uma boa opção para a banda e saiu, deixando o caminho livre para Adrian Smith , que vinha do Urchin , onde Murray havia tocado anos antes.