RARIDADES

The Cocoon - While the Recording Engineer Sleeps (1985)

don't hang around, enjoy good music!

Peter Frampton - Hollywood Bowl, Los Angeles 2014

 

Track List:

01. -intro-

02. You Had To Be There

03. Doobie Wah

04. Lines On My Face

05. Show Me The Way

06. -intro-

07. Going Down (with Robert Randolph)

08. (I'll Give You) Money

09. -intro-

10. Mas Y Mas (with David Hidalgo)

11. Black Hole Sun

12. -intro-

13. Takin' Care Of Business (with Randy Bachman)

14. Baby, I Love Your Way

15. Do You Feel Like We Do?

16. -intro-

17. While My Guitar Gently Weeps (with Buddy Guy)

A turnê Guitar Circus de Frampton ocorreu durante os verões de 2013 e 2014. Ela contou com músicos lendários que se juntaram a Peter Frampton e sua banda no palco todas as noites.

Esta foi no Hollywood Bowl em 27 de agosto de 2014 e os convidados foram David Hidalgo (Los Lobos), Robert Randolph, Randy Bachman e Buddy Guy. 

Tive a sorte de ver Peter na única vez que ele tocou em Lisboa, foi em 2011, um show longo e memorável.

David Lindley & El Rayo-X - The Catalyst, Santa Cruz, 8 de fevereiro de 1984

 

LIVE

The Catalyst, 

Santa Cruz, 

8 February 1984 

David Perry Lindley

 é um músico americano que fundou a banda El Rayo-X, 

e que trabalhou com muitos outros artistas, incluindo 

Jackson Browne, Warren Zevon, Curtis Mayfield e Dolly Parton

TRACKS

01. crowd, tune up and talk 01:30 

02. Talk To The Lawyer 07:30 

03. Do You Wanna Dance? 02:55 

04. The Texas Tango 04:36 

05. I Fought The Law 06:24 

06. Spodie 07:55 

07. Ram-A-Lamb-A-Man 05:29 

08. Papa Was A Rolling Stone 06:45 

09. band intros and talk before next song 03:58 

10. Shame & Scandal In The Family 06:12 

11. Lola 04:45 

12. She Took Off My Romeos 06:03 

13. The Turning Point 07:48 

14. Your Old Lady 07:14 

15. Mercury Blues 09:00 

16. Ain't No Way Baby 09:09 

17. Tuberculosis and Sinus Blues (including percussion and drum solos) 15:03 

18. Bye Bye Love 4:18 

MUSICA&SOM ☝

Peter Erskine - 1986 "Transition"

 

Peter Erskine trabalhou bastante com o superprodutor/arranjador/compositor Vince Mendoza. Eles colaboraram em alguns dos meus CDs de jazz favoritos — mais ou menos todos os trabalhos solo do Vince, "ARC", do Jimmy Haslip, e "Both Sides Now", da Joni Mitchell. Então, fiquei me perguntando como o Vince não tinha trabalhado em nenhum dos álbuns do Peter.

Descobri este álbum navegando no Amazon.com algumas semanas atrás, enquanto tentava ver se o Vince tinha lançado algo novo. Encomendei sem nem ouvir as amostras de som, e este álbum é uma prova de que boa música nunca sai de moda. Este álbum foi lançado há DEZENOVE anos e soa tão atual como se tivesse sido lançado no mês passado! Ele conta com alguns dos meus maiores heróis — os próprios Pete e Vince (é claro), com John Abercrombie, Joe Lovano e Bob Mintzer. Brilhante do começo ao fim.

Ótimo CD! Tenho este CD há 12 anos. Duas coisas para ouvir: a variedade de faixas é incrível. Ela realmente te deixa surpreso. Segundo, a intensidade da música de Erskins te prende. Não me canso dela depois de 12 anos.

Comecei a ouvir este CD novamente depois de alguns anos - ainda é tão vital e intrigante quanto me lembro da primeira vez - definitivamente resiste ao teste do tempo - excepcional.

A capa original do álbum é uma coleção de fotos de PE bem "assustadoras/peludas", mas mesmo assim é uma ótima gravação.
É J. Abercrombie, M. Johnson, K. Werner, J. Lovano, B. Mintzer.

Lembro-me de Joe falando sobre marcar aquele encontro, aconteceu enquanto eu estudava com ele. Ele disse que Erskine tinha ido a muitos shows do Paul Motian e tinha realmente se envolvido com o trio com Joe e Bill Frisell. Erskine fez algumas composições muito boas neste disco (ele compôs algumas melodias de verdade); o material cobre uma boa quantidade de terreno com muitos climas diferentes, mas ainda assim tem um som unificado.

Gravado diretamente em digital de duas pistas no Power Station Studios, em Nova York, em 16 e 17 de outubro de 1986.


 Lista de faixas:

01     Osaka Castle     6:47
02     The Rabbit In The Moon     1:19
03     Corazon     5:04
    Suite: Music From Shakespeare's King Richard II
04     Introduction     1:31
05     Music Plays     7:16
06     Sonnet     2:32
07     Transition     8:02
08     End Hymn     2:39
    -
09     Lions And Tigers And Bears     2:58
10     The Hand Speaks Hold     8:04
11     Smart Shoppers     5:03
12     My Foolish Heart     5:14
13     Orson Welles (Intro)     0:52
14     Orson Welles     5:53

Pessoal:

    Bateria, Bateria eletrônica, Gongo, Sintetizador, Computador,Produtor – Peter Erskine
    Baixo acústico – Marc Johnson (2)   
    Trompa – Peter Gordon (8)
    Guitarra, sintetizador de guitarra – John Abercrombie
    Piano, sintetizador – Kenny Werner
    Sintetizador – Don Grolnick (faixas: 3, 6, 10, 11)
    Saxofone tenor – Bob Mintzer
    Saxofone tenor, saxofone soprano – Joe Lovano

Dimension - 2004 "Loneliness"

 

Track listing:

01     Ironside     5:22
02     Walking On The Moon     6:05
03     Respectacles     7:02
04     Dancer In The Light     5:27
05     Good-bye My Loneliness     5:19
06     Southside On Oneseventeen     5:30
07     Wonderful Tonight     4:33
08     Arthur's Theme (Best That You Can Do) - "New York City Serenade"     5:10
09     Vanity Story     5:49
10     Historic Medley :- Purple Haze - Chameleon - Electric City     5:49
11     So Far Away     4:45

Personnel:

    Guitar – Takashi Masuzaki
    Keyboards – Akira Onozuka
    Saxophone – Kazuki Katsuta

MUSICA&SOM ☝

John Abercrombie Marc Johnson Peter Erskine - 1989 [2019] "John Abercrombie Marc Johnson Peter Erskine"

 

John Abercrombie / Marc Johnson / Peter Erskine é um álbum ao vivo do guitarrista de jazz John Abercrombie com o baixista Marc Johnson e o baterista Peter Erskine, gravado em 1988 em Boston e lançado pela ECM Records em 1989.

Um excelente trio com Abercrombie, o inventivo baixista Marc Johnson e o impetuoso baterista Peter Erskine. O trio às vezes se une para interpretações penetrantes, como em "Stella By Starlight", e outras vezes colide e interage em diálogos rítmicos furiosos e improvisações prolongadas.

Gravado ao vivo no The Nightstage, em Boston, há muito tempo (1988), pode ser que esse local não exista mais ou, se existir, não apresente mais grande jazz. 21 de abril de 1988 seria a noite ideal para capturar esse grande trio em plena atividade. Em vez de guitarra e acompanhamento, este programa é em grande parte uma experiência musical colaborativa e compartilhada, especialmente no que diz respeito ao impacto que o Sr. Erskine exerce sobre o processo – a bateria é proeminente, embora nunca dominante, desde a faixa de abertura, "Furs on Ice", e há até mesmo uma faixa, "Drum Solo", na qual o Sr. Erskine demonstra suas habilidades de forma especialmente sutil no bumbo. Quatro das faixas são "standards" ou "clássicos" da canção popular americana, assim formados por interpretações ao longo dos anos por muitos grandes nomes, incluindo o saudoso pianista Sr. Bill Evans. De fato, não é exagero considerar este CD uma homenagem do Sr. Abercombie ao Sr. Evans – observe que o baixista Sr. Johnson foi ex-membro do Bill Evans Trio, então tal homenagem tem uma ressonância especial. Algumas faixas têm swing – Stella, do Starlight –, outras são de tirar o fôlego – Samurai Hee Haw tem um grito de guitarra alegre do Sr. Abercombie – e algumas são pura beleza – Haunted Heart é de partir o coração. Não achei o sintetizador de guitarra intrusivo ou irritante, mas musicalmente eficaz em seu contexto. Tendo ouvido este CD inúmeras vezes ao longo de uma década, posso recomendá-lo como um desafio ao tempo. Continua sendo uma ótima experiência auditiva.

Um maravilhoso álbum de trio com três músicos maravilhosos. Abercrombie está em ótima forma. Basicamente, tudo o que quero dizer sobre este CD é que vale o preço simplesmente pela versão final de "Haunted Heart". Improvisação e interação musical assombrosamente belas, capturadas durante a apresentação ao vivo. Só ouvi alguns músicos expressarem uma emoção tão crua nesse sentido – sinto que esta apresentação está entre as maiores expressões desse tipo.

Apesar de algumas opiniões negativas expressas sobre a guitarra sintetizada usada neste álbum, acho que, em termos de textura, composição e sonoridade, a guitarra sintetizada é usada lindamente do começo ao fim (a síntese de guitarra foi um caminho infelizmente não seguido por Abercrombie com o passar do tempo). "Light Beam", em particular, é um dos maiores usos de sintetizador de guitarra que já ouvi. De tirar o fôlego.

Este álbum simplesmente não recebe a atenção que merece. Se você já ouviu falar dele, ou mesmo apenas ouviu os samples nesta página, compre-o. Você não vai se arrepender.

Lista de faixas:
01.    "Furs on Ice"    Johnson    7:28
02.    "Stella by Starlight"    Ned Washington, Victor Young    7:34
03.    "Alice in Wonderland"    Sammy Fain, Bob Hilliard    7:22
04.    "Beautiful Love"    Haven Gillespie, Wayne King, Egbert Alstyne, Victor Young    7:55
05.    "Innerplay"    Abercrombie, Erskine, Johnson    5:35
06.    "Light Beam"    Abercrombie    3:08
07.    "Drum Solo"    Erskine    3:00
08.    "Four on One"    Abercrombie    6:03
09.    "Samurai Hee-Haw"    Johnson    8:22
10.    "Haunted Heart"    Howard Dietz, Arthur Schwartz    5:26
Total length:    61:51

Composição:

    John Abercrombie – guitarra, sintetizador de guitarra
    Marc Johnson – contrabaixo
    Peter Erskine – bateria

MUSICA&SOM ☝

RUSH - 1976 "2112 Days"

 

Track listing:

01 - Bastille Day
02 - Anthem
03 - Lakeside Park
04 - 2112
05 - Fly By Night,In The Mood
06 - Something For Nothing
07 - In The End
08 - By-Tor And The Snowdog
09 - Working Man,Finding My Way
10 - What You Are Doing

Personnel:

Alex Lifeson - Guitar
Geddy Lee - Bass
Neil Peart - Drums

MUSICA&SOM ☝

MY BLOODY VALENTINE: ISNʼT ANYTHING (1988)

 

1) Soft As Snow; 2) Lose My Breath; 3) Cupid Come; 4) (When You Wake) Youʼre Still In A Dream; 5) No More Sorry; 6) All I Need; 7) Feed Me With Your Kiss; 8) Sueisfine; 9) Several Girls Galore; 10) You Never Should; 11) Nothing Much To Lose; 12) I Can See It (But I Canʼt Feel It).

Veredito geral: A banda finalmente encontrou seu fabuloso som característico, mas ainda parece um pouco insegura se deve confiar totalmente nele; muitos vestígios de indie rock genérico foram deixados nas faixas.

Embora o LP de estreia do My Bloody Valentine seja frequentemente descrito como um esforço pioneiro na história do "shoegazing", eu diria que qualquer descrição desse tipo seria desvalorizar o Isnʼt Anything . Tecnicamente, é claro, Shields e companhia eram shoegazers, com o uso intenso de pedais de guitarra para criar sua atmosfera hipnotizante. Mas suas raízes residem, pelo menos em parte, na produção de ruído de vanguarda e, ao conectá-las a elementos da psicodelia sonora e da composição pop, no final de 1988 eles criaram um tipo de som que era só deles e de mais ninguém — em parte porque ninguém conseguia entender exatamente o que Shields estava fazendo, e em parte porque seria preciso muita coragem para criar esse tipo de som, mesmo que você soubesse como fazê-lo corretamente.

A maior falha de Isnʼt Anything é que ele não é Loveless . Em mais alguns anos, a banda iria reduzir essa fórmula à perfeição absoluta e levá-la o mais longe possível sem produzir resultados completamente inaudíveis. Isnʼt Anything , em comparação, ainda soa como um álbum de transição — um compromisso entre experimentação implacável e folk-rock indie mais tradicional. Não é preciso ir além da comparação dos inícios de cada disco: uma batida de bateria poderosa muito semelhante abre tanto ʽSoft As Snowʼ quanto ʽOnly Shallowʼ, mas onde o último explode quase imediatamente em um ataque de parede sonora onde todos os instrumentos e vocais se difundem uns nos outros, ʽSoft As Snowʼ emprega uma abordagem muito mais sutil e esparsa — primeiro você obtém uma linha de baixo funky furtiva, então a guitarra chega em breves explosões de acordes vibrantes e fantasmagóricos, e o espaço sonoro é suficientemente quieto e silencioso para realmente distinguir as palavras que Kevin está cantando. E ele está, na verdade, cantando uma melodia folk-pop bem simples, não muito diferente daquelas que você encontraria facilmente em um disco de Bob Dylan ou até mesmo de James Taylor — só que a guitarra por trás dela é tão estranha e fantasmagórica que você provavelmente não conseguirá se concentrar nas fontes daquela parte vocal de qualquer maneira.

Como as letras são mais claramente audíveis ao longo do álbum do que seriam em Loveless , logo fica claro que Isnʼt Anything é na verdade apenas uma coleção de canções de amor — com o benefício adicional de uma maneira radicalmente nova de apresentar as mesmas emoções antigas. E em Bilinda Butcher, Shields encontrou aqui a parceira perfeita: com seus vocais agora sendo uma parte essencial do som da banda, Kevin e Bilinda agora interpretam os papéis de amantes desafortunados, representando fantasias muito Romeu e Julieta de união, separação, anseio, desejo, felicidade e desespero. Os velhos elementos góticos ainda podem ser vistos em faixas que se concentram mais de perto nos elementos de separações e despedidas, mas Isnʼt Anything transcende e funde as fronteiras do otimismo feliz e do pessimismo trágico — às vezes dentro dos limites da mesma faixa. Tudo isso pode parecer bastante trivial quando menciono isso, mas é importante mencionar que Isnʼt Anything faz todo o sentido, que não é apenas um álbum onde algum cara indie pretensioso decidiu torturar nossos ouvidos com trinta minutos de pedais de guitarra.

Considerando que toda grande música pop remonta aos Beatles de uma forma ou de outra (bem, é a vida, não posso fazer nada a respeito), faria sentido notar uma conexão muito específica em uma das faixas principais do álbum, `No More Sorryʼ — a única música aqui que não tem uma faixa de ritmo constante, mas em vez disso se desenrola como uma espécie de grande resolução para algum tema principal, presa em um loop infinito de trêmulos e crescendos, sobre o qual Bilinda meio que sussurra, meio que reza para o seu outro que "me amou preto e azul", um verso depois do qual eu sempre quero ouvir "Eu adoraria te excitar", mas ouço "no more sorry". De fato, aqui e em outros lugares My Bloody Valentine busca a mesma combinação cósmica de amor, beleza e tragédia que foi tão perfeitamente capturada em ``A Day In The Lifeʼ — e, de certa forma, aqueles discos da MBV foram o Sgt. Equivalentes de nível Pepper da psicodelia do final dos anos oitenta e início dos anos noventa, mesmo com a música no «nível indie» de gravação e produção (é interessante especular se os resultados podem ter sido mais ou menos impressionantes com um produtor experiente como George Martin, mas certamente teriam tirado a crueza lo-fi que colocou o disco tão distante do mainstream).

Dito isso, algumas músicas em Isnʼt Anything ainda soam um pouco próximas demais do indie-rock genérico. Algo como ``You Never Shouldʼ'', por exemplo, teria ficado completamente fora de lugar em Loveless : rápido demais, muita distorção de guitarra comum , muita ênfase na fraqueza da voz de Kevin quando ele prolonga essas vogais e pouca magia de produção para redimir todos esses defeitos. E esta é uma música que divide o mesmo espaço do disco com ``All I Needʼ'', uma enxurrada de ruído celestial onde são necessárias várias audições para começar a discernir a melodia e mais algumas para perceber que se trata de uma merda quase no nível de Brian Wilson, só que coberta por tantas camadas de distorção, flanging, pedaling, seja lá o que for, que você pode ter que estar em coma para percebê-la da maneira que provavelmente deveria ser percebida.

É essa natureza irregular das músicas e da produção que, em última análise, prejudica o efeito geral. Na melhor das hipóteses, My Bloody Valentine deveria ser tomado como um todo, sem se preocupar muito em apreciar as melodias individuais — é assim que Loveless funciona —, mas há muitas transições dissonantes de "preso no passado" para "o futuro é agora" neste disco para fazê-lo fluir tão suavemente quanto a obra-prima da banda. Embora eu ainda goste da curta duração do álbum, não tenho muita utilidade para ele — embora eu ache que "No More Sorry", se tirada desse contexto e lançada como faixa bônus no final de Loveless , teria adicionado o toque final perfeito a esse disco. 

PAUL McCARTNEY: WINGS AT THE SPEED OF SOUND (1976)

 

1) Let ʼEm In; 2) The Note You Never Wrote; 3) Sheʼs My Baby; 4) Beware My Love; 5) Wino Junko; 6) Silly Love Songs; 7) Cook Of The House; 8) Time To Hide; 9) Must Do Something About It; 10) San Ferry Anne; 11) Warm And Beautiful.

Veredito geral: Um álbum pop seguro, sólido e suave, com bastante profundidade oculta quando você deixa de lado a atitude "ISTO foi lançado no ano do punk rock?".

Em retrospecto, o mais irresponsável neste álbum parece ter sido o seu título. Não há dúvida de que foi razoavelmente inspirado por ter sido gravado no meio da maior turnê internacional de todos os tempos do Wings, com toda a agitação e os voos glamorosos de jato, próprios de um astro do rock na era do Led Zeppelin. Mas 1976 também foi o ano dos Ramones — a verdadeira banda tocando "na velocidade do som" — e, independentemente do que Paul estivesse fazendo naquela época, ele deveria ter se abstido de provocar a ira da crítica, inadvertidamente dando às pessoas mais um pretexto para comparar seu pop seguro, velho e convencional, com os novos sons empolgantes vindos de uma nova geração de jovens punks, prontos para matar seus ídolos.

O mais estranho sobre este álbum, então, é que, apesar de vir logo após o álbum mais voltado para o rock do Wings e sua turnê de rock mais voltada para arenas, Wings At The Speed ​​Of Sound tem uma vibração muito tranquila, quase caseira — como se estivessem intencionalmente (ou inconscientemente) nos oferecendo um antídoto musical para o barulho impetuoso de seu antecessor. Com exceção de ``Beware My Love'', não há uma única música aqui que balançaria tanto quanto ``Rock Show'', ``Medicine Jar'' ou ``Letting Go''. Você pensaria que, para um disco conhecido por ser o disco do Wings mais democraticamente estruturado de todos os tempos, com todos os membros da banda contribuindo para a composição e vocal principal, poderia ter sido um pouco mais atrevido do que isso, mas de jeito nenhum: até mesmo Jimmy McCulloch com sua declaração antidrogas obrigatória se contenta em fornecer uma música pop tranquila em vez de um hino de rock alto.

Todas essas circunstâncias mancharam a reputação de McCartney por volta de 1976 a tal ponto que mesmo hoje, ao contrário de Ram e Venus And Mars , este disco em particular não recuperou devidamente seu status aos olhos do público. Mas, na realidade, não é tão difícil se deixar levar por seus encantos sutis. As palavras do dia são "simplicidade" e "minimalismo": quase todas as músicas aqui creditadas a Paul tendem a ser baseadas em algo muito simples e esquelético, seja musicalmente ou liricamente, ou ambos, e assim correm o risco de serem aclamadas por gênio lacônico ou ridicularizadas por serem tão indignas de um ex-Beatle. Há até um elemento de desafio aqui, melhor expresso na letra de "Silly Love Songs" ("o que há de errado nisso?"), mas que, na verdade, se manifesta por toda parte, desde a progressão cromática básica da abertura "Let 'Em In" até o exercício musical elementar do encerramento "Warm And Beautiful". Desprezar ou abraçar? Ambas as estratégias são compreensíveis; eu, no entanto, optarei pela última — mesmo tendo algumas reservas sobre algumas faixas.

Para começar, nunca tive problemas em abraçar as duas grandes canções pop de abertura de ambos os lados do álbum. ʽLet ʼEm Inʼ é um pouco kitsch, com Paul fazendo todos os caras praticamente personificarem uma banda marcial da Vila Sésamo; mas já faz um bom tempo desde a última vez que ele escreveu um hino pop «com tudo incluído» que pudesse fazer seus fãs se sentirem parte de sua grande família, e não há necessidade de resistir ao espírito de festa neste caso em particular, especialmente quando é criado com tanta reserva e humildade — a música convida todos a se juntarem à diversão, mas de um ponto de vista muito pessoal, quase recluso. Além disso, não é tão simples: seu efeito cumulativo vem da justaposição das melodias de piano, sopro e metais, cada uma das quais é simples por si só, mas juntas elas se entrelaçam e se entrelaçam em uma série de linhas de vida interconectadas, uma das quais pode pertencer à irmã Suzie e a próxima ao irmão John, pelo que sabemos.

Da mesma forma, ``Silly Love Songs'' também tem uma sobreposição bastante complexa de harmonias vocais — em seu auge, a música atinge um nível de polifonia vocal que quase lembra o trabalho posterior do Talking Heads (embora em um estilo completamente diferente) em Remain In Light , e isso sem mencionar a estupenda linha de baixo de Paul, indiscutivelmente sua parte de baixo mais memorável e melódica em toda a história do Wings. A disposição fofa e alegre da música, seu título e sua mensagem lírica são demais para muitas pessoas suportarem, mas está além de mim entender como alguém poderia rejeitar a firmeza do groove da banda aqui — a integração perfeita da seção de metais, o manuseio quase matematicamente preciso das harmonias sobrepostas, a maneira como a linha de baixo sempre chama a atenção para si mesma, não importa quantas outras coisas sejam empilhadas em cima dela. Por alguma razão, ``Silly Love Songs'' nunca apareceu em nenhum dos repertórios de turnê de Paul depois da turnê de 1976, e eu nunca consegui entender se isso foi por causa da reação crítica contra as letras, ou (mais provavelmente) porque exigia um alto nível de precisão no baixo ao vivo que Paul não foi mais capaz de manter depois de retornar às apresentações ao vivo em 1989 — mas, em qualquer caso, você não viveu de verdade até ver o homem tocando aquele baixo nos vídeos de 1976.

Aliás, a terceira maior música do álbum (lançada apenas brevemente como lado A, antes de ser trocada por "Let 'Em In"), "Beware My Love", também teve o infortúnio de desaparecer para sempre do repertório de Paul depois de 1976 — desta vez, sem dúvida, devido ao nível insano de pressão vocal que exigiria. Esta sempre foi uma das minhas favoritas, mesmo que pelo motivo errado: com a notável ausência de uma vírgula depois de "Beware" e sem ter acesso direto à letra, sempre a considerei uma música ameaçadora — Paul personificando algum tipo de louco romântico perigoso, reconhecendo sua paixão como uma força destrutiva que pode trazer felicidade ou ruína à pessoa amada a qualquer momento. A verdade é muito mais chata — na realidade, é "beware, my love", apenas uma advertência de despedida para a garota que está em processo de largar o protagonista — mas ainda me recuso a reconhecer a vírgula. Experimente desta forma, e o que você terá é a melhor "cena de loucura" de todo o repertório de Paul: psicologicamente perturbadora, absolutamente assustadora em alguns momentos, totalmente tempestuosa quando os vocais gritados, as harmonias vocais fantasmagóricas e o wah-wah agressivo da guitarra principal se encaixam. Melodicamente, isso ainda é "pop" em vez de "hard rock" propriamente dito, mas, ainda assim, essa música rola mais forte do que qualquer outra na história do Wings, com a possível exceção de "1985" — é o elemento de "loucura descontrolada" que os aproxima e os separa dos demais.

(Nota: uma versão demo inicial da música com o próprio John Bonham na bateria, agora disponível na reedição expandida do álbum, é frequentemente considerada uma versão superior, mas não acredite no hype: o estilo de bateria de Bonham não é particularmente adequado para esta música pop, e a falta de uma guitarra wah-wah que cospe fogo é extremamente prejudicial ao efeito geral também. Quer dizer, nem tudo é necessariamente melhor com um pouco de Led Zeppelin).

Com os três grandes fora do caminho, ficamos em terreno mais instável: ninguém realmente se lembra de muita coisa sobre as outras músicas — porque elas não são de Paul (cinco no total), ou porque as outras músicas de Paul são muito curtas ou muito frágeis (três no total). Isso não é muito justo: simplesmente porque algo foi escrito por Denny Laine em um álbum dos Wings não o torna automaticamente inferior a todo o resto porque, você sabe, até deuses vivos precisam usar o banheiro de vez em quando, e até compositores medíocres podem ocasionalmente se inspirar na presença de deuses vivos. O prêmio principal, no entanto, não vai para Denny, mas mais uma vez para Jimmy McCulloch, cuja outra música antidrogas, ʽWino Junkoʼ, não chega nem perto de ser tão pesada quanto ʽMedicine Jarʼ, mas pode até ser mais simpática — desta vez, em grande parte por causa da parte vocal maravilhosamente melancólica de Jimmy, tão elegante em seu humilde, mas determinado, cansaço. O efeito de «descer» é perfeitamente transmitido pelo contraste entre as sequências animadas e animadas de versos/refrões e as pontes lentas e psicodélicas — cabeça debaixo d'água na ponte, cabeça fora d'água quando você volta ao verso; é muito fácil perder toda essa evocação nas primeiras audições, mas continue com a música um pouco mais e ela provavelmente fará sentido.

As contribuições de Denny, em comparação, são mais leves, mas ainda transmitem fielmente a abordagem geralmente sombria e pessimista do homem em relação à vida, que sem dúvida atingiria o ápice com "Deliver Your Children" no próximo disco; aqui, "The Note You Never Wrote" é boa em criar uma atmosfera solitária e isolada, estilo Robinson Crusoe, e "Time To Hide" provavelmente deveria ter sido usada nos créditos de abertura (ou encerramento) de qualquer documentário sobre a vida de Denny Laine — "Estou fugindo / Desde que Deus sabe quando / E no dia em que eu morrer / Ainda estarei fugindo" é uma descrição muito boa para o homem que a sorte condenou ao papel de um segundo violino permanente / ajudante por toda a vida. Bem cativante também. O que nos deixa com o baterista Joe English (ʽMust Do Something About Itʼ — legal, relaxado e também sobre solidão; sim, crianças, estilo de vida rockʼnʼroll e jatos particulares tendem a fazer isso com você) e... ah sim, Linda.

Agora, devo admitir aqui que, embora, "objetivamente", eu possa concordar que "Cook Of The House" possa ser a pior coisa que o Wings já fez, também é "objetivamente" e transparentemente apenas uma curta piada musical, infelizmente, uma que é frequentemente tomada simbolicamente para ilustrar a suposta hediondez deste disco em geral. Um pouco de vaudeville antigo, talvez não sem intenção, feito para soar semelhante a "Death Cab For Cutie" da The Bonzo Dog Band, do Magical Mystery Tour , com os vocais principais de Linda fortemente disfarçados por reverb e eco, parodia o estereótipo de "mulher da cozinha" e até contribui de alguma forma para a simplicidade geral do disco. Por mais desajeitado e estranho que seja, nunca foi a intenção não ser desajeitado e estranho, e de alguma forma até consegue transmitir uma pequena partícula do carisma pessoal de Linda — ela nunca quis ser musicista, mas ficou feliz o suficiente em trabalhar como musa pessoal de Paul, e sua presença no álbum, por mais horrível que possa parecer de um ponto de vista puramente musicológico, não parece estranha.

Dito isso, desta vez a presença dela não inspirou particularmente o gênio de Paul: suas duas músicas que poderiam ser interpretadas como endereçadas diretamente a Linda são bastante questionáveis. ``Sheʼs My Babyʼ' é animada e cativante, mas apresenta um efeito de distorção muito estranho em sua voz (não tenho certeza se ele apenas adotou um tom especial ou mexeu nas fitas, mas tudo soa muito artificial) — e o verso "like gravy, down to the last drop, I keep mopping her up" pode ser o caso mais constrangedor de duplo sentido em toda a história das relações Paul / Linda (ele está falando sobre sexo oral? ele está tendo aulas com Bessie Smith? tanto faz...). Quanto à já mencionada ``Warm And Beautifulʼ'' que conclui o álbum, suas letras clichês e sequência de acordes de piano «trivial» podem facilmente dividir os ouvintes — Elvis Costello realmente gostou da música, por exemplo — mas não tenho certeza se Paul está realmente no seu melhor quando está escrevendo material que parece voltado para um treinamento musical quase de nível de jardim de infância. No mínimo, não é "Long Haired Lady" . Embora eu concorde, forma uma conclusão bastante simétrica para "Let ʼEm In", em total concordância com o tom tranquilo e caseiro do álbum.

Como você pode ver, independentemente de At The Speed ​​Of Sound ser ou não uma decepção como foi originalmente proclamado pelos críticos e ainda mantido por muitos ouvintes, ainda há muito a escrever sobre ele. Uma coisa é certa: não importa o quão suave e seguro o Wings estivesse se tornando, naquele ponto eles ainda tinham um espírito de aventura em sua música — aventura que não vinha de observar modas e acompanhar os tempos (fica claro pela música que Paul não era um convidado frequente do CBGB), mas de explorar seus próprios cérebros e seguir suas próprias musas. Em 1976, isso era considerado um pouco criminoso; hoje, realmente não importa, então podemos muito bem apreciar Wings At The Speed ​​Of Sound exatamente pelo que ele é, em vez de não apreciá-lo por algo que ele nunca foi pretendido ser.